Black and Blue BB714.2

Distribution Socadisc

Concert de sortie le 8 mars au Sunset

2010

Site de Philippe Pilon

Myspace de Philippe Pilon

Concert de sortie le 8 mars au Sunset

Voilà un album sérieux, conçu avec soin, qui met en joie d’un bout à l’autre, simplement, résultat plutôt rare en ces temps de recherche d’une modernité éperdue.

Un simple riff, (mais de Lester Young ) qui s’insinue et ne vous lâche plus, a inspiré la première composition Take it easy du saxophoniste ténor Philippe Pilon en quartet, avecPierre Christophe au piano, Raphael Dever à la basse, et Guillaume Nouauxà la batterie.

Lester Young, le saxophoniste en est tellement imprégné, que sa grâce «fantômatique» survole l’album, comme dans ce Ghost of a chance, dont la mélodie le hante.

Qu’il doit être difficile quand on aime le jazz à ce point de choisir quels seront les thèmes de son premier disque. Incroyablement, Philippe Pilon arrive à faire sonner ses propres compositions comme des standards, en cohérence avec les titres qu’il s’autorise à revisiter  I found a new baby, Blue turning grey over you .

Le jeu collectif et intelligent du quartet fait retrouver le plaisir du swing, cette pulsation du désir de musique. Jacques Réda essaie désespérément de nous en donner les clés dans les colonnes de Jazz Magazine depuis quelques années mais on avoue, tout comme Frank Bergerot, que le swing demeure un mystère : on l’a ou pas, et …beaucoup de musiciens ne l’ont pas .

Philippe Pilon, lui, avance à son rythme, en quête d’un son bien à lui, velouté et charnel. Pour le reste, timbre, phrasé, invention mélodique se développent auprès de musiciens parfaitement complices, en un ensemble détendu, intensément aimable.

Les notes introductives de Claude Carrière éclairent le propos de l’album : Take it easy ou l’éloge d’une certaine lenteur, d’une élégante désinvolture qui donne pleine mesure à une sensibilité sans affectation. Avec cet effort attentif pour obtenir « un je ne sais quoi » qui fait la signature, justement.

Adoubé par un tel mentor, le saxophoniste a choisi -et c’est assez rare pour qu’on le souligne- de glisser une notule pour chaque titre, livrant quelques pistes judicieuses.

Les titres s’enchaînent aisément : ainsi, Sulkinautorise, sur la grille harmonique du Honeysuckle Rose de Fats Waller, d’improviser à loisir, Chicken walk rappelle que l’inspiration en musique vient souvent en marchant. L’Elfe,en hommage au fils du saxophoniste, sur un rythme de calypso est délicieux ; sans oublier le final, How long blues, de l’aveu même du leader, très «roots», au bout de la nuit, dans ces clubs (autrefois) enfumés, quand ne restent plus que les musiciens.

A une époque où il faudrait presque se justifier de jouer encore du jazz « classique » , voilà une formation qui en a intégré tous les codes, pour notre plus grand plaisir ! Ces musiciens jouent bien, avec grâce, ils savent aussi ce que « swinguer » veut dire et on aime encore ça , même en 2011 !

  Editions Le mot et le reste - 2011

Après Giant Steps, Jazz en cent figures (et cinq cents chroniques de disques),le journaliste et musicien Guillaume Belhomme persiste et signe avec ce Way ahead, Jazz en cent autres figures .

Avec ce chiffre rond (il faut bien se donner une limite), il livre le second tome d’une anthologie du jazz assez personnelle qui raconte l’histoire de cette musique, au travers de portraits et de rapides discographies. Filiation ou récupération, transgression, déviation, tout ceci est éclairé et présenté d’un point de vue biographique.

Le découpage original, qui ne se prétend pas exhaustif, affirme haut et fort ses choix, le mérite de l’ouvrage étant de montrer que le jazz que certains figeaient ou déclaraient mort, il y a déjà quelque temps, n’en finit pas de renaître, n’a cessé de changer, d’avancer en zig zag.

Ayant franchi allègrement le 21 ème siècle, cette musique continue d’exister autrement, suffisamment pour que l’on prête l’oreille à l‘histoire musicale en train de se faire, « a work in progress ».

C’est la préface du saxophoniste chicagoan Ken Vandermark qui définit parfaitement les objectifs du livre et en pose la problématique : présenter l’histoire du jazz, de ceux qui l’ont fait et continuent de la faire, sans chronologie écrasante ; en évitant l’énumération des écoles et courants esthétiques, qui se succèdent comme dans toute histoire de l’art . Encore qu’il y ait des modes et des cycles récurrents justement… cercles un peu « vicieux ».

Certains musiciens méritent d’être redécouverts régulièrement, en dehors de leur temps, à l’aune de ce qui se fait aujourd’hui. Ainsi, Pee Wee Russell (1906-1969) (très bonne pioche) débute la liste des musiciens classés par la date de naissance. Ce clarinettiste des plus inventifs, original, qui a su rester libre, mérite d’être remarqué. Quant à la dernière figure choisie dans Way Ahead, il s’agit de Matt Bauder né en 1976, élève à la Wesleyan university d’Anthony Braxton.

Le critère de classement divise les artistes en trois catégories :

les novateurs, « la seconde vague » de « ceux qui ont élargi le champ des possibles », les radicaux, « à distance de toute continuité apparente du jazz », inclassables, plutôt déstabilisants. On sent bien que ceux-ci ont toute la sympathie de l’auteur, mais on ne reviendra pas sur sa sélection, ayant compris où il se situe. Guillaume Belhomme précise ses sources (lecture des revues de jazz et de magazines, des publications sur internet (All about jazz, European Free Improvisation Pages, le son du grizzli…)

Son angle d’approche, intéressant, fait la part belle au jazz américain et on ne saurait le déplorer, puisque le jazz vient de là-bas, tout de même ! Figurent donc au côté de certains incontournables, des « seconds couteaux », un peu oubliés aujourd’hui, tout à fait passionnants.

Le jazz européen est plus limité dans ses manifestations et semble se réserver au free. Les Français, sont largement sous-représentés : sauf erreur, nous n’avons relevé que trois noms Michel Doneda, Jean Luc Guionnet et Daunik Lazro.

Maintenant que le jazz est une musique « du monde », beaucoup de musiciens talentueux et méconnus mériteraient d’être entendus par un public plus large que celui des amateurs et des «spécialistes ». De New York à Chicago, de Los Angeles à Londres, Amsterdam etTokyo, le jazz est une réalité vivante, parfois urgente.

Ainsi, sans prétendre au Dictionnaire du Jazz, bible incontournable de tout amateur éclairé ( à renouveller régulièrement pour tenir compte de l’intense vie musicale actuelle), ce Way aheadpourrait désormais trouver une place à ses côtés, en signe d’ouverture à la musique et d’esprit libre.

NB : Précisons enfin que l’ouvrage a une mise en page simple, claire et précise avec des vignettes illustrant les albums marquants de chaque musicien choisi. Un index et une bibliographie complètent ce nouveau numéro de la maison marseillaise que l’on ne présente plus, Le mot et le reste qui continue à imprimer une certaine direction éditoriale, insolite et souvent avant-gardiste .

Sophie CHAMBON

Jacques BOUZERAND, Michel ROHBOT, Gilles DE MONTAUZON, Catherine BELOEIL, Francis HOFSTEIN

300p- 49 euros

Si l’on a pas eu la chance de voir exposées à la Galerie de la Pointe à Paris, les toiles de Daniel Humair, on pourra prendre sa revanche avec Le Jeu incessant de Daniel Humair, superbe livre d’art, sorti aux Editions Delatour France.

Une somme captivante qui revient sur la carrière prolifique de Daniel Humair avec des illustrations pleine page, des « pages-fenêtre » reproductions soignées de  la palette de l’artiste : on plonge dans la couleur et son « théâtre de formes inventées

à la fois fixes et flottantes.»

Daniel Humair n’est jamais arrivé à choisir entre peinture et musique qu’il a pratiquées parallèlement depuis plus de quarante ans. Cette personnalité gémellaire a équilibré, en les réconciliant, deux passions essentielles. Francis Hofstein, l’un des auteurs, précise pourtant que Daniel Humair ne peint pas le jazz qui d’ailleurs ne se peint pas. Et comment rendre le swing ?

Selon la technique de monotypes, le peintre s’est inventé un vocabulaire formel,  toujours en gestation, avec un côté rustique, faussement maladroit.

Son catalogue de formes en série, abstraites ou réalistes, mais plurielles, résiste à toutes définitions : fourches, marelles, lingots, croix, boîtes… objets étranges qui se déclinent de tableau en tableau. Il effectue des variations à l’infini sur un thème, un travail improvisé qui convient à sa pratique du jazz : une transposition du geste musical en geste pictural, la maîtrise du geste (essentielle chez le batteur) plus que du tracé, selon la « cuisine des hasards », intégrant les accidents de parcours.

« L’image aboutie ne m’intéresse que si elle est le fruit de stades accidentels et créatifs ».

Des formes qui reviennent, obsessionnelles, saisies dans une palette plutôt sombre, qui déborde de ces formes toujours imparfaites, mouvantes. La photo prise au plus près, ne révèle  jamais de la haute pâte, mais une matière fluide au contraire avec les pigments tirés à la brosse. Il met en place des formes avec la tension provoquée dans l’espace. Ces formes perverties sont son alphabet, sa boîte à outils, assez unique !

Ce sont souvent de grands formats sur lesquels il se penche, à même le sol, sans réitérer le geste intiatique de Pollock dans l‘ « Action painting ». Car son style est original, même si d’évidence, Daniel Humair s’est nourri de la peinture contemporaine (avec des attirances bien compréhensibles) pour Cy Twombly, Paul Rebeyrolle, Bram van Velde, le mouvement Cobra et Pierre Alechinsky entre autres…

Une interview, en tous points remarquable, livre les préoccupations esthétiques de Daniel Humair, son credo artistique, sa problématique de peintre : « La peinture ce sont des territoires (déjà) occupés » qu’ il s’évertue à ne pas transgresser.

De même que son jeu de batteur ne ressemble à aucun autre, il cherche avant tout à comprendre, puis à éclairer le sens de son travail, de son esprit très analytique : « Il faut apprendre à dessiner consciemment ce que l’on fait inconsciemment ». Personne ne parle mieux de son art musical et pictural, de sa pratique qu’il considère comme artisanale. Sans fausse humilité, il sait décrire la vision d’un homme qui continue à multiplier les échanges, à travailler sans relâche, sachant aussi désapprendre pour se renouveller.

A la satisfaction de lire et d’apprendre, s’ajoute le plaisir de feuilleter pour la beauté des images : le format choisi pour le livre met en valeur l’iconographie subtile, sur des supports variés : pochettes de disques, enveloppes, affiches des festivals de Rive de Gier ou de La Seyne, couvertures de Jazz Magazine et bien entendu, photos et planches-contact de tout ce que la « planète jazz » a compté d’important.

Ainsi sont soulignées avec goût les œuvres aux techniques mixtes sur papier, vinyle, aquarelles, après les Néocolor de Caran d’Ache de ses débuts, en alternance avec les textes précis et sensibles d’auteurs, spécialistes de l’histoire de l’art, du jazz  et fins connaisseurs du parcours de Daniel Humair. 

Enfin, comment ne pas apprécier le Cd bonus de Daniel Humair avec ses complices le contrebassiste Bruno Chevillon et le saxophoniste ténor Tony Malaby.

Ainsi, ce beau livre de couleurs et de formes devient aussi objet musical. Formidable !

 SOPHIE CHAMBON

Hier soir, Théâtre Jean Vilar, Vitry Sur Seine.

Décidemment le festival SON D’HIVER est, avec Banlieues Bleues l’une des scènes les plus passionnantes parmi les festivals «  alternatifs ». Où il est possible de voir et d’entendre des musiciens trop rares en France, en dehors de toute actualité promotionnelle et qu’il serait impossible d’entendre ailleurs.

Hier soir, Théâtre Jean Vilar Vitry, 1ère partie de Steve Coleman, le duo légéndaire  du trompettiste Wadada Leo Smith avec le batteur-percussioniste-bruitiste-poète Günter « Baby » Sommer. Moment exceptionnel, art furtif et éphémère de l’improvisation où les deux artistes façonnent chacun à leur manière l’espace musical. Tous les deux, presque autistes dans leur posture mais en réalité dans une incroyable écoute-interaction avec l’autre. Smith presque prostré dans une attitude (altitude) Milesienne joue l’épure, la résonance et le fil du son aux accroches protéiformes. L’autre Sommer s’y fait prolixe, sorte de déesse Shiva aux milles bras, virevoltant, caressant frôlant, roulant, battant tout, l’air et les tambours, les marteaux et les balais de paille. L’un est le relief de l’autre et réciproquement. Et cette musique à la limite conceptuelle tant y règne l’improvisation s’y fait absolument passionnante, captivante d’un bout à l’autre.

Par chance ce moment fut capté par Arte Live Web et sera bientôt en ligne sur le site.

Ceux qui n’étaient pas là avaient peut être un peu tort. La rediffussion de ce moment de grâce est assurément immanquable !

http://liveweb.arte.tv/fr/video/Wadada_Leo_Smith___Gunther__Baby__Sommer/

Tous les deux jouaient  ce soir-là. Deux de ces monstres sacrés qui font le jazz outre-atlantique, dans les clubs les plus huppés de la ville. Pièges à touristes ou vitrine de ce qui se fait de mieux dans la ville du jazz. Cassandra Wilson était au club légendaire du Blue Note pour 5 jours d'affilés. Le Mingus Big Band quant à lui était au Jazz Standard comme tous les lundis de chaque semaine que dieu fait. De quoi appâter le chaland assurément mais aussi de quoi nous donner l'occasion de nous plonger dans les dernières (super)production de ces deux "monstres" du jazz justement enregistrées chacune en live. Et dans l’un ou l’autre cas, le témoignage de ce savoir faire à l'américaine de ces super stars.

MINGUS BIG BAND : «  Live at Jazz Standard»

www.mingusmingusmingus.com

www.jazzstandard.com

Randy Brecker, Kenny Hampton, Earl Gardner (t), Wayne Escoffery, Abraham Burton (ts), Vincent Herring (as), Douglas Yates (as, ss, fl), Lauren Seivan (bs), Ku-Umba Frank Lacy, Conrad Herwig (tb), Earl McIntyre (btb, tuba), David Kikoski (p), Boris Kozlov (cb), Jeff « Tain » Watts (dm)

 Du côté de la formation que Sue Mingus s'évertue à maintenir en vie pour perpétuer l'esprit de son contrebassiste de mari, c'est du lourd et même du très lourd. En témoigne le dernier album du Big band, très justement nominé pour les Grammy's et enregistré en "live" dans le club New-Yorkais. Esprit de Mingus es tu là ? Assurément répondent en choeur la bande des 14 allumés du jazz, bourrés chacun d'une énergie cataclysmique et prêts tous ensemble à vous dynamiter une cohorte entière de touristes et toute la salle avec. Atomic Mingus Big Band. Et ceux qui étaient là pour cette soirée de réveillon ont rapidement lâché leurs assiettes de spare ribs, conquis qu’ils étaient par ce Big band New-old-New style. Orchestre titanesque du genre des all stars comme on en fait plus beaucoup. Pensez, si vous alignez côte à côte des gars comme Randy Brecker, Vincent Herring, Abraham Burton, Jeff Tain Watts, Wayne Escoffery et Franck Lacy, il y a de quoi déclencher la prochaine explosion nucléaire. Sur des compositions de Mingus (cela va de soi) cet orchestre-là lâche prise avec néanmoins une révérence absolue pour la tradition de Basie. C’est à la fois classe et viril. C’est collectif en diable et ça exhibe ses attributs dans des chorus qui mériteraient chacun de figurer dans tous les manuels. Rien de machiste pourtant puisque dans le lot, une femme, Lauren Sevian tient le baryton et s’acquitte même d’un moment de gloire sur Moanin’. L’entame de Randy Brecker sur Never Know How auquel répond Kenny Hampton sur des arrangements subtils fait date. La machine bien réglée sait aussi partir dans ces folies Mingusienne où la masse orchestrale envahit tout dans un apparent désordre calculé au poil près (Moanin’p. ex). Esprit de Mingus es tu là ? Découverte ce soir-là aussi du jeune ténor anglais Wayne Escoffery que l’on affiche comme l’une des étoiles montantes de la scène New-Yorkaise.

Portés collectivement par cette soirée du nouvel an, les gars ne font pas le job, ils l’incarnent avec un enthousiasme intact et sacrément communicatif. Comme toujours Franck Lacy est un indéboulonnable pivot du MBB, à la fois tromboniste et chanteur ( sur Good bye Pork Pie hat mis en paroles par Joni Mitchell ou encore sur E’s Flat ah’s flat too dont le texte a été écrit par Elvis Costello). En guise de final sur Song with Orange, on sent tout l’orchestre mobilisé dans un vrai esprit festif, dans une joie à jouer, dans un plaisir gourmand à balancer le swing, à faire exploser les riffs. Et pour tout dire c’est totalement irrésistible.

Malheureusement cet album risque d’être difficilement trouvable sauf à avoir quelques copains prêts à vous le ramener d’une de leur virée New Yorkaise du Lundi au jazz standard où l’album est vendu en fin de chaque concert ( essayez néanmoins sur le site www.mingusmingusmingus.com ou encore sur www.jazzstandard.com)

Cassandra Wilson : «  Silver Pony »

Blue Note 2010

Cassandra Wilson (vc et Synthé), Marvin Sewell (g), Herlin Riley ( dm), Reginald Veal 

(cb)

D’un autre côté; une autre facette de ces pros du jazz qui savent tout transformer en or : Cassandra Wilson dont le dernier album  en grande  partie “live” est, de notre point de vue l’un des meilleurs depuis plusieurs années. Cassandra Wilson, “The Voice”. Unique. L’héritière, celle qui prolonge Abbey Lincoln ( héritage totalement revendiqué), est , on le sait une fille du Delta, une chanteuse du Mississipi dont elle affirme sans cesse les racines. Elle modernise la tradition comme dans ce Saint James Infirmary tiré vers un blues moderne ou encore ce thème du voeux maître du blues, Charley Patton ( 1981-1934) Saddle up my pony que Marvin Sewell envoie dans l’espace avec une introduction au slide tiré des bouges les plus crados du Delta. Il faut dire que le guitariste qui accompagne la chanteuse est devenu absolument essentiel à la Diva au point de la voir, elle, se glisser dans le chant de sa guitare comme le prolongement naturel de la voix. Genial Marvin Sewell qui à lui seul imprime toute la couleur. Guitariste boulverdant sur A Day in the Night of the Fool où son slide et une lamentation poignante.

Mais la chanteuse ne fait pas que du neuf dans des vieux pots. Elle sait aussi faire le contraire et remettre un coup de patine sur des thèmes tiré d’un repértoire plus récent comme Blackbirdde Mc Cartney ou encore le sublime If it’s magic de Stevie Wonder sur laquelle la chanteuse suspend le temps de toute contrainte. Embarquant elle même au synthé un Night in Seville qu’elle prolonge au chant sur Beneath a Silver moon totalement lunaire, Cassandra Wilson se montre aussi une musicienne née, créatrice des atmosphères les plus sensuelles du jazz.

L’album se termine sur une prise studio de Watch the sunrise enregistré avec des cordes et en duo avec la voix celeste de John Legend, où la version proposée surpasse de loin l’original. Morceau qui vient cloturer avec grande grâce cet album où la Diva se fait diva. Un peu lointaine dans sa façon d’être au plus intime. Un peu distante lorsqu’elle murmure, elle est là sur son piedestal avec une élégance sublime. Je pense à Bilie dans cette posture-là. Dans leur façon de nous dire qu’il y a, c’est sûr beaucoup plus que du chant dans leur chant.

Jean-Marc Gelin