Steven Brower

Editions de la Martinière

2009, 32 euros

 

On croyait à peu près tout connaître de Louis Armstrong. Pops comme on l’appelait n’avait d’ailleurs rien d’un cachottier et les trois versions  complètes de son autobiographie ( « Ma vie à la Nouvelle-Orléans ») avaient levées bien des voiles sur les premières années de sa vie de musicien. Certes, plus tard un ouvrage entièrement consacré à la majijuana avait bien été censuré par son éditeur mais il n’empêche, l’exposition publique de Satchmo était telle qu’il y avait peu de chances que le moindre interstice ait pu échapper à la vigilance de tous les paparazzi de la planète.

Et pourtant ce que nous découvrons là, aujourd’hui, plus de trente ans après sa disparition est une facette totalement inédite de l’art de Louis Armstrong. Car nous étions bien loin d’imaginer qu’en dehors de ses performances innombrables, Louis Armstrong développait l’âme d’un autre artiste, un plasticien éprit de collage. Dans le sein du sein, dans sa maison de Corona, se cachaient ainsi des centaines et des centaines de collages réalisés par Armstrong pour ornementer les boîtes des bandes magnétiques sur lesquelles il s’enregistrait compulsivement, pour tapisser certains murs de sa maison, pour en faire des cartes de vœux ou tout simplement pour les offrir à des amis.

Ce travail-là n’a rien à voir avec celui des  surréalistes dans la mesure où il est au contraire ancré dans la réalité concrète de la représentation de Louis Armstrong au travers des photos du trompettiste tirées de la presse, des promos, des covers, des photos de tournage etc… Mais c’est surtout une vraie démarche d’artiste qui s’illustre ici en maître de l’improvisation et du rythme : dans sa façon de coller, de couper d’agencer, d’organiser sans ordre préétabli, de colorer, d’annoter, de choisir les adhésifs qui viennent orner. Stachmo réalise ses collages comme des chorus. Avec autant de passion ( si l’on en juge par la collection abondante qu’il réalisait frénétiquement) que d’humour, Louis Armstrong dévoile un regard démultiplié sur lui même. Mais alors que l’on avait de Pops l’image d’un homme représentant la modestie incarnée, Louis Armstrong est ici dans une sorte de culte de sa propre personnalité. Entre l’étonnement enfantin et candide de celui qui est surpris lui-même par sa propre popularité, et un sens sous-jacent de l’autodérision. Armstrong y est souvent drôle, hilare même avec ce sourire légendaire. Parfois grave ( c’est rare), souvent poétique ( comme ce collage où, discrètement la photo de King Oliver est collée à l’intérieur de la tête de Louis Armstrong) ou un tantinet coquin ( comme cette danseuse callipyge que le trompettiste s’était empressé d’offrir à des amis de peur que Lucille, son épouse ne le découvre). On est plus gêné en revanche lorsque l’on voit ces photos de Louis Armstrong baisser son pantalon pour la promotion d’une marque de laxatif (ce qui ne gênait nullement le trompettiste qui assumait largement).

Une très belle introduction du critique Hilton Als et des repères chronologiques utiles en début d’ouvrage viennent judicieusement compléter ce livre magnifique. Reste quelques imprécisions ( Mez Mezzrow annoncé comme trompettiste p.ex) et des indications parfois absentes ( on aurait aimé savoir à partir de quand Louis Armstrong a commencé ce travail) et une absence totale de datation des collages dont on reconnaît la difficulté puisque Armstrong lui même ne les avait pas daté et que les photos utilisées venaient de ses archives personnelles.

Il y aurait de cet ouvrage matière à une belle exposition pour un galiériste un peu audacieux. Où l’on découvre un vrai regard d’artiste dont on ne saura jamais réellement qu’elle était chez lui sa part de comédie et d’autodérision. Ce qui est soi un beau moment d’humanité aussi tendre que joyeux. Donc poétique.

Jean-marc Gelin

Orkhestra 2009

http://www.tousdehors.com

Sur la feuille de presse associée au cd de Tous Dehors intitulé « Happy Birthday », on y fait une description de la musique de Laurent Dehors plutôt bien vue. Et la chronique de « Happy Birthday » que l'on savait difficile à formuler – la richesse de ce disque peut décourager le chroniqueur mais pas l'auditeur - l’est moins quand on décide de tirer partie de la fameuse feuille de presse.

On croyait l’idée originale jusqu’à la lecture de l’appréciation du même cd par Jean Buzelin dans Jazzman du mois d’avril. Monsieur Buzelin a probablement eu la même intention puisqu’il a articulée son appréciation autour d'une phrase bien à propos – « Le jazz, le rock, les musiques contemporaines et traditionnelles s'y mélangent et donnent à Tous Dehors une couleur sans pareil et résolument ancrée dans son époque » – empruntée à la susdite feuille de presse.

La musique de Laurent Dehors, saxophoniste / clarinettiste virtuose et doué, est certes sophistiquée mais point intellectuelle. Plutôt ironique et tout à fait accessible, elle est particulièrement imprévisible.

Tous Dehors est un grand orchestre d’une dizaine de musiciens qui fête ici ses quinze années d’existence. Et pour ce véritable événement, Tous Dehors a enregistré « Happy Birthday » qui nous présente des suites de danses enregistrées particulièrement vibrantes de musicalité. Au confort sonore habituel au menuet ou à la valse, Laurent Dehors a miné le terrain de contours qui piquent et de douceurs enjoués. Ainsi, il passe avec aisance du charleston débridé au musette-dixieland un peu free ou rock. Il nous propose ici « une synthèse des jazz populaires et  savants » où «  l'écriture reste attentive au dosage laissé à chacun et à la maîtrise orchestrale. ».

Ce cd est d'autant plus captivant que sa musique, avec tout ce qu'elle demande comme exigences pour les musiciens de part sa fougue, est enregistrée en concert. C'est ce que j'appelle du WYHOC-WYGIC(1). Pas de post-production flatteuse. Que du réel et énormément de maîtrise du sujet.

Concernant la composition, « l'orchestration est inouïe, l'écriture audacieuse et crasseuse, l'interprétation exemplaire et inattendue », pour reprendre – encore - les propos de cette satanée feuille de presse. Il est vrai que Dehors dompte ses instruments autant que les écritures compliquées et nous laisserons le soin aux techniciens de la musique de s’exprimer sur le sujet. Car finalement ce n’est ni le propos, ni ce que l'on retient de sa musique.

A tout moment dense, la musique respire par éclats sonores. Un peu free par endroits, carrément rock à d'autres, zappa-ienne quand on s'y attend le moins, parsemée de timbres et textures hétéroclites qui se marient bien (marimba, vibraphone, xylophone, glockenspiel, guitares en tout genre) avec un clin d’oeil possible à Albert Marcoeur - avec le très à propos papotage de piliers de bars: « Tout fout le camp ! / Z’avez vu le président qu’on a ? » - cette musique, apparemment désordonnée, est une évidence pour l'oreille et complètement organique.

On pourrait disserter longtemps sur le sujet. Tous Dehors est un orchestre qui s’écoute en concert et sur ce cd où vos oreilles se régaleront d’une « véritable explosion créative » pleine de risques et de réjouissances.

Jérôme Gransac

88 Trees 2009

Dans ce nouvel album entièrement composé et produit par Laurent Coq, c‘est un quartet très « américain » que donne à entendre le pianiste qui pour l’occasion est allé enregistrer outre atlantique, dans le New Jersey.  On sait qu’avec Jérôme Sabbagh ils ont vécu (ou vivent encore) à New York et que, si le pianiste tout comme le saxophoniste ne sont pas à proprement parler natifs de la Grosse Pomme ils sont néanmoins fondamentalement New-Yorkais d’adoption et de jazz. Baignant dans la même musique générationnelle que les Donny Mc Caslin ou les Dave Binney dont on les sent particulièrement proches, ils jouent un jazz de quartet à l’élégance raffinée. Et l’on dit « jazz de club » ici comme d’autres diraient « jazz de salon ». Car si cet album présente moins d’originalité que celui qu’il présentait avec David El Malek et Olivier Zanot, il repose toujours sur le savoir faire de l’écriture de Laurent Coq, toute en finesse et en délicatesse exquise. Les individualités de ce quartet s’illustrent merveilleusement bien dans ce jeu à fleuré moucheté et l’on remarquera notamment l’émergence de Damion Reid batteur jusque là presque inconnu (il joue avec Robert Hurst ou encore Robert Glasper) et ici expert en dentellerie sur mesure ( il faut écouter Eight Seasons in One Summer pour s’en convaincre).

Pourtant si raffinée que soit cette écriture, elle apparaît ici légèrement répétitive un peu comme si Laurent Coq avait décliné 8 fois la même thématique musicale, la même structure à laquelle il apportait chaque fois des nuances subtiles.Ainsi la plupart des morceaux se concluent ils avec le même système de coda renforçant le sentiment d’une musique circulaire comme plusieurs étapes d’une seule et même suite.

Avec une réelle modestie et un sens de l’abnégation Laurent Coq comme il le fait souvent, ne s’affiche pas, ne s’expose pas préférant mettre en valeur le jeu de ses partenaires. Suprême élégance. Mais surtout ce que dit Laurent Coq relève toujours du subtil. Du cousu main où l’improvisation semble ici naturellement écrite, coule de source comme partie intégrante de son discours. On pense parfois à Konitz et Marsh, on pense aussi souvent à Tristano. Comme toujours dans les albums de Laurent Coq il y a aussi un sens savant de l’équilibre dans l’intensité très maîtrisée du son. Et à ce jeu-là Jérôme Sabbagh s’y fait l’interprète toujours élégant de la musique du pianiste comme dans ce Circle 57 où derrière une façade très « formatée » le jeu du saxophoniste recèle de fines nuances sensibles.

Pas forcément majeur dans la carrière du pianiste, cet album lui ouvre néanmoins de nouvelles voies et confirme ce que nous savions déjà, à savoir l’art de Laurent Coq de  faire sonner un quartet et de l’emmener toujours sur des voies douces et sensuelles qu’il semble parcourir dans un murmure délicat. Jean-marc Gelin 

Zig-Zag 2009

Matthieu Donarier, Tony Malaby (ss, ts), Stéphane Kerecki (b), Thomas Grimmonprez (dm). Septembre 2008.

Si vous êtes sensibles aux sonorités amples, foisonnantes et sensuelles du saxophone, si vous aimez être transportés par les polyrythmies du jazz afro-américain (même s’il est joué par des musiciens blancs) et particulièrement réceptifs aux transes euphorisantes de John Coltrane, enfin si vous êtes un peu las des accompagnements harmoniques des pianistes de jazz, alors n’hésitez surtout pas à vous procurer ce magnifique troisième album de Stéphane Kerecki. Une aventure musicale hors du commun vous attend, portée par deux formidables saxophonistes : le français Matthieu Donarier et l’américain Tony Malaby, jouant tous les deux du ténor ou du soprano suivant les titres. Stéphane Kerecki a eu l’idée géniale d’utiliser ces deux souffleurs, au jeu fort différent, à travers une ligne  mélodique continue, jouant à l’unisson ou en contre-chant et proposant des chorus très inspirés. C’est une bien belle trouvaille que de mettre ces deux singulières sonorités sur la même longueur d’onde, celle de l’improvisation spontanée et de la portée spirituelle du jazz (avec des réminiscences Coltranienne et un clin d’œil à Olivier Messiaen à travers la relecture de ô Sacrum Convivium). Sur Macadam, Tony Malaby au ténor (côté droit) entrelace sa chaude sonorité avec celle de Matthieu Donarier au soprano (côté gauche) dans une euphorie fusionnelle où la richesse musicale se conjugue avec le plaisir et le bonheur. Lorsqu’ils sont tous les deux au soprano, on passe d’un duo au son très pur et boisé, évoquant une promenade matinale en forêt (A L’air Libre), à un groove rock imparable et intense (Palabre). Mais c’est peut-être sur les très beaux développements mélodiques de Fable, que leur complémentarité apparaît la plus évidente (Donarier est cette fois au ténor et Malaby au soprano). Thomas Grimmonprez est un batteur qui fourmille constamment d’idées, il nous fait penser aux plus grands, aussi bien à Elvin Jones qu’à Daniel Humair. Son jeu foisonnant et inventif fait merveille sur les tempos rapides (Palabre) et médiums (Houria) ainsi que sur les ballades comme Un Ange Passe, où il distille un sensuel climat d’effleurement. Enfin Stéphane Kerecki est un contrebassiste à la sonorité superbe, il sait se mettre en retrait tout en construisant de remarquables lignes de basse, qu’il place au centre de l’architecture de ses compositions aux superbes mélodies. Pour la troisième fois et plus particulièrement avec Houria, Stéphane Kerecki cumule avec talent et pour notre plus grand plaisir, les rôles de contrebassiste, leader et compositeur : Hip, Hip, Hip, HOURIA. Lionel Eskenazi

Cristal 2009

François Jeanneau (ss, dir), René Dagonet (fchn, tp), Françoi Guell (as), François Cochet (tb), Pierre Boespflug (p), Denis Moog (g), Jean-Luc Deat (cb), Christian Mariotto (dm)

  Ce qui frappe d'emblée à l'écoute de cet album du Bernica Octet, c'est le soin extrême qui est porté ici au travail d’écriture et d’arrangement au profit de ce collectif. Sous la houlette de François Jeanneau, il y a dans cette musique-là, la présence de tous les fondamentaux d’un jazz en mouvement qui s'apparente parfois aux big bands dans la pure tradition ( ils ne sont pourtant que 8 !) mais qui ne perd jamais l’intimité d’une formation réduite. Si François Jeanneau est habile à diriger les grandes formations (de l’ONJ, du Pandémonium au Spoumj) c’est qu’il y a toujours chez lui ce sens de la ré-création (au demeurant une récréation), cette maîtrise des grands ensembles et de l'équilibre qu'il semble, de son propre fait, vouloir précaire : entre écriture et improvisation, entre soliste et groupe, entre unisson et contrepoint. Puisant toujours aux sources du jazz entre grand et moyen format mais toujours aussi avec une formidable modernité. La finesse des tramages donne le sentiment que cette musique coule absolument de source sans qu’il ne s’agisse pour autant d’un exercice de style. A la base de ce travail bien sûr, l'énergie toujours présente mais surtout, comme il ne cesse de le répéter à tous ses élèves : l'engagement ! Et c'est certainement cela qui produit dans cette formation, la mise en place d'une réelle dynamique de groupe. Dynamique au sens littéral : "partie de la mécanique qui étudie les relations entre les forces et les mouvements qu'elles produisent «  (selon le Petit Larousse). Mais si ces arrangements sont particulièrement soignés, François Jeanneau ne livre pas pour autant une musique aseptisée. Une musique qui serait hors temps. Car cette musique là sait aussi se (nous) faire douce violence, sortir de ses gonds pour devenir parfois plus sauvage (comme sur Kel Essouf composé à l’époque agitée, entendez par là « HJT » pour Humair+Jeanneau+ Texier). Mais toujours (Very Sensitive) la présence du swing et cette façon très ellingtonnienne et classieuse de faire balancer les chorus. Toujours en éveil, la musique de François Jeanneau suscite un intérêt curieux et émoustille les papilles auditives. Car elle ne se répète pas, ne tourne pas en rond, elle (se) vit allègrement avec une légèreté qui n'a d'égale que sa suprême élégance. François Jeanneau pour sa part ne fait pas que diriger cette formation. Il en est aussi, en tant qu'instrumentiste parmi les autres, un des éléments catalyseurs (Bernica). Chez lui bien sûr le phrasé, la puissance et cette science du placement incomparable qui lui vient peut être de sa révérence absolue à Bechet. Et il y a aussi chez Jeanneau la maîtrise de celui qui sait prendre son temps pour dire, toujours la note utile et seulement celle-là. Car il y a chez François Jeanneau la marque des très grand. Un patrimoine qu’il partage avec Wayne Shorter assurément. Jean-Marc Gelin