Pour fêter le centenaire de la naissance de Django Reinhardt- il était né le 23 janvier 1910- une production pléthorique a vu le jour avec toutes sortes de compilations, rétrospectives, anthologies, intégrales. Bref, la Djangologie dans tous ses états.
Cristal records a choisi une voie légèrement différente pour célébrer Django, un album sobre et bien conçu pour montrer la filiation au sein des Reinhardt : 100 ans de Reinhardt avec Babik, le fils, et David, le petit fils, tous deux guitaristes-compositeurs qui interprètent des mélodies du maître ou livrent leur propres versions dans cet
émouvant « Nuvens de Saudade ». Un album empreint de nostalgie, mélancolique et respectueux.
 
On retrouve avec plaisir une petite sélection très classique de Django himself, 4 titres sur 13 qui font réentendre les chefs d’œuvre historiques du Quintette du Hot Club de France « tout cordes » ou celui correspondant à un choix esthétique avec une ou deux clarinettes : les « belles mélodies » comme « Nuages » bien entendu, « Manoir de mes rêves »,  « Liebesstraum » mais aussi un solo « Improvisation N°3 ».

Le jazz manouche est à la mode et c’est même une des formes du jazz qui perdure avec un beau succès populaire. Mais il est vrai que souvent,  on s’ennuie un peu en écoutant certains assauts de virtuosité : aucune innovation rythmique, harmonique, ni même mélodique. On reconnaît tout de de suite le thème , ça swingue, ça joue très vite, et bien. On navigue en terrain connu : une grande fidélité à l’héritage du maître.
Là , avec cet album, on peut comparer : c’est « Nuages » qui commence et finit l’album . Le premier titre est de Django avec les interventions magistrales de Hubert Rostaing et Alix Combelle , le dernier est de Babik avec une instrumentation autre, un orgue , un violon et surtout le thème étiré  avec une véritable improvisation qui tente de renouveller sinon l’esprit, du moins la lettre. 
A noter aussi un travail plus qu’intéressant sur « Une histoire simple N°1 » du trio formé par Babik, Emmanuel Bex à l’orgue et Simon Goubert à la batterie, avec l’appoint précieux , voire indispensable de Stéphane Grapelli. Une ballade au lyrisme délicat en dépit de la formidable énergie de ces merveilleux musiciens. Ce qui donne furieusement envie d’écouter cet album de Babik Reinhardt, sorti chez Cristal NUANCES en 1992… 
Une réédition très intéressante au final. A écouter pour se faire vraiment une idée de ce que peut être la transmission au sein des Reinhardt.

Pierre de Bethmann (fender rhodes), Stéphane Guillaume (as), David El-Malek (ts), Jeanne Added (voc), Michaël Febelbaum (g), Vinent Artaud (cb), Franck Agulhon (dr). Plus Loin Music 2009.

A une époque où les fondamentaux du jazz se trouvent souvent dilués dans une prétendue exigence d’originalité vantée à coups d’achats d’espaces promotionnels, cet album-ci se distingue d’emblée, à parts égales, par son groove et son ambition orchestrale. De fait, trois composants indissociables marquent l’entreprise de Pierre de Bethmann : le premier est sans conteste le talent de compositeur du leader : art mélodique certes mais surtout  aptitude à déployer les thèmes en des procédés toujours suprêmement justes d’amplification, de boucle et de contrepoint, d’intensification du propos, de récurrence (« Décalé », « Toutes Ces Choses », « Demens Sapiens »). Le second facteur de succès est le choix d’une texture totalement inédite (rhodes / voix / guitare / saxes) et concrétisée par une cohésion impressionnante (« Ailleurs Parfois », « Bat’carré ») si l’on veut bien considérer que la voix de Jeanne Added est utilisée pour exposer, souligner ou se fondre et non pour (classiquement) se détacher et scatter. Enfin, relevons le traitement du rhodes, maîtrisé en toutes ses potentialités, des plus usuelles (suavité sensuelle en mezzo voce) aux plus actuelles voire déroutantes (saturation, acidité du sound) et qui dépassent, compte tenu de ce qui précède, l’art simplement hancockien de l’instrument, contrairement à ce qu’ont pu dire quelques commentateurs empressés. De tout cela, on aura une illustration frappante avec l’entrée de « Si ». Faisant exploser le couple thème / chorus dans une esthétique post-shorterienne bien comprise, le répertoire ménage constamment des plages arrangées et riffées avec virtuosité qui trouvent un équilibre miraculé entre une architecture savante et une jubilation d’expression et d’exécution totalement assumée. En outre, loin de paraître entravés par ce tissage de lignes et de voix, les solistes s’expriment avec une classe infaillible. Guidés par la paire rythmique Vincent Artaud / Franck Agulhon, aiguillonnés par le drumming diaboliquement inventif de ce dernier (du jeu alterné toms / cymbales sur « Toutes Ces Choses » à sa maestria sur « Vouloir, Tout Est Là »), ils trouvent ici, dans de larges interstices, les écrins les plus soyeux qui soient : de Michaël Feberbaum, en terrain familier et qui irrigue l’ensemble de son jeu subtil à David El-Malek, généreux, conquérant, impérial, bien plus convaincant que sur certains de ses récents albums personnels et Stéphane Guillaume, totalement investi. Une telle qualité de lyrisme et d’emportement, portée par une ambition formelle aussi convaincante, est devenue chose rare. Saluons-la comme telle soit, sans détours : une totale et jouissive réussite ! 

Stéphane Carini.

Stéphane Belmondo (tp), Lionel Belmondo (fl, ss, ts), Laurent Fickelson (p), Sylvain Romano (cb), Dré Pallemaerts (dr). 2009. BFlat Recordings

Voici un disque typique de l’époque ; et dans le même temps un disque miraculé de l’époque. En chroniquant la réédition de l’enregistrement « From In To Out » de Dizzy Reece, on a suggéré combien cet album était, quoique situé dans un contexte idéologique, social et musical sensiblement différent, d’une trempe similaire. Le matériau réuni ici provient d’une prestation « live » enregistrée à Saint-Gilles (La Réunion) en 2008 : aucune entreprise d’actualisation ni de distanciation, non, TOUT A L’OPPOSE, une qualité de ferveur telle qu’elle évite de rabattre la musique sur sa source immédiate, directe : l’univers du modalisme coltranien, ses traces encore brûlantes, alors que tant d’autres pourtant ont contribué à l’assécher ! Comme un écho conscient de lui-même (négation même de l’écho), et donc de la force qu’il devrait renvoyer à sa source, rien ici ne manque, en partant de la fin : le salut spiritualiste au public (« peace and love, love and peace »), la dimension des thèmes originaux et ce recours à la suite (notamment le premier mouvement de 16’ : « The Memories That Never Die » !), au fleuve coltranien scandant les composantes de la mystique, corrélativement ces séquences hors tempo avec une palette sonore d’une rare amplitude, notamment à la flûte. Tout cela pourrait précisément faire craindre l’encodage (le « revivalisme ») le plus suspect si l’on n’y ajoutait d’une part une cohésion et une expressivité orchestrale impressionnantes, illustrées au demeurant par de larges « interludes » grâce auxquels chaque membre de la rythmique ménage dans le flux du discours des plages peut-être plus sereines mais presque aussi denses musicalement que les interventions des soufflants et d’autre part un investissement des leaders tel qu’il concentre à chaque instant, rongé par l’urgence, leur énergie créatrice, l’inventivité de leur jeu et l’éclat de leurs différences : des orientations plus funky par endroits pour Stéphane (« Memories » précité), une maîtrise des nuances sidérante comme un perpétuel hommage à Coltrane lui-même certes mais aussi à Freddie Hubbard dans sa quête de l’effet compris comme motif essentiel à la dynamique du discours, un échevèlement du propos plus libertaire encore pour Lionel (« For My Son »), autant au ténor qu’à la flûte (« The Mind Thing »). De tout cela, on trouve une ultime preuve dans la reprise de « Naïma », loin du recueillement de la version originale (on songe beaucoup plus à l’« Aïsha » de l’album « Olé »). La curiosité, qui n’est jamais qu’une forme provoquée du hasard, nous apprend, sous la plume du toujours bien informé Vincent Bessières, que cette suite « Infinity » aurait dû être enregistrée pour le regretté label « Shaï » il y a plus de 10 ans ! 1998, 2008, et après…Ce qui transperce le temps de cette manière contient en soi la preuve de sa nécessité et donc de son inépuisable générosité.  

Stéphane Carini.

Musea Records (label Great winds)

Myspace

Sébastien Paindestre (cl), Joachim Florent (cb), Fabrice Theuillon (ss), Antoine Paganotti (dr)

Depuis 1995, Radio Head bénéficie d'une aura de popularité : son rock progressif est reconnu aussi bien par le public que par la profession. Mis à part quelques titres entendus (le plus souvent tirés d’ OK Computer) et répétés par tous les médias puis quelques écoutes rapides de leurs albums les plus connus, je connais peu Radio Head. Mais ça tombe bien : Amnesiac quartet lui rend un hommage réussi. Le quartet du pianiste Sébastien Paindestre - dont le nom fait référence à l'album Amnesiac de Radio Head - n'est pas la première formation à s'essayer aux reprises des morceaux du groupe anglais (sur cet hommage, il joue cinq de ses titres). Le cinéma, les séries américaines, la publicité utilisent sa musique; des musiciens de tous horizons la réinterprètent, comme le pianiste classique Christopher O'Riley; d'autres l’étudient comme  le compositeur français de musique contemporaine Jean-Philippe Goude. En revanche, Amnesiac quartet est le premier groupe instrumental dédié à la musique du groupe. Si ses membres officient dans le milieu du jazz, ils jouent par ailleurs dans des formations à tendances progressives voire « hors sillon » (Magma, Rigolus, Surnatural Orchestra ...). Et c’est sans doute leurs expériences diverses qui assoient une entente idéale au sein du groupe. A aucun moment il ne tente de jazzifier Radio Head. Au contraire, il exploite le support musical riche, fait de circonvolutions mélodiques et rythmiques, en se servant du jazz comme creuset et en s’écartant du canevas habituel chorus-thème-chorus pour se rapprocher des schémas utilisés dans le rock progressif. La matière musicale et sa forme, ainsi travaillées, sont organiques; l'équilibre entre les instruments est harmonieux et les musiciens profitent d’un large espace de liberté pour laisser voguer leur lyrisme soutenu . Au final, cette coloration sied parfaitement au label de musiques alternatives et progressives Musea Records puisqu’il a accueilli Amnesiac quartet en son sein.

Sur chaque pièce, le thème est omniprésent, sous-jacent à la musique. Les longs chorus développent des schémas aventureux, sans excès, mais obsessionnels avec une densité glissante qui ne se détend pas. On a l'impression que chaque chorus dépose une brique qu'un autre va chasser, comme s’il était lessivé par le flux de notes. Plus encore, l’instrumentiste chorusseur focalise l’attention et semble diluer la présence de ses comparses : comme le passage du flou au net, au sens photographique du terme.

Il en résulte une musique sereine et allongée avec des pièces qui pourraient s'étendre à l'infini. La musique semble suspendue, est énigmatique et côtoie les atmosphères de groupes comme Yes ou Genesis. Cette esthétique assumée est originale et sonne européenne. La qualité de cet hommage en appelle d'autres à venir pour poursuivre l'aventure de l'Amnesiac quartet.

Jérôme Gransac