Guillaume Roy (v), Hasse Poulsen (g), Bruno Chevillon (cb)
Quark records

A l'instar de "El[le]" de Françoise Toullec, Une certaine forme de politesse livre une musique aux confins de la musique improvisée et de la musique contemporaine. Musique abstraite et pour le coup, loin du jazz, musique contemporaine dans la sonorité toute en désaccords. Improvisée car, là, rien n'est écrit. Jeu de cordes, doigts qui s'entremêlent sur les instruments, tentative de s'harmoniser avec la volonté de dérouter l'auditeur, musique glissante et percussive ("Détruire, peut être"). Roy / Poulsen / Chevillon propose une musique énergique et puissante en alternance avec des moments de flottements souvent déroutants.
Mais, n'est ce pas le but recherché par ce trio... finalement? Si on extrapole l'idée générale des douze titres du cd, le trio évoque des situations de conflits, d'angoisse, de tension, de mal-être, de malaise. On l'entend dans la musique ainsi que des moments de retraits, d'absence et d'indifférence. Le trio présente une image expressive de ce qu'est notre société d'aujourd'hui: on se parle sans s'écouter ni échanger, on répond par mail sans se connaitre en distribuant provocation, agressivité, conseils ou effets d'annonces (regardez les commentaires des blogs pour vous vous en convaincre) tout en restant derrière notre écran. On gesticule dans son coin sans parler à qui on veut s'adresser. Tout cela amène a un sérieux rétrécissement de l'échange.
Il en résulte une musique dure qu'on écoutera avec attention en concert et même avec passion pour peu qu'on nous expose l'idée de départ. Le fait que le groupe ait enregistré dans une salle, à la Dynamo d'Aubervilliers, sans public explique peut être cette sensation de distance et de flottement entre les intervenants et par conséquent dans la musique. Comme si l'énergie et l'intérêt de la musique s'atténuait entre la scène et la console d'enregistrement; parce qu'il n'y a personne entre pour la capter, la dynamiser, la secouer, l'encourager, la fantasmer. Et cela, les musiciens du trio l'ont subi et cela s'entend: il n'y a pas de résonance symbiotique dans la musique.
Jérôme Gransac

Bruno Costemalle

TSF  Jazz

Nova Editions 2009 ;  138p

  Un petit ouvrage paru dans la collection de TSF Jazz sous la férule de Bruno Costemalle pour raconter un jazz fait d’anecdotes et de petites histoires décalées.  Pas l’histoire du jazz mais juste des petits faits souvent ignorés. Vous, les érudits saviez certainement que Fats Waller avait été kidnappé par les gangsters de Chicago pour venir jouer, un flingue sur la tempe à l’anniversaire de Capone. Mais saviez-vous ainsi que Richard Nixon avait fait la mule pour Louis Armstrong ? Vous saviez certainement que Phil Woods était si parkérien qu’il était aller jusqu’à épouser Chan, la femme de Bird.  Mais saviez-vous que Mussolini avait un fils, Aldo qui était pianiste de jazz ( le « Romano Mussolini all stars », pas moins). Et la curieuse histoire de Dorothy Lucille Tipton qui dans le monde un peu machiste du jazz des années folles réussit toute sa vie à se faire passer pour un homme jusqu’à épouser 5 épouses successives et crédules, vous la connaissiez ?

58 petites histoires amusantes du jazz vues par la toute petite fenêtre, par une bien réjouissante lucarne et qui se terminent par un quizz (trop facile !) pour tester votre culture du jazz.

De quoi passer pour un érudit à bon compte.

Bruno Costemalle est l’ancien rédacteur en chef de Nova Magazine et redac chef de l’émission « La Boîte à musique » de Jean-François Zygel. Sur le mê mde il avat déjà publié «  Mais où est passé le crâne de Mozart » en 2007.

circum disc 2009

 Circum, association lilloise à la Malterie  qui a créé son propre label, dispose d’une formation plus étoffée, un de ces grands formats, créé dans  le contexte pourtant difficile  du big band  jazz . Le ravissement est donc le deuxième album sous le nom de Circum grand orchestra, après un premier qui avait déjà fait forte impression. Créé officiellement en mars 2000,  l’ensemble qui défend et met en pratique une expression et esthétique communes, accueille toujours  des invités de la scène jazz et improvisée, et réunit la même troupe, exemple d’une belle fidélité en la matière : Sébastien Beaumont (guitare), Julien Favreuille (sax ténor) , Jean Baptiste Perez (saxo alto), Christophe Hache (basse), Christophe Motury et Christian Pruvost (trompette), le batteur Jean Luc Landsweerdt, Nicolas Mahieux (contrebasse), tous trois membres de l’ ONJ Barthélémy.. Plus présents que jamais, on retrouve les frères Orins, Peter,  l’un des deux  batteurs de ce disque et Stephan le pianiste de la formation,  le guitariste compositeur de la plupart des titres Olivier Benoît ( à l’origine de la conduction hallucinante d’orchestre avec gestuelle consignée  et improvisation collective de la troupe nordiste « La pieuvre » découvert pour notre part à LA  MAROQUINERIE en 2004, lors d’un festival Grands formats XL ) .

On continue à apprécier ce collectif engagé, à l’ancrage nordiste, aimant cet attachement à la terre natale et à la région lilloise, alors qu’il est si difficile de vivre au pays.  L’album peut s’entendre d’une traite : une suite rythmée illustrant le court livre de Marguerite Duras, « Le ravissement de Lol V. Stein ». On entend alors en écho une sorte d’opéra rock contemporain avec un big band  fiévreux, très cuivré et musclé ( 5 souffleurs bien allumés, une section rythmique doublée et deux guitares très électrisées, divinement saturées). Le type de formation que l’on aime évidemment, avec un son ample, magnifique, généreux et personnel, des ruptures de rythme fréquentes, des accélérations précises et brutales, une urgence de la musique qui s’impose  dans ce théâtre de mots baroques. Les douze instrumentistes sont tous formidables et ne se privent pas pour poser à tour de rôle quelques beaux chorus : il faudrait tous les citer, et aussi pour leur jeu d’ensemble dévoilant de splendides unissons. Les amateurs de fines textures, et de recherches sonores, épris de jazz contemporain et de rock progressif  seront vite conquis par l’enthousiasme, l’énergie, la libre circulation d’une  écriture très construite qui laisse place à des improvisations de haut vol. Les arrangements soutenus et tirés au cordeau,  la « mise en scène » impeccable concourent à une dynamique d’ensemble cohérente et lisible. Plongez vite dans un spectacle total, et allez donc découvrir rapidement cette machine à swinguer troisième millénaire…

Sophie Chambon

www.myspace.circum

Stéphan Oliva (p), Claude Tchamitchian (b), Jean-Pierre Jullian (dm).

La Buissonne/Harmonia Mundi – 2009

Quel bonheur de retrouver en studio le pianiste Stephan Oliva dans un projet en trio (neuf ans après « Fantasm » avec Bruno Chevillon et Paul Motian). Un trio qui lui tient particulièrement à cœur puisqu’il s’agit de la formation avec qui il enregistra son premier album (« Novembre » en 1990 pour le label Owl) avec déjà l’ingénieur du son Gérard de Haro, qui participera d’ailleurs à l’élaboration de la plupart de ses disques. Des retrouvailles autour d’une forte amitié, doublée d’une évidente connivence musicale, participent à ce projet où la musique évolue librement et très naturellement, propulsée par une interaction quasi télépathique entre les trois musiciens. « Stéréoscope », un titre d’album qui évoque la photographie en relief : un espace en 3 D où chaque musicien, à part égale, apporte une profondeur de champ poétique aux compositions belles, fines et subtiles de Stephan Oliva. Une ambiance mélancolique et délicate au son feutré pour une musique de chambre intimiste, envoûtante et magique (« Stéréoscope », « An Happy Child » ou « Cortège »). Quelquefois, le tempo est plus enlevé, comme dans le tourmenté « Labyrinthe » où l’on se perd, à bout de souffle, au rythme haletant de l’inventive batterie de Jean-Pierre Jullian ou « Cercles » avec un Claude Tchamitchian très véloce pendant l’exécution d’un frénétique chorus endiablé. Douze morceaux assez courts, comme autant de pépites oniriques, sombres ou rayonnantes, mais qui vous vont toujours droit au cœur, au plus profond de votre sensibilité.

Plus Loin 2009

Thomas Savy (clb), Scott Colley (cb), Bill Stewart (dm)

Tous ceux qui connaissent un peu le parcours de Thomas Savy ne s’attendaient certainement pas à trouver le jeune clarinettiste basse engagé sur le terrain de ce qui fait son dernier album. Si l’on restait avec le cliché d’un jeune musicien propre sur lui, genre musicien pour compositeur, plus porté sur la mélodie et le travail sur les harmonies que sur l’improvisation libre, on découvre ici chez Thomas Savy une sauvagerie à laquelle on n’était pas habitué. Thomas Savy c’était pour nous un musicien au service de l’écriture raffinée, classique et policée. Son précédent album (« Archipel » paru en 2006 chez Nocturne) s’inscrivait d’ailleurs dans une ligne compositionnelle où les mélodies étaient portées par une écriture très personnelle et émouvante parfois inspirée des grands compositeurs français du début du siècle dernier.

S’exprimant exclusivement à la clarinette basse, on découvre ici le nouveau visage d’un musicien totalement libéré. À découvert pourrait-on dire. A la fois sauvage, brut, voire un peu brutal, ensorcelant aussi dans sa façon de s’immoler avant de faire rendre gorge à son instrument pour sortir de celui-ci toutes les sonorités possibles : du grave le plus soyeux à l’aigu le plus tranchant, du murmure velouté au cri rauque jusqu’à la finesse d'un Paul Desmond si celui-ci avait tâté de la clarinette basse ( part IV a. E & L).  Danse de sorcier, improvisant une musique parfois incantatoire (Part VI. Stones), flirtant avec une inspiration presque free, rocailleuse dans le lâcher prise où il est question à la fois d’abandon que du parfait contrôle de sa musique. avec un lyrisme mordant et rauque à la manière des écorchures d’Ayler. Mais  Thomas Savy donne aussi dans le dénudement comme dans cette version profonde de Come Sunday de Duke Ellington, dépouillée de toute fioriture. Autre moment fort, cette magistrale construction de Lonnie’s Lament dont on suit la saisissante impro qui se termine dans un crescendo que n’aurait certainement pas renié Eric Dolphy lui-même.  Thomas Savy sans se laisser aller aux pièges d’une vaine virtuosité, impressionne et bluffe son monde par sa maîtrise exceptionnelle de l’instrument alliée à un placement rythmique toujours au plus près du swing. Thomas Savy qui, paraît-il ne supporte pas le jazz West Coast livre ici, avec ce « French Suite », un album paradoxalement très new-yorkais. Il est vrai que pour cet album enregistré à Brooklyn, le clarinettiste s’est entouré de deux musiciens de haute volée pour qui il a spécifiquement composé : Scott Colley à la contrebasse et un Bill Stewart  hallucinant. Bill Stewart bien plus qu’un coloriste, un metteur en relief, un metteur en scène, un metteur en espace faisant tonner les cymbales en contrepoint des envolées du clarinettiste.. Un volcan en ébullition perpétuelle. Bill Stewart ce sont tous les espaces qui s’ouvrent, la musique qui trouve une autre vie. BiIl Stewart ici c’est le feu jeté sur la braise. Scott Colley quand à lui c’est une large palette de sons et la profondeur d’une rythmique entêtante et chevronnée, indéfectible. La ligne à suivre lorsque son camarade, à la batterie se lance à l’assaut d’improvisations vibrantes et éclairées.

Thomas Savy fait du jazz. Pas du jazz pour faire semblant. Du jazz que se racontent les hommes qui entrent en studio. Où il n’est question que de mettre ses tripes sur la table  et où tous les mièvres, les mous et les faiseurs d’illusion sont priés de sortir.Dans la chaleur de ce studio du côté de Brooklyn, ces trois-là n’avaient certainement pas l’intention de tergiverser. Pur moment de vérité. 

Jean-Marc Gelin