CamJazz 2008




L'artiste qui surprend l'amateur de quelque discipline que ce soit peut s'assurer d'une chose : il a réalisé du bon travail. Il aura contribué à  des moments de bonheur, seraient-ils fugaces. Avec Solal, on est servis. La surprise devient carrément un concept. Chaque note de ce dernier CD est tellement imprévisible que les sourcils restent relevés en permanence. Avant l'écoute, dans les notes du livret, le célèbre critique de jazz américain Dan Morgenstern nous prévient. Il décrète Solal l'un des plus grands pianistes de l'histoire du jazz. Les dix morceaux du trio du pianiste, dont trois standards, iraient plutôt dans son sens. Son jeu époustoufle à  un point tel, il emprunte un nombre si diversifié de virages et de bifurcations, qu'il vaut mieux abandonner le projet de garder une respiration normale pendant trois quarts d'heure. Les idées fourmillent, les mélodies se multiplient, les rythmes se transmutent, puis comme un bateau qui aurait tangué jusqu'au point limite, revient après le cyclone à  leur exposition initiale. C'est vertigineux, swinguant et porteur d'émotions. Ajoutons que le choix de ses accompagnateurs encourage les raids de Solal.

La complicité surnaturelle de François et Louis Moutin (respectivement contrebasse et batterie) déteint sur le leader. Le jeu d'ensemble permet à ce dernier de décomposer encore davantage son assise rythmique, comme dans ce bijou déconcertant : Bizarre, vous avez dit ? Interlocuteurs idéaux, les jumeaux, d'une réactivité confinant à  la vitesse de l'éclair, caressent les acrobaties et portent le style du funambule au niveau du grand art. Enfin, il convient sans doute de mettre au crédit des Moutin d'avoir rendu une expression unique encore plus lisible. On le goûte avec une joie renouvelée. Morgentern a l'oreille du pro. Il a raison : aucun musicien au monde ne propose un itinéraire de cette qualité. Bruno Pfeiffer

Yolk Records 2008

Mais où est passé Francis ? On le cherche partout, vous l’avez croisé ? Rires incontrôlés lorsque l’on s’aperçoit qu’il s’agit tout simplement du pseudonyme du leader de cet atypique collectif. Inutile d’expliquer que Francis Ripolin doit son nom à un produit si cher aux peintres du bâtiment. Il est en fait question du saxophoniste François Ripoche qui s’est entouré de Gilles Coronado à la guitare électrique, Christophe Lavergne à la batterie et Fred Chiffolleau à la contrebasse. Pour un second album plus acoustique dans l’instrumentation, il faut noter aussi l’aimable participation du chanteur trublion Philippe Katerine. Cette sulfureuse équipe de joyeux lurons se devaient d’introduire farouchement ce disque par une sorte de tango, « La Paloma », libéré de toutes traditions castratrices. Plusieurs ingrédients rehaussent la sauce épicée de cette tambouille avec par exemple des rythmiques bissextiles, un timbre acidifié d’une guitare déjantée, un saxophone fou de bruitages. Par la suite, impossible de rater l’enfantine revisite des tubes interplanétaires de la variété que sont « Capri c’est fini » d’Hervé Vilard ou encore « L’idole des jeunes » de Johnny, avec l’incontournable féminité décalée de la voix de Katerine. Décidément, personne ne se prend au sérieux d’un bout à l’autre du disque, ce qui oblige l’oreille à rester attentive aux blagues qui se suivent et ne se ressemblent pas. En témoigne l’immense interaction entre les protagonistes lors du remarquable « I touch, I break, I pay ». A noter aussi l’incontrôlable déhanchement que provoque un des morceaux portant si bien le nom de « Oliver Twist ». Transporté par cette dangereuse folie musicale qui s’empare sans vergogne des styles de Musique populaire comme le Funk ou la Bossa-nova, il est inévitable d’être touché à vif par le talent énorme qui émane de chaque instrumentiste, dédiant chacun leur personnalité à l’homogénéité du groupe. Si l’analyse osait être approfondie, en dépit du résultat final, il s’agirait de remarquer l’héritage jazzistique du saxophoniste qu’il s’amuse à décortiquer, de trouver la subtile utilisation percussive de tous les bruits que peut offrir une batterie, d’être frappé par l’électrique étrangeté des effets soumis au son de la guitare. Mais comment définir l’indéfinissable avec de simples mots. Ce projet devient génialissime à travers une autre reprise, « Le douanier Rousseau », emplie une nouvelle fois de second degré par la voix bucolique de Katerine. Cette constante plaisanterie développe sa fabuleuse envergure à travers le coté brut du son, comme un peintre userait des matières premières que sont les couleurs dont il dispose. En d’autres termes, l’absence du souci de l’apparence laisse place à un humour pittoresque redoutable. Ce collectif déjanté est à découvrir avec l’urgence de la créativité que la scène demande à ceux qui la foule. Tristan Loriaut

 BRIan BLADE & the fellowship band– «Season of change »

Verve 2008

Brian Blade est à 38 ans l’incarnation de ce jazz actuel qui va de David Binney à Mark Turner ou Chris Potter. Batteur prodige, on l’entend notamment aux côtés de Wayne Shorter, de Joshua Redman et d’une manière générale de tout ce qui compte Outre-Atlantique. Avec Clarence Penn, Nasheet Waits ou Jeff Tain Watts il représente véritablement une quatrième voie de l’instrument. Celle qu’il explore tout au long de cet album porte la marque des ses propres influences musicales qui se situent exactement entre un jazz post Shorterien et une pop minimaliste. Influence que l’on retrouve d’ailleurs chez ses camarades de jeu à tel point que l’ouverture de cet album semble nous replonger dans le dernier opus de Dave Binney tant les esthétiques sont proches. Mais l’album remarquablement (trop ?) produit et artistiquement co-dirigé de main de maître par Hollis King (Directeur artistique de Verve) mais surtout par Blade lui-même suit une progression ultra scénographiée qui l’emmène ailleurs. Une véritable dramaturgie s’installe qui se perçoit à l’écoute de l’album dans sa globalité. Des solistes exceptionnels, qu’il s’agisse du saxophoniste alto Myron Walden (très impressionnant) ou de Rosenwinkell qui affiche ici un jeu plus Methenien qu’à l’accoutumée, participent à ces crescendi portés à leur paroxysme. Une fois n’est pas coutume ce sont eux qui révèlent l’intensité incandescente du jeu de Brian Blade maître dans l’art de la mise en tension. La construction d’un morceau comme Return of the Prodigal Son  avec ses trois étapes (le départ libérateur puis le tumulte et enfin le retour) est admirablement et intelligemment posée. Cette musique prend alors au fur et à mesure de l’album une dimension presque mystique dans son incandescence voire carrément religieuse (Improvisation ou Alpha et Omega). C’est un peu comme si, ce fils de pasteur redécouvrait alors une autre mystique Coltranienne, bien loin dans la forme mais si proche dans l’inspiration. Dans l’élévation autant que dans le tumulte. Jean-Marc Gelin

 Candid2008


 

Les bienheureux, vous là qui habitez sur la Côte d’Azur, vous auriez peut être pu nous prévenir qu’il y avait quelque part nichée du côté de Nice, une jeune pianiste totalement et injustement méconnue sous nos nordistes latitudes ! Et il faut bien rendre hommage à Sir Ali de venir aujourd’hui la propulser sur le label Candid tant on est heureux de découvrir cette jeune pianiste.

On passera rapidement sur une promo qui se hasarde à vouloir absolument créer un lien entre la musique de Ryoko et la musique française du début du XX° siècle, pour ne retenir que l’essentiel. Cette jeune pianiste japonaise qui vit en France frémit de grâce et d’énergie. Apporte une grande bouffée d’air frais et carrément printanier dans un exercice qui prend trop souvent des airs contrits d’introspection douloureuse. Rien de cela ici. Car Ryoko virevolte avec autant de grâce que de légèreté dans les haut de son piano. Aussi délicate que franche dans ses attaques du clavier. Rebelle à tous les formats préétablis du trio, la jeune pianiste se révèle d’une très grande inventivité dans le parcours de ses propres thèmes (elle y signe 8 compositions sur 11) marqués parfois par de véritables et astucieux revirements. S’appuyant aussi sur des mélodies simples (qui peuvent évoquer Ravel – à la limite) elle semble faire danser son piano avec l’insouciance d’une personnalité forte et libre (Bonsaï bop). Et ses clins d’œil à son Japon natal qui peuvent revêtir un brin de nostalgie ne s’y font jamais caricaturaux ni lourds de mélancolie. C’est au contraire avec une très grande sensibilité que Ryoko passe d’un jeu dense où virevoltent de mutines arpèges à l’inspiration de thèmes où la musique s’aère et se donne le temps de respirer (Ryoko@ravel ou ce très beau et très zen Sketches of Japan). L’insaisissable pianiste a déjà tout appris. A l’heure où beaucoup de jeunes trios hésitent entre la face Meldhau ou la voie Svensson, Ryoko affiche a contraire une vraie personnalité. Déjà son jeu raconte une expérience vécue entre la France et la Japon. Elle nous en livre ici quelques clefs bien captivantes. Avec la vraie fraîcheur d’un jeu totalement décomplexé                                             Jean-Marc Gelin

 « Praxis », terme issu de la langue grecque signifiant « action », désignant l'ensemble des activités humaines susceptibles de transformer le milieu naturel ou de modifier les rapports sociaux. C’est sous ce nom que Laurent Stoutzer intitule son troisième album, tout comme le quartet qu’il constitue, il y a maintenant une poignée d’années. Après le remarqué « El Ojo De Tempestad » en 2003 aux cotés d’un certain pianiste Yaron Herman, incroyable prodige israélien, il revient accompagné par un autre grand talent des touches noires et blanches, le non moins célèbre Benjamin Moussay. À noter aussi, la présence à la contrebasse d’Arnaud Cuisinier et à la batterie de Luc Isenmann. Ce disque commence par un thème modal aux résonnances diverses (« Phantomatic »), au fil des solos du guitariste et du pianiste. Dans cette comptine se décline une sensibilité commune au sein d’un quartet dédié aux étirements harmoniques. C’est dans le second morceau, « Ishima Iwa », que la fusion explosive prend sa place, avec pour objet principal une incroyable envolée accomplie par l’archet de la contrebasse, doublée d’un effet de distorsion. Il en va sans dire qu’un certain esprit Pop-music se dégage d’une telle instrumentation. C’est ensuite par un troisième morceau, « Mayana », que la mélancolie fait son apparition, dans toute sa splendeur, Blues compris. On peut d’ailleurs subtilement y remarquer certains stop-chorus en duo batterie-soliste, offrant un régal rythmique. Remarquable dans chacune de ses exécutions, Benjamin Moussay égraine les mesures tel un habile mélodiste, éblouissant par son talent chaque prise de risque. Il n’en est pas moins des autres instrumentistes lorsqu’on écoute le reste du disque, d’une oreille nostalgique des célèbres opus du guitariste John Abercrombie chez ECM. Une ambiance proprement feutrée, un style épuré de la composition, un talent et un travail énorme de la spontanéité. Au cours de la cinquième composition, « Stygmates », se révèle enfin un récitatif coltranien diaboliquement conçu dans un désordre contrôlé. De romanesques effluves nappés de digressions sonores nous invitent à méditer sur la révolte qui sommeille en chacun de nous-mêmes. Un pur moment de folie, toujours dans un souci permanent de l’idéal. On y ressent d’ailleurs cette éternelle frustration que le clavier ressasse à travers sa caractéristique tempérée que cet instrument est obligé de proposer. Comme pour se rattraper, c’est un cri qui nous vient de ce même clavier, aux limites de l’inaudible, magistralement construit au fil de la montée du volume, tel un réveil de volcan. Désormais chamboulé par ce voyage de neuf minutes au pays du délire intense, il faut retrouver ensuite le coté serein et poétique de la Musique de ce quartet. La générosité de ces protagonistes est sans fin, sans failles. La question se pose lorsqu’il faut imaginer combien de jours de studio il a fallu pour réaliser un tel travail de prise de son, de mixage et de mastering. Malheureusement, impossible de connaître la date d’enregistrement ainsi que le nom des compositeurs, la pochette du disque ne stipule aucunes indications dans cette voie. Un oubli grossier dont on ne tiendra pas rigueur aux acteurs de ce road-movie sonore aux couleurs aussi étranges qu’épurées. Un dernier morceau referme l’album sous le nom de « Duo », cassant une nouvelle fois les esthétiques en proposant une autre approche sonore, en hommage aux riffs fracassants des guitaristes de Pop-Rock. Un album aux facettes aussi multiples que somptueuses. À quand les concerts ? Tristan Loriaut