"je souffre lorsque quelqu’un ne comprend pas ma musique"
Martial Solal me reçoit chez lui, à Chatou, en plein été 2003. La maison achetée il y a vingt ans, se dresse au fond d'un jardin ombragé. Le pianiste sait se servir de ses mains. Il l'a retapé lui-même. Il me met immédiatement à l'aise avec une pointe d'humour : 'j'avoue avoir pris quelques coups de marteau". L'humour est un des grandes portes d'entrée de l'univers Solal.
DNJ : Certaines voix se sont levées pour qualifier votre musique de fermée. Votre réaction ?
Martial Solal : C’est bien le problème. On ne rentre pas dans ma musique aussi facilement. Écouter ma musique demande du temps : cela s'apprend. Une seule écoute ne suffit pas pour une oeuvre. Beaucoup d'auditeurs passent à côté. J'ai toujours refusé la manifestation gratuitement ostensible du feeling. Je camoufle ma pudeur derrière l'intelligence du jeu et le refus de la banalité. Quand la sensualité d'une musique se montre avec trop d'évidence au premier degré, elle perd très vite de son charme. Je souffre lorsque quelqu'un ne comprend pas ma musique. C'est une souffrance à gérer. Ceci dit, je fais tout pour que le public rentre dans ma musique. Je ne recherche pas la complication, et je peux vous assurer que les classiques qui m'Écoutent ne trouvent aucune sophistication dans mes morceaux! J'ai un penchant pour l'histoire du jazz. Je la parcoure de A à Z... et de Z à A! J'adore le Dixieland. J'adore Fats Waller. J'ai joué avec Bill Coleman et Michel Attenoux. Chaque fois que je l'ai pu, je suis allé Écouter Duke Ellington. La première fois, c'était en 1963 au Hickory House, un club de New-York. J'y ai joué par la suite, et Teddy Wilson est venu discuter à plusieurs reprises. Personne n'a d'arguments pour reprocher à ma musique de manquer de fondations! Il est vrai que le jazz a tellement Évolué que beaucoup de gens les ont perdu les fondations de vue.
DNJ : Que disent les Américains de votre musique ?
Martial Solal : dès ma première venue à New York, ils se sont demandés comment il se faisait qu'un Européen joue à ce point comme un Américain. Ce n'était pas le commentaire que j'espérais à vrai dire. Je jouais déjà dans mon style. Je n'ai pas voulu honorer tous les contrats qui se présentaient à Chicago ou dans les autres États. Mon fils était resté en France; il me manquait trop. Et tout bien considéré, je n'étais pas entiché de leur façon de vivre. On peut évoluer loin des USA... J'y suis retourné ces dernières années, au Lincoln Center notamment. Les critiques ont évolué. Ils saluent maintenant le côté exotique de ma musique. Celui du Times a insisté sur : "un niveau dont les meilleurs pianistes américains ne peuvent même pas rêver aujourd'hui".
DNJ : Que retenez-vous des USA ?
Martial Solal : J'ai apprécié le public du jazz. Ils connaissaient tous les standards. Ils prenaient beaucoup de plaisir aux concerts. Les salles étaient remplies d'habitués. Mais aujourd'hui c'est pareil en Europe. Si j'avais un conseil à donner : ici les Étudiants en jazz devraient travailler davantage leurs standards.
DNJ : Quel est votre format préféré ?
Martial Solal : Le trio, c'est le plus facile. Surtout avec les Moutin... Le duo est contraignant. Le solo, comme sur Solitude, est très physique. Le soliste se retrouve exactement dans la solitude du coureur de fond.
DNJ : Quelle est la particularité de votre musique quand elle est interprétée par un big band ?
Martial Solal : L'improvisation. Les parties écrites sont importantes, certes, mais si le morceau change complètement, c'est à cause des parties improvisées. Il n'y a pas de véritable règle, cependant.
DNJ : Comment enregistrez-vous ?
Martial Solal : Très vite. Je me souviens du duo avec le trompettiste Dave Douglas. On a mis les morceaux en boîte en une après-midi à peine. Quand je vois les reportages sur les groupes de rock qui annoncent avec fracas qu'ils s'enferment un mois en studio, et dont le résultat est beaucoup moins élaboré que ma musique, je trouve la démarche malhonnête. C'est tout juste s’ils changent quelques notes par rapport à leur précédent disque... Douglas et moi avons décidé au préalable de la répartition des compositions (trois chacun), on joue et on s'en va. La seule association avec lui m'a stimulé. Le duo fait partie d'un contrat de trois disques avec CamJazz. (Voir chronique du dernier - Longitude - plus haut).
DNJ : Lee Konitz vous a reproché de ne pas suivre sa musique dans les duos ?
Martial Solal : Oui, je sais. Il s'agit d'une interprétation hâtive de son propos. Lui joue au fond du temps. Cela comporte le risque de ralentir le tempo. Nous ne prenons pas le tempo au même moment. C'est une question de dixième de seconde. A sa grande époque du Cool, il jouait plus technique. Le débat ne l'empêche pas de m'appeler le "Tatum moderne". Chaque fois qu'il joue à Paris, il vient dîner dans le salon où vous êtes assis. Nous avons le même âge et la même histoire. C'est un mélodiste inouï¯. Chacun de ses morceaux est une chanson.
DNJ : Quel pianiste français vous séduit le plus ?
Martial Solal : Jean-Michel Pilc.
DNJ : Ah oui ? Et il est encore jeune
Martial Solal : N'exagérons rien... il n'a pas 18 ans ! Toutefois il détient un univers qui ne ressemble pas aux autres.
DNJ : Les titres de vos morceaux sont souvent des jeux de mots. C'est un dada?
Martial Solal : Ah oui, j'adore les chercher. Parce que pour les trouver, il faut vraiment les chercher. Je vois souvent des jeux de mots composés uniquement d'une association sonore. C'est insuffisant. Il faut deux sens à l'énoncé, sans tomber dans la facilité. Exemple sur un de mes titres : "l'Allée Thiers et le Poteau laid". Un autre exemple? Je suis allé voir un soir le spectacle de Francis Blanche. Il parlait de l'École. Il a conclu : "Pour que l'École dure, amis, donnez ! " Fabuleux, non ?
DNJ Quelle est votre définition de l'humour ?
MS Le fait de ne pas se prendre au sérieux. C'est tellement humain de se prendre en dérision. Je suis timide, mais quand il s'agit d'en sortir une drôle, je me mets toujours en avant. J'ai toujours envie de dire des bêtises. En famille, je fais le clown. Ma mère disait : "tu fais l'intéressant"! J'ai un faible pour le couple Pierre Dac/Francis Blanche, et pour les Marx Brothers. J'ai lu l'intégrale de San Antonio. Tous les 5 livres, je lis un San-A. Quelle maîtrise du style! Frédéric Dard rédige une phrase splendide, puis la tord immédiatement. Imaginez mon goût à le lire! De surcroît, ses intrigues sont toujours intéressantes. J'aime l'humour décalé, qui tord le cou à la réalité. Vian venait souvent à Saint-Germain -des Prés. Pas vraiment le type triste. Il ne pouvait pas s'exprimer sans faire de calembour. Je déteste l'humour qui critique les autres.
DNJ : Quelles sont pour vous les autres qualités importantes ?
Martial Solal : A vrai dire, l'humour représente davantage qu'une qualité. Cela fait partie de la vie. La gravité me paraît importante, dans la musique notamment. Je n'aime guère le mélange des genres, mais gravité et humour peuvent se côtoyer en alternance dans un même morceau.
DNJ : Que pensez-vous des critiques de jazz?
Martial Solal : Voici le cliché que je lis le plus souvent : "Solal ne joue pas ce que l'on attend". Avec la répétition, le propos perd un peu de sa saveur. Je joue certes sur la surprise, mais je découvrirais avec joie d'autres appréciations.
DNJ : On dit que vous travaillez l'instrument du matin au soir. Est-ce le cas ?
Martial Solal : Oui, le travail permet d'acquérir son contrôle total. Pour improviser, il faut penser vite et posséder la technique. Alors dans ce cas, la création est vraiment instantanÉe.
DNJ : Merci Martial pour les propos. J'aimerais que vous me dédicaciez ce vinyle, "Jazz à Gaveau", enregistré en 1962 avec Daniel Humair et Guy Pedersen. C'est mon préféré.
Martial Solal : Bien sûr. C'est ce qu'il y aura eu de moins fatiguant à faire aujourd'hui. Bruno, cela s'Écrit bien B-R-U-N-E-A-U ?
DNJ Oui, Martial
Propos recueillis par « Bruneau » Pfeiffer
In Circum girum/ socadisc
vu par Sophie Chambon JJJ vs Jérôme GransacJJ
Par Sophie Chambon : JJJ
On connaît depuis longtemps la précision du batteur percussionniste François Merville, avec les albums de Louis Sclavis (en particulier dans L’affrontement des prétendants de 99). A la tête d’une nouvelle formation, un quartet très électrique, Merville rend hommage à l’univers décalé et joyeux d’Hermeto Pascoal, poly instrumentiste fou, vraiment inclassable, Brésilien attaché aux folklores de son pays qui introduisit dans des mélodies superbes tous les ingrédients de l’époque : fusion, free, avec indéniablement ce sens du rythme et des couleurs propres à la musique sud américaine. François Merville s’appuie sur des succès de ce maître du Nordeste, qu’il réarrange de façon inventive tout en fournissant de nouveaux titres. Le groupe de François Merville donne une impression de liberté créatrice parfois un peu troublante dans certaines digressions. Mais incontestablement, cet univers musical foisonnant, a sa cohérence : sons et timbres, effets électroniques, rock et musiques improvisées se mélangent en un patchwork coloré, hybride vigoureux et ludique. La guitare « post moderne » de Gilles Coronado et les saxophones de Christophe Monniot mènent la danse dans cette déconstruction foisonnante, actuelle, alors que le bassiste Le Moullec impulse des accents très rock (« O silencio è de ouro »). Monniot assume parfaitement l’art subtil de la transition au sein d’un même titre : suave et fondant au baryton, il sait aussi enchaîner dans la plus belle tradition du swing, puis nous prendre à contre oreille en sortant ces drôles de sons un peu bizarres, ces couinements dans Bebê ou Crianzas. Il est enfin formidablement festif sur le délicieux Chorinho pra ele que nous avons tous en mémoire (sans savoir même que c’est du Pascoal). L’album s’achève sur Nem um talvez qui avait séduit ce diable de Miles sur son Live Evil, fidèle à l’esprit original, dans son calme inquiétant. Tout en se frayant un chemin au cœur de tous les possibles, ô Mago Ermeto entraîne au cœur d’une jungle bruitiste, très expressive pour les Européens raisonnables que nous sommes. Et il faut remercier le label indé In Circum Girum de se prêter à cette nouvelle aventure.
Par Jérôme Gransac : JJ
Comme beaucoup de musiciens, le batteur François Merville rend hommage au multi-instrumentiste brésilien Hermeto Pascoal. Celui qu'on appelle « le sorcier », « le magicien » ou « le champion » aura influencé, et influence encore des générations de musiciens. Adepte pratiquant des musiques polyrythmiques complexes mais transcendantes, ce musicien génial est finalement assez méconnu du grand public européen (en tout cas pas assez au regard de sa valeur réelle). Sa musique défie toute tentative de catégorisation et mérite d'être étudiée dans toutes les écoles de musiques. Il était donc logique que le batteur et percussionniste François Merville s'intéresse à l'artiste et son oeuvre; ce qui se concrétise par ce CD paru chez Circum Girum. Il est constitué de quatorze pièces dont cinq composées par Merville; les autres sont de Pascoal et presque toutes réarrangées par Merville. Elles sont soit très courtes (de 20 secondes à deux minutes) soit de durée habituelle (deux titres font plus de 8 minutes) pour une durée globale d'une cinquantaine de minutes. Tout de suite, on remarque que les pièces de durée « normale » sont très écrites, leur arrangement est européanisé et leur structure offre aux musiciens de larges places d'improvisations. Les pièces courtes sont plus expérimentales et atmosphériques, moins écrites et plus contemporaines dans leur style. Composées par Merville, elles servent d'intermèdes entre les pièces plus longues. Pour être clair, la musique de Pascoal est excellente et très bien jouée dans ce contexte. Mais on est dubitatif quant à l'aboutissement de ce projet. De part sa structure (alternance de pièces courtes et longues), la musique de ce cd s'apparente à une suite mais n'en a ni la consonance ni le recul nécessaire. En fait, l'enchaînement des pièces se fait sans réelle texture identifiable et sans fil conducteur évident. Par ailleurs, un gros travail de post-production a été réalisé; il a peut-être contribué à dénaturer la musique. Merville s'est entouré de Gilles Coronado, toujours créatif à la guitare électrique, et Christophe Monniot aux saxs, qui se révèle plus sage que d'habitude dans son expression. Ajouté à cela, l'utilisation légère mais habile de l'électro confère à la musique un regard résolument moderne. Or on distingue deux atmosphères. Dans la première moitié du CD, la musique est entraînante. On se repasse même des passages en boucle car l'instrumentation est solide et joyeuse. Sorti de son contexte, un morceau comme Era Pra Ser e Não Foi est purement sublime. Côté instrumental, les sonorités des instruments acoustiques, électriques et électro s'harmonisent bien et les musiciens sont inspirés. Mais dans la deuxième moitié du cd, des sonorités empruntés aux années 70 (on pense à Magma) et des envolées bruitistes noircissent le tableau et ne sont pas bienvenues à l'oreille. Sur O Silencio è de Ouro » ou Chorinho pra Ele, on se demande par quel cheminement elles sont arrivées là et pourquoi. Enfin, on ressent même un essoufflement de la part des musiciens en deuxième partie de CD. Cette chronique n'est qu'un avis et il est certain que d'autres oreilles et d'autres sensibilités seront touchées, voire plus, par cette relecture de la musique de Pascoal.
Mosaic 2008
Assurément, Quincy Jones, qui vient de fêter ses 75 ans est l’incarnation même d’une certaine esthétique du jazz de la fin des années 50 et 60. Musicien à la base (trompettiste), Quincy Jones s’est surtout illustré comme l’un des grands chefs d’orchestre de cette période. Il est vrai qu’à l’instar de Basie, pour qui Jones a d’ailleurs écrit, notre homme a su regrouper autour de lui, la fine fleur du jazz américain et citer tous ceux, immenses, qui se sont croisés dans ses formations relèverait du « name dropping » : Phil Woods bien sûr, Art Farmer, Zoots Sims, Curtis Fuller, Benny Golson, Freddie Hubbard, Art Blakey et j’en passe et des tout aussi bons. Tous sont passés à un moment ou un autre dans l’orchestre de Quincy avec le même état d’esprit : même pêche des sections de cuivres, mêmes solistes furieux, même sens du swing et du bon vieux blues. Les enregistrements proposés ici partent des premiers passages en studio (si l’on omet quelques autres enregistrements mineurs en 1953 et 55) réalisés en 1956 et publiés sous le titre « How I feel Jazz ». Suivent ensuite les sessions Mercury enregistrées dans les années 59/61 (« The birth of a band », « the great wide of Quincy Jones » ) avant que Quincy ne passe un court instant chez Impulse, pour y graver le mythique « The Quintessence ». Enfin cet ensemble de 7 CD se termine par deux enregistrements en « live » pris à Zurich en mars 61 et Newport en novembre de la même année. Au total près de 6 heures de jazz en grand orchestre dans la pure tradition du swing … un petit joyau de sensualité dans un écrin de velours. Perso’ j’ai une affection toute particulière pour tous les trompettistes qui se sont succédés et plus particulièrement pour le grain de folie de Joe Newman, l’homme de Basie mais surtout ici l’homme du jaillissement impossible. Mais à quoi bon vous parler d’un soliste lorsque tous se hissent à un tel niveau d’excellence ! Car on ne boude jamais notre plaisir à l’écoute de cette mécanique si bien huilée qui trace tout au long de ces standards du jazz de ces années là une route impeccable et toujours superbe. La quintessence du jazz en quelque sorte ! Jean-Marc Gelin
Yolk 2008
Attention : objet musical non identifié. Pour s’y retrouver, il y a ce que dit la musique et ce que l’on entend. Ce que l’on entend : une clarinette et une voix de femme qui se cherchent en duo, s’enlacent et se mêlent dans un dialogue fait de petites pièces dont on ne comprend pas toujours le sens mais dont la trame reste toujours d’une extrême simplicité. Dans ce dispositif minimaliste, le magnifique son de clarinette de Mathieu Donarier sert d’écrin à la voix de Pioline Renou, tantôt lui donne le tempo par de petites pulsations régulières, tantôt la suit vers l’aigu et accompagne ses épanchements, comme son ombre portée. Une grande part de l’étrangeté de la chose - certains diront de la magie, d’autres du malaise -, tient à l’omniprésence de cette voix qui évoque par moment celle de Camille. Par ses gémissements, grincements, susurrements, feulements ou petits cris plaintifs, elle fascine et agace tout à la fois. L’extrême fin du disque fait même durer le mystère: si l’on s’avance comme nous par mégarde dans la dernière plage de l’album (Au refuge, censée ne durer qu’1.35 selon les indications de la pochette), l’on peut entendre aux alentours de la 4ème minute, médusé, une improvisation de Poline Renou, à mi-chemin entre le chant chamanique, les vagissements d’un bébé et la restitution sonore d’un accouchement. L’exercice est sidérant et dérangeant, à l’image de l’album dans son ensemble. Car si l’on ne peut qu’être impressionné par la beauté de certains climats (les réminiscences d’Afrique d’Hampe Bac, Neige, Parti en mer), d’autres moments laissent plus froid jusqu’à ennuyer parfois. Comme si l’on ne disposait pas des clés qui permettent d’entrer dans l’intimité de ce dialogue, d’en comprendre la signification. Car ce que dit la musique est complexe à saisir, l’émotion et l’agacement qu’elle provoque difficiles à décrypter. De quelle expérience veut rendre compte ce récit qui se refuse aux mots ? Aucune parole n’est prononcée tout au long de l’album, à l’exception d’un poème écrit par Mathieu Donarier, dans un morceau qui n’est pas et de loin le meilleur de l’album. Les signes Écrits ou dessinés abondent pourtant sur la pochette, magnifique : petits dessins minimalistes de Mathieu Donarier, fragments de textes que la musique pourrait illustrer. Il est question d’Afrique (Hampate Ba), de Garcia Lorca (Cinematograf) des films de Toni Gatlif et d’une fête tzigane triste (Cinematograf), d’esclavage (Yoruba), de survie (Yoruba), de voyages (Au refuge) et de marins (Parti en mer). Ce pourrait être la musique d’un film de désert et de côtes ou la bande son d’un Corto Maltese d’Hugo Pratt. Les liner notes signalent que les écrits de l’écrivain voyageur Nicolas Bouvier ont accompagné les musiciens tous au long de la création de l’album. Ce qui confirme ce statut de musique pour voyages imaginaires. Trois au moins de ces cartes postales sont magnifiques : l’introduction poignante de Cinematograf, où le chant tzigane presque Klezmer de la clarinette s’étrangle dans les yous yous de la voix ; le souffle et les claquements de Hampate Ba ; la comptine angoissée qui s’éteint peu à peu de Hopscoch. Le reste intrigue toujours, séduit parfois mais laisse, on l'aura compris, perplexe aussi. Loïc Blondiaux
Vents d’est 2008
Les duos de saxophone et de Piano sont toujours des moments exquis pour peu qu’il y ait une réelle entente entre les deux protagonistes. Condition sine qua non sinon fiasco assuré. On se souvient de quelques grands moments comme le duo de Stan Getz et Kenny Barron (pour moi un des sommets du genre) ou plus récemment celui de Joe Lovano et de Hank Jones et tant d’autres. Pas plus tard que l’autre jour nous entendions Jean-Marie Machado faire de la dentelle avec Dave Liebmann. Et il est vrai que ce genre de rencontre se situe toujours sur le terrain de l’exigence tant l’exercice est difficile. Exigence d’écoute, exigence d’inspiration et maîtrise de l’improvisation. Surtout numéro d’équilibriste. Prendre sa place et laisser la sienne à son partenaire. Il faut être un grand musicien pour parvenir à un tel subtil dosage. La rencontre entre le saxophoniste Daniel Erdmann et le pianiste Francis le Bras ne déroge pas à la règle. Comme toujours dans ce genre d’exercice c’est un jeu de chat et de souris dont il est question avec ses moments de rencontre, ses moments de fusion, ses chassés croisés et ses distanciations. Daniell Erdmann s’y révèle comme un véritable conteur. Sans monotonie du geste. Réelle force narrative. Francis Le Bras soit au piano acoustique soit au fender, s’inscrit toujours dans la ligne de l’histoire racontée, soutient le propos, souligne discrètement le trait, en adoucit les angles. Un modérateur en quelque sorte. Les deux donnent ainsi du relief à leur discours par la juxtaposition de la raucité du saxophone et du moelleux du fender ici judicieusement associés. Créée lors d’une rencontre à Reims, cette formule séduit par sa richesse et par l’intensité d’une histoire souvent vibrante qu’ils se plaisent à nous raconter. Pas d’effets de styles ou d’atmosphères sophistiquées mais juste un moment brut de musique échangée. Jean-Marc Gelin
Plus Loin Musique / Nocturne 2008
Surprenant aux premiers abords, l’album de ce duo inattendu s’intitule tout naturellement « Two ». Enregistré en septembre 2007 par Fred Betin au « Studio 26 », publié sous le label « Plus Loin Musique » et distribué par « Nocturne », on y goûte un somptueux dialogue entre deux musiciens d’un rare talent, étonnant par sa fraîcheur. Rémi Panossian est un pianiste de 25 ans déjà expérimenté par ses différentes collaborations avec Rick Margitza, Pierrick Pedron ou bien encore Aldo Romano. La réplique est donnée au pianiste par la voix de la contrebasse de Julien Duthu, lui aussi musicien de la nouvelle génération, déjà très présent sur la scène Jazz française. Cette balade enregistrée en duo est essentiellement un recueil de compositions originales des deux protagonistes, à l’exception du dernier morceau intitulé « Le temps des cerises ». Il faut déguster cette tendre complicité comme un parfum huilé, qui n’est pas sans rappeler certaines ambiances méditerranéennes aux odeurs nostalgiques. Au-delà de vaines démonstrations techniques, sachant argumenter son discours de lyrismes démesurés, cette paire indissociable de fidèles coloristes transmet sa profonde passion à travers une vision ultra-personnelle de la musique. Chaque pièce est habitée par une histoire, à chaque fois différente au fil des plages du disque, s’appuyant le plus souvent sur une sorte de danse aussi légère que lancinante. Ces mouvements rythmiques, parfois asymétriques, sont relativement marqués par les fréquences basses de la matière sonore, ce qui permet à l’harmonie d’installer en hauteur toute la suprême beauté dont elle est capable entre les mains d’un tel duo, offrant ainsi à l’auditeur les fruits d’une connivence sans limites. Cette association prend parfois tournure d’expérimentation par le biais de l’utilisation de l’archet par le contrebassiste ou bien de l’approche manuelle des cordes du piano. Ces atypiques considérations musicales font ressortir cette permanente métaphore du rêve, et cela grâce aux reflets que met en relief la résonance des instruments, notamment dans cette improvisation décousue portant logiquement le nom de « Chasin’ The Dreams ». On y entend d’ailleurs presque par hasard une utilisation percussive et boisée des deux instruments à cordes. Selon les goûts, peut-être est-ce la meilleure manière de rendre vivant un tel répertoire, aux travers de coups sur le bois, faisant apparaître ce troisième musicien si absent du coté rythmique. Mais le choix de l’instrumentation, aussi difficile qu’il soit d’être entrepris, a le mérite d’offrir tout le charme d’une texture sonore bucolique et volatile, avec toujours pour centre ce dialogue à double sens, cette mélancolique conversation qui ne laissera personne indifférent. Tristan Loriaut
Effendi 2008
Saxophoniste français basé à Montréal, Jean-Christophe Béney sort un quatrième album avec une formation en quartet semi-acoustique (fender rhodes et piano/sax/basse/batterie) constitué de musiciens canadiens. L'album s'appelle « Pop Up » et annonce clairement l'utilisation de structures de musiques pop dans le jazz. Dès les premières secondes du CD, Béney attaque avec un morceau-chorus très coltranien que – heureusement- le groupe finit par étouffer dans une mélodie pop très bien amenée et rondement menée. Cela semble être symbolique: un signal de la part du saxophoniste? Comme pour nous signifier que cet album est orienté pop et qu'il s'écarterait des structures jazz, comme celles de Coltrane justement? Il faut dire que les compositions de Béney sont concises et facilement transposables en chansons (Béney ne fait pas de reprises). Elles empruntent à la musique pop en général tant dans l'écriture de la mélodie que dans la structure binaire/ternaire des pièces. De manière générale, les mélodies sont gracieuses, tapent à l'oreille immédiatement (« Chinese Checkers », « Pop Up ») et ont toutes leur évidence. Enfin, les chorus sont épurés et efficaces, sans verbiage « saxophonistique ». Au ténor ou au soprano, Béney ne fait pas dans la démonstration. Son jeu est posé et lyrique et marque volontairement la mélodie. Le leader adopte ainsi un style distingué qui n'écrase pas l'harmonie et la motricité du groupe. Le quartet de Béney fait penser par certains côtés à celui de Jérôme Sabbagh (avec le guitariste Ben Monder) mis à part que Béney utilise des rythmiques plus variées mais originales, comme « Chinese Cheekers » avec sa rythmique afro-cubaine sur le refrain, ou empruntées à des styles de musiques modernes et utilisés de manière diluée. La musique de Béney est moins spacieuse dans les atmosphères et plus dense dans la jouerie. Pour terminer, le quartet de Béney est soudé et présente par son jeu une version intelligente des « power quartet » actuels. Jérôme Gransac
UNIVERSAL JAZZ MUSIC 2008
Abondance ne nuit pas ? C’est ce qu’il faut espérer si l’on en juge par le caractère très prolifique de l’actualité du jazz ces derniers mois. Dans un marché du disque en crise, la production de nouveautés n’a jamais été aussi importante. Il vous suffira de jeter un œil au sommaire des DNJ pour vous rendre compte du nombre de CDs que nous avons sélectionné ce mois-ci. Productions labellisées ou autoproductions ne désemplissent pas. Idem pour le livre de jazz. Comme chaque année l’excellent festival de Jazz à Saint-Germain-des-Prés (Esprit jazz) ouvre le bal de la saison festivalière avec un programme de grande qualité. Et lorsque l’on regarde la programmation qui nous attend cet été un peu partout en France elle est, sur le papier totalement bluffante avec son lot de stars américaines et de surprises étonnantes. Tiens, pas plus tard que ce soir la rencontre inédite de Bojan Z avec Petra Magoni en hommage au double blanc des Beatles promet de nous éblouir. Pas mal non ?
Sur les ondes aussi, le jazz est en forme. Tenez, France Musique par exemple qui, Samedi 17 mai se donne exceptionnellement le temps de programmer une nuit entière (de 23h à 7 h du matin !) consacrée à Chet Baker sous la houlette de Alex Dutilh, Philippe Carles et Franck Medioni. Assez exceptionnel pour avaler ses douze cafés et rester éveiller toute la nuit.
Oui visiblement le jazz se porte bien ces temps –ci.
Quant à la nouvelle génération du jazz, elle est plus talentueuse que jamais. Ceux qui ont eu la chance d’assister récemment à des tremplins de jeunes talents, ne manquent pas d’être sidérés par le niveau exceptionnel de ces jeunes issus de l’école de Didier Lockwood, du CNSM ou d’ailleurs et qui à 20 ans à peine possèdent déjà toute l’histoire du jazz au bout de leurs doigts de musiciens déjà plus en herbe.
Alors quoi, tout serait bien dans le meilleur des mondes du jazz ? Le jazz serait-il donc plus vivant que jamais et nous n’aurions que des raisons de nous réjouir ? Pas si sûr car cette abondance de talents et donc de productions nouvelles crée inévitablement un effet de goulet d’étranglement sur le marché pourtant bien étroit et bien encombré du jazz. Et qu’y aurait-il de pire pour le jazz en particulier et la musique en général qu’une banalisation du talent ? Comment alors naviguer et avec quelles balises ?
Il est alors urgent et nécessaire d’entendre la voix des vieux doctes qui, avec l’âge deviennent d’ailleurs plus jeunes et plus mutins que réellement sages, pour nous donner encore et toujours quelques repères essentiels. Martial Solal qui, pour les DNJ s’est confié à l’oreille attentive de Bruno Pfeiffer en est un, assurément. Car Solal a ce recul nécessaire et cette distance indispensable qui lui permet aujourd’hui à, plus de 81 ans, de revenir sur le devant de la scène plus libéré que jamais. Avec cette distance qu’il est urgent d’entendre. Indispensable pour tous ceux qui voudraient survivre dans cet océan de nouveaux talents. L’entendre enfin aujourd’hui est vital pour quiconque cherche à se donner des grilles de lecture du jazz actuel.
/fdata%2F0276739%2Favatar-blog-3440632-tmpphpSz7I1o.jpeg){kind=avatar}
Les Dernières Nouvelles du Jazz
