JJJJ Joe Fonda/Ramon Lopez/Bruno Angelini : « Silent Cascades »

Konnex 2008

Surprenant. Saisissant. Il n’est pas de superlatif plus approprié pour définir ce « Silent Cascades », disque enregistré en 2005 sur le label Konnex d’un remarquable trio autour de Joe Fonda, contrebassiste américain, accompagné par le pianiste Bruno Angelini et le batteur Ramon Lopez. Dès la première « prise », si j’ose dire, l’auditeur assiste à la naissance du son, par un magma impénétrable et bouillonnant. Ce « Perpetual Motion » met en garde quiconque s’aventurant sur ce chemin improvisé. Au détour de ce sinueux chemin, allongez-vous sur la rive d’un torrent. Il pleut, la tempête s’annonce. Les oiseaux ne volent pas près du sol, ils se sont déjà réfugiés. Il n’y a que vous et le déchainement des éléments. La Musique nous rappelle parfois qu’elle était là bien avant l’Homme, partie intégrante de cette indomptable Nature qui nous entoure, encore pour combien de temps, faut-il le rappeler. Ce disque en est le plus fabuleux des témoignages. Par ce non-conformisme. Cette utilisation des contrastes et de ces couleurs savoureuses qui se goûtent. Enregistré librement autour d’un texte d’Henri Michaux ayant pour titre « Poteaux d’angles », ces trois musiciens usent de la plus savante des façons les principes mêmes de la Musique acoustique, comme par exemple dans ce morceau intitulé « Dense Crowd », où une simple feuille de papier insérée entre les cordes et la touche de la contrebasse transforme le son et donne un nouveau visage à cet instrument, d’habitude si discret. Il y a là une ahurissante recherche contemporaine de l’interaction. Sombrer sans amarres dans cet impressionnisme relève d’une très grande maîtrise de son propre art. Magnifiant chaque geste, chaque intention. Développer le rêve par la négation de toute tonalité, de toute création théorique humaine. Faire croire un instant que le calme est revenu, et repartir de plus belle dans le plus fracassant des chaos. On dirait presque que le piano n’existe pas, ou plus, que la contrebasse à disparu, que la batterie cesse d’exister pour laisser transparaitre à la place une voix intérieure, très profonde, guidé par les instincts les plus animaux, provoquant alors la résonnance de nos plus lointaines origines. Parler de Poésie serait revenir à l’humain. Ces bijoux de créativité ne peuvent subsister que dans l’aléatoire. C’est dans ce hasard que parfois l’on effleure l’intouchable, l’invisible, je dirais même le sublime. Se séparer de toute image moderne et actuelle, ignorer un instant l’abrutissante façon de vivre des êtres humains. Se concentrer à ressentir, à deviner, à réagir. Au cours de l’écoute d’un tel disque, nos sentiments sont mis à rude épreuve à travers chaque ambiance, et on en redemande. Il n’est pas nécessaire de citer des exemples qui, dans le passé, furent les avant-gardistes de cette nouvelle chose qu’était le Free-Jazz. Il est ici seulement question de l’essence même de la Nature, avec tout ce qui comporte de tortueux, d’imparfait, mais aussi de simple, d’unique. C’est un disque qui non seulement s’écoute, mais qui se vie.  Tristan Loriaut

Columbia 1956  - rééd

 A partir de 1955, Duke Ellington commence une nouvelle et dernière phase de sa carrière tout aussi foisonnante et qui illustra une fois encore combien le génie Ellingtonien s’est constamment ouvert à de nouvelles formes musicales lorsqu’il ne les créaient pas lui même. C’est ainsi que durant cette période Duke Ellington enregistra avec Mingus et Roach le célèbre « Money Jungle » ou encore le très faleux duo avec Coltrane. Mais surtout durant cette période, Duke voit dans son orchestre le retour de quelques unes de ses figures mythiques comme Johnny Hodges dans le rôle de l’enfant prodige. Les figures marquantes de l’épopée Ellingtonienne sont toujours ses solistes préférés comme ses fameux trompettistes « Cat » Anderson, Clark Terry ou Ray Nance ou encore Russell Procope éblouissant et Paul Gonsalves qui la même année qu’il participait à ce « A drum is a woman » signait son fameux chorus de Newport. Quand à la rythmique, c’est toujours la paire Sam Woodyard à la batterie associé à Jimmy Woode qui tient la baraque.

En 1956, Ellington exhume un projet qui lui tenait à cœur depuis longtemps, l’écriture d’une suite conçue comme un opéra autour de l’histoire du jazz. Cette idée d’écrire une œuvre racontant l’histoire du jazz était venue à l’origine d’une rencontre en 1941 entre Ellington et Orson Welles, ce dernier lui ayant demandé de réaliser ce travail. Le projet était alors resté dans les cartons et Ellington  petit à petit, entre deux tournées écrivait cette pièce, la testant parfois entre deux concerts avec son orchestre comme ce Congo Square qui figure comme l’un des morceaux majeurs de « A drum is a woman ».

L’histoire : A la base se trouve Joe, Carribee Joe, le primitif attaché à sa jungle et à sa batterie. Celle-ci n’est autre qu’une femme, Madame Zajj. Mais Madame Zajj veut voyager, exposer ses charmes (sa musique) dans le monde avec un « M » universel. Alors Madame Zajj (qui est rappelons le « a drum » c'est-à-dire le rythme, la pulsation dans tout ce que le terme comprend – Ellington le dit dans chaque batterie que l’on entend il y a une femme) part à la Nouvelle Orléans où elle deviendra à l’occasion du mardi gras la reine du King of the Zulus, défilant dans la rues de canal Street au bras de Buddy Bolden figure mythique s’il en est des origines du jazz. Mais Madame Zajj va voyager et triompher partout dans le monde de New York à Los Angeles, San Francisco en passant par Paris et Londres, se nourrissant des multiples influences, évoluant sans cesse vers le swing. Mais où qu’elle soit, dans la nuée des fumée qui enveloppent les clubs de la ville, toujours la mémoire de Joe reste chevillée au corps de Madame Zajj qui malgré tout ce périple et les innombrables Joe qu’elle rencontre partout dans le monde ne parvient pas à l’oublier. Et bien sûr Joen Carribe « Joe » dont le non retentit tel un appel à plusieurs moments de la pièce, n’est autre qu’une belle métaphore de cette Afrique toujours présente (Congo Square) que le jazz ne parvient à oublier. L’Afrique, comme un réminiscence prégnante et éternelle.

Dans cette œuvre, Ellington dont on entend la voix de narrateur, remet les chanteurs à l’honneur avec une chanteuse lyrique qui intervient en introduction, Ozzie Bailey admirable chanteur carribéen et surtout le rôle de Madame Zajj chanté non moins admirablement par Joya Sherrill dont l’histoire est assez belle pour être racontée. La jeune femme, alors qu’elle était étudiante etait venue un jour chanter à son collège en l’honeur de Ellington qui toma immédiatement sous le charme de sa voix syuave et l’embaucha sur le champ.

Alors tout se mêle dans la continuité de cette épopée, où la progression du discours la logique historique, celle qui aboutit à cette « catastrophe féconde » qu’est le jazz, et qui traîne avec elle la nostalgie de Carribe Joe, la nistalgie de cette Afrique dont la mémoire ne s’efface jamais du rêve de Madame Zajj. Cette Afrique toujours présente dans la pulsation primitive, cette sorte d’animalité tribale. Mais le jazz est une femme et une batterie et les solistes apportent à cette histoire autant de l’esprit jungle que de cette puissance érotique, qu’elle vienne des caresses sensuelles de Johnny Hodges (a drum is a woman part 2 ou Ballet of the flying sauce), de la danse envoûtante de Russell Procope ( New orleans) ou des jaillissements spermatique de Clark Terry (Hey Buddy Bolden ) – après tout le jazz ne serait il pas étymologiquement lié à l’orgasme !

Claude Bolling avait repris cette œuvre de Ellington malheureusement trop peu souvent jouée.Cette réédition a le mérite de nous permettre de la redécouvrir. Car il s’agit incontestablement d’un moment essentiel du génie d’Ellington.                                                                                       Jean-Marc Gelin

Label Bleu 2008

 Bon, on va admettre que le principe de base est très drôle. Vous imaginez, vous rentrez chez votre disquaire favori et vous lui demandez : « je cherche Monaco, de Caroline ». Franchement M.D.R ! Et la pointe d’humour que l’on pressent se précise à l’écoute du premier morceau au titre très drôle I did acid with caroline. Le problème c’est que la suite se gâte franchement. Parce que après c’est moins drôle et même carrément ennuyeux. Pourquoi des musiciens que nous adorons absolument comme le guitariste Gilles Coronado (quel pied dans Le gros Cube d’Alban Darche) et Olivier Py cet élégant saxophoniste, pourquoi ces jeunes avec autant de talent se ruent ils dans une esthétique post-steve Colemanienne qui à la longue devient franchement mortelle d’ennui. Des compos complexes, des rythmiques impaires, des harmonies difficiles font que l’ensemble traîne en longueur. Pourtant l’association de Olivier Py et des accents rock de Coronado est prometteuse. Ces deux là semblent s’inscrire dans la filiation de Tim Berne et de Zorn mais là, malheureusement avec beaucoup moins de créativité. C’est totalement dénué de groove. Trop complexe pour parler aux tripes et véhiculer la moindre émotion. Certes les passages chantés éclairent l’album (Hey baby) et évoquent une sorte d’opéra pop que l’on aurait aimé voir totalement assumé de bout en bout. Guitare à la limite de la saturation, batteur- frappeur lourd (pas un coloriste !) et suraigus de sax en explorent les recoins avec talent. Et cette musique théâtrale pourrait créer le suspens dans le sens de l’attente de la rupture. Pourtant celui-ci ne se produit pas et la musique s’inscrit dans une linéarité plane (ne seraient les parties chantées qui malheureusement tombent comme un cheveu sur la soupe). Sur le tout dernier morceau, la conclusion dénote un peu car finalement, il faut attendre la fin pour que le mystère s’installe enfin. Et apparaisse alors comme une sorte de contre narration.                                   Jean-Marc Gelin

Jazz Icons 2007

La collection des DVD «  Jazz Icons » de l’éditeur Naxos est, disons le tout net une petite merveille. A juste titre d’ailleurs récompensée par l’Académie du Jazz qui à l’occasion de sa dernière session donnait pour la première fois un prix à un DVD. Signe des temps…!…Récompense largement méritée si l’on en juge par la qualité du support éditorial. Pensez, pas moins de 21 pages de liner notes avec explications de texte, photos, mise en perspective, travail de journaliste allant jusqu’à interroger aujourd’hui certain des protagonistes encore vivants, crédit photographique puisant dans des images d’archives de qualité illustrant judicieusement cette mise en perspective et enfin analyse plus ou moins poussée des concerts proposés. Ces films d’archives que les éditeurs sont allés chercher (avec un grand soin dans la sélection) en club ou lors d’émission de radio ou de télévision (pour l’essentiel dans les années 60) sont, pour tout jazz fan, un outil ultra précieux. Un vrai travail de choix des images est ainsi réalisé où la sobriété le dispute au sens du détail et du respect du temps musical. Du vrai bon boulot qui ne se contente pas comme le font certains (en très grand nombre par les temps qui courent) de vider les fonds de tiroirs et de mettre sur le marché de l’image à consommer tel quel sans le moindre commentaire.

Et dans cette belle collection il est quelques petits bijoux dont on ne se lassera jamais et qui pourraient bien devenir le complément absolument indispensable de votre discothèque. Il y a celui sur John Coltrane (tapant le boeuf avec Stan Getz), celui avec Wes Montgomery. Celui sur Dexter Gordon pourrait bien être l’un de ceux là.

Lorsque Dexter Gordon enregistrait cette série de concerts donnés en clubs en Hollande, en Suisse et en Belgique entre 1963 et 1964, il était déjà européen d’adoption et vivait à l’époque au Danemark où il avait l‘habitude de se produire au célèbre Café Montmartre. A l’époque, ses multiples arrestations lui avaient coûté sa fameuse carte lui permettant de jouer dans les clubs de la Grosse Pomme et l’avaient contraint à l’exil. Dexter alors était âgé de 40 ans et se trouvait au sommet de son art, dans un état de plénitude comme on peut s’en rendre compte au travers des multiples enregistrements phonographiques de l’époque publiés sous le label Steeplechase. Ici, la preuve éclatante en est simplement apportée par l’image Les trois premiers morceaux sont issus d’une séance en Hollande enregistrée pour la télévision néerlandaise. Dexter accompagné de la rythmique type de l’époque jouait avec G. Grunz (p) et Daniel Humair ( alors tout jeune batteur). Un What new admirablement filmé domine cette partie. Chorus de Dexter absolument renversant de facilité, de sensualité. Extra terrestre. Les deux morceaux suivants furent captés à Lugano en Suisse et enfin les 3 derniers à jazz Prisma en Belgique.

Alors se succèdent ces images rapprochées de Dexter suant à grosses gouttes, Dexter au plus près de cet instant, mais Dexter s’en fout, car Dexter a quitté ce monde, Dexter s’envole avec son saxophone dans une sorte de dimension dans laquelle définitivement nous ne sommes pas. Mais qu’il nous permet, en rêve d’approcher un peu

Jean-Marc Gelin

Cristal 2008

 Vincent Bourgeyx est un de ces jeunes pianistes français bourré de talent qui constitue avec d’autres comme Batiste Trotignon la jeune garde de ceux qui perpétuent une certaine conception du piano jazz toute empreinte de l’école classique. Fini le dilemme Jarrett/ Meldhau, fini aussi le piano minimal. On est ici plus dans une approche dont les sources sont plutôt à situer du côté de Ravel ou Debussy avec un penchant romantique qui évoque bien sûr Chopin voire Litz (qu’il faudra bien un jour penser à réhabiliter !). Il ne s’agit pas de constructions harmoniques complexes ou de métriques compliquées mais plutôt de la mise en valeur d’un discours plus mélodique. Et il s’agit moins de ce qui est dit que de la façon de l’exprimer. Car Bourgeyx s’impose avec allégresse et légèreté, survole son clavier en le caressant, lui imprime une marque très aérienne. Belle leçon de fluidité dans le jeu. Et puis surtout il y a sur 7 morceaux, une forme assez rarement utilisée, celle du duo Piano / Batterie ici totalement convaincante. Cette forme est assez exigeante pour ne s’accommoder que de batteurs de grande classe assez habile pour imposer leur jeu et assez fine pour ne pas écraser le piano. Karl Jannuska dont nous ne cessons de dire qu’il est actuellement l’un des plus grands batteur du circuit parvient à apporter ce surcroît de frémissement, cette nervosité frissonnante qui sied si bien au jeu du pianiste. A écouter dans Beaux Dommages ou sur For KJ (vraisemblablement écrit pour lui) où comme un train lancé à toute allure il déroule un paysage rectiligne. Tout pour plaire assurément. Cependant lorsque l’on entend la belle version que Bourgeyx livre de I’ll remember april, on se plaît parfois à espérer que le jeune pianiste quitte un peu les effluves romantiques certes jolies mais que l’on voudrait parfois un peu plus matinées de blues, juste un peu pus sauvages. Il ne manque pas grand-chose à ce pianiste qui pourrait alors nous convaincre alors sans réserves.                                                                                        Jean-Marc Gelin