La chronique de Sophie ChambonJJJJ

Intrigant Inama,  jeune groupe de six musiciens, lauréats 2007 du Tremplin Jeunes Talents (St Germain des Prés) qui, avec ce premier album, en ouvrant la boîte (noire) de Pandore laissent échapper une musique originale : treize compositions  collectives, engagées et percussives, où résonnent l’orage des soufflants dans un vacarme prémédité et malicieux : « Pan dort », « Pan rêve »… « Pan Cake » sont de délicieux intermèdes concoctés (évidemment) par la flûtiste  Amina Mezaache, entre de longues compositions  où résonne un désir commun de musique. Animés d’une irrépressible envie de faire danser l’imaginaire, le flux constant d’énergie est contagieux : avec l'écriture comme boussole et l'improvisation pour mener la barque, portés par des vents calmes ou déchaînés, l’équipage laisse une place de choix aux saxophones alto, ténor, et à la flûte traversière (si rare en jazz ) dont le souffle accompagne en effet de mystérieuses images, traversant espaces et  temps.  Avec la fluidité d'un discours qui se veut aussi percutant, la rythmique sans faillir, soutient admirablement l’échange avec le marimbiste-vibraphoniste Stephan Caracci que l’on retrouve avec plaisir depuis son envol réussi de Marseille. Une contrebasse souple et une batterie rebondissante gardent  le cap de la pulsation.  Un chant profond pour un groupe qui explore avec soin les formes les plus ouvertes : textures affranchies, échappées libres, foisonnement de timbres,  lignes claires des échanges, mélodies sensibles, fougueuses souvent mais parfois résolument mélancoliques. Une aventure musicale passionnante à suivre et un groupe dont on retiendra le nom assurément. Sophie Chambon

La Chronique de Tristan Loriaut JJJJ(J)

Inama est avant tout un sextet réunissant des énergies aux influences diverses et variées. La flûtiste Amina Mezaache, le saxophoniste alto Julien Soro, au ténor Fabien Debellefontaine ainsi que Stéphan Caracci au vibraphone et marimba, Ronan Courty à la contrebasse et pour finir Laurent Gueirard à la batterie. Pour l’anecdote, Inama est l’anagramme du prénom de la flûtiste d’origine algérienne (et non l’anagramme de Naima, comme pourrait l’imaginer certaines personnes). Sous l’égide de ces jeunes musiciens aux talents plus que confirmés, et pour un premier album, c’est guidé par les oreilles que commence ce voyage onirique au pays de l’expérimentation. Ce disque s’ouvre diaboliquement par une rythmique redoutable aux mesures asymétriques. Cette danse pseudo drum’n’bass orientale est menée par les précieux arrangements des trois instruments à vent. Après ce début sur les chapeaux de roues, l’album trouve ensuite son identité dans une série de comptines en plusieurs actes. La folie furieuse habitant ces énergumènes improvisateurs serait impossible sans une maîtrise parfaite allant de la technique instrumentale à la texture sonore. Il faut surtout signaler que dans ce sextet, chaque musicien compose, soulignant alors la « bravitude » de l’aspect participatif d’un tel projet. En ressort une originale fraîcheur dans la conception des thèmes de chaque composition, étant presque tenté de comparer leurs enchaînements à un étonnant road movie, comme par exemple dans « La vie du fleuve ». Parfois apaisants, tantôt digressifs, les dialogues instrumentaux n’ont aucune limite, évoluant au travers de plusieurs combinaisons. De lents crescendos pleins de finesses (« Fièvre à quatre notes ») se conjuguent avec des espaces totalement libre (« La boite noire » ou encore « Pan dort »). Cet ouvrage est empli de contrastes sans contraintes ni limites, au-delà des apparences Jazz, Free, Rock, Contemporaines. Avec une sage et apaisante parcimonie, certains codes du Jazz demeurent dans l’harmonisation de toutes ces compositions, sous la mailloche d’un remarquable vibraphoniste. Par ailleurs, « Le chorus du marabout » aurait pu s’appeler « le solo de l’africaine » tellement la subtilité du langage musical improvisé y est sublimée par cette flûtiste aux talents indéniables. Au milieu, deux saxophonistes aussi survoltés qu’attentifs, avec une pointe d’inventivité orientée avec ferveur vers un Ornette Coleman désacralisé. Il y a aussi ce touché aquatique d’une contrebasse tapie dans l’ombre, prête à bondir sur nos oreilles à chaque instant. Et tout cela sans oublier bien sur la malice d’un batteur touche-à-tout, non dépourvu de précision au service d’une technique de percussionniste caméléon. Énorme travail en général, et en particulier sur les harmoniques du son, en témoigne la fin du disque par cette ironique évocation morbide d’une série télévisée méridionale, « Plus belle la mort ». Dans le détail, il faut écouter avec attention cet astucieux dédoublement de la résonance d’une note aigue du vibraphone par la flûte traversière. Sorte de point d’orgue final résumant assez bien ce recueil d’ingéniosités allant de la voix murmurante jusqu’au glockenspiel, en passant par des jouets (!). Par ailleurs, cet équipage de petits garnements de l’impro fut récompensé en 2007 au fameux tremplin du festival Esprit Jazz. Cela confirme ce qui est une certitude en écoutant le son vivant de ce groupe soudé, il ne faut pas manquer de goûter aux frasques musicales d’Inama en concert.                                  Tristan Loriaut

Cristal 2008

tZADIK 2008

Marc ribot (g), Jamie Saft (kyb), Kenny Wollesen (vb), Trevor Dunn (cb), Joey Barron (dm), Cyro Baptista (perc), John Zorn (as, direction)

  Dans quel monde idyllique vit désormais John Zorn ? Avec The Dreamers ce n’est certainement pas celui de Massada ou de Painkillers. Car il y a dans ce monde là, la légèreté d’un monde insouciant, flottant dans une sorte d’euphorie béate. Quasi cotonneuse.

Ici Zorn dirige de main de maître comme il le fait avec Bar Kohkba. Avec un sens inouï du détail et de la finesse, il organise le jeu de Marc Ribot, le vibraphone de Kenny Wollesen et le clavier de Jamie Saft dans une sorte de rondeur moelleuse à laquelle Joey Baron dessine avec un art subtils quelques points de dentelles. Tout est réglé au millimètre à tel point que cet univers entièrement sous contrôle en est presque angoissant. Attendant Zorn dans un monde furieux, celui qu’il nous décrit ici n’en est que plus irréel de béatitude (Uluwati) presque déshumanisé dans ce monde onirique. Heureusement Zorn y met du relief et beaucoup de nuances. On passe d’un rêve cotonneux (A ride on a cotton fair) à la traversée d’une ville fantomatique dans une sorte de western angoissant (atmosphère que Zorn affectionne par ailleurs) dans Awkiwatsay. Rapidement Zorn peut sortir de ce monde là et revenir à quelque chose de pus enfantin comme ce Toy qu’illustre si bien la pochette de cet album.

Mais dernière cette apparence du lisse et du rond, Zorn introduit des nuances. Sa direction est, comme avec Bar Kohkba celle d’un nuancier à petites touches subtiles derrière l’apparente uniformité du propos. Même musique de chambre (ici du rock de chambre) où les rondeurs de la guitare, du clavier et les notes moelleuses du vibraphone ont remplacé les cordes de Bar Kohkba. Et dans cette cosmogonie Zornienne il y a quelques réminiscences que l’on trouvait hier chez Pink Floyd, revisités avec une autre profondeur. Entrer dans le monde irréel de Zorn c’est entrer dans un univers que Lewis Carrol redécouvrirait au XXI° siècle. Il est finalement presque aussi psychédélique qu’halluciné.

Jean-Marc Gelin

Marsalis Music – 2008

Miguel Zenon (as), Luis Perdomo (p, elp), Hans Glawischnig (b), Henry Cole (dms) + un quatuor à cordes –

  J’envie les passionnés de jazz aux oreilles vierges qui vont découvrir avec ce CD, la passionnante musique du saxophoniste alto portoricain Miguel Zenon. Ce quatrième album marque un virage important dans sa carrière, le propulsant directement dans la cour des très grands. Zenon, âgé de 30 ans, signe là un disque énorme, ambitieux et mature, rempli de compositions aux couleurs originales et savamment agencées, qui évitent le folklore caribéen et les clichés latinos pour s’aventurer dans le monde intérieur et profond d’un musicien sensible et généreux. Dès le démarrage du disque, le réveil (Awakening) est très sérieusement abordé par un quatuor à cordes évanescent, rapidement rejoint par le lyrisme et la musicalité du saxophone alto. Puis la pulsation du fantastique batteur Henry Cole nous suggère une danse syncopée qui va aller en s’amplifiant et donner des ailes à Zenon dans un long et passionnant chorus aux placements rythmiques complexes chers à Steve Coleman (Camaron). Le disque va continuer de dérouler le tapis rouge du talent, de l’élégance et de l’intelligence musicale avec Penta, The Missing Piece (mon morceau préféré) ou Ulysse in Slow Motion. Le pianiste vénézuélien Luis Perdomo (repéré chez Ravi Coltrane), allie toujours sensualité et swing, qu’il joue sur un piano classique ou électrique. On apprécie également le jeu plein de finesse et de discrétion du contrebassiste Hans Glawischnig. Après un fougueux détour free (Awekening interlude) plein de bruit et de fureur, Zenon apaise le flux sonore avec le très beau Santo à l’écriture musicale ambitieuse et aux surprenants contrastes rythmiques. Il faut attendre le dernier titre, présenté en bonus (la très belle ballade Que Tetedi), pour que Miguel Zenon retrouve la musique latine, avec laquelle nous l’avons découvert, lorsqu’il jouait aux côtés de David Sanchez sur les albums Melaza et Travesia. Son jeu d’alto s’inspire sur ce morceau de la sensualité à fleur de peau qui émanait du sax ténor de David Sanchez, lorsque celui-ci interprétait des ballades. La grande classe !  Lionel Eskenazi

Sans Bruit (*) www.sansbruit.com

 Cette rencontre inédite eut lieu un soir d’été au Châtelet au cours d’une saison estivale qui vit passer dans les murs de ce théâtre au cours de ce mois de juillet John Zorn, Ran Blake et bien d’autres encore. Une bien belle programmation que ce jeune label, qui se propose d’éditer son catalogue exclusivement par téléchargement sur le net, a réussi  capter par deux fois. Une première lors du concert mémorable de Ran Blake et une autre fois lors de cette belle rencontre entre deux génies, Benoît Delbecq et Marc Ducret. Les deux hommes sont restés ce soir là dans le domaine qu’ils affectionnent chacun à leur manière, celui des défricheurs. Des dénicheurs de « son ». Benoît Delbecq y était alors beaucoup plus acoustique qu’à l’accoutumée laissant à Marc Ducret des espaces à explorer, à titiller, à chercher. Ceux qui s’attendaient à entendre le guitariste dans un registre volubile n’y trouveront pas leur compte. Car avec les deux hommes, ce soir là il s’agissait d’autre chose. D’une rencontre plus intime entre deux chercheurs fous qui parfois trouvent leur terrain d’entente et parfois passent à côté l’un de l’autre. Parfois même leur rencontre relève du dialogue entre deux autistes chacun perdu dans son propre univers musical. Sans que cela pour autant n’en fasse perdre la force certaine. Dans ces univers parallèles qui parfois ont des frontières communes et parfois semblent bien éloignés, on ne sait que vaguement d’où ils partent et surtout pas quelle direction ils vont prendre. Car entre écriture et improvisation c’est toujours l’exploration d’espaces très ouverts qui s’offrent aux deux musiciens. Marc Ducret toujours sur la réserve, reste constamment à l’affût comme isolé dans sa bulle, maniant une foule de petits détails toujours subtils. Jouant sur les contrastes ces univers marient l’acoustique du piano aux grésillements électriques de la guitare. Delbecq y est au contraire furtif et pose les bases du discours. Mais surtout, chacun se donne le temps de construire et d’échafauder les points de rencontre comme dans l’Enquête où lorsqu’ils jouent vraiment ensemble ils parviennent à densifier et à créer l’association des contraires.

Chez les deux hommes, la même passion pour la création artistique, pour le façonnage musical dans l‘instant. Avec eux la musique se construit dans l’échange autant que dans la distance, dans le silence autant que dans la tension sous jacente.Et toujours avec eux, dans le laboratoire qu’ils improvisent sur place une forme d’expérience musicale se révèle faite d’assemblages intelligents parfois complexes mais toujours passionnants. Comme des chercheurs qui parfois trouvent et parfois continuent à explorer encore.

Jean-Marc Gelin

Nocturne 2008

Andy Bey (vc, p), Peter Washington (cb) Kenny Washington (dm),  Live at Birdland mai 1997

 On a déjà à peu près tout écrit sur Andy Bey et sur sa voix exceptionnelle aux quelques quatre octaves (oui vous avez bien entendu, pas deux, pas trois mais bien 4 octaves….). On a déjà tout dit sur ses manières d’en faire, sur ses façons de façonner. Et c’est vrai que Andy, à presque 70 ans en fait toujours et encore des tonnes dans le genre plus crooner que moi tu meures. Et ce n’est pas cette version « live » d’un concert au Birdland capté il y a 11 ans qui nous fera dire le contraire. N’empêche ! Combien sont ils à chanter comme lui, à placer leur voix ainsi au fond du fonds du temps avec cet art de vous enrouler, de vous envelopper dans sa voix comme d’autres vous déshabillerait d’un regard ? Pas le genre à se compliquer la tâche Andy : son univers à lui c’est celui de standards qu’il croone comme pas deux. Toujours too much, Andy. Toujours trop Andy à faire sa mijaurée, sa chanteuse de club avec ses allures de vamp. Andy c’est pas Johny Hartman. Autre chose. Le genre à laisser tourner sur la platine lorsque l’on ramène sa belle après un dîner en tête à tête, à l’heure du dernier verre, pose alanguie sur le canapé, lumière tamisée, corps rapprochés ! Andy est tout en sensualité voire même d’un érotisme brûlant. C’est qu’il prend du plaisir à déshabiller le thème, à l’effleurer, à le caresser longtemps et tout autour. Écoutez ce All the things you are réinventé ou ce Ain’t necessarily so chaud comme la braise. Et puis comme si ce n’était pas suffisant pour nous achever d’extase, Andy lorsqu’il ne dit plus rien, pose ses doigts sur le clavier et se révèle aussi un superbe pianiste aussi inventif dans les phrases jouées que dans celles chantées (comme dans cette version de If I should lose you). Et l’on pense alors à Michel Contat qui disait un jour que les meilleures chanteuses étaient celles qui étaient aussi pianistes. A ce petit jeu à, Andy Bey est une formidable chanteuse de jazz qui avec ses manières exaspérantes d’en faire trop nous procure ce petit plaisir masochiste. Le charme totalement exaspérant et irrésistible des frimeurs magnifiques.

Jean-Marc Gelin