Charli Persip est un musicien étonnant : témoin et acteur de l’histoire du jazz américain[1], reconnu par ses pairs, il construit à 79 ans ses projets avec le dynamisme d’un jeune homme de 20 ans.

Batteur de l’école ancienne et dévoué à la cause de la musique, c’est aussi un homme touchant et humble qui nous raconte, en roue libre, qui il a été, son actualité professionnelle et un peu de sa vie personnelle.

A l’occasion de la sortie en 2008 de son cd "Intrinsic Evolution", de son passage en septembre et sa venue, encore hypothétique, en octobre à Paris pour le projet « Spirit of Mingus » de Ted Curson[2], nous avons eu envie de vous faire partager une rencontre avec lui au Smoke à NYC où il jouait avec son trio (James Gordon Williams (p), Saadi Zaid (b))  en mai 2006. Moment simple et mémoires.

Je suis connu pour mon travail auprès de Dizzy Gillespie (ndlr : sous le nom de Charles Lawrence ou Charlie Persip, ndlr2 : de 1953 à 1958). Nous avons eu des bonnes périodes mais difficiles. Ensuite après Dizzy, j’ai joué beaucoup avec Gil Evans; j’apparais comme batteur sur « Out of  the Cool ». Puis j’ai été le batteur personnel de Billy Eckstine; il n’était pas fond dans le jazz mais, au Village à cette époque, il était véritablement populaire. Et il jouait partout. J’ai travaillé pour lui pendant une longue période (ndlr : de 1960 à 1973).

Enfin j’ai travaillé avec Archie Shepp pendant un moment (ndlr : à la fin des années 70), nous avons enregistré un album (ndlr : « Ballads for Trane ») et joué en France. Sinon, j’ai joué avec Sam Rivers en France au Nancy Jazz festival (ndlr : NJP).

Voilà pour les plus connus, mais j’ai joué avec tout le monde ici [Rires]…

Aujourd’hui, je me concentre sur ma propre musique et je conduis mon big bang « Super Sound ». Et maintenant, nous avons ce trio : son nom est « Sip + Two » ; Sip fait référence à la dernière syllabe de mon nom. C’est la première fois que nous allons jouer ensemble en public, mais nous nous connaissons puisque c’est la section rythmique du big band. Et c’est très excitant car James est un grand pianiste. Je suis heureux de l’avoir dans le groupe.

Vous vivez à NYC?

Oui, je vis à NYC (ndlr : 7ième avenue à Manhattan) mais je n’y joue pas souvent parce que c’est très mal payé. Avec mon big band, j’ai dû jouer à Birdland cinq fois les deux dernières années. Le big band a joué au Dizzy Gillespie Auditorium, du Bahaï Center de NYC deux ou trois fois dans l’année. Tu connais la religion Bahaï? Dizzy était un pratiquant de cette religion, cette foi. Mike Longo était le producteur de ces prestations et il a aussi été le pianiste de Dizzy pendant longtemps. J’ai joué aussi au Village Vanguard, au Sweet Rhythm et au Lenox Lounge mais pas comme leader.

Autrement  à Philadelphie, à Washington DC pour la chaine de télévision BET, dans les festivals de Los Angeles et à Toronto au Canada avec le groupe de Frank Foster.

En fait, je ne joue plus qu’en tant que leader ou invité (Clark Terry, Frank Weiss). Je ne fais plus le sideman, même si j’ai beaucoup aimé ça par le passé.

Vous enseignez la batterie?

Plus vraiment en tant que professeur privé, je n’ai plus la patience. J’ai toujours quelques élèves à vrai dire, mais ce sont des professionnels. Mais pas de débutants ou d’amateurs.

Je préfère enseigner à l’université de NYC (ndlr: New School for Jazz and Contemporary Music à Manhattan et pour l’association JazzMobile depuis 1974) pour les ensembles et les groupes. Je donne aussi des cours d’histoire du jazz. Enfin, j’ai écrit un livre qui s’appelle “How not to play drums? “ paru chez Second Floor Music.

Quel âge avez vous maintenant?

Je suis sans âge! Disons que j’ai 27 ans + + .[Rires]

Je ne parle pas de mon âge parce que je suis toujours actif, en bonne santé et fier de l’être. Je ne veux pas être considéré comme un vieil homme, car ici les gens considère alors que vous n’avez plus votre place dans le milieu du jazz !

Pour terminer, vous avez un message spécial?

Non, pas vraiment. Je suis heureux de jouer, c’est mon témoignage.

Je suis en bonne santé, j’ai une femme formidable qui me soutient depuis très longtemps. Je l’ai connu lorsque je jouais avec Dizzy.

J’ai eu deux filles qui sont jumelles, mais une est décédée il y a quelques années. Mon autre fille a mis au monde deux enfants. Elle est parent unique alors j’ai été amené et eu la chance de l’aider à élever son garçon. Je le considère comme mon fils et nous avons une relation formidable. Il a 17 ans maintenant, je lui ai enseigné la musique mais il veut devenir ingénieur. Il aime la musique ! Mais il ne ressent pas ce désir de devenir musicien. Ma petite fille a 12 ans et elle veut devenir danseuse comme ma femme !

Je vous ai vu jouer à Paris dernièrement au Sunset avec Henry Grimes. Vous avez fait un chorus de cymbales particulièrement remarqué par le public ; moi je l’ai qualifié « d’anthologie ».

C’est vrai ? Oh, c’est très gentil. C’est pour ça que je continue à jouer de la musique. Merci.

Après toute l’histoire jazz à laquelle vous avez participé, comment restez vous aussi humble?

Je ne suis pas une star, la musique est l’étoile. Je suis juste un messager, c’est comme ça que je vois les choses.

http://www.myspace.com/charlipersip  

Propos recueillis par Jérôme Gransac

Elabeth

Voilà avec cet album du trompettiste Fabien Mary en octet, formidable extension de son quartet, l’occasion d’exprimer (avec retard) l’un de nos coups de cœur de cette saison et assurément  notre plus belle découverte.

 Voilà une formation difficile à assumer aujourd’hui en club ou en festival mais le jeune trompettiste s’est payé le luxe d’écrire pour un ensemble plus étoffé, avec des solistes de talent comme  Pierrick Pedron à l’alto,  David Sauzay au ténor, Thomas Savy à la clarinette basse et au baryton, Jerry Edwards au trombone.

Ecrivant dans l’esprit des arrangeurs des années 55- 65 qu’il admire profondément comme Gigi Gryce ou Jimmy Heath, la musique de Mary fait resurgir ce que l’on n’attendait  (et n’entendait) plus . Le trompettiste écrit en référence à une époque révolue, sur le versant du hard bop, et du jazz West coast : au plus près de sa source, Fabien Mary aime  Kenny Dorham et nous donne envie de réécouter le trompettiste de Blue Note, pour lequel nous avons aussi un faible. Mais il n’y a pas que Dorham que Mary maîtrise sur le bout des doigts : il connaît aussi le formidable Conte Candoli et le plus qu’estimable  Jack Sheldon (il nous revient en effet des parfums du Giuffre des sessions des « Four brothers »).

Plus qu’un travail d’hommage, un énième nouveau ‘tribute’, ses arrangements traduisent un véritable amour, une connaissance précise de cette musique. Entouré d’une rythmique impeccable (Mourad Benhammou et Fabien Marcoz),  une place généreuse  est faite au guitariste Hugo Lippi,  le compagnon absolument indispensable, aux interventions lumineuses. Quant aux soufflants, ils donnent à l’ensemble une  belle carrure, entre soli musclés et unissons complices, avec un réjouissant swing basien.

Fabien Mary, jamais dans la brillance aiguë et la seule virtuosité, entre discrètement sur certains thèmes,  avec une sonorité légèrement voilée. Il prend un envol  d’autant plus surprenant  dans  «  From this moment on » de Cole Porter,  ou certaines de ses  compositions  très enlevées, « Hide and seek », ou « B.G » :  de longues  phrases  que l’on écouterait presque pour le seul plaisir de se perdre dans les détours de ce discours parfaitement articulé.

Sans s’occuper des modes, à contre courant même, cette formation sérieuse et sensible suit un chemin bien solitaire aujourd’hui, plutôt courageux. En tous les cas, la leçon a été vue,  apprise et reprise, et  prolongée.

Nous aimons  décidément beaucoup cet album,  avec le cœur et la raison.

Sophie Chambon

ACT 2008

Esbjörn Svensson (p), Dan Berglund (cb), Magnus Öström (dm)

 Cela commence par quelques notes amenées de la  plus douce des manières. Un débit acoustique qui pourrait laisser croire à un album de jazz très honnête et très propre sur lui. Ce serait ignorer la conception artisitique très poussée de ce trio. Car très vite l’on s’aperçoit qu’il y a quelque chose derrière les choses. Quelque chose de caché là, un drame immanent, une tension qui pointe. Tension sourde mais toujours palpable.

Paradoxalement cet album là, le dernier enregistré avant la mort cet été de Esbjörn Svensson lors d’un accident de plongée est à notre sens le meilleur du trio. Peut être le plus abouti artistiquement. Paradoxalement en effet puisque que cet enregistrement réalisé en Australie est le résultat d’une longue scéance d’improvisation. Rien d’écrit. Tout au feeling dans le studio. Il faut arriver à un point extrême de fusion et d’intimité télépathique pour parvenir à vibrer à la même intention spontanéee comme ils le font ici. On appelle cela l’osmose. Dépassant les canons classiques du jazz, ces trois là  vont puiser à d’autres sources leur inspiration. Elle vient de la pop pour beaucoup et de Radiohead certainement mais ne renie pas les apports de grands trio de jazz comme celui de Meldhau, référence reciproque jamais cachée. Dès le deuxième titre, c’est du E.S.T reconnaissable entre mille. Svensson prend son temps, utilise l’espace et s’affranchit de toute contrainte formelle tandis que la rythmique crée une mise en tension permanente. La musique exerce alors son pouvoir de fascination totale, suggère moins qu’elle ne dit nous laissant captivés, captés dans la toile qu’ils tissent autour de nous. Il y a un effet très visuel dans cette musique là qui évoque de longs travellings. Dan Berglund dans le rôle du bassiste-guitariste laissé libre à lui même porte littélaralement tout l’album inspirant autant de respiration régulière que de sauvagerie folle. Magnus Östrom utilise sa caisse claire comme les balles d’une mitraillette faisant succéder à ce no man’s land désert, des images de guerre et de chaos. Et aussi ce sublime morceau de 9’’, Still où derrière cet espace patiemment construit  se dessine une mélodie comme une ligne d’horizon qui lentement se détache du paysage, se rapproche à pas comptés et s’installe enfin, nettement, dans un moment d’émotion rarement atteint chez E.S.T. Beau à pleurer.

Au début de Leucocyte, pièce conçue en 4 parties ( Ab initio ; Ad interim ; Ad Mortem, Ad Infinitum), c’est un univers de chaos et de fureur qui s’installe. Vient ensuite une plage entière de silence total, Ad Interim comme une césure obligée après avoir touché à une expression paroxystique irrésistible. Ad infinitum clôture de manière envoutante cet album sur une sorte de carillon d’église fantomatique dans une mise en scène angoissante que ne renierait pas un dramaturge comme Castelluci. Car c’est bien de cela dont il s’est agi durant tout cet album. D’un drame à l’antique où le paradis le plus pur côtoie l’enfer de Dante. Les dernières notes nous laissent, avec cette intérogation manichéenne où les frontières du paradis et de l’enfer semblent mêlées. Et ces dernières notes parce qu’il s’agit précisément des ultimes notes enregistrées par Svensson, sont poignantes. Et le silence qui suit est alors totalement assourdissant.

Jean-Marc Gelin

Cristal 2008

Swing et volupté, précision et ingéniosité, beauté des timbres et des couleurs, ça pétarade, ça éclate de partout et ça nous éblouit. C’est à un véritable feu d’artifice que le pianiste et compositeur Hervé Sellin, entouré de son tentet, nous convie à travers Marciac New-York Express. Sellin, qui avait mis de côté sa carrière de leader au profit de l’enseignement (au CNSM de Paris) et de l’accompagnement (notamment sur le projet Piazzolla Forever de Richard Galliano) revient en force avec, ce que l’on peut déjà considérer comme l’un des disques de jazz les plus marquants de l’année. C’est en 2002 que l’idée de ce projet a commencé à germer, suite à une commande du festival de Marciac qui souhaitait une suite orchestrale célébrant leur 25ème anniversaire. Le tentet a été créé pour l’occasion et sept morceaux d’inspiration gersoise ont vu le jour pour la première fois à Marciac 2002, dont le très subtil Entre Boués, Laüs et Arros et le swinguant Bouncing with JIM (JIM étant les initiales de Jazz In Marciac). Wynton Marsalis, présent à ce concert et fort impressionné par la qualité de la musique, décide d’inviter Sellin et son groupe à New-York pour une série de concert l’année suivante au Jazz Lincoln Center, où trois morceaux supplémentaires (à l’ambiance urbaine et New-yorkaise) ont complété le programme. Il aura fallut attendre cinq ans pour reconstituer le tentet, affiner les arrangements et pouvoir enregistrer ces deux suites orchestrales. Le résultat est largement à la hauteur de l’attente suscitée et ce groupe nous émerveille à chaque instant par la beauté des compositions, l’alliage savant des arrangements et l’originalité de son fonctionnement. On est particulièrement séduit par les rôles tenus par la guitare (Michael Felberbaum) et le vibraphone (Stéphan Caracci), créant un espace de liberté passionnant entre les soufflants et la section rythmique. Ainsi que par les fonctions multi-instrumentistes des trois saxophonistes (Sylvain Beuf, Stéphane Chausse et Stéphane Guillaume), qui permettent à Sellin d’obtenir tout un éventail de couleurs et de timbres boisés et harmonieux (flûtes, clarinettes, saxophones sopranos, altos et ténors). N’oublions pas de citer l’incroyable et talentueuse énergie déployée par le trompettiste Claude Egéa et le tromboniste Gueorgui Kornazov (très en verve tous les deux sur le morceau phare qui célèbre les 25 ans de Marciac : Anniversary). Enfin, un mini big-band comme cela, mérite une section rythmique de grande envergure et l’on ne pouvait rêver mieux que le batteur Karl Jannuska (véritable locomotive de l’orchestre) et le contrebassiste Bruno Rousselet à l’évidente efficacité. Le festival Jazz à la Villette 2008 avait bien raison de nous le préciser : JAZZ IS NOT DEAD et avec le tentet d’Hervé Sellin, on peut même dire qu’il pète la forme !

Lionel Eskenazi

DIXIEFROG 2008
 

Il va devenir compliqué de contrarier ceux qui avancent que Jean-Jacques Milteau est le plus grand harmoniciste de blues français, tant l'artiste nous fait frissonner sur ce disque. Les pièces (il en compose cinq) nous emmènent dans le train du blues. Le placement des soli, idéal dans la plupart des morceaux, nous assois aux meilleures places dans le wagon, pour les plus somptueux paysages; enfin les phrasés du Parisien offrent un contrepoint dense, plus posé encore que dans les deux CD précédents (FRAGILE et BLUE 3rd chez Universal Jazz) aux deux voix de son groupe, Ron Smyth et Michael Robinson. Cet équilibre tombe bien, car dans le blues, l'harmonica est le premier interlocuteur du vocaliste. Milteau avoue qu'il aurait voulu refaire les harmonicas après l'enregistrement des morceaux. Il le fait souvent, par souci de perfection. Finalement, il a conservé les parties d'origine. D'où la spontanéité de l'ensemble. Pourquoi cette impression de cohérence qui rend le contenu si consistant? Milteau, cette fois, s'est impliqué dans la conception du disque à  côté de Sébastian Danchin. Cette position lui a permis de concevoir les morceaux avec davantage de recul. La patte du guitariste Manu Galvin, inventif à  souhaits, est Également pour beaucoup dans la couleur du voyage. Le répertoire est basé sur les ballades du Sud profond, le long des rivages Folk/Soul très prisées du leader. Les premières musiques que Milteau, né en 1950, a écoutées chantaient l'espoir de lendemains meilleurs. Le rock, surtout. Disque rebelle d'un musicien éternellement en fugue? Pas vraiment. Les prises de conscience lui paraissent valoir toutes les réponses. Mieux vaut traîner avec ses interrogations qu'arriver à  destination. Mieux vaut languir. Comme dans le suave "Is this the Way ?", une perle à  passer en boucle, composé avec Ron Smyth et Manu Galvin. Démarche complémentaire dans "Down in Mississipi" de JB Lenoir. L'harmonica gicle comme une fontaine qui rêve de devenir fleuve, et de faire découvrir à  l'auditeur du monde urbain des horizons perdus de vue. C'est la mort du Blues historique. Une fois sorti de son lit, n'existe plus, ne restent que des parcelles de ce langage né dans le monde rural et popularisé dans le monde. La ville et le monde (par l'internet) triomphent dans ce disque. Au milieu de ce grondement, Milteau persiste du début à  la fin de "Soul Conversation", à  revendiquer la fragilité qu’ont révélé les deux précédents albums. Celle-ci représente le point de départ de l'univers intime qu'il partage avec le public. Pétrie de finesse, de douceur, de talent et de générosité, sa dernière oeuvre  ajoute une pierre supplémentaire au parcours

hors-classe d'un virtuose.
Bruno Pfeiffer