Avec cet album Greaves Verlaine, le pianiste, bassiste, auteur-compositeur et  chanteur gallois s’est lancé un nouveau défi : sortir un disque en français sur des poèmes de Paul Verlaine. S’inspirant de divers recueils très connus  Chansons pour elle, Romances sans paroles, Parallèlement, Fêtes galantes, Poèmes saturniens, La bonne chanson, John Greaves a extrait dix titres auxquels il a rajouté un plus leste en final.

Dans les frimas d’Ecosse, en vacances, il a donc choisi « une poignée de diamants » qu’il a transposés en chansons et interprétées de façon originale mais fidèle tout de même à l’esprit de l’auteur : chansons d’amour éperdu et perdu, chansons charnelles aussi (l’ érotisme de « Séguedille » est plus convaincant que  le « triolet à une vertu ». Le bonheur et la douleur de la possession, le temps qui passe donnent une coloration sombrement mélancolique à ce recueil.

 Dans l’ interview d’Aymeric Leroy  pour Citizenjazz, John Greaves avoue que le choix de Verlaine s’est avéré rapidement le seul posssible. Ses poèmes précis et structurés sont faciles à mettre en  musique : « après les deux premiers vers, le reste suit assez naturellement, car la métrique est toujours parfaite. Il est assez facile d’intégrer les strophes à une structure musicale de type chanson … La musique est venue assez rapidement,dès lors que la  question des textes était réglée. Restant narrateur, la dimension harmonique est portée par l’arrangement et tout ce qu’il y a autour de la voix. Et quelle voix ! Un accent anglais prégnant, une voix rauque, rocailleuse et souvent monotone (il faut parfois s’aider du livret quand on ne connaît pas les poèmes par cœur), le choix de l’interprète est troublant  pour servir l’auteur « de la musique avant toute chose ».  De quoi choquer peut-être les puristes. Encore que Ferré et Gainsbourg aient ouvert la route… D’ailleurs  l’ensemble tient la route : avec ses ralentis traînants et ses accélérés pour garder la cadence… sans avoir le velours de Bashung , on pense parfois –et le compliment n’est pas mince- au rocker du vertige.

L’unité paradoxale de l’album réside dans l’alliance de tous les timbres musicaux qui brossent un arrrière-plan omniprésent, empreint d’une nostalgie et d’ une déprime très actuelles, écrin  pour la voix de John Greaves, qui  réussit alors son coup.

La découverte du répertoire, dans des orchestrations plutôt dépouillées,  différentes d’un titre à l’autre selon les invités , séduit dès l’ouverture "Chanson pour elle". Plus cabaret et pop club que jazz de chambre,  certains titres sont même entraînants, ritournelles de "Streets" ou "Beams". Jeanne Added que l’on entend surtout chanter, double la voix de John Greaves dans « Le piano que baise une main frêle » et le « Triolet à une vertu ».

Cet album que Leroy qualifie, fort justement, de "Superproduction artisanale", tant sa réalisation fut minutieuse et  compliquée tient à la coopération bidouillée des  nombreux copains musiciens invités (ils sont onze).

Le batteur et le pianiste (formidables Mathieu Rabaté et Marcel Ballot) ont fait des prises chez eux, les autres instrumentistes  sont venus au fur et à mesure faire leurs parties, en jouant  un ou plusieurs titres, selon l’inspiration du moment :  judicieusement choisis, Karen Mantler à l’harmonica, Scott Taylor à l’accordéon, Arthur Simonin aux cordes, lancinantes à souhait, le violon solo de Dominique Pifarély  parfaitement adapté, la scie (et la soie) musicale de Fay Lovsky, un ravissement ; quant aux guitares finement saturées  de Jef Morin, elles donnent une résonance rock poignante à quelques titres et en particulier à « Silence silence ». .

Cette belle association de talents dans un projet très personnel souligne l’ éclectisme sensible du Gallois : cet album est révélateur de musiques actuelles qui flirtent avec toutes les musiques aimées. Intelligent ! Sophie Chambon

James carter (ts, ss, bs), Gerard Gibbs (org), Leonard King (dm), Hamiet Bluiett (b), James « Blood » Ulmer (g)

 La distribution tardive de cet album réalisé en live en 2004 au Blue Note de New York ne trouve pas sa justification par une actualité particulière liée au saxophoniste. Juste le hasard de la distribution dont, n’ayant pas le dossier de presse en mains, nous ne connaissons pas les raisons. Néanmoins cet album prit dans son jus « live » témoigne d’une telle énergie et d’un tel volume de jeu de James Carter qu’il eut été assurément dommage de s’en priver et de priver du même coup tout le fan club du saxophoniste de Detroit.

Après une mis en bouche sublime où James Carter entame avec une incroyable sensualité un Out of Nowhere au ténor avec un immense respect pour les saxophonistes de la lignée de Coleman Hawkins ou de Don Byas, l’album se poursuit avec une belle version de Along came Betty » le fameux thème de Benny Golson sur lequel Carter fait montre d’une grande liberté farouche tant dans la forme que dans le fond, s’affranchissant comme il le veut de la grille sans la lâcher complètement. Assez bluffant  et même quasiment « Aylerien » mais dans le même temps assez perturbant pour une rythmique qui ne semble pas forcément très à l’aise et en tous cas nettement en deçà de ce que le niveau de James Carter exige de ses partenaires. Dans un esprit plus blues and roots se glisse sous la guitare du génial bluesman James Blood Ulmer et sur la composition de celui-ci, Highjack, quelques accents rock du plus profond de racines qui nous ramènent quelques années en arrière à l’époque où le grand Jimmy était encore en vie. Le mélange avec James  Carter s’y fait alors explosif et la rencontre des deux y est totalement convaincante. En effet, virtuose exceptionnel James Carter dans sa façon de jouer de tous les saxs ( baryton entre autres) balance des inflexions rocailleuses venues de l’âge de pierre avec une sauvagerie brute et presque animale qui plonge dans les entrailles d’une musique afro-américaine dont le saxophoniste balaie largement les grands espaces. Avec un matériau âpre et rugueux, James Carter est une sorte d’archétype du saxophoniste dur au mal qualifié dans les liner notes de bad-ass, voire de sale gosse ou d’ours mal léché comme vous voulez. On pourra regretter certains choix (pourquoi doubler le baryton au point que l’on ne sait pas forcément qui joue de Carter ou de Hamiet Bluiett ?) ou s’agacer peut être du côté ultra démonstratif de James Carter. Pas nous. C’est que cette musique là est prise en live dans un concert où de toute évidence, le saxophoniste ne compte pas ni avec son plaisir ni avec le notre et où l’échange semblait était la recette du soir. Sacrément jubilatoire et sacrément vivifiante la musique de James Carter devrait faire le bonheur de tous les programmateurs de festivals. La musique très américaine de Carter est un hommage à tous les héros de cette musique mort une guitare à la main ou un sax entre les lèvres. Elle résonne chez nous comme une sorte d’épopée. Parfois duraille, parfois énervée ou brouillonne mais toujours héroïque.             Jean-Marc Gelin

Michel Benita (b, cb), Manu Codjia (g)

FRERES DE SON : Koffi Kwahule et le Jazz : Kwahulé et le jazz : entretiens

Collection : Éditions théâtrales 2007

 Rarement aura t-on entendu propos plus inspirés et plus intelligents sur le jazz. Ces propos tenus à bâtons rompus devant l’universitaire Gilles Mouellic n’émanent pas d’un critique célèbre ou d’un musicien de jazz mais du dramaturge Ivoirien, Koffi Kwahulé. Ce dernier, auteur d’une vingtaine de pièces traduites partout dans le monde partage son amour du théatre et de cette musique et jette les ponts entre son écriture et le jazz. Entre le son des mots et le son du jazz. Entre le rythme de ses pièces et le rythme du jazz. Entre la façon qu’ont les acteurs d’habiter l’espace et celle qu’à le jazz de le faire vivre tout autant.

Il y est alors question de Coltrane et de Monk beaucoup, mais essentiellement au travers d’une réflexion plus large sur ce qui est essentiel dans l’art. Sur ce qui peut prendre la forme d’une question existentielle où il serait affaire de vie ou de mort.

Kwahulé trouve dans son théâtre des résonances avec cette façon qu’à la jazz d’habiter son temps de manière paradoxalement universelle. La création brute et instantanée du jazz ramène à une vérité existentielle de l’homme et à la solitude de l’artiste avec le destin pourtant collectif qu’il (qui) se crée par son jeu. Dans son théâtre comme dans le jazz, on parle de la catastrophe et de la violence de la condition humaine, de la condition de l’homme noir. Kwahulé le dit bien « c’est la musique d’un écartèlement qui a créé une béance.Une béance que le jazz entretient dans sa structure même. Le jazz ne vient pas combler mais « ouvrir » des impasses. C’est une musique du manque »

Koffi Kwahulé a écrit entre 1993 et 2006 plusieurs pièces dont Cette vieille magie noire (1993) ;  Babyface ( Gallimard 2006) ; Big Shoot- P’tite Souillure (2000) ; Misterioso-119, Blue-S-Scat (2005) etc…

Gilles Mouellic enseigne le jazz et le cinéma à l’Université de Rennes-2. Il est l’auteur de nombreux ouvrages dont Jazz et Cinéma : paroles de cinéastes paru en 2006 ( cf. art des DNJ)

Ce livre lumineux et brillantissime se lit d’une seule traite tant on est séduit par le discours du dramaturge. Le propos n’est pas kéger mais lourd d’un sens que Kwahulé nous revèle dans sa terrible et formidable vérité.

Jean-Marc Gelin