DIXIEFROG 2008
 

Il va devenir compliqué de contrarier ceux qui avancent que Jean-Jacques Milteau est le plus grand harmoniciste de blues français, tant l'artiste nous fait frissonner sur ce disque. Les pièces (il en compose cinq) nous emmènent dans le train du blues. Le placement des soli, idéal dans la plupart des morceaux, nous assois aux meilleures places dans le wagon, pour les plus somptueux paysages; enfin les phrasés du Parisien offrent un contrepoint dense, plus posé encore que dans les deux CD précédents (FRAGILE et BLUE 3rd chez Universal Jazz) aux deux voix de son groupe, Ron Smyth et Michael Robinson. Cet équilibre tombe bien, car dans le blues, l'harmonica est le premier interlocuteur du vocaliste. Milteau avoue qu'il aurait voulu refaire les harmonicas après l'enregistrement des morceaux. Il le fait souvent, par souci de perfection. Finalement, il a conservé les parties d'origine. D'où la spontanéité de l'ensemble. Pourquoi cette impression de cohérence qui rend le contenu si consistant? Milteau, cette fois, s'est impliqué dans la conception du disque à  côté de Sébastian Danchin. Cette position lui a permis de concevoir les morceaux avec davantage de recul. La patte du guitariste Manu Galvin, inventif à  souhaits, est Également pour beaucoup dans la couleur du voyage. Le répertoire est basé sur les ballades du Sud profond, le long des rivages Folk/Soul très prisées du leader. Les premières musiques que Milteau, né en 1950, a écoutées chantaient l'espoir de lendemains meilleurs. Le rock, surtout. Disque rebelle d'un musicien éternellement en fugue? Pas vraiment. Les prises de conscience lui paraissent valoir toutes les réponses. Mieux vaut traîner avec ses interrogations qu'arriver à  destination. Mieux vaut languir. Comme dans le suave "Is this the Way ?", une perle à  passer en boucle, composé avec Ron Smyth et Manu Galvin. Démarche complémentaire dans "Down in Mississipi" de JB Lenoir. L'harmonica gicle comme une fontaine qui rêve de devenir fleuve, et de faire découvrir à  l'auditeur du monde urbain des horizons perdus de vue. C'est la mort du Blues historique. Une fois sorti de son lit, n'existe plus, ne restent que des parcelles de ce langage né dans le monde rural et popularisé dans le monde. La ville et le monde (par l'internet) triomphent dans ce disque. Au milieu de ce grondement, Milteau persiste du début à  la fin de "Soul Conversation", à  revendiquer la fragilité qu’ont révélé les deux précédents albums. Celle-ci représente le point de départ de l'univers intime qu'il partage avec le public. Pétrie de finesse, de douceur, de talent et de générosité, sa dernière oeuvre  ajoute une pierre supplémentaire au parcours

hors-classe d'un virtuose.
Bruno Pfeiffer

Lorsque nous sommes venus au printemps écouter cette nouvelle version du Ciné Xtet de Bruno Regnier autour de la célèbre version de la Marque de Zorro, film de 1920 avec Douglas Fairbanks, on savait à peu près à quoi s’en tenir. D’autant que nous avions déjà suivi le travail de Bruno Regnier notamment lors du visionnage de « Steamboat Junior » au cinéma le Balzac à Paris où Bruno Regnier a ses entrées régulières. J’avais alors écrit dans d’autres colonnes combien cette approche musicale du cinéma muet qui s’inscrit dans une longue tradition du jazz depuis Claude Bolling à Bill Frisell en passant par Dave Douglas ( dont on ne saurait que trop vous recommander le dernier de Keystone) se dégustait sans modération, avec ou sans images d’ailleurs. Car c’est bien là la force de Bruno Regnier.Celle de se caler au plus près des images dans une volonté clairement affichée d’expressivité mais tout en permettant néanmoins de s’en détacher à loisir. Alors que dans ses précédentes compositions, il s’attachait à l’œuvre de Buster Keaton, s’inscrivant dans le rythme que le génial comédien donne lui-même aux images, ce sont ici les facéties de Douglas Fairbanks aussi roublard que charmeur et drôle qui se trouvent éclairés par l’écriture de Bruno Regnier dans un de ces moments rare où la musique parvient avec grâce à faire corps avec l’oeuvre cinématographique. Dans cet art là, Bruno Régnier nous a montré qu’il excelle. 

David Sanchez (Ts)

  Il y a des disques qui ne se donnent pas à la première écoute. De ceux qui vous feraient croire à quelque chose d’anodin. Epiphénoménal en quelque sorte. Mais il y a aussi ces disques qui ne se révèlent qu’après coup, à la nième écoute. Sur lesquels il faut revenir plusieurs fois afin d’en déceler les trésors. Qui révèlent leurs secrets ensuite. L’album de David Sanchez est de ceux là. Curieux, au même moment sortent l’album de deux saxophonistes Portoricains qui par ailleurs se connaissent, l’un (Zenon) ayant beaucoup joué dans le groupe de l’autre ( Sanchez). Et ce sont deux démarches tout à fait différentes mais non moins personnelles dont il s’agit. Alors que Zenon ( voir l’article de Lionel Eskenazi et notre ITW) se réclame de Steve Coleman, David Sachez au contraire est plutôt dans la suite d’un jazz post-fusion ici largement assumé et dépassé (on pense notamment à Metheny). Moins virtuose que lyrique, David Sanchez est un saxophoniste ténor de très très grande classe. Discours bouillonnant sans jamais se montrer explosif, rare de maîtrise, domptant les courbes et les droites sans aucun dérapage  incontrôlé, sonorité ciselée. David Sanchez a l’élégance des très grands. Mais alors que la démarche de Zenon se veut plus intime, dépassant sa propre histoire, celle de Sanchez reste ancrée dans une tradition multiple. Celle, on l’a dit d’un jazz post-fusion  (Adoracion) mais aussi de sa propre culture qu’il distille soit au travers d’une allusion soit lors d’un très long développement de 20mn qui clôture l’album et qui prend pour point de départ, la Plena, cette musique portoricaine qui tire sa source directement d’Afrique (La  Leyenda Del Cañaveral). Ceux qui ont récemment entendu Jacques Schwartz Bart ne seront pas surpris par ce type de travail. Mais la tradition c’est aussi le respect dû aux grands maîtres du saxophone et David Sanchez livre ainsi une lecture somptueuse de Monk’s Mood, montrant ainsi combien il reste ancré dans la tradition du jazz. S’appuyant sur une belle formation qui tourne impeccablement et que l’on retrouve en partie chez Zenon (le bassiste et le batteur) et par un jeune guitariste totalement bluffant, la musique de Sanchez n’en est pas pour autant irrésistible et l’on conçoit que certains pourraient y voir une sorte d’esthétique un peu froide qui pourrait bien vous faire passer à côté. A force de discours fleuve et de lyrisme puissant, on en oublie presque les interventions d’un Danilo Perez qui deviennent anecdotiques. Mais il faut y revenir et y revenir pour  découvrir enfin cet album. Car il s’agit réellement d’un album remarquable. Beaucoup plus fin et moins ambivalent qu’il n’y paraît à la première écoute.                                                         Jean-Marc Gelin

Bee Jazz 2008 

Quelle merveilleuse façon d’entrer dans cet album par cette invite : « Wish you were here » (Pink Floyd). C’est par ce morceau que se clôturait l’album solo de Guillaume de Chassy paru l’an dernier dans lequel nous avions déjà été frappés par la générosité du propos qui laisse à l’auditeur l’espace spirituel pour rêver. Guillaume de Chassy nous convie à le rejoindre dans son univers tout en poésie et grâce. La musique y est exigeante mais le partage en est le maître-mot. Avec Stephane Kerecki à la contrebasse (qui a le son d’une guitare sèche) et Fabrice Moreau à la batterie, Guillaume de Chassy nous offre son premier album en trio et nous amène un peu plus profondément dans son travail de chimiste des mélodies. Il reprend donc des morceaux qu’il interprétait dans son album solo (Parenthèse) pour mieux les détricoter et les reconstruire de manière très précise, très savante sans que cela sonne érudit ou pompeux. Avec ses musiciens, le jeu est équilibré, serein et tout en intensité, chacun trouvant sa juste place dans la construction des reprises comme des subtiles compositions originales de Guillaume de Chassy. Un peu comme si cet album n’était qu’un extrait de leurs longs échanges philosophiques. Une langue poétique épurée pour célébrer la beauté de la vie et le bonheur du partage. Ce n’est sans doute pas un hasard si le pianiste convoque pour cette quête Gabriel Fauré (« Après un rêve »), Charles Trenet (« Coin de rue ») ou Carla Bley (« Ida Lupino »).

Dans cet album, tout n’est « qu'ordre et beauté, luxe, calme et volupté. » (Baudelaire). Quelle belle invitation au voyage.

Régine Coqueran

Justin Time 2008

Yannick Rieu (ts), Nicolas Rageau (cb), Philippe Soirat (dm)

 On pourrait se croire descendant les marches étroites qui descendent à la cave du Smalls à New York et tomber sur ce petit trio qui joue acoustique et straight, du jazz comme on l’aime. C’est d’ailleurs peut être bien là que notre saxophoniste ténor y a rencontré ses compagnons de rythmique, Nicolas Rageau et Philippe Soirat, deux frenchies tous deux habitués des lieux. On s’y croirait d’autant plus que le saxophoniste canadien Yannick Rieu joue une musique qui ne détonnerait pas avec l’endroit, une musique qui vient tout droit de la tradition des trios pianoless. Cette tradition portée jadis haut par Sonny Rollins qui est ici une référence plus qu’évidente. Comment ne pas penser au fameux trio de Way out West ? Sauf que là c’est d’une autre cave qu’il s’agit puisque cet album a été enregistré à l’occasion d’un concert au «  7 lézards à Paris ».  Paris- Montréal- New York ici confondus dans le grand creuset du jazz. Car à l’exception de deux compositions personnelles, ce saxophoniste de Montréal qui fit jadis ses classes avec Jean-Louis Chautemps connaît par cœur son histoire du jazz et navigue avec grande classe entre différents standards butinant ici un Like someone in love, là un Freedom suite 1^ère partie de Sonny Rollins (toujours là), I’ll Stop loving you ou encore I hear a rhapsody. Yannick Rieu tient de bout en bout son discours, celui du jazz brut, celui du son, celui de l’énergie, celui de l’inventivité du saxophone totalement libéré, dans la lignée des saxophonistes increvables comme l’étaient Rollins ou Gordon. Marathonien toujours lyrique, toujours maître de la pulse et du tempo, Yannick Rieu nous renvoie à ce jazz jamais mort, ce jazz brut, cette classe suprême du saxophone qui s’enflamme sans jamais brûler. Pas de couacs, pas de cris aigus ici, au contraire le saxophone ténor jusqu’au bout. Totalement assumé. Celui qui vient de l’après bop. Digression toujours cohérente autour d’un thème. Pas de tourneries autour des harmoniques mais ici la mélodie et la pulse qui seuls constituent l’ossature du discours toujours brillant sans donner l’impression de l’être, toujours intelligent et inventif sans jamais se perdre. Nous perdre. Un jazz qui nous fait revivre de belles heures que nous avions un peu oubliées. Que Rollins lui-même a un peu perdu en chemin. On se demande bien pourquoi. Jean-Marc Gelin