Ed Grasset
366 p. ; 19,50 €

 




Aurait-on pu imaginer avant de lire ce livre de Pierre Briançon que la prison, en l’occurrence celle de Saint Quentin en Californie, l’une des plus dures des États-unis, ait pu dans les années 60 être un véritable lieu de jazz ? Et pas de n’importe quel jazz puisque dans ce pénitencier se sont côtoyés à la même période, des jazzmen de la west coast de la dimension de Art Pepper, de Franck Morgan de Dupree Bolton, Franck Butler ou Jimmy Bunn (le pianiste du fameux Lover man de Parker) pour ne citer qu’eux. Ces musiciens exceptionnels ( et détenus en l’occurrence) se sont en effet produits à partir de 1962 dans l’orchestre de jazz « maison », le Saint Quentin Jazz Band promu par le directeur de l’établissement pénitentiaire de l’époque qui leur donna l’occasion inespérée d’y donner pendant quelques années des concerts tous les samedis soirs.

Pour le journaliste Pierre Briançon, ancien Directeur du journal l’Expansion, le point de départ de cette enquête incroyablement documentée, est la découverte à la sauvette chez un disquaire d’un enregistrement vynil de Earl Anderza (« Outa Sight » – Pacific Jazz 1962), saxophoniste alto totalement inconnu, qui n’apparaît dans aucune encyclopédie de jazz, qui n’a rien enregistré d’autres et dont le disque, véritable objet pour collectionneur ne laisse de sidérer notre auteur. Pierre Briançon est tellement impressionné par ce saxophoniste «  fantôme » qu’il se met rapidement en quête retrouver sa trace. Avec une pugnacité sans faille de grand journaliste enquêteur, Pierre Briançon enquête sur ce saxophoniste et en trouve finalement la trace dans les archives de la prison de Saint Quentin où le jeune homme a passé le plus sombre de son temps. Découvrant l’existence de ce Jazz Band improbable, Briançon épluche alors avec minutie les archives de la prison et relate l’histoire dans et hors les murs, de ces musiciens qui se sont côtoyés dans cet orchestre. Et découvre qu’en prison ils jouaient, présentaient parfois leur travail et leurs compostions devant des jurys extérieurs, donnaient régulièrement des concerts dans les murs de St Quentin.

Les tranches de vie de ces musiciens célèbres ou anonymes sont ainsi replacées avec beaucoup de subtilité dans le contexte social et jazzistique de cette époque où le jazz de l’après bop connu, après Charlie Parker les dérives les plus tragiques des héroïnomanes irrémédiablement conduits et ramenés sans cesse dans les griffes d’un système terriblement répressif. A partir de là et de cet angle de vue inédit, c’est une véritable approche originale de cette petite histoire du jazz que l’on suit telle une enquête captivante au gré des séjours passés en prison et des sorties sous conditionnelle. Avec Pierre Briançon on rentre au cœur d’un système rarement (voire jamais) exploré. Face à cet engrenage infernal apparaît un système répressif californien qui ne laisse que peu de chances de rédemption à ceux qui immanquablement se font prendre. Il faudra attendre longtemps avant que la machine judiciaire ne comprenne la dimension du mal et l’absurdité de la réponse répressive au détriment de toute démarche thérapeutique.

Dans cette prison extrêmement dure qui accueille des délinquants condamnés parfois pour des peines au terme non fixé (un condamné léger peu se voir infliger une peine allant de 6 mois à 10 ans sans qu’il ne sache précisément le terme de sa peine), les détenus côtoient les condamnés à la chambre à gaz. Et dans cet îlot de violence, le jazz parvient à naître à survivre. Certains même deviennent musiciens de jazz en découvrant les instruments à l’atelier. Le jazz alors devient une un lien symbolique et vital avec le monde extérieur.

Et si nous savions que le jazz était une musique libre, la lecture de cet ouvrage passionnant nous ramène à une autre évidence, celle que le jazz pouvait être aussi dans cet univers impitoyable, une musique de la liberté.               Jean-Marc Gelin

Un film de Fabrice Ardenac et Alexandre Gonin

Artofilms 2008

Il ne faut pas grand-chose. Juste trois morceaux, trois thèmes du dernier album du Strada sextet de Henri Texier ( Alerte à l’eau paru chez Label Bleu), pour faire un grand film. Tout dépend de l’angle que l’on choisit. Tout dépend de l’approche.

Car le travail que propose ici Artofilms et de ses deux réalisateurs Fabrice Radenac et Alexandre Gonin repose sur l’approche au plus intime des musiciens à savoir leur travail de création collective au cours des répétitions et des ultimes réglages, propositions des uns et des autres avant la présentation en concert. Agrémenté d’interviews des musiciens prises – pour le coup - en dehors du contexte de la répétition, ceux ci s’expliquent sur l’apport de chacun et sur le tramage de ces voix qui donne à ce Strada sextet cette texture unique, cette couleur revendiquée et totalement travaillée. En nous permettant ainsi de voir hors scène le travail de ces musiciens on perçoit mieux l’alchimie que Texier est parvenu à créer avec ces instrumentistes de haut niveau, tous éléments indissociables d’un puzzle si cohérent dans l’approche et dans la compréhension de ce que veux Texier. Trois morceaux travaillés ici : Afrique à l’eau, Valse à l’eau et enfin Reggae d’eau font ressortir la personnalité de chacun et la fusion de tous. Toujours la pâte du maître qui, sans exigence et toujours en connivence avec ses musiciens les emmène exactement au point précis qu’il a en tête. Parce que Texier connaît l’apport de chacun. De Corneloup dont il dit qu’il est la continuation de cette école du post free jazz qui va de Portal à Sclavis et sur qui il se repose pour apporter un zeste de déstructuration. Ou Christophe Marguet, le complice en rythmique. Christophe Marget, le seul à qui Texier n’apporte pas de partition mais dont il peut compter sur sa compréhension des atmosphères rythmiques. Manu Codjia dont Texier dit qu’il est une palette incroyable à lui tout seul apportant autant l’assise d’une basse que celle, mélodique d’un violon. Gueorgi Kornazov, le tromboniste dont la science du contrepoint l’amène à toujours proposer de nouvelles directions au cours des répétitions. Sébastien Texier enfin dont Henri utilise aussi bien sa patte plus légère et lyrique au saxophone qu’à la clarinette.

Les deux réalisateurs ne se contentent pas de s’immiscer dans ce travail mais poursuivent en montrant l’application sur scène et filment alors avec une réelle compréhension du travail demandé, un peu comme s’ils étaient eux aussi partie intégrante du travail préalable, mettant en valeur les parties de solistes en soulignant leur intensité. Le filmage de ce concert n’est jamais fainéant et jamais avare sur la qualité des plans qu’il propose.

Ce travail parle alors à l’intelligence de l’auditeur. Lui offre une clef de lecture inédite. La musique est alors révélée autrement. Quand tout, encore une fois est question d’angle. Jean-Marc Gelin

LE NOIR ET LE BLANC

Photos de Eddy Wiggins

Préface de Gilles Leroy

Naïve 2008

Contrairement aux apparences, les Éditions Naïve ne proposent pas avec ce livre de photos de Eddy Wiggins un nième livre de photos noir et blanc sur le jazz. C’est de tout autre chose dont il s’agit ici.

Eddy Wiggins est un noir américain assez éclectique qui naviguait entre le dessin, le billard, le cyclisme, le violon ou la boxe. Immigré en France, il va bourlinguer après guerre entre des articles pour le journal Jazz Hot et des piges comme correspondant pour le Chicago Defender. On le surnommait après guerre «  the street wolf of Paris », la ville où il traquait avec son appareil de photos les célèbres et les anonymes. Plus tard Wiggins devenu rabatteur, sera chargé à la sortie des grands théâtres et cabarets de ramener de la clientèle chic dans les restaurants et bars des quartiers environnants. Belle matière à photographier. Fin de concerts où les artistes sont libérés et où les spectateurs chantent et dansent encore. Et dans ces moments réellement joyeux de l’après guerre Paris prend, sous son regard l’air d’une ville de la Nouvelle Orléans. Une ville totalement insouciante où le jazz se mêle à la variété. Où l’on passe allègrement de l’Olympia au tabou. Une ville qui chante et qui boit jusqu’au bout de la nuit.

Mais Wiggins, trouve surtout dans ce Paris là une matière vive qui brise tous les tabous qu’il connaît Outre Atlantique. Le blanc et le noir se mélange devant son objectif. Les couples sont ici incroyablement mixtes, les anonymes côtoient les célébrités des années 50/60 (Armstrong, Count Basie, Gilbert Becaud, Cocteau, Renoir, Joséphine Baker etc…..). Deux clichés se suivent, celui sublime de Louis Armstrong dans sa loge de l’Olympia (p.73), et page suivante celui de Joséphine Baker vieillie et belle prenant dans sa main celle d’un membre des Platters dans un restaurant chic. Deux visions décalées. Mais au gré des pages les célébrités se mêlent aux amoureux inconnus qui s’embrassent ou prennent la pose, aux ouvreuses et danseuses de Cabaret.

Les hommes et les femmes sont noirs ou blancs.

Noir et blanc, blanc ou noir, deux mots clefs de ce livre qui paradoxalement s’affranchit de cette contrainte dualiste ou manichéenne. Sous la bichromie apparente, Wiggins utilise ce prisme pour nous livrer sa vision du monde. Elle était alors aussi joyeuse et insouciante que symboliquement multicolore.                                                                         Jean-Marc Gelin

Refined Records 2008

Ah le manouche ! La Musique manouche est à l’honneur au sein de ce trio méconnu de jeunes musiciens. Autour du guitariste leader et soliste originaire de Mallorca Biel Ballester, ce groupe de fidèles amoureux de la bohème rassemble des musiciens d’origines espagnoles avec Graci Pedro à la guitare « pompe » ainsi que Leandro Hipaucha à la contrebasse. Nous avons aussi le plaisir d’y entendre sur quelques morceaux le percussionniste Carlos Romo au cajon. Ce malicieux voyage au pays tzigane nous est offert sous forme de menu de bistro populaire, avec dans l’ordre « Aperitivos », « Platos Principales » et « Postres ». Alléché par ce mélange de saveurs gitanes ibériques, la dégustation commence par surprise avec l’évocation d’un certain exotisme brésilien désireux de rendre hommage à la féminité, en témoigne son titre « Ah les femmes ». De quoi entamer un repas prometteur en rebondissements ! Compositions après compositions du soliste, la route de l’auditeur croise ces incontournables standards que sont « Love For Sale », « Conception » ou bien « All Blues », avec des arrangements aussi saugrenus qu’originaux. A noter aussi une composition intitulée « Fiso Place » écrite par Bireli Lagrène, ainsi que la transcription de trois improvisations solos du non moins célèbre Django Reinhardt. C’est à travers tous ces vestiges du Jazz du siècle passé que le jeu incisif de Biel Ballester séduit les oreilles par ses envolées virevoltantes. Ne manquant jamais de toupet, ce trio de joyeux farceurs nous entraine jusqu’à leur céder notre sympathie pour le régal de les entendre. Avec cette habitude d’enregistrer des versions relativement courtes de chaque morceau, comme pour rappeler que cette tradition vient du format radiophonique que Django et ses contemporains eut si bien maitrisé. Justement, c’est dans cette urgence que le lyrisme de ce style musical est à trois cent pour cent. Dans le temps qui lui est imparti, l’authenticité de la Musique manouche prend sa valeur dans la démesure, dans l’amour invincible, indémodable et inoxydable des campagnes, des guinguettes, de la liberté qu’offrait l’ancien temps et qui demeure naturellement dans un coin du cœur. Avec un tel disque resurgissent les nostalgiques et infinis besoins de tendresse. Tristan Loriaut

Rééd. 1965 – Blue Note 2008
 

Curieusement dans son livre référence, Stéphane Carini ne mentionne pas cette session dans sa discographie sélective de Wayne Shorter (1). Il est vrai qu’entre 64 et 65 ces sessions se sont succédées chez Blue Note à une période où Wayne Shorter, alors engagé dans le fameux quintet de Miles, fait un break de courte durée entre l’enregistrement de « ESP » et le « Live at The Plugged Nickel ». Parmi ces 8 enregistrements chez Blue note entre 64 et 65 (dont les fameux Juju, Speak no Evil, The All Seeing eyes ou encore Adam’s apple), the Soothsayer est rarement mentionné. Outre la qualité évidente de l’album c’est pourtant la première fois que Tony Williams, lui aussi membre du quintet, se joint à la formation. Et il est assez intéressant d’entendre le jeune batteur de génie aux côtés de Mc Coy Tyner qui de son côté jouait avec Elvin dans la quartet de Coltrane. Et réciproquement….

Ces sessions dans la pure tradition hard bop témoignaient alors du besoin de Shorter de graver son propre matériau et d’exister sous son propre nom. Une sorte de pause par rapport à sa collaboration avec Miles. Mais si, du coup, ces sessions en 1965 peuvent paraître déjà décalées par rapport à la nouvelle musique alors en vigueur chez Miles et Coltrane ce serait portant avoir l’oreille un peu limitée que de ne pas voir dans ce travail là ce qui va poindre par la suite. Entre le hard bop et le free radical, Wayne Shorter va en effet livrer l’issue salutaire qui débloquera le jazz pendant de longues années à venir. Et indubitablement, ce travail est déjà en gestation dans les compositions de Shorter. Ces sessions qui feraient pâlir d’envie n’importe quel producteur, conservent aujourd’hui l’incroyable fraîcheur de ces maîtres du hard bop totalement engagés dans la musique de Shorter. James Spaulding qui le double au ténor est ici en compagnie de Freddie Hubbard, tous deux en très grande forme. La mayonnaise prend dans ce quintet de luxe hélas éphémère où chaque composition se révèle pour ce qu’elle est, un bijou (même si parfois, quelque soit le regard exigeant de A. Lion et de Rudy Van Gelder on note quelques morceaux qui n’auraient pas forcément mérité d’être gravés). On notera pourtant l’intensité du bien nommé The Soothsayer ou encore cette Valse Triste qui avait inspiré auparavant Shorter dans l’écriture de Dance on Cadaverous dans le « Speak no Evil ». Ne pas penser que ces sessions ont été écrites et jouées à la chaîne dans un esprit très commercial par des pros rompus à l’exercice. Y voir au contraire la marque de cette esthétique qui, finalement n’est jamais si complaisante et qui porte en elle la trace indispensable de ces moments héroïque que ces génies, stakhanovistes jubilatoires, ont gravés et sans laquelle le jazz assurément ne se serait pas écrit de la même manière.                         Jean-Marc Gelin