Cristal records

 Cet enregistrement pris sur le vif le 3 novembre 2007, lors de la célébration de l’anniversaire du célèbre club de la rue des Lombards, sonne comme le rappel d’une évidence.  Celle selon laquelle le jazz perd une partie de son âme toutes les fois où il franchit les portes d’un studio d’enregistrement, dès lors qu’il se transforme en exercice de raison pure ou cherche, au nom de la nouveauté, à épater le bourgeois. Rien de tel ici, que l’on se rassure. Rien d’autre que la captation d’une soirée en club, dans sa continuité, dans sa progression, dans ses temps forts et ses (rares) temps morts, dans son jus. Une soirée juste un peu plus réussie que la moyenne, dans laquelle le quartet d’André Ceccarelli, reformé spécialement pour l’occasion, se fait plaisir et en donne sans compter à la poignée de spectateurs présents ce soir là et dont on peut suivre,  grâce à la qualité superlative de l’enregistrement, les réactions et les émois en écho aux propositions des musiciens. Le plaisir vient ici aussi de la durée. Au premier abord, l’idée de restituer le concert dans un double album peut rebuter : trop ambitieux, trop lourd, trop indigeste. A-t-on tant de temps à consacrer  à cette musique ? Pourquoi de surcroît s’être permis de faire figurer deux reprises de Giant steps, en ouverture et en fin de concert ? A l’écoute, miracle du live, le temps se raccourcit, la longueur des morceaux (entre 9’ et 14’ pour la plupart d’entre eux) se justifie, les soli s’enchaînent sans que la tension se relâche et l’on se dit que c’est précisément parce que chacun des musiciens dispose du temps nécessaire pour déployer ses idées, pour écouter ses partenaires, pour se répéter et se fourvoyer aussi parfois, que le résultat est aussi réussi et jouissif. Car il s’est joué de la très bonne musique ce soir là au Sunside. Une dizaine de morceaux tout au plus, dont une moitié de reprises de haute lignée (Giant Steps donc, Juju, Seven Steps to Heaven, Take the Coltrane) et une moitié d’originaux (signés notamment Sylvain Beuf et Antonio Farao) parfois superbes (Sensible, Vera). Si le saxophone de Sylvain Beuf (soprano et ténor) est égal à sa réputation,  souvent brillant, parfois attendu, toujours intéressant, le trop sous-estimé pianiste italien Antonio Farao constitue la véritable révélation de cet album. Depuis quand a-t-on entendu un pianiste aussi fin, inventif et véloce ? D’une incroyable facilité dans certaines de ses envolées (Giant Steps version 2.), qui fait penser parfois à cet autre grand méconnu de Phineas Newborn, il parvient aussi à émouvoir, lorsqu’il tâtonne et dissonne, semblant presque hésitant parfois (Giant Steps, version 1.) L’ensemble est soutenu à un train d’enfer par une section rythmique toujours attentive et remarquable (Thomas Bramerie et André Ceccarelli). Rien de tout cela n’a vocation, on l’aura compris, à révolutionner l’histoire de la musique, mais depuis quand doit-on bouder son plaisir, surtout lorsque, comme la plupart des individus habitant cette planète, nous ne faisions pas partie de la quelque dizaines de privilégiés qui avaient eu le bon goût d’être au Sunside ce soir là… Loic Blondiaux

Allgorythm  2008

 On reconnaît le (bon) goût indéniable du guitariste Jean Philippe Muvien, qui en plus de sa propre activité discographique, a choisi de lancer son propre label et de distribuer sur sa marque ALLGORYTHM  les « indés » qui lui plaisent . Ainsi en est il de ce label sicilien  Jazzeyes qui met aujourd’hui en valeur le batteur Al Foster.
Deuxième disque en leader d’un magnifique quartet  depuis dix ans, cet album porte un titre sans véritable équivoque : quarante ans après le joli mois de Mai 68, ce Love, Peace and Jazz fait retour sur ce qui prolongeait le « summer of love » de 67, mais également rappelle que Wayne Shorter, plus encore peut-être que Miles Davis, (le  patron de Foster pendant très longtemps) est l’une des inspirations de l’album . Ce qui se vérifie avec le saxophoniste Eli Degibri, Israélien d’origine, , qui, au soprano, sait faire monter la pression, installant une tension créative,  tout en découpant aussi  ses solos de façon aérée au ténor. Créateur de climats, il est soutenu par le « drive » voluptueusement efficace  de Foster, le chant puissant et profond de Douglas Weiss.  Ce dernier est le  contrebassiste du groupe, complice habituel du pianiste  Kevin Hays, dernier élément fondamental du quartet au jeu à la fois effervescent,  délicat, toujours vibrant.

Belle cohérence aussi dans la choix des titres, parce que les 3 longues compositions d’ Al Foster se marient  thématiquement avec les titres repris à Miles Davis « Blue in green » , Wayne Shorter « ESP » ou Blue Mitchell « Fungii Mama » . Les arrangements qui en découlent se déploient selon une  palette de couleurs variées, toujours en recherche d'harmonie, du sombre à l'éclatant, du concentré au diaphane.

Profondément réjouissant et tonique ! Sophie Chambon

Enja Records / Harmonia Mundi

  Rabih Abou-Khalil est un homme épris de métissage, ayant enregistré avec des grands noms du Jazz, avec des musiciens arabes traditionnels, des quatuors classiques jusqu’aux orchestres symphoniques en passant par des musiciens arméniens. Ce nouvel album au doux nom de « Em Portuguès » est une mise en Musique par le compositeur libanais de morceaux choisis de la Poésie portugaise, issus de la plume de Mario Rainho, José Luis Gordo, Rui Manuel, Silva Tavares, Tiago Torres da Silva, Antonio Rocha. Touchant au plus profond de l’âme de chacun, certains de ces textes (traduits en plusieurs langues dans le livret) communiquent un lyrisme à la fois spirituel et charnel : « C’est dans la mer de tes jambes, que se loge la mélancolie… ». Agé de 26 ans et originaire de Lisbonne, Ricardo Ribeiro est un chanteur virtuose à l’esprit libre transcendant sa propre culture, réunissant par ailleurs les qualités techniques nécessaires à l’interprétation des mélodies caractéristiques de la Musique du joueur d’oud Rabih Abou-Khalil. Offrant une identité à ce brassage culturel, l’instrumentation de ce projet prend forme en la personne de Luciano Biondini à l’accordéon, Michel Godard à la basse électro-acoustique, parfois utilisant le tuba comme second instrument, et de Jarrod Cagwin à la batterie et aux percussions. A signaler aussi le remarquable travail de l’ingénieur du son Walter Quintus pour le compte du précieux label Enja. « Quando te vejo sorrir » est un des poèmes introduit par un duo unissant le chant et l’oud, reflétant alors l’intime corrélation entre Liban et Portugal. Ce couple instrumental est quasi-permanent dans chacune des compositions et représente le fil conducteur de ce point de rencontre des cultures, sorte de folklore imaginaire alliant l’orient à l’occident, teintée d’improvisation aux reflets Jazz et Musique du Monde. Cette collaboration entre un compositeur libanais et un chanteur portugais est une idée amusante à l’origine de Ricardo Pais, directeur du Théâtre National de Porto. Ce disque est habité à la fois d’une fascinante douceur et d’une puissance rapsodique, alternant entre complaintes prosaïquement mélancolique et danses de légèreté sautillante (« Jogo de la vida »). La science des mots en devient presque inutile pour décrire ce que l’esprit reçoit en émotion à l’écoute d’un tel charme musical. Un véritable hommage à ce qu’il y a de meilleur dans le mélange des civilisations. Il faut aussi souligner l’immense talent des improvisateurs qui mettent tout en œuvre pour retranscrire toute la passion qui émane de leur cœur. Un disque dédié à la paradoxale fraicheur d’une nuit d’été. Tristan Loriaut

Effendi 2008

François Bourassa (p), André Leroux (ts,ss, f), Guy Boisvert (cb), Greg Ritchie (dm), Philippe Melanson  (dm), Aboulaye Koné (perc)

  Il serait peut être temps que le public parisien commence à se familiariser avec le nom de François Bourassa. Car à 49 ans, ce pianiste canadien habitué aux prix et aux récompenses, ne cesse de marquer le paysage du jazz par la qualité de son travail et de ses créations. Dernière récompense en date et non des moindres, celle du prix Oscar Peterson reçu en 2007 et qui, à entendre le présent album est très largement justifié. Car disons le tout net, il y a dans le travail de François Bourassa la quintessence de ce qui nous fait vibrer dans le jazz actuel. L’énergie et l’engagement bien sûr mais aussi des compositions brillantes, jazzy en diable qui associent autant l’émotion pure à un groove terrible, quelques idées géniales de compositions, un amusement rythmique qui passe des métriques impaires à des passages en binaires où le jazz peut parfois se teinter de pop et de world sans jamais y perdre son identité fondamentale et sa capacité à créer des espaces d’improvisations brûlantes. C’est qu’il y a dans cet album autant de force que de puissance dynamique. Avec l’aide d’un saxophoniste qui a tout compris, Bourassa passe d’un jazz-pop comme III Wooster Street, à un jazz world où les percus explosent ( Aboubou), pour glisser ensuite une belle ballade au jazz plus bleuté ( Nationz) sans jamais donner une once de sentiment de « décousu ». C’est que cet album est au contraire intelligemment conçu dans son ensemble et dans son agencement. De quoi nous mettre constamment les sens en éveil. Le saxophoniste André Leroux, incandescent au ténor comme au soprano y affûte les thèmes avec une lame aussi brûlante qu’acérée et se révèle un très grand saxophoniste. Il s’appuie sur une rythmique dans laquelle le jeu de François Bourassa, est un joyau d’intelligence dans l’utilisation de la grille, dans l’accompagnement du soliste et surtout dans la puissance et la dynamique de groupe. Le pianiste qui signe cet album sous son nom ne se surexpose jamais et joue la carte du collectif. Toute l’intelligence de Bourassa consiste alors à rendre à cet opus une grande cohérence dans la diversité du discours. C’est ce que ce groupe a véritablement « un truc ». Lorsque l’on ne sait pas quoi dire sur un album ou sur un groupe, on dit «  il a le son ! » pour se débarrasser du sujet. Mais ce que nous entendons surtout ici, c‘est un vrai plaisir à ne jamais se répéter, à sortir des formats sans jamais nous perdre. Loin de tout académisme, ce quartet nous donne une nouvelle preuve de la formidable vitalité du jazz en s’appuyant sur un  discours stimulant et vivifiant en phase avec les canons du jazz d’aujourd’hui. Jean-Marc Gelin

Tzadik 2008

 «  Lucifer » est le premier album studio du Bar Kokhba sextet, probablement le groupe préféré des fans de John Zorn, depuis dix ans. Ce dernier a composé une série de pièces, réunis sous le nom de « Book of Angels » qui fait référence aux noms des anges cités dans la Torah. Chaque volume de la série, parue chez Tzadik le label de Zorn, est signé par un groupe différent (Masada, Cracow Klezmer Band ...). « Lucifer » de Bar Kokhba en est le dixième volume.

Zorn, saxophoniste moins en colère ici, nous propose ici une musique qui puise sa source dans la tradition hébraïque et qui, par ce biais, permet à son auteur de progresser dans sa quête de créer la « nouvelle musique juive ». Musicien qui se challenge en permanence, le saxophoniste surprend encore avec « Lucifer ». Et une fois n'est pas coutume, la musique y est tout à fait accessible et subtile. Enfin les mélodies sont cousues dans la dentelle et puisent leur source aussi dans les traditions latines, arabo-andalouse et le rock. Cet album donne la part belle aux instruments à cordes avec Marc Ribot à la guitare et Erik Friedlander au violoncelle et Mark Feldman au violon particulièrement lyriques. La rythmique n'est pas en reste puisqu'il s'agit du duo contrebasse/batterie préféré de Zorn (Greg Cohen, Joey Baron) assisté de Cyro Baptista aux percussions. Le groupe ainsi réuni fait preuve d'une cohésion osmotique et d'une motricité fantastique tout au long de l'album.

L'esthétique de l'album est totalement homogène et continue grâce à l'extraordinaire niveau du sextet.

Habituellement répétitif lorsqu'il garde le cap sur une approche musicale bien précise (« Party Intellectual », « Asmodeus »), Ribot est particulièrement brillant dans « Lucifer ». D'ailleurs sont apport artistique est essentiel à l'album et ses interventions lumineuses. Ses coutumières imprécisions stylistiques, qui font partie intégrante de son formidable talent, enrichissent la musique impeccablement exécutée par le groupe en lui donnant un petit côté wild. Ses improvisations inspirées mettent en exergue l'exceptionnelle richesse des compositions de Zorn. On l'appellera comme on le voudra: jazz de chambre, jazz lyrique, la musique de « Lucifer » fait aussi bien dans la beauté et la retenue que dans l'énergie et le joyeux. On pourrait la qualifier de musique d'orfèvre.  Jérôme Gransac