Matthias Spillmann (trompette & bugle), Francesco Geminiani (saxophone ténor), Manuel Schmiedel (piano), Fabien Ianonne (contrebasse), Noé Tavelli (batterie, composition)

Fribourg, 19-20 février 2020

Fresh Sound New Talent FSNT 635 / Socadisc

Assez différent du disque enregistré en 2017 (Noé Tavelli & The Argonauts Collective, Double Moon Records), et publié deux ans plus tard, ce nouveau CD ne doit pas ce renouvellement au seul changement de nomenclature, avec le passage, par l'arrivée du pianiste Manuel Schmiedel, du quartette au quintette (le bassiste a été oublié sur la jaquette, mais ils sont bien cinq). Il y a là comme l'affirmation d'une pulsation plus ferme, plus forte, qui ne sacrifie en rien les subtilités de la construction mélodique et harmonique, mais trouve au contraire dans ce nouvel essor la confirmation de son identité. Sans épiloguer outre-mesure sur la métaphore suggérée par l'allusion aux compagnons de Jason et à leur quête de la Toison d'or, on doit bien reconnaître que la référence choisie pour le discours d'escorte mérite quelque attention. C'est bien une sorte d'aventure exploratoire qui se joue dans ce nouvel opus. Différentes facettes du jazz contemporain s'y trouvent abordées, et développées avec une indiscutable richesse qui tient autant à l'écriture qu'à l'interprétation des membres du groupe, et à leurs qualités d'improvisateurs.

Bref c'est un vrai bon disque d'aujourd'hui, relié à la mémoire de ce jazz moderne qui s'était épanoui dans la seconde moitié du siècle dernier. Ce groupe international, avec tropisme new-yorkais et centre de gravité helvétique, nous offre une sorte d'état de lieux du jazz de stricte obédience, dans sa composante transatlantique. Plus que convaincant, le résultat est jouissif.

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube 

Charles MINGUS (contrebasse), Eric Dolphy (saxophone alto, flute, clarinette basse), Clifford Jordan (saxophone tenor), Jaki Byard (pian) et Dannie Richmond (batterie).  Théâtre des Champs Elysées, Paris, le 19 avril 1964.
Coffret de 2 CD incluant un livret. Decca/Universal.
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   Charles MINGUS est né le 22 avril 1922 à Nogales (Arizona). Il aurait eu 100 ans hier.

   Cette réédition concerne le deuxième concert parisien de la tournée 1964 de Mingus, donné au Théâtre des Champs Elysées le 19 avril, dans une ambiance un peu dramatique, le contrebassiste devant se passer de son trompettiste Johnny Coles, hospitalisé en urgence (hémorragie interne) pendant sa prestation à la Salle Wagram le 17 avril au soir. Le leader rend d’ailleurs un bel hommage à son musicien dont la trompette trône sur scène ... sur une chaise !

   Amputé de l’une de ses voix, le groupe de Mingus va faire vibrer les spectateurs tout au long de ce concert qui, retardé, débutera finalement après minuit. Reproduit dans son intégralité, il permet d’entendre la voix rocailleuse du leader dans ses commentaires et l’accueil survolté du public parisien.

   Le programme se révèle à peu près identique à celui du vendredi (1), si l’on excepte un solo de piano de Jaki Byard ‘’A.T.F.W.’’ (Art Tatum, Fats Waller), synthèse brillante de l’époque classique, et un standard de l’un des maîtres de Mingus, Duke Ellington, ‘’Sophisticated Lady’’, donné par le contrebassiste en solo, sobrement accompagné par Byard.

   Mingus se montre fidèle à lui-même, incandescent, quand il livre au public pendant l’interprétation (près de 28 minutes) de ‘’Fables of Faubus’’(2) les paroles censurées dans le disque paru l’année précédente chez Columbia. (Extraits : « Ah Seigneur, ne les laisse pas nous tirer dessus…plus de croix gammée… plus de Ku Klux Klan… Faubus, un homme malade, ridicule, abruti, nazi »).

   Dans la même veine de son engagement on retrouve donnée ‘’Meditations on Integration’’, autre composition phare de Mingus traitant des conditions de vie dans les ghettos du sud des Etats-Unis. Le rebelle salue également la mémoire d’un autre de ses inspirateurs, Charlie Parker dans une longue version (27 minutes aussi) d’une autre de ses œuvres, sorte de collage de compositions du Bird, ‘’Parkeriana’’.

   Un moment d’émotion avec ‘’So Long Eric, Don’t Stay Over There Too Long’’ (21 minutes), où le compositeur exprime toute sa tristesse de voir son complice le quitter pour rester en Europe (où il décédera le 29 juin à Berlin à l’âge de 36 ans).

   Si l’on ajoute enfin un titre marqué par l’esprit du blues, ‘’Orange was the colour of her dress then blue silk’’), c’est bien tout l’univers mingusien qui se dévoilait cette nuit-là avenue Montaigne. Compositeur, interprète, chef de groupe, les trois facettes de l’art du grand Charles s’illustrent de la plus belle des manières.

... Un coffret indispensable dans toute discothèque.

Jean-Louis Lemarchand.

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(1). Concert publié en 1996 par le label Revenge Records de Sue Mingus, veuve du musicien, sous le titre ‘’The Legendary Paris Concerts’’ et comprenant un solo de Johnny Coles sur « So long Eric ». Des copies et des éditions pirates du concert avaient circulé et été publiées avant la sortie de cette version officielle et le versement des droits aux interprètes.

(2)Stigmatisation du gouverneur de l’Arkansas Orval E. Faubus qui interdit en 1957 l’accès à l’université de Little Rock aux étudiants de couleur.

SYLVAIN FANET

PHILIP GLASS  ACCORDS & DESACCORDS

LE MOT ET LE RESTE

lemotetlereste.com

Il existe un mystère Glass…

Ce sont les premiers mots du livre passionnant (aux éditions marseillaises qu'on ne présente plus du Mot et du Reste) de Sylvain Fanet qui s’est attelé à découvrir la part d’ombre de ce créateur touche-à-tout, travailleur infatigable dont la trajectoire exceptionnelle sur plus de cinquante ans a évolué entre musique savante et populaire, concernant tous les aspects de la création.

Ce portrait multi-facetté ne verse jamais dans la biographie hagiographique et ne suit pas l’axe chronologique: découpé en douze chapitres thématiques, il livre un accès documenté avec le soin le plus extrême pour approcher au plus près cet artiste démiurge dont l’oeuvre gigantesque fut plus souvent que de raison incomprise. Jugé trop éparpillé, trop “cross over” pour être pris au sérieux dans les années soixante, en parfaite opposition avec le dogme du sérialisme, dominant avec Boulez, il fut violemment critiqué par les gardiens du temple.

Sans se décourager, Philip Glass prit son temps pour trouver sa “voie” et ensuite s’en débarrasser en s’engageant dans un voyage très personnel, suivant tout un labyrinthe de directions nouvelles. Les années d’apprentissage furent longues, mais Philip Glass n’en avait jamais fini, son insatiable curiosité  l’exposant à des cultures différentes dont il sut tirer parti.

Si la production de Varese tient sur un Ipod en moins de trois heures, si l’oeuvre cumulée d’un Debussy ou Ravel dépassent à peine les quinze heures d’écoute, il est quasiment impossible de faire le tour de la production de Philip Glass. Et pourtant, Sylvain Fanet y est parvenu, sans dresser un bilan, car le musicien continue à produire, à plus de 80 ans.

On suit avec intérêt ces sections très détaillées où chacun peut trouver son compte, l’amateur, le mélomane, le musicien. Un chapitre final, joliment intitulé Heart of Glass, 33 Oeuvres à la loupe (classées cette fois chronologiquement) est un précieux viatique pour se balader avec fluidité dans les compositions d’une oeuvre en perpétuel mouvement, des plus modernes aux plus classiques. Car Philip Glass peut toucher tous les publics. Il navigua très tôt entre Bach, Moondog, Darius Milhaud, Ravi Shankar (Chappaqa), travailla avec des artistes pop ou rock, Mick Jagger, David Bowie pour sa Heroes Symphony sur la trilogie berlinoise, s’offrit une incursion dans la New Wave ( Depeche mode se réclame de lui).

Passionné de théâtre ( Beckett, Cocteau) y compris dans ses formes les plus expérimentales, mais aussi de danse contemporaine, Glass a révolutionné l’opéra moderne, dès 1976, avec Bob Wilson et Lucinda Childs-son approche est volontiers collaborative. S’ensuivit le démesuré Einstein on the beach, au succès planétaire, ovni sans intrigue ni livret, oeuvre au long cours de 5 heures avec des intermèdes les “Knee-plays” de 6’. On comprend cependant que ces variations sur Einstein et le temps furent clivantes, la radicalité de son art étant manifeste, avec une construction essentiellement rythmique où le hasard et ses accidents jouaient aussi leur rôle. Le public fut très vite captivé et captif, entrant dans des boucles que l’on ne peut assimiler pour autant à la transe!

D’autres succès vinrent avec Opening de Glassworks en 1981 et dans un tout autre genre, les musiques de films lui assurèrent une notoriété mieux partagée, à l’orée des années 2000. Sachant ménager au spectateur un espace entre image et musique , il a réussi à imprimer sa marque dans l’univers très codé des musiques de films : le travail sur le Kundun de Scorsese (1997) était une évidence, vu son engagement pour la cause tibétaine, The Truman Show,  mais surtout The Hours de Stephen Daldry en 2002 furent décisifs, la musique étant l’élément unificateur de ces trois histoires de femmes dérivant de la Mrs Dalloway de Virginia Woolf. Contre toute attente, suivit une collaboration intéressante avec Woody Allen pour un film très noir Cassandra’s Dream (2007) qui ne connut pas le succès du précédent Match Point.

"Je n’écris pas la musique pour accompagner le film, j’écris la musique qu’est le film", tel est son credo.

Le piano est le medium parfait, choisi pour fondre des idées nouvelles dans les formes classiques, symphonies, études, particulièrement importantes pour améliorer la technique, socle de toute trajectoire créative.

"Quand j’écris de la musique, je ne pense plus à la structure, je ne pense plus à l’harmonie, je ne pense plus au contrepoint. Je ne pense plus SUR la musique, je pense musique.”

Si on reconnaît immédiatement sa signature, il ne faudrait pas et ce fut souvent le cas, le cantonner aux minimalistes avec Steve Reich et Terry Riley, avec des oeuvres jugées répétitives et languissantes comme le ressac. La répétition n’est jamais un bégaiement ni un simple double de ce qui a été fait, mais le vecteur de toute création. Music is the fine art of repetition. 

La musique de Philip Glass ne demande aucune virtuosité, apparente du moins, mais structurée et contemplative, rythmiquement plus qu'exigeante, elle ne souffre aucune erreur... D’ailleurs, volontiers partageur envers ceux qu'il estime jouer mieux que lui, il laisse à quelques pianistes Nicolas Horvath, Vanessa Wagner ou Maki Namekawa le soin de s’en acquitter, ce qu’ils font avec une certaine dévotion...

Preuve s’il en était de la reconnaissance de cet artiste démiurge qui, en revendiquant un nouveau langage, apprend à  reconnaître l'étrangeté,  France Culture, où la musique n’a pas une place prédominante, lui a consacré récemment une semaine d’émissions dans les très suivis Chemins de la Philosophie d’Adèle Van Reeth, le seul autre compositeur, également pianiste qui eut droit à une telle série, étant Keith Jarrett... La première émission des Chemins invita d'ailleurs Sylvain Fanet à présenter son livre et à éclairer la personnalité d'un artiste visionnaire, souvent paradoxal. 

Cette musique discrètement poignante, magnétique, lancinante, faussement simple parle aussi de nous, peut être parce qu’elle commence et s’interrompt brutalement, sans début ni fin, comme une grande ligne de vie!  Et pendant le premier confinement de la pandémie, elle toucha de nombreux interprètes qui la partagèrent sur internet lors de ces moments d’intense solitude!

Sophie Chambon

Guillaume Orti (saxophones alto & soprano), Benoît Delbecq (piano), Hubert Dupont (contrebasse), Samuel Ber (batterie)

Malakoff, 19-21 octobre 2021

PeeWee! PW 1006 / https://peeweelabel.com/fr/albums/33 & Socadisc

Septième album de ce groupe né à l'orée des années 90 et toujours, pour l'auditeur que je suis (et au risque de la redite), la sensation d'une absolue singularité. J'ai beaucoup écouté les disques précédents, et de nombreux concerts de ce groupe, avec ses batteurs successifs, le reste de l'équipe demeurant d'une stabilité remarquable. Et j'avais aussi écouté le quartette dans sa composition actuelle, avec le jeune Samuel Ber à la batterie, lors de deux concerts récents, le premier quelques semaines seulement après l'enregistrement de ce disque. Comme lors de ce concert, le disque commence par une composition du nouvel arrivant, manière élégante de confirmer qu'il a d'emblée sa place, de plein droit, dans cette phalange d'exception. Et ce thème est parfaitement en phase avec ce qui fait la force de ce groupe : liberté tonale et rythmique, cheminement sinueux dans les sons et les sensations, à quoi se reconnaît la musique quand elle est totalement un art. Ici le concept est en prise directe avec l'émotion, les labyrinthes rythmiques, mélodiques et harmoniques, sont autant de portes ouvertes sur l'émoi, le songe, le choc esthétique ou la douceur soyeuse (suggérée par le titre de l'album) de l'immersion dans une expérience d'écoute qui va nous entraîner loin de nos bases. C'est un disque à aborder sans idée préconçue sur ce qu'est le jazz, d'hier à demain. Et ce «bel aujourd'hui» (comme disait Mallarmé), nous est offert comme une invitation à suivre ce chemin (route de la soie ? Qui sait....). Si notre écoute est à l'aune du mystère qui se joue dans ces plages, le bonheur est au bout du chemin.

Xavier Prévost

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Le groupe fêtera la sortie de ce disque par un concert à Paris, au Sunside, le 12 avril à 21h

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Une vidéo d'avant-ouïr

SMOKE SESSIONS RECORDS 2022

Harold Mbern (p), Steve Davis (tb), Vincent Herring (as), Eric Alexander (ts), John Webber (cb), Joe Farnsworth (dms)

 Attention : Jazz U.H.T ! 

Traduisez : Jazz à Ultra Haute Température.

 

Le légendaire pianiste Harold Mabern, légende du hard Bop et qui nous a quitté en septembre 2019 nous revient à titre posthume avec un album enregistré en live en janvier 2018 au Smoke, le célèbre club de New-york. Et le moins que l’on puisse dire c’est qu’à 82 ans, le pianiste continuait à mettre le feu et envoyer du petit bois !

Harold Mabern ? On ne le présente plus. Il faisait effectivement partie des légendes du jazz et particulièrement du hard-bop. Il serait fastidieux d'énumérer ici ceux aux côtés de qui il a tenu le clavier mais quand même : Donald Byrd, Lee Morgan, Jackie Mc Lean, Wes Montgomery, George Coleman et tant d’autres.

Dans les liners qui accompagnent cet album et qui sont signées de son fils, Harold Mabern raconte que le plus grand regret de sa vie est d’avoir un jour été appelé par John Coltrane pour remplacer Mc Coy Tyner et que, malheureusement cette session n’a jamais pu avoir lieu. Il n’empêche, Mabern n’en a pas moins gardé une adoration sans faille pour son idole auquel il a toujours voué un amour sans limite.

Il était donc naturel pour lui de consacrer un concert entier au répertoire de John Coltrane qu’il connait sur le bout de son clavier.

Et pour cette session, Harold Mabern a fait appel à ses fidèles affidés, ceux qu’il appelait affectueusement les «  cats ».

 

Le moins que l’on puisse dire c’est que ce sextet se trouvait dans son élément, au plein d’énergie et d’envolées enflammées dans des improvisations qui font l’âme de cette musique à la lisière du hard-bop. Et dans cette grande confrérie de ces jazzmen pour qui le live en est l’essence-même, on mettra au premier rang un Steve Davis qui donne ici une véritable leçon de trombone. Celui dont le grand Freddie Hubbard disait qu’il était le plus grand tromboniste actuel apparaît ici, à 65 ans ( 61 ans à l’époque) dans une forme éblouissante, capable d’apporter avec sa raucité reconnaissable, le growl et le feu.

Steve Davis sur Blue Train( où il tient le rôle de Curtis Fuller) qui embarque tout avec autant de feeling doux que de groove de feu. Du grand art !
Tout est à l’encan.

Un Impression porté à haut niveau d'ébullition avec des acteurs au top et au meilleur de leur forme visiblement portés par une logique collective. Quel groupe ! Ça joue ensemble !!

Ou encore cette magnifique introduction de Mabern sur un My favorite things revisité.

 

On ne va pas passer en revue tous les thèmes ( Dear lord, Dahomey dance,  Naima, Straight street) mais juste vous dire qu’il est des concerts pour lesquels les absents ont toujours tort. Il fait partie de ceux-là.
Jean-marc Gelin