Régis Huby (violon, violon ténor, électronique), Bruno Chevillon (contrebasse, électronique), Michele Rabbia (batterie, percussions, électronique)

Pernes-les-Fontaines, 21-22 octobre 2020

Abalone AB 033 / l'autre distribution

Créé voici tout juste 4 ans (chronique du CD «Reminiscence» en suivant ce lien ), ce groupe pourrait s'écouter sur le mode de la singularité partagée. Oxymore ? Peut-être, mais aussi clé d'écoute pour ce trio d'improvisation, une impro revendiquée dans un geste sans coupes ni calculs, un mouvement collectif de parfaite osmose d'où surgissent pépites, surprises, emportements, digressions.... Le violoniste et le percussionniste se sont croisés dans un quartette avec Marc Ducret et Bruno Angelini ; et aussi dans une version élargie du trio de cordes IXI qui accueillait, notamment, Michele Rabbia. Pour l'autre binôme fondateur je garde un souvenir ému d'un concert-impromptu en duo de Régis Huby et Bruno Chevillon (il existe des extraits vidéos sous le titre 'Jazz at Home'), où la connivence atteignait des sommets inouïs. Sans parler du sextette 'Simple Sound', où le violoniste emmenait une aventure musicale et sonore d'une absolue singularité. Bref ils sont armés de leur passé autant que de leur goût du risque, et leur exceptionnelle musicalité fait surgir au fil des plages tout un monde lointain que l'on rêverait d'inventer. Une musique captée dans un lieu exceptionnel, le studio de La Buissonne, par un sorcier du son qui est aussi un maïeuticien de l'objet musical : Gérard de Haro. On aurait aimé être là, pour vivre ce moment occultiste, où les esprits surgissent des limbes pour nous saisir non d'effroi mais de félicité. Parfois la pulsation s'invite, entêtante, obsédante, avant de se dissoudre dans des assemblages inattendus. Un beau texte de Stéphane Ollivier accompagne le CD, et il nous aide à nous plonger plus encore dans les profondeurs de cette musique de sortilèges : «….la musique de Codex, à la fois lyrique et romanesque, ouatée, méditative et violemment pulsionnelle, sonne au final comme une sorte d'ambient dont la temporalité serait définitivement moins statique que savamment 'ralentie' par cette mise à distance réflexive».

Xavier Prévost

.

Un avant-ouïr sur Soundcloud

Thomas Julienne (contrebasse, compositions, texte), François Vaiana (textes), Ellinoa (voix), Boris Lamerand (violon & alto), Antonin Fresson (guitare), Tom Peyron (batterie )

Invités :

Les Enfants d'Icare : Boris Lamerand & Antoine Delprat (violons), Olive Perruson (alto), Octavio Angarita (violoncelle)

Loïs Le Van (voix), Laurent Derache (accordéon), Sébastien Llado (trombone), Anissa Nehari (percussions)

La Briche (Indre-et-Loire), janvier 2021

Déluge DLG 008 / Socadisc

Nouvel opus de ce groupe singulier qui cultive l'exigence musicale, le lyrisme et la pluralité des inspirations. La musique est toujours signée par le contrebassiste Thomas Julienne, leader du groupe, qui signe aussi l'un des textes, les autres étant dévolus à François Vaiana, musicien-chanteur mais ici seulement auteur. Certains rythmes fleurent bon le Proche Orient ou l'Europe Centrale. Voix impeccablement inspirée d'Ellinoa, à qui Loïs Le Van donne une belle réplique sur un titre. Mélodies sinueuses, harmonies riches et tendues, inflexions musicales très poétiques, et arrangements extrêmement aboutis : c'est vraiment de 'la belle ouvrage', du travail d'artisans-artistes qui connaissent l'importance du sentiment esthétique et le prix de l'effort. Vivifiante incursion du trombone de Sébastien Llado dans un thème au titre de combat (Tomorrow Riots) dont la bouillonnante énergie tranche sur la relative retenue de l'ensemble. Comme pour le disque enregistré en 2018, je ne résiste pas au plaisir de redire que certains thèmes, par leurs volutes lyriques, et d'une grande liberté harmonique, ravivent en moi le souvenir ému du disque «Cinq Hops» de Jacques Thollot (1978). Les vieux amateurs sont d'incorrigibles nostalgiques....

Xavier Prévost

STEVEN JEZO-VANNIER

ELLA FITZGERALD

Il était une voix en Amérique

LE MOT ET LE RESTE

Musiques (lemotetlereste.com)

Steven Jezo-Vannier, spécialiste rock et contre-culture (wixsite.com)

C'est l'une des premières biographies en français de la chanteuse Ella Fitzgerald, à coup sûr un événement, même si Alain Lacombe lui avait consacré un livre aux éditions du Limon, en 1988. On va enfin en savoir plus sur cette extraordinaire chanteuse, la Voix du Swing, la Première Dame du Jazz, celle qui parvint “au jazz total” selon Duke Ellington qui lui écrivit un portrait en quatre mouvements dont l’insurpassable “Beyond Category”.

C’est le premier intérêt du nouveau livre de Steve Jezo-Vannier pour  Le Mot et le Reste, l’excellente maison d’édition marseillaise qui a publié tous les écrits de ce passionné de musiques, de rock, de contreculture. Mais pas seulement, puisqu’après une biographie définitive de Frank Sinatra, soulignant la force du mythe, l'auteur s’intéresse à Ella Fitzgerald, l’autre  grande star vocale qui réussit à fabriquer son image, à incarner la musique américaine du XXème siècle.

Frank Sinatra et Ella Fitzgerald ont contribué tous deux à changer le statut des chanteurs de Big Band : arrivés au bon moment, ils ont profité de l’évolution du paysage sonore, de l’arrivée des micros qui créèrent une relation plus intime entre le chanteur et son public.

Steven Jezo-Vannier nous livre une nouvelle biographie précise, extrêmement documentée qui suit la chronologie des enregistrements comme des concerts. Comme la chanteuse s’est produite pendant près de soixante ans, dédiant sa vie à la scène, au rythme de 50 semaines par an, avec un peu plus de 200 albums dont 70 vendus à plusieurs millions d’exemplaires, cela représente une matière considérable à exploiter, un travail d’historien que réussit l’auteur en écrivant un récit passionnant, structuré en deux parties consistantes, la première de 1917 à 1955 et la seconde de 1955 à 1995, après un avant-goût impeccable, En coulisses. On suit Ella  dès ses débuts difficiles : jeune orpheline, elle connut la maison de redressement, fit des fugues, vécut dans la rue avant de connaître ses premiers succès (elle remporte un concours amateur de chant à l’Apollo Theater en 1934). La rencontre qui va changer sa vie est celle du batteur chef d’orchestre Chick Webb, “le petit géant” qui eut l’intelligence de la recruter. S’ensuivit une  ascension et une longévité inégalées dans le monde du jazz! La date charnière dans la vie d’Ella est 1955 : le génial producteur Norman Granz ( l’organisateur dès 1946 des mémorables tournées de Jazz at The Philharmonic ) prit en main sa carrière, créa le label Verve Records pour  enregistrer le Great American Song Book, donnant ainsi une dimension patrimoniale au jazz. En manager avisé, il lui fit enregistrer  le double album consacré à Cole Porter (admiratif de la diction de la chanteuse) et encouragea la collaboration fructueuse avec Louis Armstrong dans Ella & Louis avec Oscar Peterson au piano, puis le célèbre Porgy and Bess d’après Gershwin.

Ella Fitzgerald fut l’une des premières à se produire en Europe : à Berlin, elle donna en 1960 une version d’anthologie de “Mack The Knife” d’après l’Opéra de Quat’ Sous. Avec son producteur, ils réussirent enfin, et ce n’est pas la moindre de leurs contributions, à porter le jazz dans des lieux où il n’avait pas sa place, oeuvrant pour de meilleures conditions en tournées, des cachets plus importants et des contrats exigeant un public mixte.

Ella vivait la musique comme un sacerdoce : très secrète, elle a sacrifié sa vie amoureuse et sa seule famille fut son public. Celle que Pascal Anquetil, dans ses Portraits légendaires du jazz, nomme "l’éternelle jeune fille du swing" n’en resta pas là, sut évoluer constamment avec la musique: du swing, elle passa au bop sous l’influence de Dizzy Gillespie et continua sa vie durant à incarner le jazz, dans toute sa diversité. Elle qui était née en 1917 avec le jazz, a grandi et s‘est épanouie avec lui, en même temps que lui.

Dotée d’une voix exceptionnelle ( trois octaves) qu’elle garda jusqu’au bout, même quand son corps lâchait, elle créa aussi  un art vocal qui épousait la mélodie tout en se libérant du sens des mots, le scat. Elle ne faisait rien qui ne soit très musical, avec une exceptionnelle plasticité, alors qu’elle ne savait pas lire la musique. Toujours avec détermination et joie de vivre. Une “belle personne” solaire et pourtant humble, doutant d’elle même, dévorée par le trac avant les concerts “ J’espère qu’ils vont m’aimer”, répétait-elle.

On peut lire ce livre dans l’ordre, l’histoire d’une vie dédiée à la musique ou revenir sur un chapitre particulier au titre de chanson ( l’une des marques de fabrique de la maison d’édition) qui renvoie à un album précis, un enregistrement, ou un concert d’anthologie.

Saluons une nouvelle réussite pour cet auteur fasciné par son formidable sujet.

Sophie Chambon

FABIEN MARY AND THE VINTAGE ORCHESTRA

TOO SHORT

LABEL JAZZ & PEOPLE/ DISTRIBUTIN PIAS

Fabien Mary – trompettiste / compositeur / arrangeur

The Vintage Orchestra:
Erick Poirier, Julien Ecrepont, Fabien Mary, Malo Mazurié : trompette
Dominique Mandin, Olivier Zanot, Thomas Savy, David Sauzay, Jean-François Devèze: saxophone, clarinette, flûte
Michaël Ballue, Michaël Joussein, Jerry Edwards, Martin Berlugue, Didier Havet: trombone
Florent Gac: piano
Yoni Zelnik: double basse
Andrea Michelutti: batterie

Le trompettiste Fabien Mary a beaucoup joué dans différents big bands, à Paris (Paris Jazz Big Band, Dal Sasso-Belmondo Big Band, Stan Laferrière Tentet, Gérard Badini Super Swing Machine, Michel Legrand Big Band, François Laudet Big Band). Sans oublier le Vintage Orchestra avec lequel il joue depuis sa création, leur premier disque datant de 2003.

Elle est donc longue l’histoire de Fabien Mary avec The Vintage Orchestra. Il a pu en conséquence concocter du “sur mesure” pour cette rutilante machine!

Après son Left Arm Blues, en octet, en 2018, il passe à la taille au-dessus, celle d’un grand format, accompagné de 16 musiciens : 5 (saxophone, clarinette, flûte), 4 trompettes, 5 trombones, piano, contrebasse, batterie. Le répertoire est de sa composition, dix pièces arrangées par ses soins qui mettent en valeur les cuivres, équilibrent les différents pupitres et c’est Dominique Mandin qui dirige cette formation parisienne.

De la pochette de l’album dans le style des Blue Note de la grande époque aux premiers accents du titre éponyme, “Too Short”, on se croirait revenu à l’époque des grands orchestres, mais pas exactement ceux de Duke ou du Count ou de l’ère swing. Le trompettiste s’est familiarisé avec toute sorte d’arrangeurs différents, et il va voir du côté des grands, comme Gil Evans, Thad Jones ou Bill Holman ( chez Stan Kenton, ou dans son big band), le tromboniste Slide Hampton et le pianiste Duke Pearson. Pour ces deux derniers, Fabien Mary a d’ailleurs composé un hommage, respectivement “One for Slide” et “D.P” ( Song for Duke Pearson).

L’écriture est virtuose, toutes les compositions sont de sa plume, sans le recours aux standards, mais fidèle à la tradition. Le trompettiste sait composer pour des solistes qui se distinguent au coeur des compositions. Et il a le bon goût de rester en retrait.

Peut être que le point commun avec les grands arrangeurs est de considérer l’orchestre comme un instrument et de créer une musique pour musiciens. S’il ne les a pas choisi, il a joué avec les musiciens du Vintage, il sait comment les faire résonner, swinguer, marier timbres et couleurs; tout à fait en mesure d’écrire une musique sur des tempos qu’ils soient capables de jouer, étoffant la complexité de son écriture puisqu’ ils sont en mesure d’improviser! Il cadre très proprement l’ensemble sur CD, qui peut exploser sur scène!

Malgré une grande fluidité, la simplicité n’est qu’apparente. On salue un travail des plus soignés pour des instrumentistes chevronnés, qu’il faut tous citer. Tous font un boulot admirable, mettant leur technique, inscrite dans la tradition, au service d’une grande élégance et générosité! Rendons hommage à l’instigateur de ce projet brillant, fédérateur, qui a travaillé une structure rigoureuse et dense pour aboutir à un jazz effervescent, à flot continu, encore porteur de sens et de vertus formelles!

Sophie Chambon

PHILIPPE MOURATOGLOU TRIO RICERCARE

Visions fugitives

www.visionfugitive.fr

VISION FUGITIVE - Catalogue

www.philippe-mouratoglou.com/fr

Philippe Mouratoglou doit rêver ses disques et il parvient à les réaliser avec le soutien de Vision Fugitive, un label exigeant jusqu’à la conception du livret (excellentes notes de Pascal Rozat, peintures d’Emmanuel Guibert ). Et un trio qui fonctionne à l’intuition, recherchant formes et couleurs sonores, comme le ferait un peintre dans son atelier. Emmanuel Guibert qui suit le façonnage toujours soigné des albums du label, se concentre cette fois sur Varengeville, sur la côte d’albâtre, en Normandie, où Georges Braque installa son dernier atelier, attirant tous ses copains peintres, fascinés par la lumière marine, les bocages et valleuses herbues.

Après Universolitude (Eluard), le deuxième album de ce trio inclassable qui brouille les repères, Ricercare, est bien nommé. Ricercare, c’est “rechercher” et nous voilà à pied d’oeuvre avec cette fine dentelle sonore qui éveille l’imagination, entraîne des visions comme dans l’inaugural “Cherokee”, titre qui pourrait nous balader. Il ne s’agit point du standard de Ray Noble mais d’une référence à Joni Mitchell, la dame de Laurel Canyon et d’un emprunt à l’un de ses “open tunings”, accordages ouverts, qui facilitent la tâche, en jouant sans la main gauche des accords majeurs ou mineurs. Philippe Mouratoglou aime aussi perdre ses repères digitaux, se lancer sans réfléchir, dit-il, abandonner les plans et autres réflexes guitaristiques, se laisser porter par ce qui advient, la musique du hasard. La scène s’ouvre à un lieu d’expériences, ces accidents somme toute heureux, car le hasard aussi a son mot à dire. Le guitariste n’a peur de rien mais il peut se le permettre, il joue avec une telle dextérité, et de tous ses doigts, ça lui réussit!

Les guitares folk à cordes en métal induisent de longues résonances et une étrange familiarité, l’instrument recrée les images du genre, avant de les contourner, tout en restant dans une même perspective. Philippe Mouratoglou ne tombe jamais dans le piège attendu du lyrique quand il en a toutes possibilités.  On va ainsi de surprise en surprise avec l'envoûtant “Bleu Sahara” et  ce “Shamisen” joué au mediator, qui attaque fort, avec un son loin du luth japonais du titre. Le guitariste qui fréquente plutôt les classiques, aussi à l’aise dans le baroque que le contemporain, pourrait se voir associé à d’autres styles, inclassable guitar hero, à qui il ne manque que l’électrique.

Les compositions ont des titres inspirés de poèmes, le guitariste ayant saisi la leçon des “correspondances”, tentant avec succès d' habiller sa musique. Sur les dix titres, on compte une reprise du thème magnifique de Jimmy Rowles “The Peacocks”, ce “Ricercare” XXXVIII d’un luthiste du XVIème qui ne trompe pas sur sa provenance baroque. “Inventions sur Curumim” est plus intrigant: librement inspiré de Curumim, cette chanson brésilienne est transformée au point de ne pas en déceler l’origine, à la première écoute.

Venons-en aux indispensables complices, les partenaires de cet hydre à trois têtes, trio à l’instrumentation peu classique ( guitares acoustiques, contrebasse, batterie). Ils poussent toujours plus loin les compositions, apportant  leurs nuances coloristes dans une texture soyeuse qui enchaîne climats d’une grande douceur et atmosphères plus engagées. 

Ramon Lopez, maître du rythme est souvent plus affairé à peindre sa toile sonore, projetant une pluie de sons, myriades de gouttes sonores sur  la mélodie de Mouratoglou. La contrebasse structurante de Bruno Chevillon, toujours impeccable, ajoute le raffinement d’autres cordes en action. La rythmique joue à une improvisation complice, brossant tout un arrière-pays dans une tonalité sourde qui traduit une émotion souvent contenue. Et quelle réussite que ces deux duos en miroir, l’un avec Bruno Chevillon qui travaille l’archet dans “Capricornes” et l’autre avec Ramon Lopez, dans cet improbable “Shamisen”.

Ce trio singulièrement attrayant fait le pont entre des musiques a priori inconciliables, en montre au contraire les affinités, propose toute une galerie d'expressions. Avec la souplesse d’une musique qui n’est jamais mieux servie que quand elle est jouée avec douceur.

Sophie Chambon