DJAZZ NEVERS : entrons dans la danse

Lundi 8 novembre, une folle journée

Les choses sérieuses commencent : trois concerts aujourd’hui, soit le rythme habituel du festival qui dure une semaine du 6 au 13 novembre. Le public est présent, répondant à l’appel, heureux de cette reprise après l’année blanche de la pandémie.

Commencer un concert à midi un lundi, ça il ne l’avait jamais fait, nous confie le vibraphoniste Franck Tortiller en présentant son duo avec le guitariste Misja Fitzgerald Michel. Les Heures propices  est un titre tout à fait indiqué, référence à Lamartine qu’il cite en Bourguignon chauvin et ...sudiste, lui qui vient de Saône et Loire, titillant volontiers les Nivernais ou Neversois.

C’est en effet l’heure exquise pour nous griser de mélodies folk et pop des seventies, période qu’affectionne l’ ancien directeur de l’ONJ 2005, au programme provocateur : rien moins qu’ un hommage au flamboyant Led Zep, l’apocalypse en neuf disques qui avait fait bondir les puristes, mais aussi les adorateurs du culte qui voyaient d’un oeil noir les jazzmen venir troubler leur grand messe, oubliant que la musique du Zeppelin est un alliage absolu de blues irrigué de sauvages envolées free sonnantes. On rappellera une fois encore que le jazz n’est pas lié à un matériau spécifique, mais qu’il réside surtout dans la manière de jouer. Démonstration réussie avec le duo, un “sans faute” avec un son naturel, qui plus est.

Misja Fitzgerald Michel tourne dans des contextes différents, des formations qui lui permettent de pratiquer avec aisance une gymnastique totalement acrobatique, un grand écart des formes. Tout réside souvent dans des changements d’accords, de tons, avec des phrases complexes, de longs développements quand il choruse. Ce qui n’enlève rien à la finesse de l’ensemble. Misja célèbre la guitare plurielle sur sa guitare folk. Avec Franck Tortiller, il connaissent les chansons, les reprennent parce qu’ils les aiment tous deux et nous les font découvrir autrement. C’est en entendant son album Time of no reply, une reprise du chanteur poète Nick Drake, troubadour disparu trop tôt en 1974 que Franck Tortiller eut l’idée d’un projet commun. Le vibraphoniste a fait un travail remarquablement affûté sur les arrangements de “standards”. On ne dira jamais assez à quel point il est intéressant d’exercer son talent sur des mélodies qui ont fait leur preuve. Il privilégie une recherche constante de dynamiques, adaptant les couleurs et timbres de la guitare et du vibraphone, un alliage inusité, fusion des cordes et du métal teintée d’un éclat particulier.

Le duo donne ainsi des versions inattendues de thèmes venus d’univers musicaux pour le moins séparés, les chevaux de bataille de “Bemsha Swing” (T.S Monk) et “Segment” (Charlie Parker), “Redemption Song” de Marley, “Little Wing” d’Hendrix, ou le délicat “Guinnevere” du trio aux harmonies vocales cristallines, Crosby Stills Nash (sans Young ) à Woodstock. Il ajoute “Air Love and Vitamins” d’ Harry Pepl, devenu un hymne pour les musiciens autrichiens, se souvenant de son passage au sein du Vienna Art Orchestra, exhume Jim Pepper, pionnier du jazz fusion, saxophoniste “native” de la tribu des Kaw dans l’Oregon avec sa composition “Witchi Tai”, maintes fois reprise.

Comment rendre le ballet des mailloches sur les lames, la fluidité virtuose, la vitalité bluffante de  Tortiller? Son enthousiasme à jouer n’a d’égal que son expertise sur le vin et les cépages bourguignons du chardonnay et de l’aligoté qu’il aime à célébrer alors que nous sommes ici en terre de sauvignon! D’ailleurs, le duo termine sur une composition de son cru, “le Clos des Corvées” élevé à Couches, à la maison! A ses côtés, flegmatique, ce grand escogriffe de guitariste joue rythmique avec le plus grand sérieux quand il faut soutenir les envolées rebondissantes de son partenaire mais sait aussi changer de rôle et mener la danse dans de longues échappées.

L’esprit de ses musiques est conservé, mais transposé et le duo parvient à unifier l’ensemble et à le jazzifier quelque peu. Un répertoire rendu original en quelque sorte et qui pourtant réveille une nostalgie bienheureuse. C’est toute la grâce de ce festival pointu du réseau AJC, que de faire découvrir des choses rares, de programmer des concerts que l’on n’ entendra plus dans les grosses machines estivales.

Changement de décor et de style avec le deuxième concert à 18h30, au Café Charbon, salle de musiques actuelles qui fête son inauguration après de grandes transformations, en accueillant le quartet du tromboniste Daniel Zimmermann dans Dichotomie’s. J’ai toujours suivi ce musicien dans ses aventures, ne pouvant oublier que j’ai assisté à l’émergence du jeune tromboniste, dès son premier album plutôt déjanté des Spicebones, il y a vingt ans.

Ce concert est absolument stupéfiant dans l’instrumentation mais aussi dans le choix de chacun des musiciens de cette bande. Ils ne sont que quatre mais ils déménagent comme un grand orchestre. Le batteur Franck Vaillant au look improbable est un bâton de dynamite allumé quelques secondes avant explosion, imprévisible et étonnamment fiable, toujours juste dans sa recherche de sons et textures. Démentiel dans sa découpe rythmique, il allume la mèche  (Benzin était son nom), totalement réglé dans son dérèglement, droit sur son tabouret, aux commandes d’un set de batterie monstrueux qu’il doit démonter en un temps aussi long que le concert. Une folie certaine en un sens, une force comique irrésistible, cartoonesque, quand il est lancé à un train d’enfer. Personne ne se regarde dans ce groupe  mais chacun sait ce qu’il a à faire.

Le saxophoniste basse, en charge d’un engin impressionnant, Gérard Chevillon qui remplace magnifiquement Rémi Sciutto, fait entendre son chant obstiné, ostinato qui enclenche à lui seul une transe. Daniel Zimmermann eut d’abord l’idée de remplacer la basse par un tuba puis se ravisant, pensa au saxophone basse. L’effet est plus que concluant: soutien du groupe, il est sa colonne vertébrale, mais reste très musical quand il prend un solo.

Le pianiste Benoît Delbecq vit sa vie de son côté, sound designer sur tous ses dispositifs, ses pads de batterie ne marchant pas toujours au démarrage, un dérèglement toujours possible dans l’horlogerie de ses machines.

Ce serait Daniel Zimmermann qui jouerait de la façon la plus sobre, si ce qualificatif ne paraissait déplacé pour ce groupe, avec les sourdines habituelles, la plunger et la mute qu’il colle au micro pour absorber au mieux le son et une pédale wah wah du meilleur effet. Quand on aime le trombone souple, gouleyant, moelleux même, si proche de la voix, aux graves profonds, on apprécie son jeu mélodique.

Comment comprendre le titre du programme ? Désir de laisser affleurer les champs du possible, de réunir les contraires, de se déplacer dans l’hyper texte de la musique en traversant les strates de sens, dérégler quand cela sonne trop juste, détourner, faire exploser les idées reçues. Mettre un peu de trouble…

Le leader présente chaque compo, annonçant avec un humour ravageur la fin du monde, de notre monde, et son ironie fustige les méfaits de notre société, cherchant à réveiller notre culpabilité. Le jour d’après” est un titre trouvé avant le confinement, “My Sweet New Zealand Bunker” ou l’évasion des plus riches, “Toad Buffalo Courtship Dance”, la danse grotesque du crapaud buffle amoureux, “Vieux Robot” ou comment on finit totalement déglingué. Et dans ce monde qui a perdu la raison, un miracle se produit, une chanson d’amour, "Little Sun”, le groupe se calme à notre plus grande surprise et cela sonne drôlement beau, juste et doux. Delbecq joue seulement du piano, Zimmermann veille sur son équipage et nous berce voluptueusement, le sax basse  ronronne d’aise et Vaillant se cale et ralentit le tempo.

Pour le dernier spectacle de la soirée, on revient au Théâtre avec la troupe de la pianiste Eve Risser qui présente son projet Eurytmia. Ce soir l’africanité a débarqué dans les ors et les rouges du théâtre classique à l’italienne. Le jazz venu d’Amérique, s’il revendiquait ses racines africaines, n’a pas grand chose à voir avec la musique malienne. Mais la compositrice chef de troupe endosse la responsabilité et tente la rencontre musicale, en une fusion fertile.

Eve Risser que l’on a découvert avec l’ONJ de Daniel Yvinec (2009-2013) a multiplié les projets les plus innovants depuis cette rampe de lancement. Des projets mixtes à tous les sens, dans la composition des formations et dans l’exploration de terres à défricher. Le choc sismique, elle l’ a ressenti en voyageant en Afrique de l’ouest et en découvrant des musiques, une manière d'être et de jouer, un autre temps et tempo.

Après le White Desert Orchestra qui entraînait vers les déserts blancs, les étendues de neige, de glace et de roches du Grand Nord, souvenir de la Norvège où elle a vécu, avec des paysages qui continuent à la poursuivre, puisqu’elle s’est installée dans les Vosges dans un coin qui les lui rappelle, nous confiera t-elle. Une abstraction blanche, une exploration géomorphologique où le jazz, le contemporain, le classique se glissaient dans les failles et autres anfractuosités de la roche. Une partition exigeante pour des musiciens aguerris qui peuvent aller du swing au hip hop sans crainte de l’écart.

Le deuxième volet, en miroir, Red Desert Orchestra, voit défiler d’autres déserts, les rouges étendues de latérite de l’Afrique de l’Ouest, du pays mandingue. Une introspection au coeur de ces terres qu’Eve Risser entend explorer, ces strates qu’elle dégage et fait surgir, obsédée par le “creusement”. 

Le Red Desert Orchestra a deux programmes: Kogoba Basigui, grand format de seize musiciens et musiciennes, neuf instrumentistes européens et les sept musiciennes très engagées du Kaladjula Band de la griotte Naïny Diabaté, militante de la cause des femmes au coeur de la musique malienne, traditionnellement aux mains des hommes. Pour aller à leur rencontre, Eve Risser a décidé de monter son propre groupe de douze musiciens en parfaite parité homme-femme, à l’instrumentation mixte: diverses percussions (deux balafons, deux djembes, un dun, un ngoni ) des cuivres ( un trombone, une trompette, trois saxophones), un piano, une guitare et basse. Une belle énergie pour cet ensemble faisant front, tous serrés sur la scène, les soufflants vent debout. Un effet de tribu pour jouer un spectacle à partir d’une écriture travaillée, irriguée d’improvisations.

Ce répertoire qui semble plus simple, basé sur la puissance des rythmes, enchaîne une suite en quatre parties, une composition qui s’achève sur un solo du sax baryton Benjamin Dousteyssier qui a une façon très expressive de souffler en gonflant les joues avec une force et une amplitude, qui évoquent Dizzy et sa manière si peu orthodoxe de jouer. Avec Antonin Tri Hoang, le saxophoniste baryton fait partie du remarquable projet de l’Umlaut Big Band, Mary Lou’s Ideas, preuve de l’ éclectisme du meilleur goût de ces musiciens, des jeunes qui aiment se frotter à tous les univers, se fichent bien des frontières stylistiques et semblent parfaitement à l’aise dans cette musique festive qui sonne bien. On est passé du swing le plus jubilatoire au groove euphorisant, musique pacifiée qui emplit d’aise.

Cela débute par des effets de souffle, de frottements bizarres qui envahissent l’espace. Avant que ne démarre le chant des tambours, progressif et bientôt continu, de doux unissons des cuivres qui ne sont jamais déchaînés quand ils font corps sauf dans les solos qu’ils prendront par la suite. Puis les rythmes africains en 6/8 des balafons s’en mêlent et c’est parti pour une tournerie qui semble ne jamais vouloir finir. Un équilibre fragile s’établit entre les riches harmoniques de la pianiste et la mélopée cyclique des tambours, mais l’échange fonctionne, ça circule entre les masses orchestrales qui se fertilisent.

Eve Risser fera une pause pour commenter son travail laissant ainsi le groupe et la musique respirer avant d’attaquer le final. Le public s’est chauffé et en redemande. Que faire comme rappel? D’habitude, dira la guitariste Tatiana Paris, toute petite, cachée derrière les soufflants, alors que sa collègue bassiste Fanny Lasfargues ( trio Q) qui manie une énorme guitare basse électro acoustique s’est hissée sur un praticable, on rejouerait des segments de la suite. Mais là ce sera une composition du percussionniste Oumarou Bambara qui fait se dresser le public, tout à fait volontaire pour entrer dans la danse, pris dans une douce transe, une euphorie contagieuse. Spectacle pour le moins insolite, une standing ovation du parterre et des balcons, tout finit dans la liesse et la danse.

 Le succès est total, la chef aux anges. Le groupe n’a pas encore enregistré, mais cela ne saurait tarder, Eve Risser qui ne manque pas de projets est confiante, ravie d’avoir pu jouer deux jours d’affilée ce programme, ce qui a permis à la musique d’avancer, de se développer. Elle pense même à créer sa propre structure pour aider à la diffusion, imaginant des salles, de lieux gérés par les musiciens qui pourraient accueillir les groupes plusieurs jours d’affilée.  Qu'il est doux de rêver dans la nuit nivernaise.

MERCI à MAXIM FRANCOIS une fois encore pour les photos!

Sophie Chambon

Studio de Meudon, avril 2021.

Camille Productions/Socadisc.
Sortie le 5 novembre.

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Ce duo entre un pianiste et un guitariste mérite une attention particulière. Le premier, Pierre Christophe, a écrit pour cette rencontre avec le second, Hugo Lippi. Ils se connaissent depuis quelque 25 ans et partagent entre autres d’avoir décroché le prix Django Reinhardt de l’Académie du Jazz (Pierre en 2007, Hugo en 2019). Pierre Christophe « apporte un soin infini au choix des tonalités et aux tessitures… Il faudra considérer ce duo comme un tout, un orchestre de chambre », relève dans le livret Daniel Yvinec.

Ici point d’effets mais une écoute réciproque sur des compositions originales sollicitant le monde du jazz (Duke Ellington), du classique (Ravel), de la bossa nova (Carlos Jobim), de la pop (Paul McCartney).

En disciple de Jaki Byard, dont il suivit l’enseignement particulier à New-York et qu’il honora dans deux albums (Byard by Us , Black & Blue et Live at Smalls, Camille Productions), Pierre Christophe nous offre une palette encyclopédique du piano (jeu et composition).

Quant à Hugo Lippi, aux guitares (acoustique et électrique), il nous suffit de rappeler le jugement que portait à son égard son confrère (aujourd’hui disparu) Marc Fosset : « Le guitariste René Thomas, aurait particulièrement apprécié la finesse, l’humour et le feeling d’Hugo ».

 Un album à écouter (et réécouter) pour en saisir toutes les subtilités.

Jean-Louis Lemarchand.

Pierre Christophe et Hugo Lippi seront en showcase le  21 novembre à 15 heures à la Seine Musicale (au Club Jazz) à Boulogne-Billancourt (92) pour le salon Musicora  et en concert le 1er décembre au Duc des Lombards (75001).

©photo Zoé Forget.

Jon Irabagon (saxophones ténor & piccolo, clarinette alto), Joe Fonda (contrebasse), Barry Altschul (batterie)

tournée européenne, printemps 2019

Not Two Records MW 1012 / https://www.nottwo.com/mw1012

Des retrouvailles (très attendues) avec un trio d'une vivacité presque effervescente. Un trio qui nous avait déjà tourneboulé avec un disque enregistré cinq ans plus tôt (chronique en suivant ce lien). La pulsation, irrépressible, ne produit nulle frénésie ostentatoire, aucun effet surjoué, aucune expressivité feinte : rien qu'un engagement musical, de corps et d'esprit, qui nous entraîne vers une folle énergie, une créativité débridée qui s'insère dans les lois de cette musique pour mieux les déjouer. Et ce mode de fonctionnement, musical et esthétique, vaut pour chacun des trois membres du trio. On part d'un thème de jazz, cursif comme un chorus sur un standard up tempo. Puis, d'une plage à l'autre, la transgression s'installe, la liberté tend à prévaloir sans qu'il s'agisse d'un déni de l'idiome originel, mais plutôt de la sublimation d'un langage. C'est chaud comme un concert de Sonny Rollins, libre comme une aventure de free jazz. Vient une ballade, à la clarinette alto, lyrique en diable, puis la liberté gagne à nouveau, jusqu'au solo de batterie conclusif. Un pur régal.

Xavier Prévost

BACK TO BASICS 2 THOMAS CLAUSEN TRIO

Label STUNT RECORDS/UVM

On retrouve le contrebassiste Thomas FONNESBAEK cette fois en trio, celui du pianiste danois THOMAS CLAUSEN, un des musiciens les plus reconnus dans son pays; s’il n’est plus à présenter dans le royaume nordique, précisons pour le public français que ce pianiste qui a expérimenté tous les genres, vécu toutes les formules, du big band à la musique de chambre, sans oublier les choeurs et la comédie musicale, aime passionnément les trios (un premier remarquable avec Henning Orsted Petersen et Aage Tangaard dans les années 80). Il en est à son quatrième et ce, depuis 2006, quand il fit appel à Thomas Fonnesbaek et au batteur Karsten Bagge pour un premier album consacré aux standards, dont le titre suffisamment explicite est Back to Basis. Il revient à ce répertoire de valeurs sûres en 2021 avec Back to Basis 2, enregistré pendant le confinement, sans public dans les studios MillFactory, à Copenhagen, dans les conditions d’un concert sans public mais avec un soin particulier apporté au son. Si ce très bel album n’est en aucun cas révolutionnaire, le jazz “classique” que l’on entend est de la plus belle facture. Du jazz dont la spontanéité (chaque piste est une première prise ) est captée sur un grand piano Steinway D et l’on entend chaque note chanter. 

Le résultat est éblouissant : plus d’une heure de musique élégante, qui revisite avec intelligence ces standards. Rien de plus difficile que de reprendre ces thèmes éternels, constitutifs de cette musique, avec humilité, en oubliant les versions majeures déjà enregistrées qui ont sculpté notre oreille et fait notre apprentissage?. Non seulement ça sonne avec ce trio mais ça swingue, les trois complices réalisant la synthèse de diverses influences. Le pianiste aime chanter et cela se sent : il a les paroles dans l’oreille et se sert de cette connaissance pour donner du sens à son interprétation. On entend aussi bien Debussy qu’Ellington sous ses doigts et bien évidemment Bill Evans. Quand on aime ce pianiste, comment ne pa être sensible aux versions délicates de Thomas Clausen qui a retenu la leçon du maître et sait en un ressassement travaillé et spontané, diriger l’improvisation du trio. Il laisse d’ailleurs à son contrebassiste toute liberté. Et si on avait apprécié les qualités de ses arrangements avec la chanteuse Sinne EEG dans Staying in touch, toujours sur le label classieux Stunt Records, on écoutera avec intérêt sa façon de faire sonner sa contrebasse.

Un trio équilibré et subtil qui laisse de l’espace dans l’interprétation de ces thèmes chéris qui débutent par l’impeccable “Just one of these things” du grand Irving Berlin. Comment ne pas être sensible aux notes de pochette qui détaillent les commentaires précis et inspirants du pianiste? Sa version de base est celle de Sinatra, la voix toujours en majesté, la façon de sculpter les mots et d’étirer le temps. Il semble que Thomas Clausen ait tout compris de l’art du trio en piano jazz et des standards. Et si on apprécie sa version “latine” de “Nature Boy”, on est attaché au merveilleux thème mélancolique de Bronislaw Kaper, grand compositeur de musiques de films hollywoodiens, créé pour ce mélo de George Cukor assez méconnu A life of her own, de 1950 avec Lana Turner et Ray Milland. Il en fait un blues, joue beaucoup de la main gauche et change les couleurs de la partie de contrebasse. Ou comment s’adapter merveilleusement à une musique quand on en a saisi le sens.

Sophie Chambon

Rogue Art est décidément un label irremplaçable, en cela qu'il ouvre son catalogue à des propositions artistiques d'une radicale singularité, à l'écart des courants dominants, mais aussi de chapelles parfois recluses dans une exclusive un brin sectaire.

STÉPHANE PAYEN, INGRID LAUBROCK, CHRIS TORDINI, TOM RAINEY «All Set»

Stéphane Payen (saxophone alto droit), Ingrid Laubrock (saxophone ténor), Chris Tordini (contrebasse), Tom Rainey (batterie)

Pernes-les Fontaines, 12-13 mai 2019

RogueArt ROG-0105 / https://roguart.com/product/all-set/174

La publication de ce disque marque l'aboutissement d'une œuvre qui avait vu le jour en 2019, avec une série de concerts (Paris, Lille, Strasbourg, Avignon....), et fut enregistrée en fin de tournée. Une œuvre inspirée par All Set, composition de Milton Babbitt créée en 1957 au très innovant festival de Brandeis University (festival fondé par Leonard Bernstein en 1952) sous la houlette de George Russell et Günther Schuller, avec notamment Bill evans au piano. L'instrumentation est différente, ce n'est pas un arrangement de la musique de Milton Babbitt mais une interprétation de sa démarche, laquelle était empreinte d'une liberté tonale qui, en 1957, n'était pas encore le quotidien du jazz. Des compositions alternées de Stéphane Payen et Ingrid Laubrock, et une formidable liberté musicale dans un cadre balisé par un puissant désir d'ailleurs musical, font de cette œuvre, et de ce disque, une proposition esthétique tournée vers le futur, déjà advenu.

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un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=Y5YDmiZqaiI&t=1s

WILLIAM PARKER-MATTHEW SHIPP «Re-Union»

William Parker (contrebasse), Matthew Shipp (piano)

Malakoff, 3 février 2019

RogueArt ROG-0111 / https://roguart.com/product/re-union/179

Plus de vingt après leur rencontre en trio avec Rob Brown («Magnetism», 1999), William Parker et Matthew Shipp se réunissent pour ce duo qui parcourt toutes les facettes du jazz, dans ses sources les plus ardentes, comme dans ses aventures les plus folles. Le décollage se fait en douceur, mais déjà dans des lignes tendues, mélodiquement comme rythmiquement se font jour. Le couleur est clairement annoncée, celle de l'aventure et de la liberté. La musique coule de source, comme un chemin qui serait à notre oreille presque naturel, cohérent jusque dans ses surprises et se détours. Plus que vivant, vital, animé de cette énergie qui serait le sel de notre humanité.

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un avant-ouïr verbal sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=nAm5RYTkivY&t=2s

JUDSON TRIO : JOËLLE LÉANDRE, MAT MANERI, GERALD CLEAVER «Light and Dance»

Joëlle Léandre (contrebasse), Mat Maneri (violon alto), Gerald Cleaver (batterie, percussions)

Montreuil, 22 janvier ; Paris, 25 janvier ; Malakoff 27 janvier 2020

double CD RogueArt ROG-0112 / https://roguart.com/product/light-and-dance/180

Cinq ans après un concert à la Judson Church de New York pour le Vision Festival, et le 33 tours «An Air of Unreality» (RogueArt-0073), le trio s'était retrouvé avant le premier confinement pour des concerts, à Montreuil aux Instants Chavirés, puis à Paris au 19 rue Paul Fort, et enfin pour une séance d'enregistrement au Studio Sextan. La musique est tendue par l'urgence, et progresse par élans successifs, jusqu'à ce que l'un ou l'une des protagonistes lance un trait, un son, presque un souffle bien qu'il n'y ait pas d'instrument à vent. C'est un peu comme Le jardin aux sentiers qui bifurquent de Borges, un labyrinthe infini où l'on se perd avec délices, mais en prenant chaque fois un nouveau cap aussi mystérieux qu'hypothétique. Tout le contraire d'une œuvre close : une œuvre ouverte sur l'infini de ses métamorphoses. Le miracle permanent de l'improvisation, quand elle est pratiquée par des orfèvres.

Xavier Prévost

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un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=vsYI3gUdovE&t=8s

https://www.youtube.com/watch?v=vsYI3gUdovE&t=3s