FRANCESCO BEARZATTI & FEDERICO CASAGRANDE : «  and the winter came again »

Cam Jazz 2024

Francesco Bearzatti (ts, cl), Federico Casagrande (g)

C’est une sorte de passage de témoin auquel on assiste avec ce nouvel album du duo. Après « lost songs » essentiellement composé par le saxophoniste pour ce duo, c’est aujourd’hui autour du guitariste de livrer (d’offrir) à son camarade de jeu ses propres compositions.

Et le duo continue de séduire.

Car, il faut bien le dire, ces deux musiciens transalpins qui vivent à Paris s’entendent de manière quasi-télépathique. Marchent au même pas vers un seul but : donner vie au son et air à ces morceaux conçus comme des chansons parfois crépusculaires ou fantomatiques.

Avec l’idée constante de laisser à la musique l’espace indispensable à sa respiration, les deux acteurs de ce dialogue se complètent à merveille. Francesco Bearzatti au ténor ( quel son !) ou à la clarinette apporte la ligne mélodique qu’il dessine avec douceur et raffinement. Lui, un peu trublion que l’on avait connu sur des terrains presque punko-jazz se révèle ici en ténor Lesterien amoureux de la belle phrase. Lyrisme soyeux.

Quant à Federico Casagrande, le plus élégant des jazzmen de la capitale dont on aura aussi l’occasion de parler à l’occasion de l’album de Gauthier Garrigue, outre la beauté poétique de ses compositions en clair-obscur qui évoquent les univers de Kenny Wheeler, de Motian voire de Bill Frisell, il apporte à ce duo des nappes harmoniques comme seuls les très grands savent nimber la musique pour lui donner cette forme ectoplasmique et belle à la fois. Jamais en avant mais toujours au service de la forme du son, toujours garant de l’espace de la musique, il brille en arrière-plan.

« And winter came again » resonne comme un voyage onirique peuplé d’être étranges qui sensiblement vous attirent et vous charment. Pour cette route enchantée, nous pouvons bien l’avouer, nous nous sommes laissés entraîner et envoler par ces muses vers un pays d’ailleurs.

Jean-Marc Gelin

Blue Note 2024

Josh Johnson (saxs), Jebin Bruni (keyboards), Abe Rounds (dms) + Kenita-Miller Hicks (vc), Jake Sherman et Julius Rodriguez ( kybds), Paul Thompson (tp) + Staceyann Chin et Hilton Als ( spkn wds).

C’est quasiment gagné : avec ce nouvel album, la contrebassiste-compositrice-chanteuse multi-talentueuse et multi awardisée va mettre tout le monde d’accord. Dans le monde pailleté du star système américain ( auquel d’ailleurs Meshelle Ndegeocello n’échappe pas), dans ce monde très people, c’est une sorte de mini-bombe.

Autant nous étions restés sur notre réserve sur son précédent (et néanmoins très récent) opus, autant celui-ci fait déjà référence, comme une sorte de masterpiece.

« No more water » nous arrive aujourd’hui à l’occasion du centenaire de la naissance de l’écrivain James Baldwin. Comme un hommage et une résurgence de ses textes dans l’actualité de ces Etats-Unis où la ségrégation reste encore un marqueur fort de la société américaine. D’ailleurs l’origine de cet album, comme elle s’en explique dans les colonnes de Downbeat remonte à 2016 lorsque l’élan finissant du 2^ème mandat du premier président noir se trouvait confronté à la réalité des actions policières et que la question de la négritude refaisait surface avec la mort notamment de George Floyd. Mais plus précisément à l’automne 2016, quand fut commandé à Meschell Ndegeocello une pièce de théâtre créée avec Charlotte Brathwaite ( « The gospel of James Baldwin :  can I get a witness »)

Les brûlots anti-segregationnistes chez les jazzmen et women sont, depuis les contests songs une constante du jazz américain. Et prennent parfois aussi les allures de tarte à la crème ultra-produits et marketé avec un sens démagogie poussé à l’extrême d’une logique somme toute assez compliant. Rien de nouveau donc sous ce soleil-là.

Mais cet l’album est néanmoins un reflet du mouvement Black lives matter qui, au moment où il a été conçu ( fin du dernier mandat d’Obama) commençait à connaître son essor. Mais là où Meschell Ndegeocello livre une œuvre remarquable c’est qu’au-delà de la question classique elle élargit le sujet aux autres formes de ségrégations notamment sexuelles et religieuses et trouve résonnance au-delà de Black lives matter dans d’autres mouvements comme #MeToo ou d’autres. En d’autres termes « No more water » est u  manifeste actuel qui vient démontrer toute l’actualité du célèbre, « The Fire next time ». 

Et c’est peut-être pour cela que « No more water » n’est jamais attendu, totalement protéiforme et convoquant de nombreuses formes musicales. Avec une réelle dimension artistique qui en déculpe la puissance narratrice. Lorsque la musique et les textes se rencontrent. On pourrait presque l’entendre comme une sorte d’ « opera-soul » qui acquiert une force incroyable. Parce qu’avec l’hommage à l’œuvre de James Baldwin, Meschell Ndegeocello nous invite à réfléchir à notre condition humaine que quelque côté que nous soyons.

Certes, dans ces colonnes habituellement consacrées au jazz, il a du mal à trouver sa place puisqu’il est résolument tourné comme l’un des plus beaux albums de soul (ou de pop) de cette année.

Mais peu importe au fond.

Jean-Marc Gelin

Livrets The Quintessence sous la direction d’Alain Gerber et Patrick Frémeaux

Notices discographiques par Alain Tercinet *

Editions Frémeaux & Associés

Jazz (fremeaux.com)

Le label patrimonial Frémeaux & Associés nous fait découvrir à chaque parution des enregistrements rarement regroupés tout à fait dignes d’intérêt.

Pour traiter de l’irruption du style musical bebop qui révolutionna l’histoire de la musique aux Etats-Unis, les célèbres éditions maintes fois primées  proposent de reprendre les livrets d’un joyau de leurs productions The Quintessence. Dirigée par Alain Gerber cette collection retrace inlassablement depuis trente ans l’histoire du jazz en coffrets copieux aux textes de présentation exceptionnels. Chaque anthologie présente en effet un livret très précis où figurent les renseignements discographiques complets des différentes séances choisies et un écrit biographique sur les musiciens qui ont initié le mouvement et participé à son évolution.

Le texte vif, original et toujours documenté sur cette révolution musicale à New York dans les années 40 qui traça une ligne de partage entre jazz classique (la Swing era des big bands, une musique de danse et d’entertainment) et jazz moderne est dû à l’instigateur de la collection.

On retrouve la prose délicieuse de Gerber et son analyse des plus fines, historien et écrivain de jazz de référence dont les émissions sur France Musique et France Culture ont formé la culture jazz de nombreux auditeurs.

Alain Tercinet était la référence incollable sur l’histoire de ces enegistrements dont il nous livrait tous les détails avec gourmandise et érudition. Comme dans une vraie association, des complicités se créèrent entre ces deux plumes qui faisaient de chaque livret un plaisir rare de lecture que l’écoute des enregistrements vient renforcer. Entre respect d’une chronologie impeccablement étudiée et espace poétique.

Leurs choix éminemment subjectifs ont rassemblé les titres les plus représentatifs du talent et du style uniques de chacun des musiciens choisis. De partial mais jamais partiel pourrait-on qualifier leur travail.

Alors qu’Alain Tercinet rend compte de la complexité de cette révolution mélodique, harmonique, rythmique, le scénario d’Alain Gerber immerge dans la vie des boppers. Tous deux font revivre au fil des pages, les figures majeures, la puissance de tel ou tel jazzman que l’on reconnaît à des accessoires ou détails : à tout seigneur, on commence avec Miles The man we loved qui a droit à deux chapitres, l’oiseau de feu Charlie Parker le talonne, Dizzy Gilllespie, génie de proximité, Bud et Monk l’homme de nulle part, les pianistes phare du bop suivent, Kenny Clarke l’anti-batteur de choc qui ouvrit la voie à toute une génération, sans oublier Max Roach le Bertolt Brecht de la batterie de jazz. Une seule femme certes, mais c’est la "divine" Sassy, l’inoubliable Sarah Vaughan.

Plaisir intense et nostalgique que de plonger dans la vision du Harlem de l’époque, la vibrante évocation de la 52ème rue, des clubs le Minton’s Play house, l’Onyx (naissance du bop) avec Dizzy dont le titre de l’autobiographie jouera avec le rebond To be or not to bop.

Si “Groovin high”, “Salt peanuts”sont les chevaux de bataille du bebop, si Bird et Dizzy sont liés à jamais musicalement, le bebop est oeuvre collective. Les auteurs s’attardent bien volontiers sur les singuliers chefs de file, mais citent aussi les seconds couteaux.

Avec cette histoire du bebop, au coeur de la vie violente de ces musiciens en proie au racisme et à une farouche ségrégation, on assiste aux débuts d’une musique libérée, expérimentée lors de jazz sessions redoutables précisément décrites. Ce livre indispensable sur une musique décrétée pour “musiciens” conviendra aux amateurs éclairés mais constituera une vraie découverte pour les non initiés. Le lyrisme érudit de l’un et la précision impeccable de l’autre épousent parfaitement le sujet, un vrai travail d’équipe et évidemment a labour of love.

* Figure aussi dans ce livre le tromboniste Jay Jay Johnson, dernier coffret The Quintessence paru en 2024 où Alain Gerber donne son sentiment sur le musicien "en-deçà et au-delà du bebop" alors que Jean Paul Ricard reprend le rôle du regretté Alain Tercinet (disparu en 2017) dans lequel il ne dépare pas, s’attachant au factuel et à la chronologie en donnant une biographie détaillée du musicien.

Sophie Chambon

PAUL JARRET  SOLO 2024

Sortie Juin 2024 / Distribution Digital : Inouïe 

Paul Jarret, guitarist and composer

Pégazz & l'Hélicon (pegazz.com)

Paul Jarret solo :

electric guitars, acoustic steel-stringed guitar, acoustic12-string guitar, mandolin, 5-string banjo, virtual B3 organ.

Si l’actualité du guitariste Paul Jarret est marquée cette semaine par la sortie de son A. L. E (Acoustic Large Ensemble) chroniqué sur notre site par Xavier Prévost, il ne semble pas inutile d’évoquer son premier solo, sorti en juin dernier.

Publier trois opus différents en leader (PJ5, Solo24 et Acoustic large ensemble) sur une période de 5 mois peut sembler un peu fou mais cette stratégie correspond tout simplement à l’envie, à l’instinct du guitariste franco-suédois!

Paul Jarret a écrit ces treize plages de sons insolites, bande-son d’une continuité conceptuelle intéressante depuis Odd Western, une balade étrange aux riffs hypnotiques qui ouvre l’album jusqu’au final qui ne porte pas le titre Epilog mais Wons eht où l’on retrouve l’imaginaire intériorisé du territoire des ancêtres?

On devient ce voyageur immobile, en partance pour un ailleurs indécis, l’ouest nord-américain ou le grand nord, tous deux désespérément vastes; les guitares recréent les images du genre ou plutôt les contournent, en restant dans une même perspective quand les boussoles s’affolent. Tout un cinéma virtuel se projette dans notre tête à l’écoute de cette musique difficile à qualifier de prime abord qui n’hésite pas à unir post rock bruitiste (Noises, Fuzz) à de l’ambient bien plus planant.

Un solo est une entreprise délicate mais Paul Jarret aime s’adonner à ce genre d’aventures et l’exercice en solitaire était peut être une rampe de lancement pour son projet grand format.

On retrouve en effet une musique qui superpose les strates de son ou les combine dans une recherche maniaque sur les textures et les tuilages. Une douceur  certaine semble au rendez-vous quand le guitariste étire le temps comme s’il voulait assembler les filaments d’une mémoire perturbée. On pourrait également être surpris par des tempi relativement invariables ...si on ne se souvenait de Puissance de la douceur, un projet formidable  constructeur de son identité musicale? C’est qu’il s’agit d’un chaos tout à fait organisé, une dynamique porteuse de résistance à l’oppression. Faire un pas de côté sur une cadence suggestive plutôt qu’une rythmique appuyée dans  un travail d’expérimentation précis sur les sons plus ou moins bruts à partir de divers instruments aux cordes pincées, frottées: guitare acoustique, électrique, douze cordes ... S’entend alors une guitare électrifiée parfois fantômatique aux sinusoïdes marquées pour une musique répétitive voire minimaliste avec boucles, reverb, re-recording avec guitare 12-cordes, mandoline ou banjo. Des ostinatos sur lesquels le soliste peut imaginer un noir et blanc qui reprendrait des couleurs. S'adonner au tissage comme sur la photo de pochette.

Un cheminement harmonique qui met en valeurs reliefs, climats dans un univers pourtant dépouillé, enveloppant jusqu’à l’engourdissement dans Blankets ou Snow .

Qu’importent les bricolages, l’album conserve une unité, une dimension originale et poétique dans le monde floconneux des perceptions quel que soit le style choisi, folk, noisy, ambient ou plus lyrique car Paul Jarret arrive à concocter un magma très personnel dans lequel on demeure en immersion.

Tout un art de petites pièces abstraites souvent, entre deux et trois minutes-sauf la plus lyrique qui est aussi la plus longue Soren’s Home qui raconte une histoire, créant des climats différents même si certains titres ont déjà été joués ou enregistrés dans d’autres contextes : ce Wood aux suspens et bidouillages parasites est en fait une des Ghost Songs enregistrées avec Jim Black, Odd Western, Sören’s Place créées avec Loïs Le Van, Roam Free plus mélodique composé pour PJ5…

Autre attrait de ce solo 2024  la volonté artisanale et écologique de tout faire soi-même.  Le processus de création D.I.Y. (Do It Yourself) implique une maîtrise totale de la création artistique, du défi d’enregistrer et mixer at home jusqu’ au choix d’une distribution uniquement digitale, sans pressage physique sans oublier... la pochette (motif d’un tapis fabriqué par sa grand-mère maternelle) qui a donné le titre Barn på Mattan (en français Enfants sur le tapis).

Très ingénieux, ce solo confirme une vision toute personnelle, actuelle, ouverte, jamais démonstrative mais néanmoins très convaincante.

Sophie Chambon

JONATHAN ORLAND

Inner Landscape

Label Oddsound

www.JonathanOrland.com

Dix petites pièces pas si faciles en apparence composent cet album solo du saxophoniste alto Jonathan Orland, son septième depuis l’inaugural Homes en 2013.

Un album né à Montréal, au temps du Covid, en un sens providentiel puisque la pandémie a poussé le musicien à se lancer dans l’aventure toujours périlleuse du solo. Jonathan Orland a choisi de se portraiturer dès le délicat Lament inaugural, vraiment splendide ou plutôt de dévoiler  pudiquement quelques uns de ses “paysages intérieurs”.

Il s'est donc livré à ce travail solitaire et parfois ingrat, un exercice de style plutôt rare au saxophone qui peut pourtant – il nous le prouve, se passer d’accompagnement. Dans ce parcours variant nuances et atmosphères de l’instrument, Jonathan Orland fait se croiser imaginaire, mystères, instantanés et une certaine exigence. Ce n’est pas l’art du solo de saxophone en dix leçons mais des “études” qui proposent grâce à la souplesse et les couleurs de l’instrument des bibelots sonores, affirmant ainsi une dimension narrative ou émotionnelle comme dans ce Yiddish Lullaby dont il nous laisse recréer la scène.

Ces performances méritent d’être suivies en live mais on peut découvrir la teneur de ce parcours poétique avec les vidéos de Jérémy Soudant dont on avait aimé dans le temps pour la regrettée collection BD Nocturne les portraits de Stan Getz et de Ben Webster. Ses travaux mêlent le dessin aux techniques de l’image, y compris en 3D.  C’est encore lui qui a réalisé la pochette illustrant la composition Buffalo Island que le saxophoniste décrit ainsi : “Nous prenons une route déserte et glaciale d’Alberta escortés par deux bisons ancestraux dont les nasaux expulsent d’épais nuages de vapeur”. On s'y croirait et une fois encore, on se joue le film dans notre tête... 

Jonathan Orland alterne des pièces vibrantes et enlevées avec d’autres moins rapides,  intégrant avec audace le vide, le vertige du silence qui est encore musique.

Ses improvisations laissent découvrir des formes ouvertes, libres, fluides, spontanées. 

Avec une énergie tranquille il  laisse grand'ouvertes les marges d’exploration, sachant écouter les oiseaux jusqu’à les imiter (Gazouillis, Oiseau Mouillé) .

On resterait contemplatif à l’écoute de cette ode à la nature si, par une pirouette, le saxophoniste ne revenait au bons vieux  fondamentaux du jazz, revisitant avec humour jusqu’au couic final, le We See de T.S Monk et s'il ne montrait son penchant mélodique en rendant un hommage singulier au merveilleux songwriter qu'était Cole Porter (Like Someone in Love) dans Like Someone-What …

Un album quelque peu inattendu, dépouillé et pourtant fièvreux... à découvrir.

Sophie Chambon