Polyfree. La Jazzosphère et ailleurs. (1970-2015)

Sous la direction de Philippe Carles et Alexandre Pierrepont

Collection Contrepoints

Editions Outre mesure

352 pages, 25 euros.

www.outremesure.lfi.fr

Il est enfin arrivé, l’ouvrage polyphonique sur la libre jazzosphère de ces dernières décennies. Voici le collectif de 29 auteurs dont les textes ont été réunis par deux spécialistes des musiques affines, Philippe Carles et Alexandre Pierrepont. Le premier s'est illustré avec Jean Louis Comolli qui signe d’ailleurs une postface définitive, en écrivant le fameux Free Jazz, Black Power (1971). Le second, inventeur de la formule Le champ jazzistique, dans le livre du même nom (2002) aux éditions Parenthèses est un actif « propagandiste» de cette musique, n’hésitant pas à lancer une passerelle, voire un pont par-dessus l’Atlantique avec les tournées du Bridge en particulier).

La quatrième de couverture exprime l’urgence de ces mouvements libertaires dont nous pouvons encore saisir aujourd’hui la « mémoire d’attaque », pour promouvoir un jazz, «objet de désir et mode de penser ».La seule maison d’édition sérieuse, capable de s’atteler à des sujets aussi pointus et de livrer un ouvrage de qualité, qui fera date, est évidemment OUTRE MESURE, dirigée par Claude Fabre.

Une préface qui déjà indique « le sens » à suivre : « Continuités, déplacements, brisures », une chronologie formidable, qui donne tout son relief à cette musique, en fait ressortir le « vif », quatre parties qui structurent tout en déconstruisant. Sans oublier comme toujours, un index précis, des biographies et discographies soignées. Un éclairage sans ambiguïté sur cette traversée du jazz, une chronique des principaux événements liés à son expression, à sa géographie des anciens et nouveaux territoires, une étude sociologique, économique... sans omettre d'emprunter les chemins de traverse. Cette « utopie de combinaisons exogènes » observe l'éclatement des musiques traditionnelles aux musiques électroniques, les confluences avec le rock...

Le lecteur se plaira à suivre ces pistes, comme dans un jardin aux sentiers qui bifurquent, à se pencher plus sérieusement sur les principaux représentants, les figures majeures, des voix prophétiques de l’AACM à Anthony Braxton, de Julius Hemphill à Steve Coleman, William Parker et John Zorn. On ne pourra rester indifférent aux chères Tendances hexagonales décrites subtilement avec l’expérience de Xavier Prévost qui oeuvra inlassablement sur France Musique à en découvrir les nouveaux écarts. La pertinence et la fermeté des analyses de spécialistes ( philosophes, musicologues, journalistes, programmateurs, psychanalystes...) offrent des ngles d’approche d’une diversité réjouissante (de la place des femmes dans le jazz, soit la longue marche, contribution attendue de JP Ricard au titre magnifique, à la thématique féconde de l’improvisation, sans négliger le silence à l’œuvre ou la batterie à toute épreuve).

On comprend vite que le jazz est moins un genre musical qu’un univers de référence qui a embrasé l’Europe des années soixante-dix, conquis le Japon sans oublier l’Afrique du Sud de l’apartheid.

Ainsi, les différentes contributions soulignent les transformations, l’aspect protéiforme du jazz, ce formidable lanceur d’alerte, refusant d’en figer les traits dans un portrait définitif. On prendra plaisir à lire cet ouvrage de qualité, en l’attaquant par le petit bout de la lorgnette, selon son seul désir, ou à le consulter comme un ouvrage déterminant, un « must » détaillé et précis, qui laisse ouverts les champs d’exploration d’une musique qui n’en finit pas d’être à côté, dans la déchirure du temps.

Sophie Chambon

Décidément pendant le festival, cette ville s’est installée dans le jazz. C'est bien simple, il y en a partout autour de vous. Et pour tout le monde.

Pérégrinations du matin.

Au détour d'une déambulation qui m'amène à entrer dans un centre commercial, ce sont les enfants qui sont conviés à la fête pour une Petite Ecole du Jazz bien réjouissante.

Un peu plus loin ce sont des fanfares ou des orchestres de rue qui prennent place dans le quartier, entre deux concerts et lui donne presque des airs de Nouvelle-Orléans.
De la musique non-stop....

Conférence de presse à la Maison du festival où André Menard, le directeur du festival récompense du prix Bruce Lundvall le travail du producteur JIM WEST, fondateur du label canadien Just in Time ( Kenny Wheeler, Oliver Jones, Myriam Alter, Cecil Mc Lorin etc….). Petite séance sympa en toute intimité. Où André Menard se souvient de l'époque où Diana Krall franchissait pour la première fois les portes de ce festival, morte de trouille et d'une timidité confondante.

Puis les choses se mirent à démarrer avec un premier concert en plein air d'un jeune trompettiste anglais que je ne connaissais pas, Matthew HALSALL. Approche très coltranienne ( jusqu'à intégrer une harpiste dans sa formation) pour une musique modale qui révèle ce jeune talent de la scène britannique. Ca ne décolle pas vraiment mais peu importe , il y a du monde et je surprend le jeune trompettiste certainement impressionné de se retrouver là, sortir son smartphone pour prendre une photo du public.

Pas trop le temps de lésiner car je dois vite filer à la Maison Symphonique pour retrouver le célèbre Jazz at The Lincoln Center Orchestra dirigé par Wynton Marsalis. Le soyeux de cet orchestre, l'intelligence de la direction du trompettiste, la beauté des arrangements et l'excellence des solistes en font ( évidemment pourrait t-on dire...) l'un des plus beaux big band dans la plus tradition.

Le répértoire y est très Ellingtonien ( ça tombe bien il paraît qu'il y a des gens de la famille du Duke dans la salle). De quoi se lécher les babines avec un Braggin in Brass ( 1938) ou encore une belle compo de Strayhorn, Isfahan ( 1967) sur laquelle l'altiste, la montagne Sherman Irby se transforme en monument de pure tendresse et de douceur incarnée.

Je file ensuite pour ce qui va être pour moi le premier choc de ce festival, le concert énorme de CHRIS POTTER !!!

Avec Joe Martin à la contrebasse et Marcus Gillmore à la batterie, le saxophoniste de Chicago donna hier soir un concert à sa dimension : immense !

Si Chris Potter affirmait durant ce concert avoir été très largement influencé par Johny Hodges, c'est surtout et évidemment à Sonny Rollins que l'on pense en l'entendant.

Le continuateur du maître. Le fils prodige.

Un son gravé dans le roc, projeté avec une puissance et une énergie hallucinantes, un placement rythmique hors du commun. Avec Potter c'est 1000 variations en une seule phrase, passant du staccato au légato et du forte au piano dans un seul et même geste.

Et tout y passe. Un superbe thème de Police, un blues ultra rollinsien, un thème de Hodges

et au final une conclusion échevelé sur Ask me Now ( Thelonious Monk) que Potter avait entendu Joe Henderson jouer plusieurs fois. A coup sûr l'élève était là, sur le point de dépasser le maître.

Et s'il est des "saxophone colossus" , assurément la claque que nous a mis Chris Potter hier soir, montre qu'il fait partie de la clique des très très grands.

Finalement pour me remettre de mes émotions je termine la soirée Place Heineken où tous les soirs après minuit la légende du folk song québecois, le guitariste Jordan Officer ( vous vous souvenez le disque avec Susie Arioli http://www.lesdnj.com/article-2126454.html ) donne à l'endroit des airs de bar country où les cow-boys viennent boire de la bière et jouer des coudes.

Totalement décalé dans le contexte mais tellement bon !

Nonesuch 2016
Pat Metheny ( g, g-synth, elec) , Chris Potter (ts, bs, clb, fl, g), Antonio Sanchez (dms, cajon), Ben Williams (b), Giulio Carmassi (p, flgh, vc),

Lorsque Pat Metheny s’est décidé à jouer avec Chris Potter en 2013, c’était la première fois qu’il rejouait avec un saxophoniste depuis Michael Brecker et Dewey Redman sur l’album 80/81.
C’est dire le chemin qu’il lui a fallu parcourir pour trouver celui qui pourrait enfin redevenir son âme soeur. Et lorsque l’on écoute ces sessions qui nous sont proposées par le label Nonesuch, on comprend que s’il a fallu du temps au guitariste c’est qu’il lui fallait trouver celui avec qui il pourrait être en parfaite osmose.
Et de fait Metheny/Potter est un affaire qui marche.
Qu’il soit au ténor, au soprano ou à la clarinette basse (et même, tiens, à la guitare), le saxophoniste de Chicago apporte une énergie incroyable au jeu de Metheny.
Les deux géants savent d’où ils viennent et ce qu’ils doivent au jazz des racines et c’est avec un grand plaisir qu’on les écoute improviser sur Cherokee, le standard de Ray Noble.
Si l’ensemble de l’album a parfois des airs un peu convenu, un peu académique au sens Methenien du terme, ronronnant parfois son jazz-rock, il faut bien avouer que lorsque le saxophoniste prend les choses en mains il en explose littéralement les lignes à l’image de ce One Day rendu incandescent par le souffle brûlant que Potter jette sur la marmite.
Metheny à l’électrique ou en acoustique ( guitare à laquelle il semble revenir de plus en plus) est une sorte de magicien de l’harmonie, science qui lui colle à peau et lui fait comme une autre respiration naturelle. Ainsi ce Meddley joué en solo et qui devrait être enseigné à toutes les écoles de jazz.
Derrière il faut absolument entendre le jeu littéralement époustouflant d’Antonio Sanchez, selon moi l’un des plus grands ( que dis-je, immense) batteur à l’heure actuelle. Dans sa revue, Downbeat le compare à Jack De Johnette. Exactement ce qui me vient à l’esprit en l’entendant. Mais je penche plus vers Elvin Jones dans le genre maître des forces, roi des artificiers.

Où l’on assiste à un moment d’anthologie sur Two folk songs totalement exacerbé par Potter et Sanchez au point que Metheny en est presque relégué au second plan. Mais plus loin, le génie de la six cordes reprend la main avec un lyrisme à couper le souffle sur Kin où les envolées de Metheny montent très très haut dans le ciel.
Et pour conclure l’album, les gaillards se lancent dans un rock échevelé et déjanté ( qui lequel Sanchez a dû se désintégrer tant il se transcende).

Double album, il fallait au moins cela tant Mettent et Potter ont des choses à se dire.
Quand ces deux-là mettent leur génie au service du partage et de la fusion des énergies, cela vole très très haut.
Unity Sessions fly high.

Jean-Marc Gelin

UMLAUT BIG BAND : « Euro swing vol. 2 » Americans in Europe 1925-1940
Umlaut records 2016
Pierr-Antoine Badaroux (dir. as, ss), Antonin Tri-Hoang (as, cl), Jean Dousteyssier (ts, cl), Geoffroy Gesser (cl, ts, ss), Benjamin Dousteyssier (bs, as), Brice Pichard, Louis Laurain, Emil Stranberg (tp), Fidel Fourneyron, Michaël Ballue, Nicolas Grymonprez (tb), Romain Vuillemin (g), Bruno Ruder (p), Sébastien Beliah (cb), Antonin Gerbal (dms)- Enr. fev. 2015

Et revoilà la bande des jeunes gars du CNSM de Riccardo Del Fra sous la houlette de Pierre Antoine Badaroux qui se lancent à l’assaut de la swing Era, cet âge d’or du jazz, celle des américains que l’Europe découvrait entre 1925 et 1940. Sur la base de ce matériau que l’on retrouve sur disque et parfois sur partition, Pierre Antoine Badaroux s’est jeté corps et âme dans dans un énorme travail érudit de relevé minutieux. On y trouve des thèmes et des arrangements des grands jazzmen venus de ce côté-ci de l’atlantique faire entendre cette nouvelle musique venue tout droit de l’Amérique. Duke Ellington, de Benny Carter, Sam Wooding, Freddy Johnson, Lud Gluskin (ou encore moins connu une composition du clarinettiste américain Fud Livingston) sont à la base de ce matériau remis au goût du jour par Pierre-Antoine Badaroux.
Les arrangements sont ainsi exactement restitués dans leur configuration d’origine jusqu’au son qui semble particulièrement travaillé pour restituer au plus près les enregistrements de l’époque.
Ça swingue grave et surtout ça joue vraiment terrible. Tous les solistes sont plus inspirés les uns que les autres s’appropriant sans une once d’hésitation la tradition du jazz dont ils endossent avec brio les habits de lumière.

On se croirait au Boeuf sur Le Toit en train d’écouter la formation de Benny Carter.
Jouissif et instructif !
Jean-Marc Gelin

Ps : en prime, enfin un livret passionnant. celui, signé de Badaroux témoigne d’une réelle érudition et d’une vraie documentation sur le jazz ou à cette époque en Europe.

Jazz & People 2016
Duos de piano avec Leonardo Montana, Guillaume Poncelet, Dan Tepfer, Edouard Ferlet, Yonathan Avishai, Laïa Genc, Tony Paeleman

Jamais pris en défaut depuis son lancement, quant à son exigence de qualité, le label de Vincent Bessieres, Jazz and People frappe à nouveau un coup superbe dans le paysage jazzistique avec la parution de cette nouvelle petite pépite, « Les âmes Perdues ».
Le saxophoniste Christophe Panzani membre à part entière de la formation de Carla Bley (excusez du peu !) s’était notamment fait remarquer en France avec la publication de « The Drop » une formation en trio qui l’associait à Frederico Casagrande (g) et Gauthier Garrigue (dms).
Aujourd’hui c’est un album tourné autour de 7 duos avec autant de pianistes qu’il nous propose. 7 thèmes pour 7 jeunes maîtres du piano jazz aux influences diverses. 7 duos pour 7 pièces où l’intimité du dialogue le dispute à la complicité subtile émergeant entre les claviers et les envolées du ténor. 7 pièces qui laissent l’empreinte d’une musique incroyablement inspiré. Jazz de chambre où l’écoute et le partage entre les musiciens forme le liant entre l’écriture et l’improvisation.
Panzani côtoie 7 pianistes qui chacun sont porteurs d'une identité propre et s'expriment dans un style différent d’accompagnement. Et pourtant, alors que l’on aurait pu craindre un patchwork sans fil conducteur, l’album s’entend comme un tout. On pourrait même croire, si l’on ne le savait pas, qu’il s’agit du même pianiste à chaque plage.
C’est qu’en fait s’il est des albums « habités », celui-là en fait assurément partie et cela tient en grande partie à ce supplément d’âme que le Saxophoniste parvient à insuffler tout au long de ces 7 pièces. Son expressivité est portée par une rare poétique et son sens de l’improvisation tout en maîtrise de la phrase et du son est prodigieuse. Chaque morceau succède à un autre avec une réelle exigence dans le propos.
C’est un dé fil de moments de grâce absolue. On pourrait bien sûr tous les citer comme ce duo avec la pianiste allemande Laïa Genc ( Die Grünen Bohnen), en clair-obscur et sur lequel Christophe Panzai apporte une intensité que seule les très grands saxophonistes savent
maîtriser. Aussitôt surgissent en mémoire quelques grands duos piano/sax qui ont marqué l’histoire du jazz. On remarquera aussi la magnifique entente avec Guillaume Poncelet sur cette belle composition « Traduire Eschyle";, composition poignante où Panzani insuffle une dimension prenante ou encore ce thème partagé avec le pianiste brésilien Leonardo Montana (Endless war) d’une très rare intensité, à la progression est aussi admirable que subtile.

Il est effectivement des albums qui se perdent et se trouvent à la fois. Se perdent dans de magnifiques méandres poétiques. Divaguent. Déambulent. Rêvent.
Et se trouvent. Trouvent l’alchimie. Trouvent la pierre philosophale. L’alliance sacrée, celle qui permet aux musiciens qui se sont trouvés, de voler au delà des sommets. Cette musique qui leur donnent des ailes. Et nous embarque avec.
Jean-Marc Gelin

Ps : une mention spéciale pour cette très belle pochette signée Ludovic Debeurne