50 Summers of Music - Montreux Jazz Festival
Textuel Mai 2016
391 pages, 45 euros
http://www.montreuxjazzfestival.com/fr/artist/montreux-50-summers-music

Que vous soyez déjà allé à Montreux ou non, voilà bien un ouvrage que tout amoureux de la musique de la deuxième moitié du XXème siècle devrait absolument se procurer.
Pour sa 50ème édition, Montreux a réalisé sous la houlette de Mathieu Jaton (l’actuel directeur du Festival) et du journaliste Arnaud Robert, un livre magnifique regroupant les témoignages d’immenses musiciens qui ont accepté de se livrer, ou de journalistes qui évoquent « leur » Montreux, le tout illustré par des clichés noir et blanc sublimes et un peu décalés signés des plus grands photographe de la scène musicale.

Le festival de jazz de Montreux fête cette année ses 50 ans d’existence. Crée en 1967 par un jeune homme alors un peu fou et bourré d’audace, il se remet aujourd’hui difficilement de la disparition de son mythique fondateur, Claude Nobs, personnage hors norme, adulé et adoré de tous, musiciens, journalistes, tourneurs etc…..Sorte de pygmalion divin et figure emblématique mariant avec le même amour ke jazz, le rock, la pop et même le rap avec le même oecuménique soucis de décloisonner ces musiques du XXème siècle.

Les témoignages d’amour que livrent les musiciens sont absolument magnifiques. Arnaud Robert, avec un talent d’accoucheur est allé cherché chez eux un part d’intime qu’à l’évocation de Montreux, ils livrent ici sans fards. On pourrait les citer tous de Diane Reeves à Stéphane Eicher en passant par Carlosn Santana, Herbie Hancock, Nile Rodgers, M , Kraftwerk, Grave Jones, Randy Weston , on en passe et des pas moins fameux.

Sonny Rollins : « J’ai aujourd’hui 85 ans. Je me sens toujours l’élève de Lester Young, de Coleman Hawkins. Je ne serai jamais à leur hauteur. Mais rien ne m’interdit d’essayer »
ou encore Lisa Simone qui libre un témoignage bouleversant sur sa relation difficile avec sa mère :
« J ‘ai appelé Oncle Claude (Nobs). Il ignorait à quel point mon enfance avait été un champ de bataille. Je ne m’étais pas encore trouvée à cette époque, je n’avais pas guéri. Je n’utilisais pas mon prénom, Lisa. Pour ne rien avoir à faire avec cette petite fille qui s’était enfuie. ».
Quicy Jones : « Je n’avais jamais vu Miles contempler le public de cette façon. Il souriait ! Miles davis ! Vous entendez ? Miles souriait ! ». Ou encore celui de Rickie Lee Jones ( « Nue face à Wynton Marsalis »). Sans compter le témoignage de Deep Purple qui raconte comment « Smoke on the Water » s’est crée en regardant flamber le Casino de Montreux après qu’il ait brulé lors d’une concert de Franck Zappa.
etc….

Les photos , en noir et blanc pour beaucoup et parfois en couleur sont absolument magnifiques de décalage comme ce cliché pris à la volée devant l’hôtel où sur leur balcon Clark Terry et Zoot Sims gemment de manière impromptue. Les musiciens sont pris hors de toute pose dans des moments volés. Dizzy Gillespie est allongé sur cette moquette à motifs de fleurs et Claude Nobs se baigne dans le lac avec Amhet Ertegun. On dirait des épreuves non retenues dans les magazines mais dont les imperfections nous touchent au plus au point comme la preuve en cliché de l’humanisme de ce festival aux dimensions pourtant planétaires.

Ce livre et un véritable témoignage.Emouvant parfois. Rythmé comme un morceau de rock, de blues ou comme une ballade à 4 temps.

Indispensable
Jean-Marc GELIN

CUONG VU trio meets Pat METHENY
WEA - Nonesuch 2016
Cuong Vu (tp), Pat Metheny (g), Stomu Takeishi (b), Ted Poor (dms)

Cuong VU est un trompettiste de talent qui fait partie du groupe du guitariste mythique du Missouri.
Le trompettiste New-yorkais né à Saïgon a été en effet repéré en 2002 ( il avait 33 ans) par Pat Mettent qui l’a alors invité sur l’album « Speaking of now « et ne l’a plus guère quitté depuis. Au point, paraît-il qu’ils sont dans la vraie vie devenus très amis.
Alors forcément lorsqu’on a le privilège de jouer avec l’un des plus grands guitariste de l’histoire du jazz, cela pose son homme, et ça la pose assez haut d’ailleurs.
Dans ce nouvel album, le trompettiste confirme tout le bien que l’on pense de son talent. Il apporte dans sa petite mallette une sorte de feu jaillissant d’une étincelle électrique à coup de très longues tenues suraiguës ou de growl un peu à la manière des trombonistes ou encore de trilles boppiennes qui ne sont pas sans évoquer la puissance d’un Freddie Hubbard. Impressionnant ! Nourri au biberon de la scène New-Yorkaise Cuong Vu se nourrit d’une certaine forme classique du jazz, puisant à la fois dans des racines blues auxquelles il ajoute une bonne pincée de jazz rock et de néo-free. On l’entend ainsi sur des riffs presque boppiens sur Not Crazy. presque dans le free. Cuong Vu se montre toujours exceptionnel, littéralement étincelant. Le garçon maîtrise à peu près tous les registres et toutes les tonalités avec une énergie communicative. Pat Metheny lui apporte une réponse toujours débordante d’inspiration et de reverbes moelleuses à souhait. Ces deux-là se comprennent intuitivement. Le son smooth de Mettent et le tranchant de Cong Vu : une admirable recette douce amère.
Jean-Marc Gelin

FABRICE MARTINEZ Chut ! : « Rebirth »
ONJ Records - L’autre Distribution 2016

Fabrice Martinez (tp, fchn), Fred Escoffier (cl), Bruno Chevillon (b), Eric Echampard (dms) + Stéphane Bartlet g)

J’étais de ceux qui étaient à la soirée inaugurale du nouvelONJ d’Olivier Benoit. Tout le petit groupe se mettait en place, jouait les rounds d’observation nous laissant alors plus ou moins médusés. Lorsque tout à coup, une zébrure vive déchira l’assistance. C’était Fabrice Marinez qui venait de prendre un chorus d’anthologie. Et ceux qui étaient là ce soir-là n’eurent aucun mal à se convaincre qu’ils étaient en présence de l’un des plus grands trompettistes de sa génération. Il faut dire qu’il y a chez Martinez un sens de la puissance maitrisée et surtout pas, surtout pas canalisée. Un sens de l’incandescence qui saurait réveiller un choeur de nones à l’heure vespérale. Entouré ici de ses fidèles followers, Fabrice Marinez signe un troisième album empreint d’électricité et de nappes sonores très rocks. Dans le dossier de presse il est évoqué l’influence de la Motown que j’avoue ne pas avoir bien compris tant j’ai plutôt le sentiment que le trompettiste allait puiser plutôt du côté du rock progressif.
Avec une technique éblouissante, Fabrice Martinez dont le cursus va autant de soliste à l’Opera de Paris, aux folles improvisations chez Andy Emler ou aux hallucinations du Supersonic de Thomas de Pourquery, Fabrice Marinez dis-je explose dans une sorte de flamboyance baroque au sein d’une pièce dont il est le personnage central, le héros.
Et pour tout dire, derrière ça joue grave. Fred Escoffier, son copain d’enfance tient les claviers et balance entre jungle et électro. De son côté Bruno Chevillons (énorme à la basse !) livre une partition assez exceptionnelle et bombarde une scène de guerre de riffs hallucinants. Quand à Eric Echampard, c’est simple il pose les bâtons de dynamite et allume les mèches.
Particulièrement bien écrit, cet album s’impose dans le paysage d’un jazz moderne qui groove rock et s’étend sur des brumes électriques étirées et planantes. Il y a des nappes plus où moins psychédéliques qui se déploient sous les ouvertures tranchantes au scalpel de Fabrice Martinez alors que Fred Escoffier prend des airs de King Crimson avec des montées paroxystiques irrésistibles (Prune) qui envoie la sauce avec une rythmique déployant son énergie portée par l'ultra puissance décoiffante du trompettiste . Âmes sensibles et tympans délicats s'abstenir.
L’influence crimsonienne et celle de Miles Davis se bousculent dans un Transe particulièrement inspiré et lunaire et avec un Éric Echampard survolté.

Comme dans le cas de Cuong Vu le mariage des sonorités moelleuses (ici de Fred Escoffier) avec le tranchant acéré de Martinez créé un son contrasté. Pas question de sourdine ici, au contraire le trompettiste lâche le son de manière assez ébouriffante.
Et c’est au final la révélation d’un trompettiste hors norme, de très très haute volée.

Jean-Marc Gelin

Franco D'Andrea (piano), Andrea Assayot (saxophones alto & soprano), Dj Rocca (percussions électroniques et traitement sonore)

Rome, 27 mars 2015 (CD 1) & 7 juin 2015 (CD 2)

Parco Della Musica MPR 077 CD / www.egeamusic.com

Après 50 ans de carrière, Franco D'Andrea reste un prospectif, un aventurier, un guetteur de sensations et d'expressions nouvelles. Ce n'est sans doute pas un hasard si un autre chercheur d'horizons neufs, Martial Solal, l'avait invité, dans les années 80, à jouer en trio de pianos, avec John Taylor, au Festival de Jazz de Paris. Martial l'avait aussi convié à trois reprises au jury du concours international de piano jazz qui porte son nom. Comme lui, Franco D'Andrea porte en lui, solidement ancré, l'idiome du jazz ; et comme lui il s'ingénie à en déborder les contours. Pour cette aventure il fait appel au saxophoniste Andrea Assayot, un partenaire familier

(voir la chronique d'un disque précédent sur Les DNJ), et à un pionnier des sons électroniques en Italie, Dj Rocca (Luca Roccatagliati). La partie se joue sur divers matériaux : des compositions-improvisations collectives, des compositions du pianiste (mais aussi de ses partenaires), et des standards du jazz signés Ellington, Strayhorn ou Coltrane. Cela commence par un dialogue rythmique avec ses acolytes : c'est puissant, plein d'imprévu, d'une réjouissante liberté tonale et de phrasé. Dj Rocca agit autant par percussions échantillonnées que par traitement sonore des instruments en temps réel, ou par inclusion, inattendue mais pertinente, de sons numériques prompts à faire rebondir le discours. C'est très vivant, mais la pensée ne désarme pas devant d'éventuels automatismes. Bientôt, par tuilage après un dialogue sax soprano / traitement électronique, puis une composition du pianiste en forme de blues dévoyé par des escapades hors tonalité, surgit Single Petal of a Rose, emprunté au répertoire du Duke, joué avec intensité, et parsemé de lacérations électroniques. On va ainsi d'étonnement en surprise, l'attention ne faiblit pas, jusqu'au Naima qui conclut la dernière plage du second CD, enchâssé dans une séquence où le traitement électronique s'est emparé de tous les sons instrumentaux. Le pianiste, au fil des plages, déploie toutes les ressources, considérables, de son jeu : nuances, phrases anguleuses « à la Tristano », large utilisation de la palette de l'instrument, dans l'harmonie assumée comme dans la dissonance hardie. Ce double CD vaut vraiment le détour, pour peu naturellement que l'on soit ouvert à l'aventure sonore, c'est à dire vraiment mélomane !

Xavier Prévost

Un aperçu sur Soundcloud

https://soundcloud.com/dj-rocca/franco-dandrea-electric-tree

Ivo Perelman (saxophone ténor), Matthew Shipp (piano)

Brooklyn, février 2106

Leo Records CDLR 755 / Orkhêstra

Bientôt quarante CD du saxophoniste Brésilien de New York sous le label de Leo Feigin, dont cinq publiés en ce début d'année 2016 ; et celui-ci est le quatrième en duo avec le pianiste Matthew Shipp. Manifestement ces deux improvisateurs ont un contact privilégié, qui s'exprime dans ce CD dont le titre évoque un corps singulier, une entité organique constituée par deux musiciens agissant d'une inspiration et d'une volonté communes. Le dialogue se noue dans une grande liberté tonale, les rythmes et les accents délimitent un espace fécond où chacun paraît totalement libre, et pourtant absolument à l'écoute. On les suit aisément au fil de 12 parties, qui sont autant de descentes dans le tréfonds d'âmes humaines en interaction médiumnique. On est manifestement dans l'une de ces séances idéales d'improvisation, quand le contact s'établit dès l'abord, et que le fil reste tendu, d'urgence et d'imprévu, jusqu'au terme de la rencontre. La même sensation survient à l'écoute d'un autre volume publié simultanément, « The Hitchhiker » (Leo CDLR 754), enregistré en juillet 2015, dans lequel Perelman donne la réplique à Karl Berger (ici au vibraphone : dans un précédent CD, « Reverie », il était au piano). Dans ce duo vibraphone-sax ténor, le dialogue est moins tendu qu'entre le piano de Matthew Shipp et le saxophoniste ; c'est plus « atmosphérique », et peut-être plus sphérique, plus rond : les angles ont été un peu érodés. Mais c'est aussi d'une grande beauté, inspirée parfois par les traditions musicales de l'Afrique et de ses diasporas. Il serait injuste de ne pas citer les trois autres disques de cette livraison printanière : «Soul», en quartette avec Matthew Shipp, Michael Bisio et Whit Dickey ; «Breaking Point», avec Mat Maneri, Joe Morris et Gerald Cleaver ; et « Blue », en duo avec Joe Morris. Chacun assurément mériterait une chronique spécifique. Mais soyez curieux, allez sur le site du saxophoniste, et découvrez ces pépites !

Xavier Prévost

http://www.ivoperelman.com/listen/

Le duo au Michiko's, studio et petite salle de concert de New York

Rémi Gaudillat (trompette, bugle, composition), Bruno Tocanne (batterie), Élodie Pasquier (clarinette & clarinette basse), Lucia Recio (voix), Bernard Santacruz (contrebasse)

Montpellier, octobre 2014

Petit Label PLV 001

(nouvelle édition en 33 tours vinyle)

http://www.petitlabel.com

C'est le premier vinyle publié par Le Petit Label de Caen, tiré à 100 exemplaires, sous pochette de l'atelier de sérigraphie coopératif de l'Encrage : déjà une pièce de collection. Et un manifeste aussi : manifeste pour une production phonographique indépendante ; manifeste politique également, puisqu'il puise ses textes dans le Canto General du poète chilien Pablo Neruda. Le réseau imuZZic, de la région lyonnaise, qui a son propre label (Instant Musics Records : IMR), était allé en 2015 publier ce disque en CD chez le collectif normand. Et c'est désormais en vinyle que l'on retrouve ce bel ouvrage. On ne peut pas ne pas penser au « Liberation Music Orchestra » historique, celui de 1969, où Charlie Haden faisait retentir les musiques de la Guerre d'Espagne dans des arrangements de Carla Bley. C'est plus qu'un hasard si trois des cinq membres du groupe étaient partie (très) prenante dans « Over the Hills », inspiré par Escalator Over the Hill de Carla Bley. Ici la chanteuse Lucia Recio donne les textes de Neruda, tantôt en français, tantôt dans la langue d'origine de sa famille, l'espagnol. Les textes sont dits, souvent ; chantés, parfois ; parfois aussi la voix s'envole dans un chant improvisé d'expression radicale. Ici se lisent à la fois la résistance et l'espoir. Les thèmes, composés par Rémi Gaudillat, ont cette solennité lyrique qui va droit au but de l'émoi. De ce grand poème épique de libération, Mikis Theodorakis avait fait naguère un oratorio. Cette réalisation-ci, dans sa modestie affichée, n'en est que plus forte : Pour Le peuple victorieux, l'improvisation vocale, proche du cri, se substitue au poème : « Mon cœur se tient dans cette lutte. Mon peuple vaincra. Tous les peuples vaincront l'un après l'autre ». Ailleurs la voix parlée donne une prosodie du texte qui, plutôt que d'épouser la musique, entre en tension avec elle. Les instrumentistes sont d'une pertinence admirable, dans l'expression collective comme dans les solos. On est capté, emporté par ce chant de lutte à l'horizon d'espoir.

Xavier Prévost