Gemini records 2010

SORTIE LE 18 OCTOBRE 2010

Benoît Sourisse ( p, hammond B3,orgue), André Charlier (dm), Alex Spiagin (tp, fch), Pierre perchaud (g), Jean-Michel Charbonnel ( cb), Fabrice Alleman (cl), Stéphane Guillaume (ts, fl)

Disque improbable ? Inclassable surtout aurions-nous tendance à dire . Sinon le classer où ? Dans quelle case ? S’il en fallait une, alors choisissons ensemble celle des optimistes de la musique. Choisissons de celle qui fait (visiblement et audiblement) plaisir à jouer autant qu’à entendre.

Car ici, ça joue devant, ça joue derrière, ça pulse le groove et propulse les solistes, ça joue jazz, ça swingue (forcément avec ces deux-là !), ça balance, ça Nouvelles Orléans un peu ou afro beat certainement, c’est pêchu aux éclats. Avec leur formation, ils se permettent de faire sonner les harmonies comme 25 ! Casting parfait. Arrangements superbes.Réunir dans cet album autant de talent et donner le sentiment qu’ils ont toujours joué ensemble, c’est certainement la magie de la cohésion de cette paire Charlier/Sourisse qui, depuis maintenant plusieurs années et 4 disques, s’inscrit comme l’évidence de ce que Roux est à Combalusier. Et devant la musique que ces deux-là sont capables de créer, on se sent comme émerveillés, de vrais gamins au pied du sapin de noël devant les jouets magnifiquement enveloppés, encore plus merveilleux encore après leur découverte.

Et quelle orchestration du feu de dieu qui n’oublie pas de mettre en valeur Charlier et Sourisse eux même dans leur numéro préféré, celui de leur indissociable complémentarité. Et s’ils vont chercher dans des univers plus poétiques, c’est en partageant le même imaginaire, la même poésie douce et aérienne à l’image de  cette Chanson idéale du facteur cheval où Benoît Sourisse effleure le swing dans la soie. Et les vibrations de Charlier dans tout ça ! De la dentelle j’vous dis. Du vent sous ces dentelles qui froissent, s’envolent, vibrent d’un vent frais. Certains intermèdes nous plongent dans le pays des merveilles, tel Lewis Carroll ici tombé dans un afrobeat improbable, dans une jungle imaginaire et déjantée, sympathique digression galvanisante.

Tous les solistes sont merveilleusement inspirés par cette musique et contribuent à lui donner supplément de vie et autre lumière. Plaisir de jouer partagé. Irrésistible. Ça s’écoute et ça se réécoute. C’est jubilatoire d’un bout à l’autre au point ( ah les vaches !) d’en être carrément frustrés à la fin de l’album ( ah bon, c’est déjà fini ?).

On a l’habitude de dire souvent que les grands groupes sont reconnaissables à leur « son ». Nous dirions plutôt ici que Charlier/Sourisse sont reconnaissables par le festival de sons qu’ils nous offrent. De leur association émerge le miracle divin, celui de la multiplication des sons. Déjà rien qu’à eux deux, ils forment un orchestre à eux tout seul.

Champagne !

Jean-marc Gelin

Ps : Saluer aussi le superbe travail graphique du phtographe Marc Ribes pour la pochette de cet album (voir aussi sur son site la superbe photo de Stéphane Guillaume  http://www.marcribes-artworker.com/?page=book1#)

ACT – 2010

Yaron Herman (p), Chris Tordini (cb), Tommy Crane

Voilà Yaron Herman qui continue sa course vers l'apogée: après deux albums chez Laborie, il signe Follow the White Rabbit chez ACT, le label allemand élu label de l'année 2010.

Une fois encore Herman joue en trio piano/contrebasse/batterie. D'abord il y eut le trio avec Tommy Crane et Stéphane Kerecki, puis celui avec Matt Brewer et Gerald Cleaver pour ses deux albums avec Laborie, et le voici aujourd'hui avec Tommy Crane et Chris Tordini. Pour l'album Muse, certains lui avaient un peu reproché de n'avoir « pas assez joué » avec le trio. Avec Follow the White Rabbit, impossible de lui faire cette remontrance. Le trio joue finement et à plein tube, il est toujours dedans avec un vrai son cohésif et les compositions de Herman se sont affinées¹. Trio de haut niveau avec des musiciens très solides.

L'invitation à le suivre dans son monde - clin d'œil au lapin blanc d' « Alice au pays des merveilles », son « Wonderland » - est claire: « écoutez la musique, je m'occupe du reste ». Et ça fonctionne parfaitement: l'émotion est à fleur de peau², jamais ringarde ni feinte et la densité produite par le trio est dure comme le titane³. Yaron Herman fait tournoyer ses mains et nous surprend par des variations qu'on n'attend pas. Enfin, on ne sait comment, il créé un espace sonore au piano qui s'étend sur une surface qui semble infinie. Grande classe que ce pianiste!

Seulement cet album ressemble à s'y méprendre aux précédents. La formule employée est la même: des morceaux denses et énergiques, des standards revisités⁴ et des reprises de musiques pop. On se souvient de sa version très appréciée de « Toxic », chantée par Britney Spears. Ici, Yaron Herman reprend un morceau de Kurt Cobain⁵ et un autre de Radiohead⁶. Certes, ses versions sont réussies⁷ et leur intégration dans l'idiome jazz est évidente et organique pour le coup, – on n'a pas l'impression de la pièce rapportée.

Sur Facebook, j'ai partagé – maladroitement probablement, quoique – mon enthousiamse pour cet album de Herman en tapant que Follow the White Rabbit est une « tuerie, même si c'est du déjà-entendu »⁸. S'en suit alors un certain nombre de remarques plus ou moins réfléchies dont une, plus construite que les autres, du camarade Laurent Poiget, qui officie chez Citizen Jazz: « Même si une œuvre utilise un cadre formel préexistant, elle peut faire entendre une voix singulière, refléter une personnalité originale. Mais il est vrai que les formes anciennes sont en majorité visitées par l'interminable cohorte des suiveurs et il est tout aussi vrai que les artistes qui suivent des chemins jamais empruntés ont en général une voix singulière et une personnalité originale. ». Il est évident que je partage cette saine opinion.

Yaron Herman est une voix singulière dans le jazz actuel. Et c'est pour cette bonne raison qu'on en attend plus de Ycet artiste. Alors j'insiste, Follow the White Rabbit a un arrière-goût de déjà-entendu dans la discographie de Yaron Herman, comme nous l'avons évoqué ici. On peut comprendre aussi qu'il veuille approfondir, fouiller et trifouiller dans tous les sens « son » art du trio. A condition qu'il continue à nous surprendre et ce, en cultivant sa singularité.

Jérôme Gransac

Site de Yaron Herman

Myspace de Yaron Herman

Home

Universal Jazz Music

Avec Home, disque cocon, chaleureux, talentueux d'hommage aux standards du jazz, l'Américaine se maintient à un bon niveau. Après une petite dizaine de dsiques cross-over, la vocaliste émule d'Ella Fitzgerald se livre à un hommage aux standards. En dépit de quelques moments de Swing, l'Américaine ne nous fait pas décoller. Comment du reste une limpide voix de jazz qui avoue une influence « très modérée » de Billie Holiday (« pas marquante, trop à part », me dit-elle) pourrait-elle soulever les âmes? Il faut dire que sa vie à elle ne présente pas les stigmates d'un psychodrame ininterrompu. Mais alors pas du tout. Au contraire, la trentenaire poupine jouit d'un background familial encourageant. « J'ai tout appris à la maison », me confie Jane, épanouie, dans les locaux d'Universal, vue sur le Panthéon. Père, mère et soeur chantent l'opéra. Comprennent ses possibilités. Devancent son désir. L'envoient à la Manhattan School Of Music. Lui permettent de tourner dans les salles à seize ans. Jane ne pense que chant. N'a jamais envisagé de s'engager dans autre chose. La seule angoisse qui émane du personnage semble être la fébrilité de me donner des réponses correctes. Sinon, contente d'être heureuse. Jane est douée, genre “tombée dans la marmite quand elle était petite”. On l'aura compris. La fille de l'Est (Oakland, New-York, 1977) clame une déférence sans bornes pour Sarah Vaughan. A passer en revue les titres de “Home”, elle est loin d'en partager les possibilités. Quand elle ne reprend pas le répertoire des comédies musicales, Jane Monheit compose les paroles des morceaux (« mes préférées? Les chansons d'amour »). Jane a confiance dans l'accueil qu'aura "Home".

Son deuxième disque est resté N°1 au Billboard américain pendant plusieurs mois. Les suivants? Succès non démentis. Dont une nomination aux Grammies Awards en 2003. Le groupe de longue date l'accompagne sur Home : Michael Kanan (piano), Neal Miner (basse), et l'époux Rick Montalbano (batterie). Des invités huppés les rejoignent, comme le guitariste John Pizzarelli, et l'organiste Larry Goldings, deux références, « rencontrés au cours de la carrière ». On peut sans risquer des jets de fruits mûrs avancer que la plupart des morceaux fonctionne. Le premier, Shine on your shoes, annonce la couleur. Pureté des ballades. Superbe This is Always. Très bonne artiste. Un disque sans fausse note. On attendra néanmoins le chef d'oeuvre.

Bruno Pfeiffer

YOUN And THE NIGHT AND THE MUSIC

ACT/ harmonia mundi

Sortie le 23 septembre

Je n’aime pas beaucoup les chanteuses…actuelles et le formatage que prend le jazz vocal, d’autant que cette musique a eu de formidables Ladies, avec pour chacune, un grain particulier, une fêlure. Les « voix » se font rares, non pas seulement les belles et grandes voix (genre lyrique), j’entends les voix qui ont quelque chose à dire, ou à transmettre, qui déclenchent un sentiment profond de trouble, d’émotion, qui vous font tout interrompre pour …écouter. Cette vulnérabilité, on ne la trouve plus chez les chanteuses en promo à la télé.

Youn Sun Nah est une personne rare. Elle nous avait bouleversée dans son « autoportrait» So I Am, sorti en 2004, toute étonnée d’être accueillie avec enthousiasme à notre époque d’ « archipélisation ». Mais c’est que sa musique voyage dans notre monde parcellisé . Quand elle chante « Kangwondo Arirang », un traditionnel coréen, elle donne une éclatante démonstration de ce que peut être le folklore universel.

Dans ce nouvel album qu’elle signe encore sur le label allemand Act, après le précédent « Voyage », elle garde le guitariste suédois Ulf Wakenius, avec qui elle tourna en duo pendant deux ans, compagnon généreux qui entoure d’un écrin de choix, cette voix exceptionnelle, mais aussi le violoncelliste et contrebassiste Lars Danielsson et le percussionniste Xavier Desandre Navarre. Elle a trouvé avec ces compagnons une entente plus que « cordiale », une osmose véritable.

Elle chante toujours, entre souffle et cri, ne ménageant pas les écarts, avec une très grande rigueur, jouant du silence, avec ces fausses suspensions précédant de rauques déchaînements (nouvelle version de « Pancake »). C’est dans ces envolées que sa timidité manifeste s'envole : sa force est sa fragilité même. Sa gestuelle la fait ressembler à une instrumentiste, quand elle s’accompagne d’une trompette imaginaire. C’est qu’elle est, avant tout, musicienne et elle restitue en toute logique (d’instrumentiste), la force de ces "petites" mélodies, ces chansons qui finissent par constituer un répertoire. 

Justement, on pourra lui reprocher de balayer large, mais qu‘elle scate à sa façon dans l’étonnant Breakfast in Baghdad, qu’elle chante le blues fièvreux Moondog de Terry Cox, ou le folk du regretté Terry Cox My name is Carnival, qu’elle reprenne du rock, de la pop ou du jazz, qu’elle transforme en tango avec le violoncelle de Lars Danielsson le « Song of no regrets » de Sergio Mendes (chanté par Lani Hall à l’origine ), Youn SUN NAH peut tout faire.

L’émotion est réelle dès le premier titre My favorite things, cette bluette de Rodgers & Hammerstein II, que Coltrane transcenda. Interprétée avec une seule sanza, achetée dans un magasin de musique parisien, ces paroles insignifiantes prennent soudain un sens autre. Voilà un standard revisité de la plus belle des façons, et nous reprenons espoir quant à l’évolution du jazz vocal.

Le titre de l’album SAME GIRL vient d’une chanson de Randy Newman, grande figure de la musique populaire américaine : elle s’approprie cette composition avec une mélancolie respectueuse, réveillant en nous une pointe de nostalgie, puisque nous croyons y reconnaître quelques inflexions de la Barbra Streisand des années soixante-dix.

En français, Youn Sun Nah est tout simplement juste, avec une diction impeccable, fidèle au souvenir de Romy Schneider, si lumineuse dans « La chanson d’Hélène », écrite pour elle par Jean Loup Dabadie, pour le film de Claude Sautet «Les choses de la vie ». C’était un choix délicat, car le souvenir de Romy est fort : elle était d’une sincérité désarmante, montrant un visage sans fard . Sans calcul. Et justement l’émotion n’est jamais feinte quand Youn Sun Nah chante.

Sophie Chambon

Bee Jazz 2010

Eve Risser (p, fl), Vincent Laffont (kybd, p), Antonin Ti-Hoang (as, cl, clb, p), Mathieu Metzger (as, ss, trombophone), rémi Dumoulin (ts, cl, clb), Joce Mienniel (fl, flb, elc), Guillaume Poncelet (tp, fch), Pierre Perchaud (g), Sylvain dabiel (elecb), Yoann serra (dm)

Immense ONJ ! Cela devient désormais une évidence lumineuse : si nous avions un peu boudé les débuts tâtonnants de l’ONJ dans sa nouvelle formule, c’est tout simplement qu’il lui manquait quelque chose d’essentiel : un album de référence, un répertoire original. C’est exactement ce que Daniel  Yvinec nous propose ici. Et quel répertoire ! Et quels musiciens ! Et quelle intelligence dans les compositions et les arrangements !

Il faut dire, et là est toute la force du travail de direction artistique d’Yvinec qui prend ici tout son sens, que l’orchestre après s’être inspiré de Wyatt, de Billie Holiday ou de Carmen s’appuie enfin sur son propre matériel, un répertoire conçu tout spécialement pour lui par John Hollenbeck le génial batteur américain (Claudia quintet), chef d’orchestre ( John Hollenbeck large ensemble) et grand compositeur.

La rencontre entre les deux hommes est fondamentale et prend racine dans la diffusion par une radio américaine du travail de l’ONJ sur Robert Wyatt. Musique entendue de l’autre côté de l’Atlantique par le compositeur, immédiatement séduit et tenté par l’aventure d’un travail en commun avec cet Orchestre National de Jazz français dans le cadre d’un candidature pour une bourse dédiée à un programme d’échange franco-américain autour du jazz.

La force de l’album va venir avant toute chose d’une compréhension très intime d’Hollenbeck de la personnalité de chacun des  membres de ce tentet auquel il dédie chacun des 11 titres à raison de 1 par musicien + 1 pour le groupe dans son ensemble. Avec 10 personnalités musicales aussi fortes que celles qu’affirment désormais ces jeunes musiciens le projet aurait pu se montrer kaléidoscopique s’il n’avait mit au contraire en exergue la formidable complémentarité complicité qui, projet après projet, scène après scène, existe désormais dans cette jeune formation. Hollenbeck leur donne le moyen d’exister avec autant de force individuelle (tous les solistes sont absolument magnifiques) qu’au service du jeu collectif et d’une pâte orchestrale qu’ils parviennent grâce à une direction d’orchestre réglée avec un soin d’orfèvre à faire vivre avec passion.

La base de ce travail d’écriture fut pour Hollenbeck le projet qu’Yvinec souhaitait dédier à la danse et au rythme. L’approche qu’il en fait est remarquable par sa subtilité et son intelligence. Evitant les pièges du bon vieux swing qui groove ( ce qui n’aurait pas été très passionnant) Hollenbeck invoque le rythme par touches, par rappels. Comme il le dit lui-même, en créant le lien « entre le mouvement et l’émouvant ».

Le compositeur parvient alors à marier un espace musical très vaste, une musique aérée à un discours dense dont les grilles de lecture ne cessent de varier. Où un tiroir se ferme pour laisser un autre s’ouvrir. Le rythme s’installe ou se devine, joue un jeu d’ombres toujours passionant. Rythme primaire,binaire, ternaire ou quarternaire que sais-je ! La pulse s’installe toujours, omniprésente mais jamais lourde. Elle est électro ou jazz-fusion avec Pierre Perchaud ou Africaine et tribale avec Joce Mienniel. Elle se propage par une simple balle de ping pong sur les cordes du piano préparé de Eve Risser dont on connaît la percussivité du jeu ( formidable et ténébreuse sur Shaking peace). Elle transpose le rythme primaire de « claves africaines »  ( joué sur des tubes en PVC) dans un hommage collectif à Bob Brookemeyer. C’est aussi la danse comme dans ce Praya Dance aux tourneries d’un chamanisme moderne.

Mais l’approche de Hollenbeck est subtile. Pour que la force du rythme apparaisse, il faut qu’elle disparaisse aussi. D’où cette lecture jamais linéaire. D’où ces passages transitionnels où l’orchestre semble s’appesantir, se muer lentement dans un entre-deux avant de renaître au morceau suivant mettant alors en évidence la pulse dans toute sa force tellurique. C’est ainsi que prend tout son sens le phrasé incandescent d’Antonin Tri-Hoang ( sur Melissa Dance) ou lyrique de Mathieu Metzger ( sur Bob Walk) tous les deux formidables. Il n’est que d’entendre ce Falling Dance et de prêter attention à la progression harmonique et rythmique menée par Guillaume Poncelet, brillantissime. Écriture et orchestration superbe, morceau à lecture multiple et à la géométrie variable. Moment fort où le soliste et l’orchestre font corps, solidaires et unis. Et cette simple cohésion suffit à l'émotion, ainsi que le souhaitait Hollenbeck lui même.

Et toujours l’orchestre dans son ensemble qui vit et se meut sous la houlette du jeune batteur Yoann Serra exceptionnel , exemplaire et littéralement explosé jusqu’à ce bouquet final à lui dédié et qui laisse ses dernières notes comme les empreintes fortes qui s’effacent doucement après la tempête. La musique alors transcende.

Définitivement emballant on a le sentiment de voir éclore enfin ce jeune orchestre si prometteur avec un album qui fera date dans l’histoire de l’ONJ.  On le passe et le repasse sans lassitude. Car on a la cerittude  d'avoir assisté à un moment de pure création. Un orchestre, un grand orchestre naît ici . Il prend la dimension des très grands, du calibre des Maria Schneider, des Mathias Ruegg et des….. Hollenbeck.

Jean-marc Gelin