RAY CHARLES
BD Blues
(2Cd + 1 bande dessinée)
BDBlues est une collection  des Editions BDMusic

Sortie le 23 septembre 2010

« Quand j’étais gosse, il y a trois choses que je n’ai jamais voulu avoir : un chien, une canne et une guitare.» (Le blues dans la peau)
Ray Charles ? Aussi connu sous le nom de  THE Genius….
Une volonté  farouche de s’en sortir en dépit de tous les obstacles, un talent incroyable, voilà les traits marquants de la personnalité de Ray Charles Robinson, qui abrégea son nom pour ne pas laisser s’installer de confusion  avec le grand boxeur Ray «Sugar» Robinson.
Des années cinquante jusqu’à sa disparition en juin 2004, Ray Charles aura été le plus grand chanteur noir, le plus populaire aussi, au répertoire alliant blues, R&B, gospel, soul, mais aussi country, pop, et traditionnel (« My Bonnie » ou « Swanee river »). On peut tout aimer de Ray Charles mais c’est souvent dans le blues « poisseux» qu’il est irrésistible comme dans cet émouvant «A fool for you ».
A ses débuts, Ray Charles est totalement sous influence, captivé par le charme du chanteur Charles Brown, de Louis Jordan et fou de son idole le pianiste-chanteur Nat King Cole. Il connaît ses premiers succès dès 1954 avec le terrible « I got a woman » et un an plus tard, avec « Hallelujah, I love her so », c’est le public blanc qui l’adopte à jamais.
Surfant sur la vague du rock & roll naissant, il eut la grande intuition de mêler blues et gospel, en remplaçant les discours enflammés des «preachers» dont il conservait le ton, par des paroles profanes, très orientées sexuellement, qui pouvaient entraîner l’hystérie et la transe…d’un public tout acquis.
L’étendue exceptionnelle de ses  possibilités vocales lui permettait de passer d’un style à l’autre sans hiatus, de chanter le blues comme Billie (en moins tragique cependant, comme dans l’arrangement sweet de « Am I blue ? » de Ralph Burns en 1959, avec Bob Brookmeyer et un tapis de cordes), ou de « crooner » à la Frankie Sinatra dans « When your lover has gone ». Il alterne voix douce et sensuelle « Dont’ let the sun catch your crying » ou rauque, sachant tenir son public en haleine, retenant le tempo en un suspense quasi orgasmique… « The right time »
Il fut un musicien et un showman incomparables avec un grand orchestre qui assurait magnifiquement derrière lui, au piano : Marcus Belgrave, Joe Hunt, Phil Guilbeau (tp), David Newman, Hank Crawford, Don Wilkerson, Leroy Cooper (anches) et le chœur féminin des Raelettes ( entre autre Margie Hendrix et Mary Ann Fisher), une invention géniale qui inspira  avec plus ou moins de bonheur, certain chanteur de ce côté de l’Atlantique !

La collection BD music de Bruno Théol, qui embrasse jazz, ciné, chansons et ici le blues, sort un nouveau « long box » des plus réussis dont la sélection reprend judicieusement, non pas les titres internationalement connus, mais des choses plus rares, à découvrir en tous les cas.
Vous ne trouverez donc  pas les immortels “Georgia”, “Hit the road Jack”, ou “I can’t stop loving you”. Mais Christian Bonnet  et Claude Carrière proposent une anthologie des enregistrements studio du chanteur de 1953 à 1959, sans les faces instrumentales, pour le premier Cd. Ce sont les années Atlantic sous la direction éclairée d’Ahmet Ertegun, qui imposa le Rhythm & Blues dès 1953 ; le deuxième Cd consacre des  enregistrements «live» de 1958 à 1961 avec de superbes morceaux instrumentaux incluant Ray Charles à l’alto, en plus du piano et du chant. Pour l’accompagner figurent des pointures, la tromboniste Melba Liston, les batteurs Charli Persip, Mongo Santamaria , le souffleur Frank Wess (fl) et une autre des idoles de Ray Charles, l’inoubliable Paul Gonsalvez, ténor dans l’orchestre de Duke Ellington.

Pour la partie BD, scénario et illustration sont l’œuvre de José Correa qui avait déjà illustré Léo Ferré dans la collection BD Chanson. Ce dessinateur d’origine portugaise, qui aime les aquarelles, a su capter l’univers de Ray Charles : harmonies subtiles de couleurs étendues en  larges aplats, une palette de teintes vives qui se répartissent en joyeux accords complémentaires. Les portraits très vifs, faisceaux de lignes rapides, immédiatement reconnaissables ont souvent un bleu lumineux : les expressions sont très justes captant Ray au piano, large sourire, gorge déployée et totalement renversé, avec ses lunettes noires indissociables de son look si particulier. Les textes toujours pertinents renseignent sur les moments (décisifs) de la carrière du chanteur qui suivent l’histoire de l’émancipation (très progressive) des noirs américains depuis les années soixante.
La vie de Ray Charles est vraiment un roman, elle a  d’ailleurs inspiré le metteur en scène Taylor Hackford, pour son film RAY, sorti peu de temps après la mort du chanteur, dans lequel Jamie Foxx a réussi à se glisser mimétiquement  dans la peau du « genius ».

Sophie Chambon

Anne Paceo Triphase: « Empreintes »

Laborie Record/Abeille - 2010

Leonardo Montana (p), Joan Eche-Puig(cb), Anne Pacéo (dr, voc)

Empreintes est le dernier né du trio osmotique Triphase. Soyons direct: c'est de la très bonne musique avec de bonnes vibrations mais, après écoutes, on attendait mieux ou plus de Triphase.

Anne Pacéo est une jeune musicienne en vogue (elle compte plus de 25 collaboration en sidewoman au jour d'aujourd'hui), depuis ses résidences à feu la Fontaine à Paris qui l'ont fait connaître. Triphase est son projet musical principal, en tout cas le plus connu et le plus éclairé. Son premier album, au titre éponyme, a fait vibrer les âmes par sa poésie et sa fraicheur. La collaboration Pacéo / Montana / Eche-Puig est éminemment riche – particulièrement en concert - car ces trois jeunes musiciens forment un véritable groupe cohésif, construisent et qui jouent ensemble régulièrement. Cela a son importance car la musique s'en ressent fortement: le trio est soudé et chacun se fait force de proposition, avec ses atouts. A tel point qu'il a sa propre identité.

Leonardo Montana et Anne Pacéo composent les pièces de cet album; Montana distille la tension et l'émotion dans le trio, Eche-Puig est le synapse transmetteur des messages piano/batterie et Pacéo produit de l'espace dans la musique et la colorie de ses vocalises. Ensemble, les trois musiciens s'écoutent et chacun apporte de soi et du plaisir aux autres. Au final, il y a bien quelque chose d'unique. Un scintillement indéfinissable que seuls l'âme et le cœur de l'auditeur parviennent à recueillir l'énergie et la beauté.

Les maitres-mots qui pouvaient servir à définir le trio étaient « retenue », « contrastes » et « poésie ». Dans Empreintes, tout cela est dilué, un peu perdu dans un formatage ambiant (européen?) du trio piano/contrebasse/batterie, comme il doit être selon une certaine mode guidée par l'esthétique de groupes phare comme E.S.T. - inévitablement - et autres power trios. Triphase perd ici un peu de son originalité et s'engage dans des envolées quelques fois brouillonnes. La diversité de ses inspirations s'est atténuée alors que les compositions sont protéiformes et semblent suivre une recette toute européenne (les progressions crescendos, qui tendent vers une densité grandissante pour finir sur un apaisement immédiat, influencent le procédé d'écriture de beaucoup de « trios piano » européens.) Triphase prend un peu trop la mesure des E.S.T., Yaron Hermann ou Neil Cowley.

Cela n'enlève rien au talent individuel des musiciens de Triphase où chacun garde son authenticité, c'est l'ensemble qui est trop bien « réglé ». Pour résumer: la musique est bonne, de haut niveau, mais l'identité du trio s'est éteint pour tendre vers une vibration devenu prévisible.

Jérôme Gransac

Site de Anne Pacéo

Myspace de Anne Pacéo

1979

Scénario Georges Perec d’après Jim Thompson

Voilà qu’Alain Corneau a rejoint au Paradis des cinéphiles ses acteurs Marie Trintignant (toute jeune et déjà impressionnante pour son premier film) et le fougueux Patrick Dewaere.

 La Série Noire continue .

C’est peut-être le meilleur film de ce metteur en scène, amoureux du jazz, qu’il avait appris à connaître dans sa jeunesse, après guerre, à Orléans, autour de la base américaine.

Pour nous, le meilleur hommage à la mémoire de ce cinéaste et de ses tragiques interprètes. Série Noire (1979) d’après le  polar de Jim Thompson (Auteur de la collection illustre de la Série noire et du « 1275 âmes » qui devait inspirer à Bertrand Tavernier son mémorable Coup de torchon), raconte une histoire tout à fait déprimante, véritable cauchemar poisseux et funeste : jamais Dewaere n’a autant payé de sa personne pour interpréter Frank Poupart, ce «loser» d’anthologie, terrible et dérisoire, extravagant, violent et imprévisible. La scène où il se précipite tête première contre la voiture est gravée à jamais dans les mémoires. Alain Corneau avouait que «Contrairement à l’impression qu’il donne à l’écran, tout ce que Patrick a fait sur Série Noire était pensé, travaillé. » 

 Et Myrian Boyer, qui faisait aussi partie de la distribution, d’ajouter à quel point le tournage fut plaisant, avec Alain Corneau toujours de bonne humeur et Patrick Dewaere séduisant et facétieux.

Enfin, dans cette sombre histoire, revisitée à merveille par le grand Georges Perec, la ritournelle qui reste comme un fredon lancinant est une rumba, «Moonlight fiesta» de Juan Tizol, le Cubain de l’orchestre de Duke Ellington, compositeur et arrangeur, tromboniste, auteur de tubes  «Caravan», «Conga brava» et aussi «Perdido».

lVideo INA Georges Perec et Alain Corneau

Sophie Chambon

Gemini Recors 2010

Pierre Perchaud (g), Pierre de Bethmann (p), Nicolas Moreaux (cb), Antoine Paganotti (dm), Lynn Cassiers (vc, elec), Hervé Wazlczak (vl), Axel Salmona (vlcelle).

  Pierre Perchaud est véritablement un musicien particulièrement en vue ces derniers temps. Ce jeune guitariste est en effet un des membres important de ce nouvel Orchestre National de Jazz qui vient de signer un disque magnifique sous la houlette de John Hollenbeck. Il vient aussi de contribuer au dernier album de Charlier et Sourisse à sortir dans les tous prochains jours. Et il nous arrive aujourd’hui avec ce deuxième « premier » album qui, pour un début n’en marque pas moins un coup de maître étonnant de maturité. Car à 28 ans Pierre Perchaud a déjà tout d’un très grand, un discours musical passionnant mais aussi des idées à foisons et des univers aussi riches que variés. Bien sûr on entend chez lui la prégnance de Metheny et de Rosenwinkell. Mais le travail effectué sur Robert Wyatt au sein de l’ONJ a aussi laissé des traces dans le patrimoine musical du guitariste.

Gros travail d’écriture et gros travail de « façonnage » artistique dans cet album à multiples lectures marqué par une immense douceur, immédiatement séduisante. U premier titre comme un numéro de charme évident, jamais racoleur, met admirablement en scène les protagonistes. Pierre Perchaud s’appuie ainsi sur le groove lunaire de Pierre de Bethmann dont la complémentarité avec le guitariste est d’une totale évidence. Et Antoine Paganotti au drive toujours aussi subtil que d’une intelligente nervosité fait en compagnie de Nicolas Moreaux un liant efficace entre les deux teneurs d’harmonies. Avec Perchaud, le discours est fluide, le phrasé souple, agile et sensuel s’impose dans une apparente économie, une simplicité remarquable. Plus proche de sa génération, Jonathan Kriesberg, le guitariste américain a cela aussi. Cette importance de la note, sa densité dans le jeu de l’anti-performance. Et dès le premier titre, on groove tout doux. Velours uni, épais et soyeux. On y est bien. Dans un jeu de rôle subtil, Perchaud et De Bethmann échangent les cartes, passant alternativement de l’électrique à l’acoustique, distribuant ainsi les couleurs harmoniques au gré des titres. La chanteuse juvenile et un peu diaphane, Lynn Cassiers pose sa voix sur trois morceaux. La fausse candeur de la chanteuse, aux airs de Joni Mitchell « au collège » marche sur « Till there was you » mais se dégonfle et plombe un peu le décor et l’énergie sur deux autres morceaux dont elle signe les paroles ( « Illusion » et « Vision »). Un très Methenien « Par quatre Chemins » affirme en revanche la cohésion du groupe auquel, sur deux titres, Pierre Perchaud aujoute d’autres cordes symbiotiques.

Il y a dans cet album, un vrai savoir faire. La marque d’un jeune musicien bourré d’idées. Un compositeur doublé d’un arrangeur de grande qualité. Sans se départir d’une ligne épurée et douce, Pierre Perchaud frôle l’émotion, vibre avec une infinie délicatesse. Il y a là une vraie exigence musicale dans la création de son propre univers et dans le même temps une réelle (apparente) simplicité dans le « dire » qui révèle à la fois un musicien et un groupe réellement séduisants. Immédiatement séduisants. Une réussite.

Jean-Marc Gelin

Quark Records 2010

Daniel Erdmann (ts), Franck Möbus (g), Johannes Fink (cb), John Schröder (dm)

A 33 ans le saxophoniste allemand a depuis longtemps dépassé le stade de révélation pour accéder à celui de valeur sûre de la scène européenne au point de s’imposer comme l’un des leader du sax ténor sur le vieux continent. Chacune de ses apparitions (beaucoup trop rares en France) est marquée par la formidable énergie qui se dégage de lui.  Multipliant son temps sur les scènes Franco-Allemande, multipliant aussi les rencontres  ( on a encore en tête le superbe duo avec Francis Le Bras paru chez Vent d’Est ou encore ses travaux avec Hasse Poulsen), Daniel Erdmann marque les esprits par l’inventivité et la force de son discours.

Le quartet qu’il a constitué en 1999 (il s’appelait alors Erdmann 2000)  avec Franck Möbus, Johannes Fink et John Schröder, trois autres personnalités de l’étonnante scène du jazz Berlinois, porte lui aussi la marque de cette incandescence fusionnelle. Après trois albums en studio, le quartet signe ici un live enregistré en septembre 2008 au A-Trane un club de jazz de la capitale berlinoise.

Dans leur espace naturel, les quatre se livrent ici à un échange qui fonctionne d’autant mieux qu’ils se connaissent sur le bout de leurs instruments.  Espaces d’improvisation brute, sauvage et rauque alternant avec des passages plus écrits, plus cadrés relevant des formules harmoniques ou mélodiques qu’ils aiment semer en route. Leur musique prend au free autant qu’à celle plus policée des jeunes musiciens New Yorkais pour s’émanciper de tout format préconçu. Forte dans son expressivité, cette musique-là est dense, palpable et légère aussi. Erdmann avec ses phrases découpées, hachurées tourne et s’enroule sans démonstrativité. L’interaction avec Franck Möbus est totale. L’entente parfaite.

Il suffit d’entendre comment sur Human Right, le quartet qui, après les impros revient naturellement au thème avec une cohésion quasi-télépathique.

Une belle captation « live » qui donne assurément envie d’entendre cette formation en France ou encore de franchir le Rhin à la découverte de cette foisonnante et inventive scène Berlinoise.

Jean-Marc Gelin