JASON MORAN :   « Ten»

Blue Note 2010

Jason Moran (p), Tarus Mateen (b), Nasheet Waits (dm)

Le nouvel album de Jason Moran est certainement celui de la maturité. Après 4 années sans album sous son nom, Moran signe là celui de l’accomplissement où le trio, l’un des plus inventif du moment parvient à sortir de ses automatismes pour se nourrir à toutes les influences. C’est que "Ten" yest en grande partie nourri de compositions écrites par le pianiste pour d’autres circonstances, que ce soit pour le cinéma (RFK in the land of Apartheid) ou pour le festival de Monterrey (Fedback Pt 2).

Pourtant dès l’ouverture, sur Blue Blocks dont le titre évoque le goût affirmé de Moran pour l’art contemporain, on craint d’assister non pas à des mises en peinture ( s’agissant d’un amoureux des arts plastiques comme Moran)  mais plutôt à des clichés, ceux qui portent l’empreinte photographique du «destructuralisme » de Jason Moran. On a peur  pour le clavier dont on se dit qu’il ne tiendra pas la distance  après cette ouverture un peu tapageuse. Et pourtant très vite on se rend à l’évidence, le pianiste qui a intégré à des formations comme celles de Paul Motian ( le plus bel album de l’année –) ou de Charles Lloyd a de toute évidence grandi. De quoi donner à son trio une « épaisseur », une densité nouvelle que nous ne lui connaissions pas et qui va bien au-delà de son Bandwagon et de son goût pour les mauvaises manières de bad boys. Pas assagi pour autant le trio, juste plus grand. Après dix années passées ensemble ( Gangsterism over 10° years est un des titres de l’album), le Bandwagon est juste un peu plus sage.

Certes ils ont toujours leurs allures de mauvais garçons un tantinet dandy. Celles que l’on leur connaissait dans les précédents albums (« Modernistic » en 2002, « Same mother » en 2005). Celle d’un trio qui rend fou de rage les vieux grigous du jazz amateur des langages un peu codifiés ( T’es Peterson ou t’es Monk ?) et qui comme tout un chacun cherchent à se raccrocher à des structures mélodiques, harmoniques ou rythmiques qui devraient obéir à un ordre logique. Mais pour cet amoureux de Basquiat ou de Raushenberg, amoureux de modernisme justement, la musique ne peut se concevoir dans cette approche-là.

Pas de ligne fixe ou droite.

Chez Jason Moran toujours ces manies de détrousseurs, démolisseurs d’harmonies et de toutes rigidités. Ses bandilleros attendent parfois, tapis dans l’ombre  (Study) et laissent passer la caravane avant de finalement lancer une charge héroïque contre les structures rythmiques qui s’accélèrent et partent dans tous les sens dans une mémorable empoignade (Big stuff).  Sur To Bob Vatel of Paris c’est sur des terres plus anciennes, celles du ragtime que la bande de mauvais gars part à l’attaque avec une insolence toute Monkienne. Formidable bouffée d’air frais, déjantée et respectueuse à la fois. Car Moran est amoureux de Monk, mais à sa façon. Amoureux de l’esprit musical de Monk. Il n’est que d’entendre  ce Crepuscule with Nellie totalement réapproprié sans la moindre gêne par le trio et qui ne délivre sa paternité qu’en fin de morceau après que Nasheet Waits s’en soit délicatement emparé. Ou encore ce Thelonious qui conclut l’album pour le coup de manière très "tradi."  Avec Jason Moran l’improvisation est un feu d’artifice, ue salve pyrotechnique, une explosion de couleurs !

Jason Moran c’est la continuation de Monk par d’autres moyens.

Son Bandwagon  affiche une insolence joyeuse derrière laquelle c’est tout l’amour des détraqués du piano qui s’affiche. Une passion du jeu, de l’ « amusement sérieux » si l’on peut dire, du pied de nez et de toutes les facéties ( écouter le faux morceau caché sur Old Babies où l’on semble entrer dans une gare de western avec des filles légères en crinolines qui sourient et lancent la jambe pour fêter le départ des bandits)

Mais la maturité de ce Bandwagon qui nous émoustille depuis plus de dix ans, se retrouve aussi dans une forme de classicisme contemporain ( donc de « non modernisme ») auxquels ils aspirent aussi. Subtle One par exemple, morceau écrit par Conlon Nancarow est, à ce titre un moment de grave profondeur, superbe fusion d’un trio justement fort subtil, impressionniste, se jouant des espaces entre les lignes, dessinant librement aux quatre coins du cadre. On pense inévitablement à l’empreinte laissée par Motian.

Tout au long de l’album Taurus Mateen et Nasheet Waits sont comme cul et chemises, se volant la vedette à tour de rôle, prenant parfois la tangente ( comme si Moran ne cherchait jamais à les enfermer). C’est un trio exceptionnel qui se met en œuvre. Jamais prévisible, toujours en alerte permanente. Et ce que fait ce trio avec autant de liberté que de rigueur est formidable d’énergie. Il porte en tous cas la marque des très grands trios du jazz. L'avenir du jazz incarné.

Jean-marc Gelin

Biographie

Le jeune pianiste Texan, 35 ans ( né en 1975 à Houston – Texas) est tombé dans les cordes de son piano dès l’âge de 6 ans. Peut être lui arrivait –t-il à l’oreille, dans la cité spatiale, quelques notes de son aîné le pianiste Horace Tapscott (lvoir DNJ Horace Tascott Te dark tree), pianiste maudit s’il en est, originaire lui aussi de la ville du Texas et grand amoureux comme son jeune suiveur de l’œuvre de Cecil Taylor et de Andrew Hill. Ce qui est sûr en revanche c’est que le jeune Jason a fait ses premières  armes avec son professeur Jaki Byard, référence dans les influences marquantes de Jason Moran. Mettons donc ensemble Horace Tapscott, Cecil Taylor, Andrew Hill et Jacki Byard, mélangeons le tout et vous obtiendrons avec Jason Moran, un pianiste qui suit le sillon que ne cesse de parcourir depuis un demi-siècle ces génies du piano tous marqués par l’empreinte tutélaire de Thelonious Monk.

C’est en 1997 que, repéré par le saxophoniste Greg Osby, Jason Moran plonge dans le grand bain en suivant le saxophoniste pour une tournée européenne. Expérience réussie au point que Osby l’intère à son album paru la même année. Il apparaît ensuite dans pluseurs albums d' Osby et se fait donc remarquer par Blue Note.

En 1999, le premier enregistrement de Jason Moran en tant que leader, « Soundtrack to Human motion » a d’emblée été encensé par la critique. C’est l’année suivante que le Bandwagon signe son atce de naissance avec « Facing Left ». Trio qui allait se muer en quartet éphémère l temps d'accueillir Sam Rivers pour un remarqué « Black Stars » très avant gardiste.

Installé à New York le trio signe ensuite plusieurs albums dont  "Modernistic" en 2002 et "Same Mother" en 2005. En 2003, Jason Moran décidemment chouchou de la presse se voit honoré d’une reconnaissance par Downbeat dans trois catégories des révélations : meilleure révélation de l’année, meilleur pianiste et meilleur compositeur.

En 2007 le travail autour de Monk de Jason Moran s’exprime au travers une commande pour Monk at Town Hall : « In My Mind » qui a fait l’objet d’un documentaire filmé par Gary Hawkins.

Moran joue desormais avec les plus grands jazzmen américains, Wayne Shorter, Charles LLyod, Dave Holland, Cassandra Wilson, Steve Coleman, Joe Lovano, Paul Motian, Chris Potter et tant d'autres se l"arrachent….

Figure incontournable du jazz à New York, Jason Moran y vit, avec sa femme, la chanteuse lyrique Alicia Hall Moran  ( entendue sur plusieurs albums de son mari). Grand amateur et collectionneur d’art contemporain,  Jason Moran a souvent puisé son inspiration musicale dans les œuvres de Basquiat, de Egon Shiele ou de Raushenberg. Où il puise peut-être son sens de la construction, de la déstructuration et son sens de la mosaïque musicale polychrome.

Photos : Patrick Audoux

Un critique disait l’autre jour que plus les musiciens de jazz prenaient de l’âge et plus leur jeu devenait dépouillé. Celui-là ne l’avait certainement pas entendu.

A 83 ans Martial Solal, qui nous avait pourtant assuré qu’il ne donnerait plus de concert, se trouvait ce soir là aux Arènes du Jazz avec une humeur des plus mutines, comme un affamé joyeux devant son clavier qu’il dévorait avec une appétence gourmande. Facétieux comme toujours, plus brillant que jamais Martial Solal semblait particulièrement heureux sur cette scène, s’amusant avec le public, dédiant même avec un brin d’humour un Here’s  that rainy Day aux pauvres spectateurs sur qui s’abattait justement une pluie torrentielle.

Dans cette histoire du jazz qu’il visitait avec une vraie révérence à ses maîtres ( Tatum était là hier soir, tout comme Earl Hines et Bud Powell qui fit un tour aussi - j’en suis sûr c’était eux qui étaient en coulisses), Martial Solal apportait la démonstration éclatante de la place qu’il occupe parmi eux. Un géant parmi les géants.

Le public trempé jusqu’aux os, restait là et la pluie pouvait bien nous tomber dessus , elle était joyeuse cette pluie là et de toutes façons nous ne la sentions même pas……

Jean-Marc Gelin

1985-2010 – Hat Hut

Article Paru le 20 septembre 2010.

M. Rüegg (dir, arr), L. Newton (voc), H. Kottek (tp,flh), H. Joos (tp, flh, alphorn), W. Pushnig (as, ss, fl), H. Sokal (ss, ts, fl), R. Schwaller (ts), C. Radovan (tb), J. Sass (tu), W. Schabata (mar, vib), U. Scherer (cla), H. Kaenzig (b), J. Dudli (dms, perc), W. Reisinger (dms, perc), E. Dorfinger (sound)

Vous n’êtes pas sans le savoir: le VAT, c’est fini. Le 10 juillet dernier, le suisse Matthias Rüegg, chef d’orchestre, compositeur et arrangeur du Vienna Art Orchestra, l’a annoncé laconiquement sous une forme nécrologique (« Game Over ») sur le site de l’orchestre. La raison invoquée est réelle et cruelle : faute de financement, après le désistement du principal sponsor et malgré les efforts de la Ville de Vienne, le couteux orchestre ne peut continuer l’aventure. La disparition de cette icône des big bang de jazz est évidemment une terrible perte pour la musique après trente-trois ans de brillants services. Cette édition d’A Notion In Perpetual Motionest la troisième depuis la première en 1985 sur le label suisse Hat Hut. A cette époque, le VAT a huit d’existence et est en passe de devenir une figure emblématique de la décennie : l’orchestre tourne beaucoup en Europe et dans le monde et on s’accorde à dire que cet orchestre détient toutes les clés de la modernité, tout en s’appuyant sur la tradition. Le succès est complet, la réussite véritable.

Modernité, parlons-en. C’est justement ce qui vient à l’esprit avec cette réédition : il n’y a pas l’ombre d’obsolescence dans cette musique qui explose et jaillit à tous les endroits, aux moments où l’on s’y attend le moins. La présence de Lauren Newton est des plus intéressantes et enrichissantes pour l’orchestre : la chanteuse partage sa voix avec l’orchestre et certains instruments, prend appui sur leur phrasés ou la rythmique pour improviser ou s’en détacher totalement dans des envolées et onomatopées Free (« Voices Without Words »). Elle sourit à la force vibratoire de l'orchestre et la stimule. Au Fender trafiqué ou pas, Uli Shererflirte, déjà, avec des rythmes et sonorités largement employées dans l’électro d’aujourd’hui (« Woodworms in the Roots »), dépasse les idiomes jazz-rock/fuion en les transcendant et swingue l’instant d’après. La place de choix revient au batteur et percussionniste Joris Dudliqui charpente aussi bien les rythmique d’un orchestre ellingtonien, basien ou qui s’envole vers le cosmos de l’Arkestra de Sun Ra (« Sight from South-Carinthia »). Sans oublierHerbert Joosau cor des Alpes sur “French Alphorn” qui montre la grande liberté que s’offrait l’orchestre. Cette orchestre, ce jour-là, prend la pleine dimension de son art et s'exalte complètement. Pour faire un parallèle audacieux avec un autre art qu'est la danse moderne, on peut s'amuser à « youtuber » (on dit bien googler...) et regarder la splendide performance de Trisha Brown, filmée par Babette Mangolte (Watermotor 1978) et écouter le VAT: l'effet est troublant car, avec un peu d'imagination, la musique semble adhérer à chaque partie du corps de la danseuse comme si les notes sortaient de chacun de ses mouvements.

Véritablement, on ne parvient pas à trouver la moindre trace d’ennui dans ces 77 minutes de musique et c’est là qu’on regrette vraiment la disparition de ce formidable Vienna Art Orchestra et de ne pas être le mécène qui le remettra en route..

Jerome Gransac

Article paru le 15 septembre 2010

Sortie 2010.

L'art du duo est souvent délicat : flattant l'intimisme à l'excès (c'est souvent le cas des duos de guitaristes) mais exposant aussi les duettistes à une prise de risques sans filet. Il faut croire pourtant qu'il existe, dans cet art de la conversation, une tradition bien française : des duos Martial Solal / Stéphane Grappelli (ou Didier Lockwood sur le même instrument) aux échanges entre Christian Escoudé et Jean-Charles Capon ou, beaucoup plus récemment, entre Gérard Curbillon et Alain Jean-Marie, que de merveilles ont été gravées sous ce format ! La rencontre entre Serge Merlaud, guitariste bien trop discret par rapport au talent qui est le sien, et le contrebassiste Jean-Pierre Rebillard s'inscrit dans ce filon. Le répertoire fait la part belle aux thèmes originaux tout en élargissant l'horizon avec éclectisme (Jobim, Tom Waits, et la reprise du standard Old Folks). La complicité est ici de tous les instants car ces deux musiciens sont des conteurs dans l'âme, des arpenteurs qui se préoccupent davantage de la juste luminosité de leur itinéraire que de ses vertigineux détours. L'accès à la lumière, à la fraîcheur, a toutefois, lui aussi, ses alchimies particulières : la sensualité des sonorités, le juste choix du tempo en premier lieu, en second lieu un discours d'une sobriété apparente chez Serge Merlaud, qui privilégie le développement mélodique à l'exclusion de toute joliesse, la diversité des attaques et des accents en préservant toujours l'inventivité avec cet art de la tangente, du vagabondage (pauses, clairières de l'instant) qui n'est jamais fait que pour réaffirmer la vigueur et la sève du cours principal. De tout cela, « Hands and Feet », « Ondulations », « La Seconde » ou « Nür » sont exemplaires. Enfin, le discours volontiers plus charpenté de Jean-Pierre Rebillard, sa sonorité boisée, finement modulée pour mieux épouser celui du guitariste, l'économie très sûre de sa pulsation renforcent et donnent toute son assise à la respiration interne de ce duo très élégamment ajusté. Ecoutez ce disque : il scintille de sa non-brillance, c'est devenu très, très rare.

Stéphane Carini.

Article paru le 15 septembre 2010

Thierry Elliez (voc, keyb),  Daniel Ouvrard (b), Philippe Elliez (dr)

Must Records 2010.

Je dois l'avouer, je n'ai jamais compris pourquoi un musicien du niveau de Thierry Elliez ne parvenait pas à mieux maîtriser le flux de son discours ni comment il ne se trouvait aucun mentor pour l'y aider. Après avoir joué avec certains des musiciens les plus représentatifs de la scène nationale (Didier Lockwood, Jean-Marc Jaffet, André Ceccarelli, Michel Legrand, etc.), voici que, laissé à lui-même, il se perd dans les pires tourneries pop-rock : espagnolades à la Corea, climats « gothic », riffs disco martelés-cloutés comme il y a trente ans. Des parties chantées (par le leader, on épargnera les paroles, dans son trip disco-funk, Herbie Hancock a  fait pire...) ou instrumentales dotées de choruses systématiquement saturés, on ne sait que sauver, outre un mixage qui sur-expose le claviériste et rend à peu près « introuvable » la contribution du bassite et cotonneuse celle du batteur, pas toujours à la hauteur des « beats » qu'appelle ce type de performance. A  mettre entre parenthèses dans la trajectoire d'un musicien doté d'un potentiel bien plus conséquent. 

Stéphane Carini.