Pour l’ouverture de ce beau festival en plein cœur de l’Eté parisien les organisateurs avaient choisi une affiche plus qu’alléchante avec cet all-star composé de John Abercrombie à la guitare, de Dave Liebman aux saxs soprano et ténor, Marc Copland au piano, Doug Weiss à la contrebasse et un Billy Hart étincelant à la batterie.

Un disque (Contact One) sorti cet année chez Pirouet Record  avait pourtant laissé certains auditeur un peu sur leur faim. Il est vrai que la personnalité musicale de ces cinq est bien spur largement affirmée mais pas forcément dans les mêmes approches esthétiques et ce quand bien même ces musiciens ont bien sûr tous eu l’occasion de jouer ensemble dans d’autres contextes.

Commençant ici leur tournée européenne de 15 jours en Europe ( il s’agissait de leur 2^ème concert hier soir), le quintet intriguait donc (sur le papier). Et pourtant c’est bien à partir de cette différence-là que les 5 hommes arrivaient à produire une musique d’une superbe sur des musiques totalement envoûtantes. Un début de concert totalement zen s’il en est avec ce soleil déclinant sur le ciel rose de Paris. John Arbercrombie pouvait bien rendre un hommage à Miles et à Sony Rollins, c’est plutôt à Wayne Shorter ou à Coltrane que l’on pensait. Le guitariste était d’ailleurs visiblement ravi de se retrouver là. Mais si dans l’ensemble le concert aurait pu rester dans une sorte de torpeur estivale c’était sans compter sur l’incroyable force de Dave Liebmann avec qui il se passe toujours quelque chose de formidablement intense. Le batteur Billy Hart aux  anges lui aussi trouvait d’ailleurs avec le saxophoniste une superbe complicité. On pensait par exemple aux duos Coltrane/Jones  tant cette association fonctionnait à merveille.

Au gré du concert, on a noté une superbe composition Lost Horizon ou encore une très beau like it never was de Drew Gress.

Une fort belle manière de poursuivre ici en plein cœur de Montmartre un beau moment de partage musical.

Article paru le 15 septembre 2010.

Edouard Ferlet (p,), Airelle Besson (tp), lexandra Grimal (saxes), Fabrice Moreau (dr, voc)

Melisse 2010.

Comme d'autres (c'est un débat de fond qu'il faudrait avoir), ce disque interroge, mieux « agace » (tel un liquide glacé une dent cariée) le jazz plus peut-être qu'il ne l'alimente. C'est en effet une lame de fond du marketing ambiant que de mettre en avant les paysagistes, les coloristes, les virtuoses du plus-que-lent, de soi-disant nouvelles formes du lyrisme et de l'expressivité. Qu'Edouard Ferlet, en des pièces assez sombres, qui tirent leur prenante étrangeté d'entrelacs de lignes et d'un art de la tension remarquablement maîtrisés, développe un univers original, que cet univers soit soit tout aussi remarquablement servi par une formation libérée de la pulsation régulière de la contrebasse, Airelle Besson et Alexandra Grimal s'épanouissant en des dynamiques où la pureté des sonorités n'exclut pas - mieux-même libère - la prégnance de l'émission (grincements, susurrations, altérations), nul ne penserait à en disconvenir. Le questionnement porte ici sur l'expressivité swingante de l'ensemble (qui n'est très probablement pas la préoccupation première), si l'on veut bien considérer que, de Ellington à Mingus, de Booker Little à Kenny Wheeler, de Shorter à....Shorter, le jazz - stricto sensu - n'a pas manqué de créateurs d'univers. Le paradoxe est alors - et c'est ce qui fait la fascination de cet album - qu'il doit une bonne part de sa réussite au drummer Fabrice Moreau, l'un des tout meilleurs de l'hexagone et qui, selon une voie qu'il a délibérément choisie, s'affirme ici (la prise de son étant au surplus irréprochable) comme un percussionniste-coloriste époustouflant. Toutefois, et en demeurant respectueux des options esthétiques retenues ici, quand on connaît la force et la souplesse du groove que Fabrice Moreau est capable d'impulser, on ne peut s'empêcher de penser qu'Edouard Ferlet se prive (pour le moment) de bien des trésors....

Stéphane Carini.

Article paru le 15 septembre 2010

Manu Katché (dr), Jason Rebello (p, fender rhodes), Pino Palladino (b), Tore Brunborg (ts, ss) + guests : Kami Lyle (voc, tp), Jacob Young (g) sur divers titres

ECM 2010.

Pour l'auteur de cette chronique, le dernier disque de Manu Katché soulève une question qui, pour n'être pas inédite, demeure intéressante : d'où, de quels souvenirs, écoute-t-on un musicien ? Jusqu'où est-on disposé à changer de rive avec lui ? J'eus naguère le privilège d'assister à un showcase à la Fnac où un tout jeune batteur, réinventant le groove d'un interland entre le jazz et les rytmes funk et rock accompagnait, de manière virtuose, radieuse, crépitante (il en brisa ses baguettes) le mythique tandem de guitaristes Eric Boell / Laurent Roubach, si ma mémoire est bonne. On connaît la suite (qui Manu Katché n'a pas accompagné ?). Pour n'être pas rétif aux univers nouveaux, « Third Round » me laisse toutefois perplexe : on comprend la volonté de créer des climats aussi « smoothy » puissent-ils être plutôt que de s''en remettre aux vieux schemas thème / choruses / retour au thème mais faut-il pour autant décliner des pièces sans charpente mélodique, souvent bien mièvres et qui, lorsqu'ils s'animent un tant soit peu, semblent formatés pour la pire bande FM (Shine and Blue) ? On comprend également la préoccupation d'imposer une signature sonore mais faut-il alors faire subir à l'auditeur cette référence obligée à ECM avec un saxophoniste qui fait du sous-Garbarek ou qui clône Kirk Walhum ? On comprend plus encore le souhait d'un positionnement comme «  band leader » mais, sous prétexte de se faire (piètre) coloriste, faut-il y sacrifier le spectre des qualités du batteur (Chic and Trendy alors que Keep On Trippin' ne suffit pas à sauver l'essentiel, on a même furieusement l'impression que Manu en garde sous le pied, un comble !). Un rapprochement dira à la fois l'estime dans lequel on tient le batteur et le doute dans lequel il nous plonge : après quasiment sept ans de loyaux et géniaux services, Tony Williams quitta Miles Davis : diriger, se différencier, composer, chanter...On sait ce qu'il advint de cette légitime ambition du batteur, certes moins soutenu que d'autres....Rapprochement empoisonné ? Peut-être aussi, modeste suggestion d'un (vrai) sujet de réflexion.   

Stéphane Carini.

Auto-produit

Article paru le 15 septembre 2010  

Sébastien Lovato (p, Fender Rhodes), Alexandra Grimal (ss, ts), Marc Buronfosse (cb), Karl Jannuska (dr)

Sortie de disque le 22 septembre au Sunset à Paris.

« Music Boox » est le deuxième album jazz du pianiste Sébastien Lovato. C’est lors d’une rencontre au Bar Belge à Maisons-Alfort (94) que ce pianiste discret m’a alors « confié » son album, avec une certaine humilité. Discret car il ne cherche pas à faire briller inutilement sa musique; discret car sa carrière est riche d’expériences méconnues (diverses collaborations à des projets latins, salsa, tango) qui méritent le détour (Dis bonjour à la dame, Yochko Seffer quartet).

Music Boox est inspirée d’œuvres littéraires écrites par des écrivains presque tous contemporains. D’où le titre : « Music Boox ». Les dix pièces de l’album sont de Sébastien Lovato, mise à part « I Shot the Sheriff » de Bob Marley.

Chaque page du livret illustre une composition par une couleur et quelques lignes extraites d'une œuvre en relation avec le titre de la pièce. Ainsi, « Davla » - deux versions sont sur le cd - a été inspirée par le livre éponyme de Jim Harrison, « Don Quichotte de la Mancha » de Cervantes tend la perche à « Là où la main de l'homme n'a jamais mis le pied » et « le pouvoir des chats » est un clin d’oeil à un passage tiré du « maître et la marguerite » de Mikhail Boulgakov (« le chat noir aux dimensions effrayantes, un petit verre de vodka dans une patte »)).

Il règne comme un mystère autour de cet album et sa musique. Tout est fait de frugalité: la couverture et le livret sont discrètement lumineux, la musique est en dehors de toute forme démonstrative, les compositions sont à la fois dans des registres volontairement classiques (swing bop dans le « A rebours » ; « Le pouvoir des chats ») ou résolument modernes (le syncopé « Beloved ») et les thèmes sont tout à fait éclectiques. On y côtoie des idiomes différents : ballades, groove léger, funk invisible mais présente, structures rythmiques aussi bien galvaudées que complexes, jazz parisien ou new-yorkais, latin jazz ; sans que la musique ne souffre d'hétérogénéité. Le fil conducteur est perceptible dans un au-delà avec lequel on parvient à rentrer en relation et réside peut être dans cette mystérieuse tempérance que l'on essaie avec obstination de percer. L'oreille du mélomane découvre en filigrane une musique élégante travaillée avec sagacité: « Beloved » est une petite perle et la fin de ce morceau nous fait comprendre pourquoi Lovato a fait appel à une équipe de maîtres d'œuvres-fines lames que sont Marc Buronfosse et Karl Jannuska qui savent donner à leur leader la musique qui lui correspond. C'est l'apparition de la saxophoniste Alexandra Grimal qui étonne. Dans ce contexte serein et élégant, la saxophoniste, qui ne joue pas sur toutes les pièces, emploie son langage rugueux, par endroits et par surprise, et des schémas parfois sophistiqués. Et si elle semble décolorer la musique lors de courts segments, elle assagit son discours la mesure suivante et se fond dans la musique de Lovato. Le trio ne se laisse pas intimider et lui répond œil pour œil, dent pour dent. Ce quartet n'est pas une illusion, une collaboration « one-shot » pour cet album. Le trio Grimal/Buronfosse/Jannuska a déjà éclusé quelques scènes, Lovato est voisin de Buronfosse et les deux jouent régulièrement ensemble. Depuis l'enregistrement de cet album l'année dernière, Jannuska est venu les rejoindre en concerts. « Music Boox » n’est pas un premier disque ni celui de la maturité pour Sébastien Lovato. Avant tout, c’est l'œuvre d'un pianiste délicat et d'un homme cultivé et inspiré et un album abouti.

Jérôme Gransac

Myspace

Site

Autoproduction  http/jazz.laurentepstein.com 

Laurent Epstein (p), Yoni Zelnik (cb), David Georgelet (dm), 2010

  Toutes  les  chanteuses  de  la  capitale,  toutes  celles  qui  ont  l’habitude de pratiquer les jam de       « Autour de Minuit », toutes les ex du regretté Studio Des Ilettes connaissent bien Laurent Epstein. Elles ont  toutes eu  l’occasion  de savourer son immense talent d’accompagnateur, cette abnégation et cette façon discrète qu’à le pianiste de servir la musique avec autant d’apparente simplicité que d’amour mutin de la musique. Et nous étions donc quelques uns à attendre avec impatience qu’il enregistre son premier disque et qu’il se lance enfin dans le grand bain de l’édition phonographique. D’autant que ses fidèles complices, ses compagnons d’armes des premières heures sont  rompus à l’exercice.  Yoni  Zelnik  que  l’on  ne présente plus est assurément l’un des contrebassistes les plus demandé de la scène parisienne et ne compte plus ses sessions en studio alors que le batteur David Georgelet a fait le buzz cette année avec deux albums sous deux noms différents (Frix et Akala Wubé).

Seulement  voilà,  Laurent  Epstein  partage  avec  les  grands musiciens cette élégante humilité qui l'a toujours fait rechigner à s’exposer, à se mettre sur le devant des scènes. Pas une coquetterie de star, non plutôt la modestie des vrais gentlemen. Et c’est avec cette humilité qu’aujourd’hui c’est tout juste s’il ne s’excuserait pas de venir nous présenter son nouveau-premier album. Et pour tous ceux qui le connaissent déjà, ce que nous découvrons ici ne fait que confirmer tout le talent que nous lui connaissions déjà. Celui d’un pianiste aussi sensible que délicat dans sa façon de tourner autour des harmonies, de  chalouper  le  swing  (La Madrague), de « bopper » gourmand (That’s all), d’aller dénicher les subtilités mélodiques (un Locomotive de Monk pas si atonal que ça), et de révéler tous les atours de thèmes faussement simples mais qui, sous ses doigts coulent toujours comme une belle évidence. En toute simplicité. Il faut dire et répéter que Laurent Epstein est accompagnateur dans l’âme. Accompagnateur des autres, des chanteurs et des chanteuses, accompagnateur de la musique dont il ne cherche qu’à mettre en évidence la beauté  des  lignes  mélodiques  (enfin  un pianiste qui aime la mélodie !). Mais aussi accompagnateur de lui-même dans cette façon si subtile et suprêmement élégante de servir la musique. En toute simplicité. Il y a chez lui cette façon de s’effacer  devant  la  phrase  musicale  et  de  la  laisser  vivre.  Comme s’il voulait disparaître devant la musique, ne pas en imprimer sa propre marque, juste la jouer avec cette grâce et cette légèreté qui est comme un défi aux lois de l’apesanteur. On ne peut s’empêcher de penser qu’il partage cette apparente modestie musicale avec un Alain Jean-Marie, lui aussi grand accompagnateur devant l’éternel.

Laurent  Epstein  choisi  avec  un  goût  exquis ses compositions, passe en revue quelques standards (mais pas forcément les plus fréquents), joue quelques unes de ses propres compositions (au demeurant superbes)  avec autant de détachement élégant  que de gourmandise mutine, s’amuse même avec une chanson comme La Madrague dont il met en exergue tous les trésors cachés. Sorte de petit clin d’œil pour dire que cela n’est jamais tout à fait sérieux. Jamais trop grave. C’est que, pour Laurent Epstein , tout est matière à faire chanter le swing pour peu qu’il s’arrête un peu sur son cas.

Sa  musique ne réinvente jamais le jazz. Pas de ça chez lui ! Phineas Newborn, Hampton Hawes, Hank Jones, Wynton Kelly et Bill Evans lui ont forcément soufflé deux ou trois trucs de pianistes. Et d’eux Epstein a gardé cette façon de jouer, de  swinguer,  de  balancer en toute simplicité. Aucune introspection sombre chez ce pianiste-là. A la limite du modal. Il suffit d’entendre le Lullaby of leaves qu’il joue en solo pour entendre chez Epstein l’anti-pianiste tourmenté et solitaire.

Ses  camarades  de  jeu,  indéfectibles  amis lui offrent comme en cadeau un écrin affectueux dans lequel il s’en va chercher ses pépites, celle qu’il offre avec l’œil attendri et amoureux de ceux pour qui l’amour est justement une offrande belle et joyeuse.

Et avec cette façon de donner vie et âme à son piano, on jurerait même que pour une fois, la vraie chanteuse, c’est lui.

Jean-Marc Gelin

Ps : pour les parisiens, n’hésitez pas à aller l’entendre au Sunside le 20 septembre