Indépendant – 2010

Rasul Siddik (tp), Adrien Varachaud (sop/ten), Tom McClung (pno), Wayne Dockery (cb), Douglas Sides (dms)

Enregistré lors d’un concert au Jazz Club de l’Alibi le 15 Mai 2009, cet album réunit une équipe de musiciens exceptionnels de par leurs talents, mais aussi de par leurs expériences respectives. Rasul Siddik, trompettiste audacieux, fait résonner son instrument avec la passion qu’on lui connait. Le pianiste Tom McClung participe lui aussi à l’expérience par la folie de son jeu. Wayne Dockery, autrefois le contrebassiste de Stan Getz notamment, donne la réplique au batteur Douglas Sides, étant lui aussi un personnage ancré dans l’histoire du Jazz. Le saxophoniste Adrien Varachaud ne pouvait pas mieux s’entourer pour ouvrir le concert avec une composition, donnant alors son nom à ce qui sera l’album, « Strange Horns ». Et c’est Barry Altschul que l’on retrouve à la production et au mastering, lui qui nous avait déjà comblé de bonheur sur « Conference Of The Birds », entre autres. Comment passer à côté de cette ballade formidablement interprétée, « Soul Eyes » de Mal Waldron, dans laquelle chaque soliste offre de véritables sensations en usant d’un sens raffiné de la mélodie. D’influence coltranienne, l’esthétique originale des pièces interprétés évolue dans la pureté d’un swing ravageur, et cela dans la plus grande tradition des arrangements pour quintet de Jazz. La recherche de la dissonance, l’impureté sonore, la fantaisie improvisée. Tous ces ingrédients ne se sont pas réunis là par hasard. Il va de soi que cette ambiance biscornue rend un nouvel hommage à l’œuvre d’Ornette Coleman, ayant à l’esprit ce perpétuel rêve de Liberté. Un album teinté de nostalgie, nous l’aurons compris. Mais pas dénudé de talent et d’audace, il faut le dire, tant l’intéraction entre les musiciens nous offre toute la fraicheur d’un vrai, d’un grand groupe de Jazz.

Tristan Loriaut

Emarcy 2010

Michel Portal (clb, ts, ss), Ambrose Akinmusire (tp), Bojan Z (), kyb), Lionel Loueke (g), Scott Colley (cb), Jack De Johnette (dm)

  Encore une fois Michel Portal se réinvente, prend le contre-pied et surprend là où on ne l'attendait pas. De cet all stars qui aurait pu ressembler à une session "name dropping" on aurait pu craindre une réunion de performers jouant sur le caractère vraisemblablement éphémère de la rencontre. Or  cette formation, inédite s'il en est, et dont le casting fort surprenant a été réuni sous la houlette du maître basque, livre ici un réel projet extrêmement abouti. Projet magnifiquement écrit par Portal ( qui signe tous les titres à l'exception d'un titre d’Eddy Louis et un de De Johnette) et remarquablement mis en scène par le saxophoniste. Bien plus qu'une rencontre, un vrai projet musical à la fois riche et d'une formidable densité. Projet aux couleurs parfois sombres ou à tout le moins en clair obscur mêlant les harmonies du jazz à celles de la musique latine ( Cuba si, cuba no) ou à celles suggérées de quelques bandas assagis et sobres.

Portal fait ici preuve d'orfèvrerie dans l'organisation très précise d'une trame subtile qui évite tous les clichés d'écriture,  les césures des chorus alignés ou les montées en paroxysme, pour privilégier le charme d'une musique dont la cohésion orchestrale se dévoile intégralement tout en laissant l'auditeur en découvrir des raffinements cachés. Pas d'explosion donc,  mais une musique plus feutrée et totalement maîtrisée jusque dans ses moindres détails ( pour l'explosion on attendra la scène). Le plaisir des musiciens à jouer ensemble et le respect qu'ils s'inspirent mutuellement semble évident. Jamais policée (Portal ou Akinmusire peuvent parfois rugir à la limite du free), mais toujours aérienne cette mécanique-là est parfaitement bien huilée. Et c'est là un équilibre très délicat à trouver et que Portal  organise avec une pointe de génie et beaucoup de retenue.

Les rencontres émergent avec tact. Il peut s'agir des questions-réponses entre Portal et Lionel Loueke (écouter ce sublime jeu d'Ombres dans le morceau éponyme, magnifique magie du temps en suspens). Ce peut être la répartition de l'espace entre le saxophoniste et un Bojan dont la discrétion est d'une présence indispensable. À moins que ce ne soit la complicité de la paire américaine entre Scott Colley (qui apporte toute sa gravité) et Jack de Johnette (maître dans le jeu fin des cymbales légères) et qui forment un tapis rythmique d'une incroyable finesse, véritable écrin pour la musique "portalienne". Et il y a bien sûr cette communion totalement improbable entre Michel Portal et le jeune Ambrose Akinmusire (28 ans) dont on ne cesse de vous dire dans ces colonnes qu'il est l'un des trompettistes les plus talentueux de la jeune génération New Yorkaise. Entre les deux, point de reniement. Le jeune trompettiste assume totalement son jeu et sa (déjà) forte personnalité musicale dans une complémentarité absolue avec Portal ( à l'image de cette intro un peu fusionnelle des deux hommes sur Tutti No Hystérique). Michel Portal quand à lui s'y montre presque paternel, lui emboîtant parfois le pas avec une grande intelligence  comme dans ce Citrus Juice où il émerge de l'ombre du jeu du trompettiste dans un fondu enchaîné admirable.

Entre Europe et Amériques Portal trouve un juste équilibre. En demi-teinte Portal transmet ici le feu sacré du savoir avec beaucoup de sagesse. Transmets aussi le "son" et l'énergie. Et ce bien précieux circule entre eux  : la quadrature du quintet est ici résolue.

Jean-Marc Gelin

Jean-Pierre LELOIR : «  Portraits Jazz »

Textes de Stéphane Koechlin

Edition Fetjaine

La Martinière ( www.lamartinieregroupe.com)

Je me souviens de ce concert cet été aux Arènes de Montmartre. À côté de moi un photographe assistant au concert de Norma Winstone absolument incapable de comprendre la musique et usant bruyamment de son déclencheur dans les moments de silence et de suspension de la chanteuse. J’enrageais sur ma chaise et me disais que ce photographe-là, si visible, si prévisible aurait peu de chance de faire jamais de très bonnes photos.

Car l'art de la photographie est en effet souvent proche de celui de la dissimulation. C'est souvent celui qui consiste à se faire oublier pour capter l'instant rare et précieux que justement seuls certains photographes parviennent à immortaliser.

Les clichés de Jean-Pierre Leloir, bien connus et vus souvent, témoignent assurément de cet art. Sauf que chez lui, la dissimulation ne relève pas du vol de l’instant précieux mais d’une appropriation de l'instant de grâce en toute intimité avec l'artiste. Témoignage d’une très grande proximité aussi.

Sinon quoi ? Comment serait-il parvenu à saisir le grand Louis affalé sur sa chaise, le pantalon relevé dans un pur moment d’abandon ? Sinon comment parvenir à capter John Coltrane jouant seul devant sa glace devant la photo de son ami Eric Dolphy, avant d'entrer sur la scène d'Antibes pour ce fameux concert de 1965. Comment ne pas être troublé et ému par cet instant ? Et s'il n'y avait pas cette proximité intime, comment serait-il parvenu à saisir ainsi le doute chez Bill Evans, qu'aucun photographe n'avait approché de si près. Ou encore le sourire, si rare de Miles Davis.

Jean-Pierre Leloir est à lui seul une page entière de l’histoire de la photographie de jazz . Leloir a traversé depuis les années 50 tous les festivals de jazz de l’hexagone depuis qu’un GI à la libération lui tend un appareil de photo. Image déjà sublimée d’un décor de cinéma.

Le Loir va alors traverser les moments du jazz en apportant le témoignage d’une certaine approche esthétique ancrée dans son époque. Au plein cœur de la Nouvelle vague, Jean-Pierre Leloir baladait son regard dans les années 50 avec une sorte de vision en technicolor, si cinématographique qu’il n’en oubliait jamais la mise en scène spontanée où le décor et le détail sont presque aussi importants que le sujet lui-même. Le manteau de Bill Evans comme une œuvre de peintre hollandais.  Le chapeau de paille posé sur les genoux d’un Dexter Gordon altier. Le public en profondeur de champ derrière Ornette Coleman au Jazzland en 1965. La masse orchestrale qui se dégage visuellement de l’orchestre de Count Basie. Le rouge vif de la mallette de Dizzy Gillespie jouant en maillot de bain lors de l’enregistrement de French Riviera en 1962 et le jaune du décor derrière Bud Powell devant ce piano monumental. Chez Leloir le tout et l’unique se confondent dans un art de la lumière et du champ visuel. Il y a chez lui une approche de grand mâitre de la peinture classique.

Alors que la photo de jazz a longtemps été figée dans une posture en noir et blanc comme canon esthétique incontournable et à l'aune de laquelle Herman Leonard fut intronisé comme champion dans sa catégorie, les clichés de Jean-Pierre Leloir avait cette audace de la couleur et de la lumière.

Si les textes qui les accompagnent sont parfois un peu candides (voire légers) lorsqu’ils se veulent biographiques, les anecdotes de Jean-Pierre Leloir sont en revanche souvent savoureuses.

Les premières photos de Leloir n’existent pas. Elles furent prises avec un appareil non chargé un soir de concert de Duke Ellington devant le Palais de Chaillot. Et c’est donc un peu sur un malentendu que toute cette histoire a commencé. Le reste est ensuite un festival à lui tout seul. Une vision éclatante de ce jazz revigoré si tant est qu’il dût l’être. Son oeil captait la résurgence des sourires et des regards d’où émerge un peu l’âme des musiciens et peut être le mystère de leurs plus beaux chorus.

Jean-Marc Gelin

Pour être un peu chipoteurs , on notera une visible erreur de pagination qui vient placer, dans la « chronologie », Art Blakey et Kenny Clarke entre John Mc Laughin et Sun Ra ( !!).

3 Cd Greenleaf 2010

Distribué par Orkhestrâ

Dave Douglas (tp), Markus Strickland (ts), Adam Benjamin (fder), Brad Jones (b), Gene Lake (dm), DJ Olive (ord, tntbles), Ingenieur du son Geoff Countryman

Le  point  de  départ pour Dave Douglas était de créer, avec le réalisateur vidéaste Bill Morrison un projet tournant autour du thème de la création humaine. Morrisson pour les images en montage-collage auquel il est familier ( tiré notamment de séquences de films anciens) et Dave Douglas pour la musique, avec son groupe, Keystone. Vaste sujet que les deux artistes décidèrent  d’aborder sous l’angle métaphorique du Frankenstein de Mary Shelley. Chacun travailla alors de son côté et les images de Bill Morrisson et la musique de Dave Douglas se retrouvèrent en janvier 2010 pour  une session  de 5 jours au CCRMA (Center for Computer Research in Music and Acoustics à l’Université de Stanford) sous la houlette de l’ingénieur du son Geoff Countryman, auteur ici d’un véritable tour de force.

On  ne  sait  pas  trop  si  Dave  Douglas a  composé pour le film ou pour les musiciens tant la symbiose entre les deux est ici parfaite et offre à Keystone, une musique écrite sur des nappes fantasmagoriques et lunaires, volontairement inspirées du Silent way de Miles Davis. Où il est fondamentalement question de l’espace laissé au jeu développé sur des trames musicales.

L’univers  s’adapte alors  aux collages vidéos réalisés par Bill Morrisson et déploie avec une force évocatrice saisissante, un univers volontairement étrange, souvent inquiétant, relevant de sourdes angoisses sans pour autant n’être jamais totalement terrifiant ( Dave Douglas n’est pas John Zorn).

Dans  ce magma sonore où l’électronique joue un rôle énorme, Dave Douglas laisse ses musiciens jouer tout en cadrant leurs interventions. Markus Strickland au ténor y est particulièrement brillant et Dave Douglas, le trompettiste de Masada, toujours exceptionnel, rendant toujours hommage aux maîtres anciens (Miles, Don Cherry on le sait) mais aussi à ses jeunes compagnons d’armes  (comme Ambrose Akinmusire ou Ibrahim Malouf qu’il cite dans ses liners notes). Mais dans cet objet musical fantomatique, la prouesse vient aussi du traitement du son assuré par l’apport énorme de DJ Olive qui aux turntables se démultiplie et fait naître les atmosphères de l’album, l‘angoisse de l’apparition de bruits lointains et urbains, de cris suggérés, et d’une brume électronique inquiétante (Prologue) qui nous plonge un peu dans un Londres nébuleux et modernisé. Un univers parfois liquide aussi, flottant entre eau et espace et qui relève presque de l’expérience sensorielle ( Is it You ?).

On  peut  certes s’étonner  de  la  réunion  de  3 CD qui forcément comportent pas mal de redites dont le thème central « Creature » qui revient à de multiples occasions. En réalité ces trois albums, édités d’abord séparément relevaient chacun d’une logique différente : le premier était la bande originale jouée lors de la projection. Le deuxième était sa version  purement  «  jazz  »,  de  studio.  Le  3^ème enfin,  comportait  les  thèmes finalement non retenus par Bill Morrisson. Alors certes la musique se suffit largement à elle-même, mais l’on ne peut éviter la frustration d’être privé du film et l’on se dit que finalement il aurait été bon d’ ajouter au coffret le DVD du film sans lequel le projet perd un peu de son sens. Choix éditorial curieux.

Reste que la musique est tout simplement superbe dans toutes ses dimensions. Dans sa dimension narratrice, on l’a dit. Mais aussi dans son écriture remarquable, ses arrangements, ses solistes et le traitement du son digne des plus grandes épopées du jazz.  Nous  nous  étions  il  y  a quelques temps enflammés pour le Moonshine de Keystone. Ce groupe définitivement s’impose à nos yeux comme l’une des formations les plus excitantes du moment, poursuivant la démarche de Miles par d’autres moyens. Il faut pour cela s’appuyer sur un collectif de musiciens exceptionnels qui se fondent avec brio dans la masse sonore qui se révèle à son tour un écrin superbe pour l’émergence de la musique. Ce magma est pétri sous la main d’un Dave Douglas génialement inspiré.

Jean-Marc Gelin

Black and Blue / Socadisc

Rebecca Cavanaugh – voc ; Frédéric Loiseau – g ; Claude Carriere – p ; Marie Christine Dacqui – cb

En concert: le 23 novembre au SUNSIDE

Avec un tel titre, on aura vite compris le projet de cet album qui respire d’une douce nostalgie sans pathos, s’attardant sur des standards, de belles mélodies du jazz. Puisque le sous-titre est « Summer in all seasons », cet album, en dépit de sa première chanson, « Autumn leaves » peut s’écouter à loisir, en toutes saisons d’autant que le guitariste Frédéric Loiseau apporte les harmonies brésiliennes qui réchauffent les mélodies.

Présenter Claude Carrière à quelqu’un qui dit aimer le jazz ou même s’y intéresser est forcément inutile. C’est à lui que nous devons la découverte sur France Musique [sans « s » à l’époque, c’était en 1977] de la série feuilletonnesque ‘Tout Duke’ ! Il se met au piano accompagnant la jeune chanteuse de parents américains mais élevée à Londres, Rebecca Cavanaugh. Tous deux partagent un amour réel pour l’alter ego du Duke, le compositeur de mélodies immortelles Billy Strayhorn : cinq titres « Daydream », « Something to live for », « A flower is a lovesome thing » et « Blood count » lui rendent donc hommage, car Claude Carrière a « le cœur ellingtonnien » selon la jolie formule de son compagnon du JAZZCLUB Jean Delmas.

La chanteuse sert ce répertoire d’une voix tendre et voilée, toujours sur le bord de la fêlure. Sans jamais hausser le ton, sur le mode de la confidence et du murmure, elle berce délicatement de son vibrato léger, «Sometimes it snows in April », ballade de Prince sur fond des cordes de la guitare et de la contrebasse réunies.

Les arrangements sont soignés et voilà bien une chanteuse qui laisse de l’espace aux musiciens : écoutez le piano sur « Something to live for », la première chanson de Strayhorn enregistrée par Ellington ou sur la valse enivrante et mélancolique« Lotus Blossom ».

Piano et contrebasse terminent l’album d’un sombre  Bloodcount », alors que l’on se plaît à rêver devant la pochette illustrée de la composition de Sonia Delaunay (la mère de Charles) « Cinema ». 

Sophie Chambon