Le langage du blues du jazz et du rap »

Dictionnaire anthologique & encyclopédique

« Des mots pour aimer la musique » annonçait Alain Rey dans la préface d’un précédent ouvrage des éditions Outre Mesure (1). Des mots pour la comprendre également. La musique s’écoute mais pour que nous la percevions mieux, à défaut de la « saisir » un jour dans toute son essence, pour qu’elle parle, il faut en connaître sa langue . Or, la compréhension de langue anglaise, essentielle dans toutes ces musiques (blues, jazz, rap), s’avère souvent délicate, voire impossible, pour tout lecteur-auditeur français. 
Ce Dictionnaire anthologique et encyclopédique est un formidable outil pédagogique qui passionnera les linguistes confirmés, les anglicistes convaincus, car combien de

spécialistes se sont penchés sur l’opulent lexique du blues, du jazz, du rap, du riff au rap? Il est pourtant indispensable de connaître ce copieux vocabulaire de mots et d’expressions anglais que les Noirs se sont appropriés depuis la fin du XIXème siècle, d’autant que leur parole était condamnée à la clandestinité.

Avec son appareil éditorial impeccable (qui manque souvent cruellement à la plupart des publications actuelles sur le jazz ), les Editions Outre mesure ont encore frappé juste et fort. Claude Fabre continue inlassablement à  diffuser une culture, pas vraiment «mainstream», s’entourant d’auteurs érudits,compétents, passionnés et exigeants qui ne laissent rien au hasard. Inutile donc de chercher l’erreur dans le  travail de Jean Pierre Levet, cette nouvelle édition revue, augmentée de Talkin’ that talk.
Voilà une somme de références, à plus forte raison dans le «mundillo» du jazz, un livre qui méritait le prix Charles Delaunay de l’Académie du jazz

lors de sa première édition.

Souvent on ne perçoit dans les textes de chansons que des bribes, des mots justement qui perdent sens et saveur si on ne peut les replacer dans leur contexte historique, linguistique, politique, socio-économique, sans compter les savoureuses allusions, si fréquentes, au sexe. (2) Au fil de l’alphabet, le lecteur se balade dans ces pages, découvrant ainsi des horizons insoupçonnés. Comme dans tout dictionnaire, le lecteur s’amuse à rebondir dans ce labyrinthe de possibles, sans en épuiser jamais tout à fait le (s) sens : c’est un lieu d’ouvertures, de passages, d’euphories, d’admirations où allusions et grilles peuvent enfin être décodées.

Ainsi, toutes les approches sont permises : ce dictionnaire qui n’est ni étymologique, ni argotique, peut se consulter studieusement, ou se lire, page après page, comme une histoire dont on suit avidement l’intrigue. C’est le viatique parfait pour défricher les terres encore insoupçonnées du jazz, du blues et du rap. Absolument nécessaire !

Sophie Chambon

(1) Le Dictionnaire des Mots de la musique, Jacques Siron

(2)  On se plaît d’ailleurs à rêver à de telles études en français sur le vocabulaire argotique,

si imagé et connoté, des chansons de Frank Zappa.

PS : La préface d’Alain GERBER est impeccable. Avec son talent d’analyse, il a su trouver les mots

qui  donnent envie de découvrir cet ouvrage.

                               Deuxième soirée à Marciac pour une affiche encore une fois prometteuse et américaine  dans une sorte de conflit générationnel entre la jeune révélation de la contrebasse, Esperanza Spalding, et celui qui ce soir là faisait office de vétéran, Chick Corea. Rien que cette deuxième partie justifiait sur la papier que la salle de concert du stade de Marciac affiche le sold out des grands soirs.

Ambiance festive d’un après-midi d’été où nous avons pu assister à une course de vaches landaises dans les arènes du village. Festif aussi cet apéritif dynamité sur la place de la mairie en écoutant l’un des trois concerts de Olivier Temime sous le chapiteau de la place du village. Avec sa nouvelle formation composée de Michael Felberbaum (g), Vincent Artaud (cb), Vincent Laffont (p, fder), et Gilles Charlier (dm), le chouchou de Marciac parvenait une nouvelle fois à électriser le village tout entier, balacant des echos de feu sur la soirée gersoise sur des nappes furieuses écrites par Vincent Artaud.  Une tuerie !

                   Photo : Pierre Vignaux

Direction ensuite le grand stade avec en première partie la jeune bassiste et contrebassiste Esparanza Spaulding , 25 ans au compteur qui, avant d’arriver sur scène avait su galvaniser ses troupes pour leur dernier concert européen par une sorte de cri de guerre que seuls ceux qui étaient dans le bungalow des backstages  ont pu apprécier. Ceux qui étaient à l’exterieur ont juste vu les parois trembler.

Alors que ses dernières prestations s’étaient montrées plutôt décevantes, le moins que l’on puisse dire c’est que, sous sa belle crinière afro-porto-américaine, Esperanza n’avait pas simplement l’air de ressembler à Angela Davis. Elle en avait aussi la passionaria, la grâce et la légèreté en plus. Après une ouverture en impro voix/contrebasse seule sur scène, elle faisait venir sa formation ou plutôt sa bande de copains pour un concert superbement réussi tant par la qualité de sa musique post-fusion,  de ses compositions que par le jeu des musiciens et l’énergie qu’ils dégageaient. On comprenait mieux le sens qu’il y avait à la faire jouer en première partie de Corea tant ses inspirations viennent du jazz rock, de Weather Report, de Return to Forvever et de Wayne SHorter. Passant allègrement au cours d’un même morceau de la contrebasse à la basse électrique, elle parvenait à faire monter la sauce sans chercher le moins du monde à jouer l’économie. Mâitresse absolue du groove, les contrechants mélodiques s’échappaient de sa contrebasse ou faisait tourner en boucle des ostinatos dans l’ultra grave de sa basse. Aux claviers Léonardo Genovese au look de Zappa faisait chauffer un clavier lunaire. On craignait un peu les rondeurs molles entre basse, guitare et fender. C’était sans compter sur la formidable énergie qui émanait d’un quartet à la cohésion magnifique. La belle voix  de Esperanza s’offrait  un pur moment de grâce « argentin », une parenthèse dans un duo avec son pianiste sur La Chacarena composée par Genovese,  petit cadeau à Marciac en  avant goût de son prochain album. Entièrement libérée, sa crinière partait à l’assaut de toute les difficultés harmoniques pour en extraire un jus fort. Avec des airs de petite fille heureuse on sentait la musique lui traverser le corps et sa contrebasse semblait si légère qu ’on la voyait un peu s’envoler au dessus de nous.  Bête de scène , la jeune fille tentait de faire scatter le public qui, bon enfant se laissait prendre au jeu avec délice. Il en redemandait encore. La belle avait fait le show et même bien au-delà, émoustillée qu’elle était de jouer en première partie de son maître.

De quoi créer l’ambiance pour Chick Corea qui terminait là, lui aussi sa tournée avec Kenny Garrett (as), Christian Mc Bride (cb) et Roy Haynes (dm). Etonnamment c’était plutôt « return to yesterday » avec une formation acoustique tournant plus vers le bop . Tout se passe comme si

                                                                                                 photo Pierre Vignaux

Corea semblait avoir conçu le programme pour Roy Haynes. Deux thèmes de ou dédiés à Bud Powel ( Bud Powell et Dusk in Sandi), un Monk ( Monk’s dream) ou un standard ( We’ll be stogether again) materiau de base pour cet all-stars et pour le légendaire batteur que le  pianiste couvait des yeux avec un regard visiblement toujours aussi attendri pour cette légende vivante. Kenny Garrett s’y montrait comme toujours d’un lyrisme absolument torrentiel, égal à lui-même dans son regsitre coltranien mais plus subtil parfois sur des standards comme sur ce We’ll be together again joué de la plus simple des façons sur des lamentos sensuels à emballer toutes les gersoises des environs. Tout cela un peu semblait ronronner, très pro et  les intro de Corea, d’une finesse à tomber par terre nous renversait sur ce Psalm divinement préparé. Sept titres qui tournent avec efficacité. Sans plus. Sauf au dernier morceau, en signe d’ultime hommage, où la coda était laissée à Roy Haynes, qui à 85 ans ( !!)  dégageait un chorus à couper le souffle, faisait tomber le déluge sur Marciac, ses compagnons s’effacant en fond de scène et la batteur à qui l’on aurait donné aisément 20, que dis je, 30 ans de moins. Roy Haynes  faisait sonner la poudre et public et lmusiciens etaient aux anges au bord d’un gigantesque éclat de rire. Le public de Marciac n’y tenait plus, se levait en plein chorus, standing ovation. Le feu prenait sous le chapiteau. Il ya des concerts qui devraient pour sûr, commencer par la fin.

Jean-Marc Gelin

Déjà la fin du festival au Couvent de Cervione. La journée jazz du samedi 31 aout ne débute pas sur la place de la cathédrale pour cause d’enterrement. Pour évoquer la soirée magique du 31 aout, « on vous la fait à l’envers » : sont programmés deux saxophonistes, Gaël Horellou en première et Jacques Schwarz-Bart en deuxième partie et nous commençons par le quintet du saxophoniste antillais.

Brother Jacques Schwarz-Bart©Laure Prieur

Avec le quintet de Brother Jacques (Jacques Schwarz-Bart (ts), Stéphanie McKay (voc), Jonathan Crayford (kb), Linley Marthe (b), Gregory Louis (dr)), le couvent ouvre la deuxième partie par un volume sonore à faire péter les tympans.  Le quintet de Jacques Schwarz-Bart se compose de musiciens performants, surdoués et tous dans la vibration fusion-world-jazzy. Le programme tient à cœur à Jacques Schwarz-Bart : les compositions sont mélodieuses et bien écrites et le groupe envoie une image de fraicheur qui fait plaisir à voir.

Stéphanie McKay©Laure Prieur

De plus, certaines des pièces appartiennent à la « suite aquatique » qui a commencé avec le formidable album «Abyss», un hommage de Jacques à son père. Gros son, mélodies qui s’adressent au cœur, sincérité du leader, vocalises de Stéphanie McKay font de ce concert, un peu court, un final mérité par le festival.

Vous l’avez compris, le meilleur moment de la soirée officielle était le concert remarquable de Gaël Horellou en première partie.  Trois extra-terrestres sur scène  (Géraud Portal à la contrebasse, Antoine Paganotti à la batterie) !

Gaël Horellou trio ©Lolita de Villers

La musique du trio est faite de compositions du saxophoniste et de standards complètement réarrangés à la sauce Horellou auxquels il offre une nouvelle jeunesse. A 34 ans, Gaël Horellou est un loup du jazz : il croque sa musique à pleine dents, joue à fond avec maitrise et inspiration. Funk naturel, groove puissant, Horellou joue des phrasés pulsatifs.

Gaël Horellou©Laure Prieur

Homme libre et conscient de lui-même, peut-être sans concession, son discours est mélodieux sans excès d’énergie dans le cri (en d’autres termes, Horellou ne fait pas hurler son sax, il en joue à fond). Sa musique est à l’image de l’homme, jeune et vivant, il nous dit : « Cela fait un moment que je me prends moi et ma musique, avec douceur. Je ne suis plus à la recherche égotique de la reconnaissance, je ne cours plus après les gigs, j’ai pris de la distance avec cela. Je choisis les gens avec qui je joue, ceux qui m’entourent aussi. Je passe du temps à composer, à travailler mon instrument, à répéter aussi. Ensuite il faut évidemment présenter sa musique et la vivre en concert, capter l’attention et comprendre ce que les gens ressentent. Evidemment avec une dizaine de gig avec ce trio, ce n’est pas facile. Mais c’est aussi pour cela que nous travaillons : pour nous retrouver et prendre le pied maximum en concert. »

Et c’est vrai que le pied, comme dit Horellou, nous l’avons tous pris ce soir là. Le trio de Gaël Horellou est un groupe soudé, en pleine communion, qui se donne à 200%. Ses membres sont liés par une franche amitié et une passion commune pour la musique noire américaine qui s’affranchit des codes, la pure et dure aux structures ouvertes et libres, celle de William Parker et de Charlie Mingus. En perpétuelle recherche du canal  des forces universelles, aux couleurs mystiques, le trio affiche une densité remarquable et une énergie renouvelée à tous les concerts qui allie humour dans les arrangements et intensité fulgurante. Horellou garde toute sa personnalité et trace une musique faite de cassures, de schémas rythmiques réjouissants en utilisant toute la tessiture de son instrument avec un son vif et un jeu malicieux.

Antoine Paganotti ©Lolita de Villers

A la batterie, Antoine Paganotti, un ancien de Magma, homme tranquille et généreux, est un batteur influencé par Elvin Jones et Christian Vander (« deux gros batteurs » dit-il). Il a un jeu ample et souple, baguettes chargées de générosité, les caisses sont souples à l’oreille : Paganotti est un sonorisateur de la batterie ce soir. Très proche de son contrebassiste sur la scène, Paganotti et Géraud Portal , 22 ans, sont en fusion télépathique.

Géraud Portal ©Laure Prieur

A l’adolescence, Portal fait une rencontre décisive : le saxophoniste David S. Ware le prend sous son aile et l’invite plusieurs mois chez lui à Plainfield. En totale immersion dans l’esprit de la Great Black Music, Portal joue dans la veine d’un William Parker : les cordes hautes qui font mal aux doigts mais qui sonnent. De ses camarades de scène, Géraud Portal dit, non sans malice et humour: "Gaël est mon père, Antoine ma mère". On vous le dit, une vraie famille.

Voilà un concert renversant: entre swing bebop et transe, entre énergie et nature. Gaël Horellou trio est un plein de musicalité. Messieurs les programmateurs, il vous attend!

A peine l’émotion de la soirée officielle passée, le beuf enquille directement avec le trio de Xavier Thollard et Sébastien Llado. Très rapidement rejoints par le groupe togolais éminemment sympathique Dunamis, la jam part vite en direction de l’Afrique noire et de ses rythmes endiablés : Dunamis, Thollard et Llado mettent le feu avant d’être rejoint par le batteur Grégory Louis, sous le regard envieux de Linley Marthe.

Dunamis - © Patricia Antona

Au sax, Koffi Assimadi sonne oriental, à la mode éthio ; il est rejoint en fin de soirée par Gaël Horellou qui clouera le beuf tard, très tard. A Jazz au Couvent, les beufs sont des moments privilégiés de musique : l’organisation y met les moyens, l’ambiance y est excellente et les musiciens y sont bien accueillis. A ne pas rater et à noter dans le Guide du Routard du Jazz.

Le Jazz en Corse? Il a toujours été présent. En témoigne la photographe Patricia Antona qui nous a gentiment prêté quelques photos numériques alors qu'elle est spécialisée en argentique. Patricia Antona photographie le jazz depuis 1976. A partir des années 80, elle photographie le jazz en Corse. Jazz au Couvent lui a ouvert ses portes pour une exposition de plus d'une vingtaine de photos argentique où se côtoient connus et moins connus, "vieux" du métier et jeunes artistes". On a plaisir à voir une photo où se ressent toute la timidité de Sophie Alour qui travaille ses partititions sous le regard bienveillant de Jean-Michel Proust en 2002 ou la très belle photo d'Archie Shepp assis sur une scène d'un festival corse ajustant une anche à son bec de saxophone en 1983. Cette photo donne vie au caractère de ce saxophoniste au travail à ses gestes et son visage qui nous parlent fort.

Pour conclure simplement, nous dirons que Jazz au Couvent 2010, convivial agréable, a offert à un public estival et local une programmation vive et fraiche, variée et audacieuse. Une programmation que l’on doit à Tristan Loriaut, programmateur clairvoyant. Vivement une septième édition!

Jérôme Gransac

  PS: Merci à Viviane et Tristan pour leur formidable accueil, à toute l'équipe si sympathique, à Laure Prieur et Lolita de Villers pour leur talent et au patron du bar de la place de la cathédrale pour m'avoir supporté côté liquide-à-boire lors de mes soucis de connexion internet ... :-)

Soirée du 29 juillet 2010

Cervione, village qui fût le plus grand de Corse il y a 100 ans, se situe en Haute Corse. L'histoire de la commune est liée à celle des cerfs de la région de la Costa Verde. D’où son nom. Ce village a été la capitale de la Corse pendant six mois en 1736 lorsque le roi de Corse a élu domicile dans le village pendant une des périodes d’indépendance de l’Ile de Beauté. De par sa situation surélevée, Cervione surplombe la mer et c’est ainsi que les corses le surnomment  « le balcon de la mer ».

Depuis six ans, le village se met aux couleurs du jazz à l’initiative de Viviane et Tristan Loriaut, respectivement organiste classique et facteur d’orgues, dans le couvent Saint François à Cervione.

Cette année, l’ouverture du festival a lieu sur la place de la cathédrale Saint Erasme, habituellement destiné au festival Off. C’est la chanteuse corse Fabienne Marcangeli accompagné par la section rythmique des frères Philippe et Christophe Le Van et du guitariste David Dupeyre suivis du groupe togolais Dunamis (« puissance » en grec) qui déclenchent les convivialités devant 300 personnes ce mercredi 27 juillet.

Le lendemain, c’est le saxophoniste alto Gaël Horellou et son trio (Antoine Paganotti à la batterie et Géraud Portal à la contrebasse), en marge du festival, qui prennent la relève sur la place. Comme souvent, le trio est en totale communion et se donne sauvagement, aux confins de la transe bop et du swing. Tout sourire, le public de la rue se laisse envahir par la déferlante.

FLYING ANTS ATTACK !

En soirée, c’est au couvent Saint François que le jazz poursuit sa soirée avec deux trios de pianiste. Le premier est celui du jeune pianiste breton Xavier Thollard âgé de 27 ans(Youen Cadiou à la contrebasse et Vincent Touchard à la batterie) accompagné par le  tromboniste Sébastien Llado en invité. Le répertoire de la soirée est tiré de « Hoi An », deuxième album du trio qui joue ensemble depuis 2006, et une composition du tromboniste (« Hauts, Bas : Fragile »).

Xavier Thollard et Sébastien Llado ©Lolita de Villers

La formation joue en première partie de soirée et en une petite heure, qui paraitra bien courte, le trio + 1 déploie une musique avec une orientation pop et jazz, influencé par le trio qui a fait exploser Brad Meldhau. Ce genre de rencontre est toujours à risque : le trio affiche une belle convergence musicale et adopte des postures musicales travaillées et hautement maitrisées alors que le tromboniste s’immisce en électron perturbateur de la tournerie du trio. Ce soir-là, la mayonnaise prend. Il y a une confrontation entre la compacité du trio et la poésie rêveuse du tromboniste virtuose : la fraicheur de l’expérience prévaut et les âmes empathiques se trouvent.

Voilà qui devrait encourager ces quatre musiciens à poursuivre l’aventure.

Youen Cadiou ©Lolita de Villers

En deuxième partie, c’est au tour du trio « Flower Power » de Baptiste Trotignon (Diego Imbert à la contrebasse, Aldo Romano à la batterie) de jouer alors que des fourmis volantes attaquent à nouveau la scène ! Le trio reprend des tubes des années 70, agrémentée par quelques compositions de Trotignon et de quelques standards.

Autant le dire sans ambages, ce ne fut pas un grand moment de musique et pas le meilleur concert de ce trio.

On distingue nettement deux parties dans ce concert de qualité hétérogène sans qu’aucune des deux ne soit convaincante.

Les mélodies choisies pour le répertoire sont très belles. Bien évidemment. Mais à peine arrangées, un peu comme si le trio les interpérétait avec désinvolture, et jouées sans enthousiasme visible.

Baptiste Trotignon ©Lolita de Villers

On se souvient de « Mr Tambourine Man » de Bob Dylan avec un développement qui nous laisse sur notre faim ; « Melody Nelson » et « Je t’aime moi non plus » ont subi des transformations mélodiques (volontaires ?) qui nous ont  glacé le sang et c’est bien dommage. Tout le long de ce concert, nous avons senti Baptiste Trotignon un peu contrarié dans son jeu alors qu’Aldo Romano semble fatigué : son jeu mollasson, voire dégonflé, ne permet pas au trio de jaillir et, à plusieurs reprises, il écrase le tempo. Pour ne pas donner l’impression d’achever un cheval malade, nous devons reconnaitre à Diego Imbert une présence attentive et une inspiration réelle quand on lui en donnait l’occasion.

Diego Imbert et Aldo Romano ©Lolita de Villers

Après une version faiblarde de « Say It Ain’t So » de Murray head, le trio se relève en fin de concert avec « The End » des Doors avec un passage paroxystique aux frontières de l’improvisation libre pour ne pas dire free. Suit alors un medley dynamique au développement construit des compositions de Trotignon qui réveille enfin Aldo. Et pour cause, le trio termine par une belle composition  du batteur « Dreams and Waters ». Probablement conscient de sa petite prestation, le trio offre au public de Cervione deux rappels salvateurs où le trio joue vraiment : « Il Camino » de Romano et le standard des années 40 « Just In Time ».

Les plus courageux ont assisté à la jam-session dirigé par le trio Elbasan et accompagné par le saxophoniste togolais Koffi Assimadi et de Sébastien Llado pour une session endiablé et très créative. Ouf !

Jérôme Gransac

le 08 juillet (1/4)

C'est par 35° à l'ombre dans la ville, 45° sous les poiriers du chapiteau, que le trompettiste belge Greg Houben ouvre cette deuxième journée du festival. Il nous propose un aperçu de son disque " How Deep is the Ocean ", sur les traces de Chet Baker... que son père, le saxophoniste et flûtiste Steve Houben a bien connu. Dans le cadre d'un trio peu commun, composé du contrebassiste Sam Gertmans et du guitariste Quentin Liégeois, le trompettiste déroule de son souffle velouté de nombreux thèmes de Chet ( Daybreak, How Deep is the Ocean, For Minors Only...) ainsi que des compositions plus personnelles du guitariste, Django d'Or 2009,  et de lui-même. Il interprète également plusieurs chansons " à la manière de ... ", fort convaincantes, dont le rappel signé Tom Jobim qui nous entraîne dans la chaleur du Brésil... si proche de celle dans laquelle nous baignons aujourd’hui.

`18H30, Kurt Elling entre en scène d'un pas nonchalant, avec son élégance habituelle, tellement à l'aise, détendu, sûr de lui et de son charisme naturel. Entrée en matière musclée et d'emblée irrésistible avec une excellente version de Steppin'Out de Joe Jackson. Il semble que l'apport d'une nouvelle section rythmique, composée notamment du batteur Ulysse Owens, dynamise la force scénique du quartet. S'en est suivi une interprétation de Say it ( Over and Over Again ) sur un tempo très lent, affirmant ainsi son immense talent à travers la richesse et la maîtrise d’indéniables capacités. Rarement dans le jazz vocal, un chanteur aura, comme lui, utilisé sa voix comme un instrument à part entière. Ses déplacements imprévisibles dans les harmonies, avec une justesse et un à-propos implacables, captivent l'attention et entraînent dans des univers inconnus.  Arrivé sur le troisième titre, le guitariste John McLean nous gratifie de solos très inspirés. Nous ayant annoncé un ensemble de surprises composées de morceaux choisis à l’occasion d’un concert à  New-York avec Richard Galliano, il donne notamment une interprétation assez inattendue d'une pièce lyrique de Brahms, quelque peu dénaturée par un allemand aux accents de Chicago. Eventail en main, le " crooner " enchaîne avec un Nature Boy indolent qui évolue rapidement vers des tempos puissants propices à une impressionnante démonstration de scat se terminant par un dialogue enjoué avec le batteur, hilare. Laurence Hobgood prend la suite avec une éblouissante déclaration lyrique au piano. Le concert se conclut sur une version très sensuelle du Luiza de Tom Jobim, en portugais, laissant un public ( de tous âges ) sous le charme. Standing ovation. Rappel pour un duo avec son pianiste de toujours, avant de quitter la scène en envoyant des baisers à un public définitivement conquis par une prestation charmeuse mais néanmoins efficace, généreuse et sincère.

Le troisième concert de la journée est proposé par le duo du saxophoniste Pierre Vaiana et du pianiste Salvatore Bonafede. Bien qu'ils n'aient jamais enregistré chez ECM, leur musique aurait tous les arguments pour séduire Manfred Eicher. Cela nous évoquant d'emblée une filiation musicale « jazz nordique » sans renier pour autant d'évidentes racines siciliennes. En effet, le concert  intitulé " Itinerari Siciliani " nous emmène sur les routes italiennes. Les thèmes abordés au soprano, accompagné d'un jeu de piano étincelant, évoquent les ritournelles, le pittoresque et la truculence d'un cinéma italien en nous projetant comme par effraction dans les films d'un Comencini, d'un Risi, d'un Scola ou du duo Fellini-Rota. L'arrivée du contrebassiste Manolo Cabras, avec la souplesse et la  légèreté de son toucher, n'enlève rien au charme opéré, bien au contraire ! Tout en rigueur et en joie, les instruments se répondent dans un palabre où la flamboyance du saxophone réplique à la précision chirurgicale du pianiste et à la fougue du bassiste, dans des  morceaux inspirés des complaintes et des légendes anciennes, lançant ainsi des ponts entre la Sicile d'autrefois et le monde d'aujourd'hui. A noter, un étonnant chorus de Manolo. Cabras entrecroisant chant d'oiseaux et chant guttural sarde … brillamment suggéré à l'archet. Magique ! Ce trio de musiciens nous donne envie de poursuivre ce voyage avec eux, un verre d'Amaretto à la main, par une douce soirée à Taormine.

En fin de soirée, Ornette Coleman – vêtu ce soir de façon étonnamment sobre - entre en scène avec ses habituels complices, le contrebassiste Tony Falanga, Al MacDowell à la basse électrique et son fils Denardo à la batterie devant un chapiteau comble. Attaquant d'entrée par sa réécriture de l'ouverture du Sacre du Printemps, la dimension de la suite de la prestation était donnée : elle sera énergique, déstructurée à souhait, dans les arcanes de son concept d'"harmolodie". Combinaison d'harmonie et de mélodie pour les uns, absence des deux pour les autres, Ornette Coleman n'en demeure pas moins une figure majeure du jazz qui a bousculé les codes de ses prédécesseurs. Ses 80 ans n'enlèvent rien à son dynamisme en la matière, passant du saxophone à la trompette ou au violon dans une succession de courtes interventions bariolées. L'expression est vive, ardente et toujours provocatrice malgré une sérénité palpable. Sur chacun des titres joués, Tony Falanga lance le tempo, aussitôt relayé par la batterie du fils Coleman. Le jeu de contrebasse de Falanga, assez "classique", soutenu de manière décalée par les lignes de basse plus "actuelles" d'Al Mac Dowell, soulignent par leur contraste la modernité des intrusions déstructurées d'Ornette Coleman. Cela étant particulièrement audible dans son interprétation d'une des suites pour violoncelle de Bach, ou dans quelques standards jazz revisités. Donardo, fidèle à sa réputation, ne donne toujours pas dans la légèreté, mais finalement tout cela sonne de manière très cohérente. Le public en redemande : trois standing ovations. Au rappel, une dynamique interprétation de Lonely Woman, son plus grand succès, clôt avec brio cette seconde soirée.

le 09 juillet 10 (2/4)

Cette nouvelle superbe soirée commence avec un ensemble regroupant, autour du pianiste Christian Mendoza, quatre des meilleurs jeunes jazzmen belges actuels pour une musique héritière de celle d'Ornette Coleman, entendu justement hier. Ben Sluijs au saxophone alto et à la flûte, Joachim Badenhorst à la clarinette et au saxophone ténor, Brice Soniano à la basse et Teun Verbruggen à la batterie entourent Christian Mendoza, vainqueur  2008 du concours des Jeunes talents de jazz de Gent. Il est l'auteur de compositions où des plages très déstructurées alternent avec des moments mélodiques plus intimes, où un piano minimaliste entame un dialogue complice avec un batteur tout en finesse et recherches sonores. Le jeu de l'ensemble se resserre également dans des lignes mélodiques où chaque instrument s'exprime par petites touches pour créer un corps parfois désarticulé qui progresse lentement vers une reconstruction harmonique. Une musique puzzle dont l'auditeur perçoit mal ce qui est écrit de ce qui est improvisé, tellement tout semble être mûrement pensé auparavant. Une musique qui finalement parle plus à l'intellect qu'au coeur.

Ceux qui ne connaissaient pas encore le Vijay Iyer Trio pouvaient peut-être s'attendre à un concert " world " où le jazz flirterait avec la musique indienne. Ils ont pu découvrir qu'il n'en était rien tant les racines indiennes de Vijay Iyer sont peu présentes dans la musique qu'il compose. L'essentiel des titres joués ce soir sont issus de sa dernière production " Historicity ", enregistrée l’année dernière chez ACT, avec ces mêmes musiciens qui l'accompagnent ce soir : Stephen Crump à la basse et Marcus Gilmore à la batterie. Ils développent dans un bel ensemble soudé une longue conversation fluide et riche, emplie d'une énergie et d'une puissance physique où le groove du batteur répond au duo fusionnel que forment un pianiste complexe et nuancé et un bassiste qui transpire sa musique. Les prouesses empreintes de maturité de Marcus Gilmore ont de quoi surprendre de la part d'un batteur de 24 ans, sauf de savoir qu'il est le déjà digne héritier de son grand-père, Roy Haynes.  Les notes semblent virevolter autour de thèmes d'une extraordinaire densité, transportant l'auditeur vers ses propres rêves, le rendant complice en l'intégrant à ce jeu qui paraît pourtant si simple et limpide. Cette invitation est baignée d'une telle humilité, d’une telle générosité, qu'on en oublie l'incroyable richesse technique déployée dans cette musique. Les rythmes concoctés par Vijay Iyer sont acrobatiques, montant crescendo vers des sommets électriques pour s'épanouir dans des solos endiablés. Mais l'écoute complice tissée au fil du temps les amène imperceptiblement à soutenir avec douceur les chorus que chacun exécute. Cela illustre qu'avec coeur et générosité la musique peut être recherchée et moderne sans pour autant être rébarbative. Le public, conquis, ne s'y est pas trompé. Standing ovation méritée !

Puis vint l'évènement de la soirée : le Freedom Band de Chick Corea composé de Kenny Garrett, Chris McBride et du légendaire Roy Haynes ! Au menu : standards west coast, bop et hard-bop revisités par le génie et l'énergie facétieuse du maestro. A l’image d'une scène de jazz club, la formation était regroupée serrée au centre du large podium du festival. Complicité et proximité affichées avant même les premières notes lancées. La manière relax et joviale que Corea arbore dès les premiers accords fait toujours plaisir à voir et nous invite avec ses acolytes à participer au jeu et à vibrer avec eux. Magnifique Monk’s Dream où vient s’inviter le thème d’All Blues. Kenny Garrett, très à l'aise dans cette formation, est éblouissant à chacune de ses interventions, allant au bout de lui-même, aux limites de son idée créatrice et en en montrant chacune de ses facettes. McBride en métronome implacable balance des chapelets de notes lumineuses que souligne le swing implacable des cymbales d'un Roy Haynes plus jeune que jamais. Corea observe et ponctue en permanence, le sourire aux lèvres et le regard malicieux. Plus que jamais, il incarne la virtuosité transcendée et le plaisir communicatif de jouer. Un dernier titre hard bop ( Steps ! ) est prétexte à un incroyable solo de Roy Haynes, totalement déchaîné... laissant presque craindre pour son coeur ! Même pendant le salut au public il continue, debout, à frapper de ses baguettes cymbales et grosse caisse à la grande joie du public. Au cours du rappel, Jean Pierre de Miles Davis, Chick Corea vient prêter main forte à Roy Haynes à la batterie, McBride prenant les commandes du piano. Puis tout bascule, dans une incroyable et inattendue jam session où, sortis de nul part, se succèdent et se relayent aux instruments Hiromi, Ruslan Sirota et Ronald Bruner Jr ( qui joueront demain avec Stanley Clarke ), Vijay Iyer et ses musiciens  ( dont le petit-fils de… ), sous la conduite d'un duo funky Garrett-McBride pour finir à genoux dans une version délirante et inoubliable du Sex Machine de James Brown ! Le public en liesse chante et scande, à la demande de McBride, des " Roy Haynes " et des " Chick Corea " à  n'en plus finir … Mémorable ! N'est-ce pas là l'expression même d'un véritable " Freedom Band ", libre de faire ce que bon leur semble, selon l’humeur du moment... en l’occurrence très festive et digne d’une époque qu’on pensait définitivement révolue ! Il paraîtrait même que cette " folie " se soit prolongée jusque tard dans nuit, au jazz club de l’hôtel.

le 10 juillet10 (3/4)

Cette avant-dernière journée de notre séjour a commencé de manière fort sympathique avec la formation du jeune guitariste américain Julian Lage, accompagné de Daniel Blake au saxophone, Aristides Rivas au violoncelle, Jorge Roeder à la contrebasse et Tupac Mantilla aux percussions. D'un touché vif, précis, joyeux, il s'invente un folklore très personnel à partir d'une multitude d'autres, intégrés, digérés et partagés. Cet ensemble laisse entendre des sonorités irlandaises, flamenca, méditerranéennes, brésiliennes … pour créer une culture urbaine d'une modernité évidente, où les influences de la pop, du classique et du jazz rencontrent celles des grands espaces du cinéma hollywoodien. Julian Lage possède, à un niveau rare, la qualité technique nécessaire à l'écriture d'une musique complexe mais toujours accessible, ludique et très agréable à l'écoute. Vu il y a 5 ans à Jazz à Vienne en sideman de Gary Burton, son évolution est impressionnante et laisse augurer un avenir radieux. Ce jeune artiste, à l'allure d'étudiant sage quitte la scène, impressionné par l'accueil d'un public conquis, qu'il salue avec humilité.

Comme un prolongement du concert de Chick Corea d'hier, s'ensuit la prestation d'un autre   fondateur de l'incontournable Return to Forever :  Stanley Clarke. Celui-ci s'est entouré de jeunes musiciens américains auxquels s'est jointe la jeune pianiste japonaise, protégée d'Ahmad Jamal, Hiromi (accompagnant elle-même Chick Corea dans très beau Duet sorti en 2009 chez Concord). Sous des airs de Tiger Wood à casquette, il enchaîne thème après thème entre basse électrique et contrebasse. A la différence de la formation de Corea d'hier où chacun contrôlait parfaitement son domaine dans le cadre de l’ensemble, la fougue de la jeunesse semble ce soir devoir l’emporter sur la juste mesure. Des déferlantes de notes s’abattent tout au long d’une playlist par trop prétextes à des concours de vitesse et de technicité. Il semble que ces jeunes lions ( et lionne ) soient difficiles à dompter, même par un des chefs de file ( de clan ) du jazz fusion des 80's. Les trop rares moments soft de ce feu d'artifice sonore nous laissent heureusement entrevoir l'étendue du registre pianistique et de la musicalité de Hiromi. Après une version musclée de Goodbye Pork Pie Hat, Spanish Fantasya été pour elle l’occasion d'un admirable solo, énergique et percussif. L'enchaînement de Ruslen Sirota fut beaucoup moins attractif car quelque peu dépassé par sa vélocité et l’emballement de son jeu. Idem pour la partie batterie, excellente au demeurant mais souvent confuse, manquant de maturité et de retenue. Le concert se termine sur un imposant Schooldays. Prestation d’ensemble à l'américaine qui a de quoi séduire mais ne restera pas forcément dans les mémoires.

Autre légende du jazz présente sur ce festival : l'irremplaçable harmoniciste Toots Thielemans, ce soir dans sa formation historique avec le pianiste Kenny Werner et le guitariste Oscar Castro-Neves.  Il est évident que nous ne pouvions nous attendre à découvrir des nouveautés. L'heure n'est plus à cela, mais aux regards sur le passé, aux souvenirs, aux hommages… Sous l’oeil facétieux et rieur de Toots se succèdent des standards de Gershwin ( I Loves you Porgy, Summertime ), de Tom Jobim ( Saudade ), de Chico Buarque ... Ces musiciens aguerris nous font entendre qu'il ne leur est nullement nécessaire de rajouter des notes aux notes pour exprimer leurs sentiments et nous dévoiler leur univers musical. Simplicité, musicalité, efficacité. Kenny Werner campe l'étendue de son absolu sens mélodique lors d'un medley de musiques de Sinatra. A plusieurs reprises, il enrobe les notes d’harmonica par de douces nappes électroniques qui les rendent encore plus aériennes. Un Water of March  tout en émotion est propice à de belles interventions bossa d'Orcar Castro-Neves. S'en suivirent deux touchants hommages, l'un à Bill Evans nous rappelant le magnifique Affinity, l'autre à Charlie Chaplin par un Smile poignant. Tout cela vibrait de nostalgie, voire par moments de tristesse, en particulier lors de l'émouvant What a Wonderful World  de Louis Armstrong, au rappel.

Dernière journée de notre séjour à Gent. Température toujours aussi caniculaire. Les rangs sont plus clairsemés que la veille … l'effet finale de Coupe du monde, avec une rencontre Espagne / Pays-Bas A peine deux mois après les 80 dates ( ! ) de sa tournée Orchestrion, Pat Metheny nous revient cette fois-ci avec son Group pour nous livrer quelques-uns des standards de son propre songbook. Comme à son habitude, il subjugue son public de fans aux premières notes de Are you Going With Me, Have you Heard, Last Train Home, Question and Answer, Phase Dance, Song for Bilbao ... ou lorsqu'il saisit sa guitare Pikasso pour un titre acoustique d’une grande finesse. L’homme a du métier. Cependant, la magie n'opère qu'à de rares moments. Pour avoir vu ses précédents projets, il apparaît nettement plus perspicace lorsqu'il présente des nouveautés sur scène que lorsqu'il y rejoue uniquement ses standards, certes magnifiques, mais dont la fréquence et la répétition au fil des ans fini par les vider de leur substance. Les seuls morceaux qui semblent susciter l'engouement du Group figurent encore parmi ses plus récentes production, comme ces extraits de The Way Up, laissant place à des envolées lyriques bien plus originales et captivantes que celles des pièces maintes fois jouées. Dans l’ensemble, tout cela manque cruellement de cœur et d’échange avec ses acolytes et son public. D'autant qu'à part Antonio Sanchez, toujours aussi brillant et inventif, les accompagnements sans grand relief de Lyle Mays et Steve Rodby ne l'ont pas beaucoup aidé... Peut-on imaginer une certaine lassitude, une fatigue due aux successions de tournées ( 250 concerts par an, en moyenne ! ) qui l'empêchent de se ressourcer et nuisent à son inspiration sur scène ? Mais... Pat Metheny peut-il vivre sans tourner ?

Ainsi s’achève cette excursion au cœur des Flandres et d’une ville très agréable et pittoresque, pour la partie jazz de ce festival de renom qui n’a pas failli, cette année encore, à sa réputation.

Textes : Delphine Delalande

Photos : Patrick Audoux