De Leon Gast

Gravity 2009

Ce fut un événement disons… planétaire. 1974, le match tant attendu entre Muhammad Ali et George Foreman. Un match qui restera dans les annales. Kinshasa 1974. Plusieurs jours de spectacles autour de ce match annoncé (comme toujours) comme le match du siècle. Et parmi les stars qui, dans la capitale zairoise se succèdent devant un public de 80.000 personnes, un héros du blues, l’inusable BB King accompagné de fidèle Lucille (sa guitare).

Pour ceux qui ne connaissent pas la légende, qu’il nous soit permis ici de vous raconter l’histoire de Lucille. Un jour alors qu’il était encore jeunot, BB King se trouvait dans un rade qui prit feu. Le jeune homme, comme tout le monde dans l’immeuble prit ses jambes à son cou. Sauf qu’il avait oublié sa guitare à l’intérieur. Intrépide, BB King ne fit ni une ni deux et retourna à l’intérieur de l’immeuble en flammes chercher sa bien aimée, c’est à dire sa guitare, manquant à un poil cramé près, d’y passer. Plus tard il apprit que l’immeuble avait prit feu à la suite d’une bagarre intervenu au sujet d’une fille, une certaine Lucille. BB King appela alors sa guitare du nom de la donzelle pour lui rappeler toujours, de ne jamais agir inconsidérément.

Mais revenons en à ce concert de 1974. 80.000 personnes disais-je.  BB King a alors 49 ans et est déjà un grand routard du blues. Un increvable des scènes du monde entier. BB King est là,  et bien là. Il livra ce soir là un très très grand concert autour de ses titres fétiches ( Sweet 16, Why I sing the blues, The thrill is gone). Le guitariste à la limite de la transe, faisait totalement corps avec son instrument, grimaçant avec sa guitare. Derrière Sonny Freeman, son fidèle batteur lui donnait un change explosif.

Ce concert fut filmé avec les moyens de l’époque, avec ce grain si typé qui nous rappelle aujourd’hui les 70’s. Aux manettes, Léon Gast qui couvrait alors l’événement sportif pour la réalisation d’un film qui devint mythique (When we were kings) et qui en profita alors pour capter les évènements de ces trois jours de liesse africaine. Quelques plans serrés nous permettent de saisir au plus près les expressions du guitariste, la caméra cherche aussi quelques plans larges du public, capte Ali dans la salle et accompagne le guitariste en loges à la sortie du concert. En fin de DVD, un « bonus » très court d’à peine 3’30 mn (tu parles d’un bonus !) d’interview express de BB King datant de 1981.

Plongée dans l’histoire d’une légende, ce DVD présente un intérêt historique évident. Il y avait de l’électricité dans l’air ce soir là. Quelque chose d’impalpable dans cette atmosphère incroyable. De la fièvre certainement. Celle de la musique, de la boxe, de l’Afrique au plein cœur de l’Afrique.

Document rare.

Jean-marc Gelin

The world of jazz guitar has long been filled with some of the most storied names in jazz history. Artists such as Charlie Christian, Johnny Smith, Wes Montgomery, Pat Metheny and John Scofield have all become recognized as some of jazz's greatest innovators and most prolific performers.

In a day and age when it seems that jazz, and jazz guitar, has been through just about every transition, amalgamation and innovation possible, there are still new voices emerging to take the music forward into unexplored and exciting territory. One of the guitarists that is leading this charge is New York-based picker Jonathan Kreisberg. With a strong foundation in the jazz tradition, and a personal vision of the genre's future, Kreisberg is winning over crowds and critics alike with his albums and concerts held around the world.

Kreisberg's playing is not easily categorized, as it draws upon a diverse background of influences, and is constantly challenging the defined conception of modern jazz. His solos portray a player dedicated to absorbing the traditional vocabulary and vernacular of the jazz idiom, skills honed through a solid musical education and by studying on bandstands across the globe. Drawing the listener in with a healthy dose of swing and traditional vocabulary, Kreisberg acts as a skillful guide as he leads his audiences into new and entrancing harmonic and melodic territory, without ever sounding abrasive or disjointed.

This ability, to smoothly transition between established and inventive sonic ground, has helped raise Kreisberg to the upper echelon of today's jazz guitarists, and has firmly established his position one of the genres leading voices.

Apart from being an accomplished improviser and band leader, 2009's Night Songs (Criss Cross) is his sixth outing under his own name, Kreisberg is also a composer and arranger of merit that is continually exploring the possibilities of small group jazz. Kreisberg's albums, like his improvisations, contain a mixture of tunes drawn from the jazz tradition and his own original compositions.

Even when an album contains tunes that are one or the other, such as Night Songs which is a collection of jazz ballads or Unearth (Mel Bay Records, 2005) which is all original compositions, there is still a sense of Kreisberg's dual approach to writing and arranging found within his work.

When approaching a jazz standard, Kreisberg is rarely content to play the track in its original context. Instead, he is constantly looking for new ways to interpret many of the genre's classic tunes, such as his odd-meter rendition of "Stella by Starlight" from the album South of Everywhere (Mel Bay, 2007). On the other side of the coin, Kreisberg's original compositions will often have a sense of the jazz tradition weaving in and out of more modern sounding harmony and melodic phrases, such as the hard-driving composition "Fever Vision" from his 2004 release Nine Stories Wide (Criss Cross, 2005).

With such an array of accomplishments behind him, Kreisberg is showing no signs of slowing down. He is continuing to tour in support of Night Songs and is already at work on his next recording project. With such a busy schedule of performing, writing and recording, it's no wonder that Kreisberg has become one of the genre's young stars, a status that is sure to stick as he moves forward into his musical future.

All About Jazz: You began playing guitar at 10 years of age. How were you introduced to the instrument and had you always been interested in playing guitar?

I initially picked up a guitar after hearing Eddie Van Halen's playing on "Eruption." I was blown away by that great "other worldly" sound he was getting out of his guitar.

It's funny because years later I would realize that Eddie was reaching out for the sounds he'd heard from Allan Holdsworth, who was in turn channeling Coltrane. One of my childhood favorites was Coltrane's album "My Favorite Things," so I guess it all makes sense in a weird sort of way.

Tzadik 2009

Joe Lovano (ts), Dave Douglas (tp), Uri Caine (p), Greg Cohen (b), Joey Baron (dms), John Zorn (composition, as sur un titre).

 Au commencement, Masada était d’abord un formidable quartet. Avec le temps, c’est devenu un concept compositionnel que Zorn décline avec divers interprètes au fil de sa série « Book of Angels », dont voici déjà le douzième volume. En apparence, on a affaire ici à un retour aux sources partiel, puisque ce nouveau quintet comprend trois des membres du groupe original (Dave Douglas, Greg Cohen et Joey Baron). Mais la comparaison s’arrête là. En effet, l’arrivée du piano de Uri Caine et surtout du ténor de Joe Lovano – nouveau venu dans l’univers de la « radical jewish music »  – change totalement le son d’ensemble, en le tirant vers un registre plus explicitement jazz. Au premier abord, la formule semble séduisante. Servie par des musiciens d’exception, cette relecture cool et décontractée de l’univers de Masada enveloppe l’auditeur dans un confort d’écoute peut-être un peu trop douillet… jusqu’à la plage six (Rahtiel), où Zorn se décide enfin à sortir son alto de l’étui. Et là, on se réveille et on se dit : Bon sang, mais voilà ! Masada, c’était ça : cette plainte venue du fond des âges, ce cri de fureur, cette étincelle de folie, ce déferlement d’énergie… Las, Zorn remballe bien vite son biniou (ça finit par devenir agaçant, à force, ces apparitions en guest star sur ses propres disques…), et par comparaison, la suite de l’album nous paraît d’un coup bien fade. On n’y entend plus qu’un super group de jazz un peu mollasson, chez qui les influences klezmer et orientales, loin de toucher à la substance même de la musique, se résument à des gimmicks exotiques souvent un peu facile. Il n’est qu’à comparer la composition finale, Rigal, avec la version déchirante qu’en donnèrent Mark Feldmann et Sylvie Courvoisier dans le volume 3 de la série. Comme dirait l’autre, y a pas photo ! Et une fois le disque terminé, on ne peut s’empêcher de se poser la question : y aura-t-il un jour enfin un nouvel album du Masada Quartet qui demeure, malgré certaines réussites incontestables du « Book of Angels », la référence absolue de cette « nouvelle musique juive » que Zorn appelle de ses vœux ?

Pascal Rozat

un DVD de Claude Santiago

La Huit 2009-10-12

Abiodun Oyewole, Dahveed Nelson, Felipe Luciano, Jalal Mansur Nuridin, Umar Bin Hassan, Babatunde, Ronald Shannon Jackson, Jamaladeen Tacuma, Robert Irving III, Kenyatte Abdur-Rahman

Co-production Banlieues Bleues,

Nous vous parlons ici d’un temps que les moins de vingt ans etc…… Le temps de Black Panthers, le temps d’avant, le temps où les Noirs américains croyaient à la révolution par les armes, écrivaient des poèmes et inventaient alors un rap soluble dans le jazz et la funk. Les pères fondateurs du slam et du spoken word.

En 2008, à l’occasion de Banlieues Bleues ( la Huit décidément fonctionne en joint venture avec le fameux festival), Claude Santiago profitait de la reformation occasionnelle du groupe mythique The Last Poets pour faire se raconter et refaire l’histoire de ce groupe légendaire. Sans faux-semblants, ces papy’s révolutionnaires, malgré leur séparation et leurs querelles intestines gardent encore aujourd’hui le poing fermement levé, s’insurgent toujours et encore contre un monde à refaire, appellent aux armes avec un peu moins de véhémence mais rêvent toujours d’un lendemain qui chante. Ce n’était pourtant à l’époque qu’une histoire de gosses des rues qui sans en avoir conscience détournaient les prêches pour faire avec leurs mots, leur slang, une arme contondante. En 1960 Abiodun Oyewole ( né Charles Davis Jr) n’avait pas 19 ans et Felipe Luciano en avait tout juste 22 ans lorsque sorti la bande son de «  Right on ». « On se sentait partie prenante d’une révolution  mondiale » dit l’un.  «  à l’époque c’était du brut, du cash » dit l’autre.

Et c’est à l’occasion d’un concert donné à Banlieues Bleues et filmé le 11 avril 2008 à l’Espace Fraternité d’Aubervilliers,  ainsi que lors des séances de répétition et d’une master Class ( où l’on y voit David Murray en spectateur attentif) que Claude Santiago a laissé tourner la caméra, laissant chacun de ses membres d’exprimer et revenir sur l’histoire de ce groupe.  Mais si l’ouvrage est assez louable, plutôt bien réalisé ( sauf ces sempiternelles images filmées en taxi que la Huit ne cesse de nous resservir à tout bout de champ), privilégiant un graphisme très 70’s, il reste cependant dans une démarche très statique. Si le montage est très bien fait et apporte un réel rythme, on aurait cependant  aimé une approche un peu plus interactive avec l’interviewer. Mais surtout il est dommage que ce film n’ait pas été la base d’un vrai travail rétrospectif et documentaire sur le groupe, avec mise en perspective et images d’archives. Il est dommage aussi qu’en pleine campagne électorale et à la veille de l’élection du premier Président Noir de l’histoire des Etats-Unis ils n’aient pas été amenés à s’exprimer sur le sujet, les enfermant ainsi dans une sorte de vision autiste de l’histoire. De leur histoire.

Il n’en reste pas moins que ce travail de mémoire, cette plongée dans l’histoire des Last Poets montre que les banditos ont bien  gardé en eux cette fraîcheur juvénile intacte, cette même envie de foutre encore le feu et surtout la même énergie à faire damner la moitié des groupes de rap d’aujourd’hui. Et la rencontre renouvelée de ces pères fondateurs (à l’exception de Gylan Kain et de Suliaman E-hadi décédés) et de ces immenses musiciens que sont le batteur Ronald Shannon Jackson ou le bassiste Jamaladeen Tacuma ne trahit pas ses promesses. Au delà des textes, mis en valeur par leur sous-titrage (indispensable), la musique se revèle l’expression du climat d’une époque, d’une esthétique du black power que l’on retrouve avec délectation.

Les héros ne sont pas fatigués. Juste terriblement lucides sur l’histoire de ce monde qu’ils ont pourtant contribué à leur manière à changer un peu. Pourtant, en fin de DVD, ce constat amer et poignant de la part de ces grands pères poètes-combattants qui de guerre lasse laisse poindre leur amertume de l’après, du rap d’aujourd’hui, des gangs et des trafics des cités : «  On ne peut pas leur en vouloir puisqu’on ne leur a rien laissé ». Le cercle des poètes n’a finalement pas disparu.

Jean-Marc Gelin

Chant du Monde 2009

Denis colin (clb), Benjamin Moussay (fder), Julien Omé (g), Stéphane Kerecki, Arnault Cuisinier (cb), Eric Echampard, Tony Raberon (dm), Antoine Berjeault (tp, bg), Sylvaine Hélary (fl, vc), Fabrice Thueullon (bs, ss), guest Tony Malaby (ts)

La sortie du nouvel album de Denis Colin ne manquera de marquer les esprits. Tout simplement surprenant et émoustillant ! Dense et fort à la fois.

Denis Colin que l’on avait laissé avec la chanteuse Gwen Matthews revient ici avec ses fameux Arpenteurs, un nonet survitaminé galvanisé par la présence d’une double rythmique ( 2 contrebasses et 2 batteries). Avec eux, Denis Colin s’engage à fond dans une musique protéiforme où la présence exceptionnelle de Tony Malaby en invité surprise ne fait qu’ajouter à la délectation immédiate. Intégralement composée par le clarinettiste, sa musique offre une forme malléable, qui passe naturellement du trio au nonet sans rupture de « son », ce son épais et dense qui envoie de bout en bout un groove terrible et n’hésite pas à se délester de toutes bonnes manières pour venir se vautrer dans un son parfois un peu sale. Se jouant des structures polyrythmiques Denis Colin balance ce swing entre funk, rythmes africains et rock-jazz avec un sens compact de l’engagement collectif. Sans compter, sans se ménager, ces gars-là « mouillent le maillot » comme on dit ailleurs. Antoine Berjault éclatant, Benjamin Moussay décisif, Colin au plus près de son texte, étonnant dans la palette d’émotions qu’il charrie, et enfin Tony Malaby qui porte cette musique à haute incandescence avec des talents exceptionnels de caméléon. Rythmiquement, le cœur du sujet ici, qu’il s’agisse de transcender les tourneries ou d’installer parfois un climat plus sombre, plus lunaire, la double section tient la baraque à haute température, avec brio.

Il est alors question dans cet album de parler à cette zone qui se situe quelque part du côté de notre cerveau, quelque part au niveau de nos orteils et quelque part au plus profond des tripes, quelque part  où résonne l’évocation des rythmes primaires et sauvages. Cette musique explose et s’expose sans pudeur, parle à nos propres instincts, ceux de la danse et du rythme qui effleure les peaux. Cette vérité qui s’exprime par la musique nous transforme tous en pygmées Aka. La musique de Denis Colin explore avec force cette part indicible de nous-même et sans arrière-pensée et nous renvoie à nos propres origines.

Jean-Marc Gelin