ECM 2009

Anouar Brahem (oud), Klaus Gesing (clb), Björn Meyer (b), Khaled yassine (darbouka, tabläs)

Les albums de l’Oudiste tunisien se suivent et… se ressemblent un tout petit peu. Ici un nouvel album réalisé sous les auspices de Manfreid Eicher et de l’écurie du label allemand. On y retrouve donc un habitué des studios ECM, le magnifique clarinettiste basse Klaus Gesing déjà entendu par ailleurs dans le dernier album de Norma Winstone. L’alliage de l’oud et de la clarinette basse n’est pour autant pas une nouveauté et avait déjà été mis en avant par Anouar Brahem dans une précédente production avec Jon Surman. Mais c’est ici d’une autre inspiration dont il s’agit et qui s’inscrit dans une couleur résolument plus grave. Avec Brahem on retrouve ici la même  poétique du conte et l’invitation au voyage. Au centre de ce travail, beaucoup d’écoute entre les musiciens et cette façon qu’à Brahem d’imprimer sa couleur à l’album en étant tout à la fois très présent et aussi très discret, se plaçant souvent en recul derrière les autres musiciens. Cependant Brahem reste confiné dans un système musical qui, pour s’ancrer dans la musique arabe dite « savante » montre rapidement ses difficultés à sortir de son propre système musical. Un thème comme «  The Astrounding eyes of Rita », parce que justement il donne au clarinettiste un espace plus sauvage, peut montrer une voie d’évolution intéressante. Mais l‘essentiel de l’album reste confiné dans une musique de chambre, très belle au demeurant, à écouter à l’heure du thé ( à la menthe), en lisant les poèmes de Mahmoud Darwish  (1941/2008), poète palestinien dont s‘inspire Brahem dans cet album.

Jean-Marc Gelin

Miguel Zenon (as, voc), Luis Perdomo (p), Hans Glawischnig (b), Henry Cole (dms), Hector « Tito » Matos, Obanilu Allende, Juan Gutiérrez (perc, voc).

Marsalis Music 2009.

La direction prise par Miguel Zenon sur ce nouvel opus est à la fois très attendue et très surprenante. Car si ce dernier n’a jamais renié ses origines portoricaines, la présence d’influences latines dans sa musique demeurait jusque là discrète, sous-jacente, intégrée dans une conception plus large du jazz qui devait tout autant à Steve Coleman et à la scène new-yorkaise actuelle. Même sur son album « Jibaro » (2005), déjà dédié au folklore de son île natale, la composante latine était pour ainsi dire « digérée » par un quartet résolument ancré dans le jazz d’aujourd’hui. Et voilà que Zenon fait le choix de revendiquer explicitement ses racines, en s’adjoignant les services de trois percussionnistes chanteurs portoricains. Comme son titre l’indique, le disque entier est un hommage à la plena, style traditionnel rythmé et dansant où les vocalistes s’accompagnent de tambours et de panderos, sorte de gros tambourins que l’on peut admirer sur la pochette. Et la surprise vient du fait que, cette fois, le saxophoniste a choisi de rester au plus près des fondamentaux de cette musique : « Je me suis dit que j’allais garder ce rythme intact, et que j’allais écrire autour, en restant le plus fidèle à cette tradition. » (interview dans Jazzman N°152, décembre 2008) Ainsi, on pourrait dire qu’« Esta Plena » est le premier vrai disque de latin jazz de Miguel Zenon. Son disque le plus festif, aussi. Sur ce tapis de percussions endiablées, les solos de l’altiste font merveille : vif, tranchant, débordant d’invention rythmique, son style pourtant si moderne reste décidément bien enraciné dans ces grooves latins. Le pianiste du quartet, Luis Perdomo (originaire pour sa part du Venezuela), n’est pas en reste et déploie avec aisance des chorus à l’architecture parfaitement contrôlée. Plus en retrait que d’ordinaire, le tandem contrebasse/batterie se fond avec aisance dans les rythmes portoricains, tout en y apportant des accentuations inattendues. Au final, « Esta Plena » relève sans doute d’une démarche moins personnelle et originale que « Awakening », le précédent album de Zenon. Long de 72 minutes, le disque aurait peut-être aussi gagné à être plus resserré dans son propos. Mais l’énergie et l’engagement total des musiciens suffisent à balayer ces quelques critiques.

Pascal Rozat

Sophia Domancich (p), Dave Liebman (ss), jean-Jacques Avenel (cb), Simon Goubert (dm)

Cristal 2009

Fallait-il vraiment que ce trio déjà presque mythique, demande au saxophoniste Dave Liebman de venir les rejoindre pour enregistrer 4 titres ensemble ? Peut-être par crainte de se répéter, Sophia Domancich, Jean-Jacques Avenel et Simon Goubert ont en effet choisi de rompre leur face-à-face (pourrait-on dire) pour apporter un autre relief à leur musique. Mais c’est  précisément tout le contraire qui se produit ici où la présence de Dave Liebamn affadit le propos ne mettant que plus en valeur les plages où le trio piano-basse-batterie se retrouve seul. Peut-être trop respectueux de la personnalité de Dave Liebman tout se passe comme si DAG laissait le sopraniste jouer, se contenait d’assurer une rythmique pas trop envahissante et l’observait avec une certaine déférence. Le sopraniste quant à lui, habitué ces derniers temps à multiplier les sessions un peu partout dans le monde, fait ce que l’on attend de lui avec toujours autant de métier. Il devrait bien sûr y avoir du contraste entre le son grave de ce trio et les arabesques lumineuses de DAG. Mais c’est surtout lorsque le soprano disparaît et que le trio se met en marche, en interaction totale et porté ici par un Jean-Jacques Avenel dont la présence conforte cette extrême gravité que le trio révèle tout, se dévoile en toute intimité, à la fois  rythmique exceptionnelle et corps en action, dans une sorte de trialogue fécond. Chacune des plages en trio met en valeur la grande force de DAG qui navigue entre Andrew Hill, Cecil Taylor ou encore Martial Solal parfois. Un trio powerful qui ne cesse d’affirmer l’urgence de l’essentiel. La présence de Dave Liebamn, en opposition avec les 8 autres morceaux en trio, apparaît alors comme une présence contraignante où les énergies ne se libèrent qu’une fois le saxophoniste parti, à la seule exception toutefois, du très Coltranien Tursiops de Simon Goubert où les 4 semblent trouver là leur dénominateur commun.

Jean-Marc Gelin

Small Town SuperJazz 2009- 2 cds

Mats Gustafsson (bs, as, electronique), Ingebrigt Haker Flaten (cb, électronique), Paal Nilssen-Love (dr)

« Bag It! » est un album absolument renversant !

Mats Gustafsson nous racontait à Göteborg, pour la remise de son prix aux JazzKatten 2009, que The THING était le projet qui tournait le mieux! Quand on sait ce que contient la musique du groupe et ce qui se passe en concert, ce n'est pas une surprise. The Thing est constitué du suédois Gustafsson et des norvégiens Flaten et Nilssen-Love. Ces trois musiciens sont un peu les petits-enfants d'Albert Ayler qui aiment le rock'n'roll/punk/jazz déjanté et terrien aux aspérités saillantes. Un peu à l'opposé côté structure musicale, Mats Gustafsson a travaillé avec le trio AALY dont la musique est dure aussi, bigrement technique et terriblement structurée. Le point commun des deux trios est qu'ils servent d'exutoire à Mats Gustafsson le déchiré et que sur scène la musique est monstrueusement magnifique.

A partir de Live at Blå et Garage, The THING affirme son style Free Jazz Garage; sous entendu pour les malentendants: une bande de djeuns qui jouent leur musique dans le garage des parents au grand dam de ceux-ci.

Édité par le label suédois Smalltown SuperJazz, comme les précédents cds, « Bag It! » a dépassé ce cadre jubilatoire post-adolescent et présente des particularités significatives du succès de The THING. Question « démonstration d'énergie et de férocité », The THING joue des morceaux qui font son succès comme « Hidegen Fujna a Szelek » du groupe hollandais punk familial The Ex et « Drop the Gun », morceau rock-a-billy, du groupe punk japonais 54 Nude Honeys. Mais le groupe a gagné en patine et en maturité. « Bag it! » de Gustafsson est en effet une mélodie enivrante dont l'interprétation montre la profondeur émotionnelle du trio. De même, « Hot Doug », signée par le groupe, touche par sa tension et sa fébrilité. Sur le subtil « Angel » de l'inévitable Ayler et la version enlevée de « Mystery Song » d'Ellington, le groupe ramasse le discours free pour un résultat percutant et touchant. L'utilisation d'électronique en arrière-fond et les cris off-micros des musiciens sont aussi pour beaucoup dans la réussite de la musique de ce cd: ces bruits flous, souvent à peine audibles, enregistrés live ou ajoutés au mixage, apportent du trouble à la musique, la consolident et rendent plus mat les explosions caverneuses du sax de Gustafsson et les fusillades de la rythmique en(g)(r)agée. Le deuxième cd est une improvisation libre d'une demi-heure qui s'intitule « Beef Brisket » (qui nous fait comprendre clairement que ces garçons là les aiment saignants) où la multiplication des densités, des nuances sonores et des transitions rythmiques montrent le niveau d'intelligence du trio dans l'improvisation. Enfin, la musique a été enregistrée à l'Electrical Audio Studios de Chicago par Steve Albini qui a signé des noms du rock américain comme PJ Harvey, Nirvana et les Pixies. Ce producteur et vétéran des studios, qui a exprimé son dégout pour le jazz par le passé, a réalisé un travail important pour rendre la musique du trio intelligible et sonore et lui donner une identité propre.

Bref, ce disque est un must, un poids lourd de musique de la scène free européenne, à ne pas mettre entre toutes les oreilles.

Bee Jaz Records 2009.

Edwin Berg (p), Eric Surmenian (cb), Fred Jeanne (dr)

Le croirez-vous ? Edwin Berg a écouté aussi attentivement que passionnément Bach, Rachmaninov, Satie, Ellington, Chopin, Jarrett, Meldhau, Mozart, Hancock, Peterson et Garner (on en oublie sûrement…) d’après le généreux encart promotionnel sur lequel on vient de loucher chez nos confrères de Jazzmag / Jazzman. En dépit de cet amoncellement de références ou plutôt derrière lui, force est de constater que cet album n’a que très peu à voir avec le jazz. Le swing ? Absent (soulignons d’emblée la lourdeur du drumming de Fred Jeanne, confronté il faut bien le dire à ce « binarisme vagabond » de plus en plus envahissant dans la production actuelle). L’improvisation ? Souvent sacrifiée à un statisme déroutant (l’ostinato de Perpetuum Prairie), à des développements presque sirupeux rappelant davantage la musique de films ou de variétés plus ou moins anonyme des années ’70 et ’80 (Ben, la deuxième partie de Perpetuum, Remembering You) que le lyrisme vibrant des décennies précédentes. L’inventivité mélodique ? Peu convaincante tant, au-delà de quelques thèmes habiles et accrocheurs (tel Jaana), elle est noyée sous des références classiques détournées de leur esprit et de leur respiration jubilatoires (Bach, Mozart – cf. Prelude BWV 847 de Bach). Plus grave peut-être le travestissement de deux incunables du répertoire jazz : la version alanguie, modalisée avec joliesse, de Parisian Thoroughfare là où l’original, par on ne sait quel miracle, déclinait une sorte de suspension fragile du temps et de l’instrument, et la variation prétentieusement énigmatique de All The Things You Are. Alors que retenir de tout cela ? Au-delà des qualités de toucher du leader, survalorisées pour elles-mêmes, le plus solide sans doute : le talent du contrebassiste, Eric Surmenian, qui s’exprime dans l’architecture et la dynamique de ses fréquents choruses. Pour le reste, il faut y insister au regard de l’exposition médiatique de ce album, il y a là un véritable enjeu identitaire : si le jazz, cet arrachement de la singularité indissociable d’un art vigoureux de la syncope qui s’est toujours ressourcé, doit être phagocyté par de tels albums, comme déjà dans les années ’20 le faisait le jazz dit « symphonique », alors oui, il faudra reparler de ce qui meurt et de ce qui revit, de l’identité trop souvent bafouée du jazz et de ses héros et des douteux lauriers de ses lointains suiveurs et peut-être surtout de ses promoteurs.

Stéphane Carini