« Pour Rollins, il n’est pas question de divertissement. La musique trône à l’évidence, à l’étage au-dessus. Elle est spirituelle et exprime la force positive qui existe dans le monde. » Le saxophoniste Jean-Louis Chautemps (1931-2022) avait parfaitement saisi la raison d’être et de jouer de Theodore « Sonny » Rollins, son contemporain, décédé le 25 mai à Woodstock (Etat de New-York) à l’âge de 95 ans (il était né le 7 septembre 1930).

     Retiré dans sa maison de Woodstock depuis des années, ayant délaissé le saxophone ténor depuis 2014 pour des problèmes pulmonaires, donné son dernier concert en 2012, Sonny Rollins se consacrait à la méditation, lisant des ouvrages sur Bouddha, le yoga, et parfois jouait quelques phrases sur le clavier d’un Fender Rhodes. Dans un entretien avec le New York Times paru en 2020, le saxophoniste confiait : « Physiquement je souffre en permanence mais spirituellement je ne me suis jamais senti aussi bien ».

     La spiritualité aura été centrale dans la vie de Theodore Rollins, que son grand-père dénommait affectueusement « Sonny » (fiston) et qui s’inspira des mélopées chantées par sa maman, originaire des Iles Vierges, dans « Saint Thomas », calypso le plus célèbre de l’histoire du jazz, ou encore « Don’t Stop the Carnival ».

     Le saxophoniste, talent précoce se produisant auprès de Thelonious Monk, Bud Powell, sur la scène new-yorkaise dès la fin des années 40 en pleine période du be-bop, avait choisi de faire retraite après avoir acquis la célébrité avec deux albums de 1956, « Saxophone Colossus » et « Tenor Madness », seul enregistrement disponible avec son comparse –à tort présenté comme son concurrent- John Coltrane. C’est l’épisode, devenu historique, de Rollins s’entraînant seul sous le Williamsburg Bridge de New-York dont il témoignera dans « The Bridge ».

     Le saxophoniste au son majestueux, qui vouait grande admiration à Coleman Hawkins (Sonny meets Hawk, 1963) ...

...se libère de toutes les contraintes stylistiques. Il fait un séjour en Inde, c’était « tendance » alors, et ouvre un nouveau chapitre de sa carrière. Rollins accède au rang des stars, au même titre que Miles Davis, remplit les salles, se produit dans le monde entier. Chaque concert est une performance, Rollins va au bout de lui-même de son improvisation dans des envolées lyriques et fougueuses : près de trois heures un soir d’été de la fin des années 90 devant 8.000 spectateurs rassemblés dans l’amphithéâtre antique de Vienne.

     En juin 2010, à l’approche de ses 80 printemps, au festival de Montréal, c’est un Rollins à la démarche hésitante, à la stature un peu voûtée et à la chevelure couleur de neige, très chic dans sa tunique rouge que nous voyons entamer son concert par un solo intégral de dix minutes.

     Sa renommée dépasse les frontières du jazz. Réticent au début –ce n’est pas au niveau du jazz, dit-il- Rollins accepte, sur l’instigation de son épouse, l’influente Lucille (39 ans de mariage, décédée en 2004), de participer à un album des Rolling Stones (Tattoo You. 1981).

     Musicien engagé dans la lutte contre le racisme, reçu à la Maison Blanche par Barack Obama, Sonny Rollins aura toujours témoigné d’une générosité sans borne, ne s’interdisant rien, porté par une imagination, une passion de l’improvisation qui constitue l’essence même du jazz.
Ironie de l’histoire, il quitte définitivement la scène la veille du centième anniversaire de la naissance de Miles Davis.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo Jean-Louis Lemarchand et X. (D.R.)

Vendredi 15 mai

D'abord un petit déjeuner face à la mer du côté d'Agon Coutainville, à peine à 15km de Coutances avant de démarrer la longue journée du festival.

Hélène Duret avec Nils Wogram (Magic Mirrors)
Hélène Duret (clb, cl), Nils Wogram (tb), Sylvain Debaisieux (ts), Benjamin Sauzereau (g), Fil Caporail (cb), Maxime Rouayoux (dms)

La clarinettiste est une habituée de JSLP et de la salle du Magic Mirrors. Surtout Hélène Duret est une artiste qui ne cherche ni à tricher ni la facilité. Elle fait avec audace le pari de l’intelligence du public en lui livrant une musique exigeante, forçant l’écoute attentive pour saisir les évolutions de la musique entre jazz, free et musique contemporaine. Rt ce pari là, elle le gagne haut la main car le public (qui n’est pourtant pas initié et pas du tout au courant de ce qu’il va entendre) est conquis. Il est vrai que l’association d’Hélène Duret aux clarinettes et de celui qui a accompagné un temps Michel Portal et qui fut lauréat du prix du musicien européen de l'académie du Jazz est assez remarquable. Aucun des musiciens n’en fait trop et chacun est au service de la musique. L’impression après ce concert d’avoir assisté à un moment d’intelligence musicale. Brillant !

Marion Rampal ( Magic Mirrors)
Marion Rampal ( vc, g), Matthis Pascaud (g), Simon tailleu (cb), Raphael Chassin (dms), Thibault Gomez (p), Aurelien Tomasi (cl, saxs), Isabel Sörling (vc, g), Eric Allard-Jacquin (accdn)
Nous étions très curieux de venir assister à la création de la chanteuse pour sa dernière année en résidence à JSLP. Du moins c’était ce qui était annoncé sur la programme et ce qu’attendait le public. Au lieu de cela, une série de reprise d’anciennes chansons. Frustration.

Jean-Pierre Como et Javier Girotto ( cathédrale)
Jean-pierre Como (p, Javier Girotto (bs,ss)

Sublime ! des lignes mélodiques qui s’envolent et tournent dans la cathédrale. Deux sculpteurs de l’air en action. La musique comme moment de grâce qui passe de l’un à l’autre. Une émotion toujours présente dans chaque morceau. Dans chaque note. Une écoute continuelle. Un saxophoniste à l’expressivité inaltérable, totalement perché très haut dans son monde de musique qu’il semble vivre intérieurement, prêt à la faire exploser au su de tout le public.

Monty Alexander (salle Marcel Helie)
Monty Alexander (p), Luke Sellick (cb), Jason Brown (dms)
Arrivé avec un poil de retard Salle Marcel Helie (pour cause du concert précédent). D’emblée : la classe absolue ! Moanin’ sublimé et puis tout qui s’enchaîne avec une fluidité de dingue. Un groove irrésistible et toute l’histoire du jazz au bout des doigts d’Erroll Garner à Ahmad Jamal. Monty Alexander à 81 ans nous donne une leçon de jeunesse. Sa musique n’a pas pris une seule ride et garde intacte sa capacité à ressusciter un jazz qui n’est en fait jamais mort. Ses phrases sont émaillées de multiples citations. Bien sûr les gimmicks reviennent comme à chaque concert , comme ce No Woman no cry qui marque ses racines jamaïcaines et qui fait chanter le public. 
Avec Monty Alexander on est typiquement dans le concert dont on voudrait qu’il dure toute la nuit !

Et pour conclure notre venue à Coutances, direction le théâtre pour le concert d’Andy Emler Onztet ( le temps est parti pour rester).

Andy Emler (p, compos), Claude Tchamitchian (cb), Eric Echampard (dms) + Louis Sclavis, Catherine Delaunay, Thomas Savy, Laurent Dehors, Elodie Pasquier, Nicolas Fargeix, Florent Pujuila, Emmanuelle Brunat 
C'est le projet ambitieux d'Andy Emler de réunir sur scène 8 clarinettistes. la crème de l'élite de la clarinette pour une musique aussi savante qu'exigeante. C'est brillantissime et même bluffant tant les clarinettistes (toutes les formes - ou presque- de clarinettes) se succèdent avec brio.  On en a le tournis et l'on sait que la nuit venue, nos rêves seront peuplés de solos de clarinette. 
De quoi finir en beauté ce festival.

Un peu triste de devoir partir demain matin. C'est une autre musique qui nous guette : un petit air de blues.

Jeudi 14 mai

Mathias Lévy (" chant song")

Mathias Lévy (vl), Lou Tavano (vc), Laurent Derache (accdn), Sébastien Giniaux (g, cello), Jean-Philippe Viret (cb)

Il n'y a pas à dire, ce projet de Mathias Levy est une splendeur. Il tourne autour de chansons magnifiques avec des arrangements aériens. Et quel quartet ! Un son de groupe entre les cordes et l'accordéon avec un Mathias Lévy absolument superlatif dont les chorus ont fait littéralement fondre le public du Magic Mirror. La musicalité de ce musicien atteint des niveaux exceptionnels. Et si les arrangements sont aussi bien travaillé dans l’espace qu’il laisse au son et à l’enluminure des mélodies, on a quand même une vraie réserve sur la théâtralisation excessive du chant qui donne une impression de rupture dans la cohésion du quartet. Dommage.

Ellinoa : " Mejiro" ( Cinéma)

Ellinoa (vc, glockenspiel), christelle Raquillet (fl), Arthur Henn (mandoline), Heloise Lefebvre (vl), Mathilde Vrech (alto), Juliette Serrard (cello)

Pour ce projet, largement repéré parmi les professionnels, Ellinoa s'est inspirée d'un quartier de Tokyo. Celle qui est compositrice et cheffe d'orchestre est positionnée en avant dans son rôle de chanteuse qui possède par son timbre une grande force d'évocation poétique. Concert sage avec de très beaux moments portés notamment par Christelle Raquillet (habituée des lieux). L’écriture est fine et particulièrement léchée. Jamais dans l’easy listening et toujours dans des progressions à tiroirs, Ellinoa possède une vraie force impressionniste. On voyageait à Tokyo.

Direction la salle Marcel Helie où tout le monde attend ce qui s'annonce comme un moment fort du festival, le concert de Cecile Mc Lorin Salvant

Cécile Mc Lorin Salvant (vc), Sullivan Fortner (p), Yasushi Nakamura (cb), Kyle Poole (dms)

Énorme concert de notre chanteuse préférée !!! Cecile arrive sur scène mutine, détendue sans aucune forme de pression. Vêtue d’une robe déstructurée, elle annonce la couleur : rien ne sera formaté.. Elle et Sullivan Fortner s'entendent comme larrons en foire, plaisantant comme le font des camarades à la complicité évidente. D'emblée le concert s'annonce phénoménal.

La chanteuse reprend une partie de son dernier album en chantant quelques-unes de ses compositions. Par moment on l’entend comme la réincarnation de Sarah Vaughan. Mais non ! Ce n’est pas Sarah Vaughan, c'est Cecile Mc Lorin Salvant et c'est exceptionnel. Tantôt chanteuse de jazz dans la pure tradition, tantôt chanteuse de comédie musicale, tantôt dans la phrase, tantôt dans la gouaille on sent qu'elle peut absolument tout chanter et même tout transcender. Comme lorsqu'elle reprend un classique de la renaissance appris dans ses années d'étudiante au Conservatoire d'Aix. Morceau sur lequel d'ailleurs Sullivan Fortner semble réinventer le piano pour le faire sonner à la manière d'un clavecin. Et puis Cecile embraye sur des chansons en français de Piaf (mon homme) ou Trenet (la route enchantée). La chanteuse dans un moment de générosité invite Marion Rampal à la rejoindre sur scène pour deux chansons. Puis, pour conclure avec audace se transforme en Dancing Queen sur un morceau disco à faire danser tout le public de la salle Marcel Helie.

On avait alors le sentiment d'avoir assisté à un moment de liberté absolue. Cecile Mc Lorin s'autorise tout. Elle n'a définitivement aucune limite. Notre jubilation non plus.

Bill Laurance et Michael League ( Théâtre)

Bill Laurance (p), Michael League (g, basse fretless)

Passé ce grand moment du festival, nous nous retrouvons pour une fin de soirée au théâtre pour un duo d'une infinie délicatesse entre les deux fondateurs de Snarky Puppy marqué là encore par l'expérience de la complicité. Un moment d'écoute et de partage en toute intimité auquel ils nous convièrent. Une sorte de dialogue que l'on pourrait croire au coin du feu. Le public se laisse bercer par cette musique a la tendresse évidente. A la fois délicat et d'une grande élégance. On est jhuste bercés par la grâce de ces deux musiciens. Plutôt ces deux dentellières.

Fred Pasqua (batterie, voix), Nelson Veras (guitare), Yoni Zelnik (contrebasse), Laurent Coq (piano), Marie-Hélène Beignet (voix)

Pompignan, 16-18 juillet 2024

Hanji HJLP003 (vinyle) & numérique / Inouïe Distribution

Un nouveau disque du batteur, avec de nouveaux partenaires, exceptés le guitariste et le bassiste. Avec ce trio d’orfèvres, et pour 5 plages, le pianiste Laurent Coq ; et pour deux titres la chanteuse lyrique Marie-Hélène Beignet. Des compositions du batteur, mais aussi un thème d’un comparse du disque précédent, le trompettiste Yoann Loustalot (extrait d’un disque du quartette ‘Aérophone’, dont Fred Pasqua est le batteur), un autre de Mark Turner, ou encore de Milton Nascimento, et un pas de côté (du côté de Ravel) avec Trois beaux oiseaux du paradis , précédé d’une intro très libre. Très belle unité esthétique, défendue par une belle brochette d’artistes qui sont toujours au plus près du cœur de la musique. Des thèmes sinueux, mais qui vont toujours quelque part (et même là où on ne les attend pas forcément). De plage en plage, une musique de haut vol jouée par des personnalités d’exception : autrement dit un régal pour mélomanes, toutes chapelles confondues !

Xavier Prévost

Le trio est en concert, le 14 mai à Paris au Jass Club & le 16 mai à Blanzaguet-Saint Cybard (Charente) au Jazz Club Blue Perry

Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=27n9Lz542xc

SINGÜLAR

Edward Perraud (batterie, FX), Pascal Schumacher (vibraphone, claviers électronique), Sebastian Studnitzky (claviers, FX)

Label: XJAZZ ! Music

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Pascal Schumacher - Musician & Composer | SINGÜLAR

3 minutes of Singülar

Voilà un album expérimental dans lequel il est possible de s’immerger très vite... ce Singülar  porte bien son nom avec ce « u tréma » qui accentue la singularité de ce voyage au long cours dans l’espace. Le son devient sensation tissant synthés, vibraphone, trompette, batterie et électronique dans un flux hypnotique.

Dans une salle de concert luxembourgeoise trois Européens, un Français, un Allemand et un Belge, à savoir Edward Perraud, Sebastian Studnitzky et Pascal Schumacher qui ne se connaissaient pas auparavant ont expérimenté un coup de foudre musical. On le sait le jazz et les musiques actuelles sont prétexte à ces happenings d’un drôle de type entre des personnalités marquées, tempéraments forts et leaders à leurs heures.

Le premier album de  ce nouveau groupe saisit leur partage immédiat en une énergie commune liée à la même pulsation intérieure intense. Une première rencontre-qui ne devrait pas être brève ou accidentelle, où se fondent dans des textures travaillées et sophistiquées, ambient, jazz, électronique. C'est une plongée au coeur du son comme "force cosmique" avec des instruments chanteurs, le jeu sensible, explosif autant que raffiné d’ Edward Perraud, batteur tout à la fois percussionniste et coloriste en harmonie avec  les boucles hypnotiques de la trompette libre de Sébastien Studnitzky. Le son prend peu à peu son envol porté par les improvisations délicates, irréelles au glockenspiel et vibra de Pascal Schumacher. Curieux équipage qui parfois nous leurre quand on croit entendre non pas un trio mais une seule source d’un hydre à trois têtes.

Une vision fugitive, une danse envoûtante du son, avec ces chuchotements imperceptibles, ces bruissements de rêve éveillé, ce éclats de free sons, voilà ce que nous propose ce trio si peu académique. Ces pièces hors norme, il n'est pas évident d’en rendre l’étrangeté et la saveur. Parler de travail sur les timbres et textures n'est pas vain mais banal. Une dynamique audacieuse captée en studio qui jamais ne se répétera ainsi. Autrement dit le trio ne rejouera pas le CD en concert et s’embarquera avec son public vers l’immensité intersidérale pour trouver à défaut de nouveau, un ailleurs du son. Suivant un mantra  que définit Sebastian Studnitzky : il ne s’agit pas seulement de jouer de la musique, mais de ressentir l’instant ensemble. La musique naît de cette expérience partagée : brute, sans fard, mais intensément vivante et habitée.

Dans Singülar, cinq compositions peu nombreuses mais intenses et très longues (18’ pour le titre éponyme) prennent largement le temps de se déployer, « Liaima » au mitan de l’album  est construit entre ordre et dissolution, le trio toujours en évolution naviguant sans relâche entre exactitude assumée et incertitude rêveuse. Sont-ils prêts à disparaître avec « La Fin d’un Monde » ballade méditative sur la transition, le passage vers le début d’une nouvelle ère comme le résume Edward Perraud ?

Nouveau trio, nouveau répertoire mais une constante que vivent les trois musiciens : la force d’un langage rythmique, une écriture contrastée et des intuitions harmoniques. L’improvisation engendre entropie, deséquilibre, ruptures des directions affirmées. 

Quant à la pochette fantaisiste de ce Singülar "vachement singulier",  est-elle dans l' imaginaire poétique et drôle du trio' un clin d’oeil au mythique Atom Heart Mother du Floyd?

Sophie Chambon