Thomas Naïm   May This Be Love

(Acoustic guitar takes on Jimi Hendrix)

Rootless Blues/ L’Autre Distribution 

Sortie le 7 mars 2025.

Concert de sortie le 20 mars @ Le 360, Paris précédé d'une mini conférence de Yazid Manou.

Thomas Naïm

Une version sobre mais jamais désincarnée de Hey Joe commence l’album du guitariste Thomas Naïm et très vite on comprend que l’on a affaire à un maître de la six-cordes qui, en aucune façon, ne tentera de faire des reprises au plus près des originaux. D’ailleurs la version la plus proche de ce titre, je me souviens que c’est Bashung qui la donna, un soir en laissant tourner les bandes après un concert, une “version” bluffante mais sans variation.

Daniel Yvinec, directeur artistique (toujours un gage de qualité) de ce May this be love sorti sur Rootless Blues dans des notes de pochette éclairantes souligne que le son joue son rôle (micros anciens placés efficacement dans le studio et guitares d’époque Gibson et Martin). On oublie paradoxalement dès le premier thème à dire vrai, les fulgurances, le déferlement sonore, le déluge électrique des murs de Marshall. Pourtant, l’esprit de Jimi plane sur ses chansons désormais sans parole que l’on connaît si bien et a dû s’imposer sur la scène de l’opéra de St Etienne, le projet étant une commande du Rhino Jazz festival.

S’il revient sur les titres parmi les plus connus d’Hendrix, après un premier album en groupe en 2020 Sounds of Jimi, c’est qu’il semble difficile pour un guitariste d’échapper à la fascination voire à la tentation hendrixienne. Pourquoi s’attaquer à cet olympe et comment s’y prendre? S’il n’a pas choisi la facilité, il le fait en solo et en acoustique, avec l’élégance d’un pas de côté tout en cernant les contours de mélodies tout simplement envoûtantes.

Sur les treize compositions, hormis Cherokee Blues de sa plume, un Sergeant Pepper des Beatles et un Jealous Guy de Lennon seul qui s’intègrent sans mal dans la cohérence de l’ensemble, se retrouvent évidemment les tubes du génial gaucher Purple Haze, Voodoo Chile, The Wind Cries Mary...Le standard est le terrain créatif d’un musicien de jazz. Thomas Naïm est un guitariste qui a une signature sonore particulière et un jeu d’une sophistication incroyable, toujours en mouvement. Les arrangements font évoluer chaque titre au profit de ces miniatures d’une grande variété rythmique, récital de petites pièces qui prennent néanmoins le temps de tisser une ambiance, une bulle irisée, colorée par un interprète au jeu précis et vivifiant, énergique et doux. Une douce rêverie qu’alimentent ses échos tendrement mélancoliques (One Rainy Wish).Avec une virtuosité tout en retenue d’un guitariste sorcier, voilà un album d’une grande fluidité aussi apaisant qui se termine avec élégance sur ce May this be love.

Sophie Chambon

Possible( s) Quartet Gymnostrophy

Inouïe Distribution

Rémi Gaudillat et Fred Roudet trompettes
Loïc Bachevillier trombone

Laurent Vichard clarinette basse

On retrouve avec plaisir le Possible(s) Quartet actif depuis 2012 dans un tout nouveau projet sur le label IMR toujours intéressant à suivre. C’est  le même curieux équipage, un « quatuor à cordes à vent » selon le trompettiste Rémi Gaudillat à l’origine de cette formation de la région lyonnaise, une fanfare poétique et cuivrée, proche de la Marmite Infernale de l’Arfi, chaudron magique de tout ce folklore imaginaire depuis plus de quarante ans. Composé de deux trompettes, d’un trombone et d’une clarinette basse, cette association originale plutôt inédite résulte en un quartet de souffleurs, un jazz de chambre à l’alambic parfois chauffé à blanc dans certains projets comme leur Orchestique qui favorisait la danse et le rythme. Et ça danse encore aujourd’hui dans la ronde des évocations de Monk et Satie, deux musiciens unis dans une excentricité commune, un mélange de douce folie (composition “bipolaire” de Rémy Gaudillat) et d’anticonformisme... Ça danse encore mais de travers avec parfois le sautillement  monkien dans ce Gymnostrophy. Les quatre se partagent des arrangements fort réussis qu’ils font dériver tout en conservant l’esprit initial. Douze petites pièces jamais faciles mais fluides qui s’insinuent vite dans le corps et restent dans l’oreille. Les timbres s’ajustent, jouent et se combinent à merveille dans des interactions parfaitement au point dans cet hommage au couple insolite : les recompositions élégantes étagent les timbres, les réunissent en tutti vibrants. Ils s’emparent de titres connus avec brio, quatre de Monk : un enjoué I mean you démarre le programme, Ugly Beauty en marche lente le clôt et  Misterioso est revisité de façon espiègle. Dans deux pièces de Satie Gnossienne I ,  Danse de Travers II, la polyphonie laisse chaque voix s’épanouir sans rompre l’harmonie chambriste dans ce maillage serré qui ouvre des espaces de liberté comme dans Spherik - ils sont tout de même issus de la Compagnie des Improfreesateurs. Leur écriture contrapuntique a une virtuosité formelle sans saxophone et sans le soutien de la section rythmique habituelle contrebasse-batterie. Il revient en particulier à la clarinette basse et au trombone de prendre à tour de rôle la fonction rythmique dans cet exercice de style, sans filet harmonique qui demande un effort constant et du souffle, ce dont nos  compères ne manquent pas. 

Question originaux, le clarinettiste Laurent Vichard apporte quatre pièces de sa composition, les mélodies hypnotiques, feutrées de “ses” gnomiennes, la complainte mélancolique du présent du passé. Son arrangement du bien nommé Gnossienne de Minuit combinant finement les deux mélodies de Monk et Satie fonctionne parfaitement. Il fallait y penser...

Dire qu’ils ont continué à ouvrir le champ des possibles (leur premier CD) est une évidence, un titre qu’ils auraient pu reprendre d’ailleurs! On n’est jamais déçu avec ce quartet plein d’une fantaisie triste qui nous entraîne dans une rêverie poétique.

Sophie Chambon

Alain Gerber  Le destin inattendu de la tapette à mouches 

Célébration des balayeurs célestes du jazz avec Shelly Manne en point de comparaison.

Frémeaux & Associés

Le destin inattendu de la tapette à mouches - Alain Gerber

Le premier chapitre Comment la passion des brosses vint aux garçons trace une suite à son autobiographie Deux bouts de bois… Une autobiographie de la batterie de jazz où se dessinait un (auto)portrait singulier de l’écrivain en batteur de jazz, entre objectivité et sensibilité propre. On apprenait qu’Alain Gerber pratiquait l’instrument emblématique du jazz, la batterie, complexe dans son assemblage plus ou moins sophistiqué selon les batteurs (grosse caisse, caisses claires, cymbales, baguettes et ... balais). Il se disait alors plutôt un fervent partisan des baguettes et il décrivait sa caverne d’Ali Baba “La Baguetterie” rue Victor Massé à Paris.

Son fétichisme va plus loin, il s’attaque à présent à un autre accessoire indispensable, les balais ou brushes en anglais, et commence apparemment par un éloge des brosses qu’il a pu essayer, obtenant par son balayage plutôt mécanique des avancées «réelles mais infinitésimales». Sensible à la beauté du geste, il distingue cependant geste et toucher et nous fait bien comprendre que c’est l’impact du geste qui compte.

Puis très vite il se livre à une sélection pointue des grands batteurs qu’il a découvert tout jeune, remontant le cours de sa vie et s’adossant à sa pratique obstinée de l’instrument. C'est l'objet de ce Nils Bertil Dahlander (Bert Dale) et Sheldon (Shelly) Manne. Le premier est alors inconnu au bataillon-je revendique aussi cette expression dans mon cas, le second fait l’objet d’une passion, plus que d’un culte, car Alain Gerber ne se considère jamais comme groupie. Et nous aurons droit dans une troisième partie My Man Manne à un portrait aussi précis que touchant de ce musicien  extra-ordinaire, arrivé avant d’être parti, qu’il n’a hélas jamais rencontré. Découvert dans les disques Contemporary dont Shelly Manne était un peu le batteur maison-que Gerber collectionnait aussi pour la beauté de ces objets en carton, Shelly Manne, The Three & The Two est la première pièce de West Coast Jazz de sa discothèque, bientôt suivi d’Un Poco Loco et de bien d’autres titres scrupuleusement relevés avec des notes de bas de page exhaustives.

Cette étude affûtée-en fait il lui est impossible de résister à un enregistrement auquel Manne a participé, lui permet d’évoquer son art de l’accompagnement d’une sensuelle onctuosité, ses compagnonnages fructueux de Russ Freeman à André Previn, sa prestance, sa "pensée mélodique" y compris lors de ses impros en solitaire, "over the bar". Mais Alain Gerber en profite pour décrire d’autres figures des studios, des figures tutélaires Joe Jones, Kenny Clarke aux exhibitionnistes Gene Krupa, Buddy Rich.

Sans vouloir se presser, il poursuit son analyse  de l’art des batteurs qui comptent ou ont compté avec une certaine consistance dans Et pendant ce temps là… un véritable festival de brosses, pas un inventaire, plutôt un catalogue amoureux où les coups de balais sont des coups de génie avec Mel Lewis, Chico Hamilton, Max Roach, Vernell Fournier, Denzil Best … chacun et c’est l’intérêt, cité dans un de ses grands enregistrements.Il va plus loin encore en donnant une liste plus que copieuse de ces disques d’importance, une passionnante Anthologie sonore virtuelle en soixante titres Jazz Brushes 1933-1963.

Alain Gerber a mis de l’ordre dans l’écriture méticuleuse d’un écrivain spécialiste de l’art de la digression. S’il est sans illusions sur ses véritables capacités de batteur, il se "rattrape" par une réelle expertise du jazz et sa connaissance phénoménale de tous les musiciens jusqu’aux plus méconnus ainsi que des seconds couteaux .

Son livre s’adresse à tous ceux qui s’intéressent au jazz et en particulier aux batteurs. Il rend hommage à Daniel Humair qui lui montra dans les années soixante-dix comment faire des "ronds" intelligents et surtout des huit écrasés, étirés d’un bord à l'autre sur léquateur de la caisse claire. Il s’enquiert toujours auprès de spécialistes de l'instrument, son ami George Paczynski, auteur d’une monumentale histoire de la batterie de jazz en trois tomes chez Outre Mesure sans oublier le jeune batteur Guillaume Nouaux auteur d’une récente histoire de la batterie chez Frémeaux & Associés. Et en ce qui concerne cette formidable période, il nous rappelle l'importance d'Alain Tercinet qui fit découvrir le jazz cool, partuclièrement celui de la West Coast. 

Lire Alain Gerber réveille pour tout amateur des émotions que l’on croyait enfouies, passées à l‘état de souvenirs. Il suggère en véritable mentor des pistes à suivre pour continuer à se forger des mémorables expériences. On retrouve avec bonheur son éloquence parfois emphatique, un sens imparable du tempo (normal pour un batteur), ce goût réel des mots et des phrases qui sonnent, sa recherche du mot perdu et des phrases paradoxales qui restent longtemps à l’oreille. Grâce à ses conseils discographiques, on sera peut être à même d'entendre plus de choses qu'un live ne nous en ferait voir.

Sophie Chambon

Louis Beaudoin- de la Sablonnière (guitare)

Éric Normand (guitare basse)

Ingrid Laubrock (saxophone ténor)

Jonathan Huard (vibraphone)

Marianne Trudel (piano)
Rimouski (Québec), 5 Septembre 2023

Circum-Disc microcidi 036

https://circum-disc.bandcamp.com/album/folio-5

Un groupe québécois formé par le guitariste et le bassiste, rejoints cette fois par la pianiste. S’associent également le vibraphoniste, lui-aussi du Québec, et la saxophoniste Ingrid Laubrock, venue d’Allemagne vers Londres avant de s’installer aux USA (et de passer par la France pour participer au collectif Muzzix de Lille, dont elle a dirigé le Grand Orchestre en janvier). C’est le label lillois Circum-Disc qui publie ce disque.

Une musique très ouverte, autour des compositions des deux fondateurs et de la pianiste. Mélodies sinueuses et harmonies denses sont le terrain de jeu de l’ensemble du groupe. Les solistes dialoguent avec ce matériau mélodico-harmonique, tout en s’offrant des éclats d’improvisation virulente (l’intro du deuxième titre, par Ingrid Laubrock, entre autres). Un très bel exemple de ce que peut le jazz en termes de liberté, de la composition jusqu’à l’expression instantanée. Il faut cheminer de plage en plage pour savourer la belle palette offerte par ce groupe, et se dire que, décidément, Circum Disc accueille des musiques d’une très très grande qualité !

Xavier Prévost

TRIO TASIS

Label Triton 

Sortie le 7 février 2025

Les concerts | Le Triton

Carmela Delgado bandonéon
Emilie Aridon-Kociołek piano
Mathias Naon violon

Trio Tasis | FONICA
 

Ce premier album du trio Tasis ne manque pas d’atouts et cela n’a pas échappé au directeur du Triton, le club de jazz des Lilas qui a accueilli le groupe. JP Vivante s’attache à faire connaître en effet des oeuvres originales qui pourraient demeurer méconnues, voire inouïes.

PORQUE SÍ ou la vision personnelle du tango, musique d'ancrage des trois virtuoses de ce trio chambriste à l’instrumentation atypique (bandonéon, piano, violon). Ils agrémentent leur musique d’emprunts ( leur formidable culture musicale le leur permet) de la musique classique du début du XXème ( Bartok, Stravinsky…) à la chanson avec ce Parce que d’Aznavour qui prend de nouvelles couleurs sous leurs doigts.

Radical, le trio l’est tout de même dans ce désir de trancher dans le vif, de ne pas séduire les seuls tangueros, amateurs de tangos de toutes sortes à condition qu’ils puissent danser sur ces airs.  Ce qui s'avère difficile sur Porque sí,  car la montée en puissance seulement instrumentale, parfois bruitiste, imprime une tension permanente à l’ensemble dont même les accalmies sont intenses.

On est quand même sur les terres du tango avec ce qu’il faut de mélancolie mais aussi de fureur. Des assauts aussi flamboyants, on en redemande sans être forcément un passionné du genre. D’où l’invitation à une écoute continue des onze titres jamais trop longs ni pesants d'un album conçu avec soin de l’initial El Andariego d’Alfredo Gobbi, l’un des maîtres argentins de ce style jusqu’au Revirado final de l’immense Piazzola qu’on ne présente plus, avec ces attaques caractéristiques du bandonéon.

Un hommage actualisé aux grands argentins du tango Osvaldo Fresedo, Anselmo Aieta, Virgilio Exposito  et une chanson Lucia du seul Espagnol-en fait Catalan (nuance), surnommé la gauche divine où Carmela Delgado  exprime la quintessence du bandonéon, bruit des soufflets compris.

Un petit accroc au contrat avec l’emprunt à Schönberg de son Farben (mélodies de timbres et accords sur cinq sons) pas vraiment écrit pour évoquer un tango, les autorise à arpenter avec brio d’autres terres avec un malin plaisir.

Toutes ces incartades, ces passages de frontières stylistiques ne rompent en rien la cohésion  de la musique de nos trois amis qui se connaissent depuis longtemps. Fougueux, fort expérimentés, ces jeunes musiciens peuvent virevolter d’un style à l’autre sans vraiment laisser place à des sonorités planantes : grondements sourds du piano, vibrations des pédales qui rythment un ensemble ombrageux comme à l’approche de l’orage et encore un solo empruntant à Chopin sur la valse Palomita Bianca, jouée en son temps par un autre trio, celui de Mosalini/ Betelman/Caratini qui reprenait aussi la scie tanguera de la Comparsita.

"Facilité" que ne s’autorise pas notre trio dont on raffole des surgissements et jaillissements d'un bando qui tangue, de l’éclat lunaire et souvent déchirant du violon (l’archet étire certaines notes aigues) prenant parfois ses distances avec le continuo piano-bando.

Des solistes raffinés qui se  risquent à corps perdu dans ces vibrations de tonalités, rythmes et tessitures. Leur musique dessine des contrées sauvages. Cette sombre beauté, raffinée dans l’écriture, si elle impressionne n’empêche jamais de plonger dans ce lyrisme à fleur de peau.

Et le jazz dans tout ça? Cette musique, lumineuse semble très écrite (trois compositions du violoniste) pour un collectif voué aux puissances féminines du piano-bandonéon orchestrées par un arrangeur aussi subtil que créatif.

Mathias Naon révèle en effet des dispositions d’arrangeur talentueux avec par exemple cette amusante mécanique du réveil (piano et bandoneon) sur Mi Viejo Reloj & Variaciones. Une adaptation de la musique si codée du tango où chacun utilise ce qui se joue et se crée dans l’instant dans un échange souvent fusionnel jusqu’aux silences et brusques ruptures qui cassent l’ondulation de la danse.

 Cette entente plus que parfaite irrigue ces pièces purement instrumentales, un comble pour le tango qui a su utiliser les voix. Cela ne manque en aucun cas au trio Tasis d’une vitalité ébouriffante qui apporte de la sève à un genre dont la mécanique inusable pourrait parfois lasser. Purement réjouissant.

NB Le trio Tasis sera  entre autre en concert au Festival de Radio France Montpellier du 15 au 18 juillet 2025…. et pour la sortie du disque le 12 Juin 2025  dans la salle 2 du Triton.

TRIO TASIS | Tango | Le Triton

Sophie Chambon