Blue Note 2024

Walter Smith III ( ts), Jason Moran (p), Reuben Rogers (cb), Eric Harland (dms)

Allo Houston : Walter Smith sur orbite ! 

«  Trois d’entre nous sommes de Houston mais Reuben ne l’est pas ». Drôle de titre pour cet album !  Car s’il y a bien quelque chose qui émerge de ce nouvel opus c’est bien justement la cohésion de cette formidable formation que Reuben Rogers soit de Houston ou qu’il ne le soit pas.

On voudrait éviter les superlatifs s’agissant de ce nouvel opus que l’on aurait bien du mal puisque ce nouvel album du saxophoniste est peut être le meilleur depuis « Return to casual ».

Avec « Three of us…. » Walter Smith III s’inscrit en effet dans la lignée des très grands ténors américains et perpétue une tradition qui vient de loin et dont il partage les secrets avec Joshua Redman. Avec cet album, en effet le saxophoniste apporte une nouvelle preuve de ce que ce jazz-là est bien vivant et qu’il se porte bien.

Et c’est, à tout seigneur tout honneur Walter Smith III au premier chef, avec ses compos mais aussi avec son agilité de chat en éveil, capable de faire surgir un lyrisme aussi souple que velouté que revient tout le mérite. Le saxophoniste y déploie une sorte d’élasticité toute sensuelle, servie par une rythmique assez exceptionnelle, il faut bien le dire ( un peu la Rolls des rythmiques aujourd’hui).

Et puis il y a le feu « Jason Moran ». Celui qui est capable d’allumer des petites étincelles là où on ne les attend pas. Celui qui sort toujours des sentiers battus pour éveiller l’oreille dans une sorte de contrepied émoustillant.

Qu’on se le dise, ce nouvel album de Water Smith est un masterpiece.

A faire écouter dans toutes les écoles de jazz .

Jean-Marc Gelin

   Le photographe Guy Le Querrec, bien connu pour son travail sur le jazz (et pas seulement), membre de la prestigieuse agence Magnum depuis 1977, a reçu le 24 octobre à Redon (Ille et Vilaine) où il réside la croix d’Officier des Arts et des Lettres « pour la constance et la qualité de sa contribution au rayonnement de la création artistique française ».  

     François Lacharme, président honoraire de l’Académie du Jazz, qui lui a remis les insignes de l’ordre, a salué l’étonnante capacité de Guy Le Querrec à pratiquer « la culture de l’effacement » dans la pratique de son art, pour se trouver dans les meilleures conditions afin de « saisir l’instant solennel » chez les musicien(ne)s de jazz, par nature « rétifs et difficiles à capturer ». En réponse, le photographe a simplement indiqué qu’il souhaitait « se mettre au rythme » des autres et que dans son travail avec son fidèle Leica, il cherchait à « s’escamoter » pour « ajuster le déclic » au bon moment.  

     Présent à la cérémonie, le maire de Redon, Pascal Duchêne, professeur de philosophie, est resté dans le même registre en évoquant le concept grec du Kairos, l’art de « réaliser le bon acte au bon instant ».

      La vingtaine d’amis venus à Redon à cette occasion, représentant les mondes de la photographie, du jazz, de l’édition, a pu constater que le « héros du jour », parisien aux racines bretonnes, n’avait rien perdu de sa faconde ni de sa truculence.

     Lauréat du Grand prix de la ville de Paris (1998), Guy Le Querrec a traité au cours de sa carrière de différents sujets de société (la famille, les vacances…), couvert l’actualité politique (la Révolution des œillets au Portugal en 1974, la Chine, les Etats-Unis), illustré la vie quotidienne en Afrique, sans oublier la Bretagne de ses ancêtres et, ce qui lui apporta la notoriété, le monde du jazz. Son tout dernier ouvrage, paru en 2023, (« Michel Portal, au fur et à mesures ». Textes de Jean Rochard. Editions de Juillet) retrace un demi-siècle de compagnonnage avec le poly-instrumentiste. Un saxophoniste de ses proches a ainsi défini Guy Le Querrec : « il n’est pas un photographe de jazz, il est un photographe jazz ».

Jean-Louis Lemarchand, à Redon.

©photo Sergine Laloux et J.-L. Lemarchand

Russ Lossing (piano solo)

Square Water Studios (Pennsylvanie), mai 2023 – janvier 2024

Songs 002CD - Blaser Music : l’autre distribution

J’avais écouté ce pianiste avec Paul Motian, puis je l’ai retrouvé en compagnie du tromboniste Samuel Blaser, sur disque et en concert. Cet album, sous titré ‘A suite of improvisations’,  m’a procuré un vibrant plaisir d’écoute. Pendant la première plage l’amateur de jazz que je suis (combiné à un mélomane de base friand des compositeurs du vingtième siècle) pense à la fois à Monk et à Bartók. Musique ouverte, imprévisible, qui chemine librement dans une constante musicalité, mélange de foucades virulentes et d’instants recueillis. Le pianiste a enregistré ce disque chez lui, la nuit, sur son Steinway B. La prise de son restitue formidablement toute la palette sonore, la richesse des timbres, une sorte de gourmandise sensuelle de l’instrument. Liberté tonale, insolence rythmique, et constant va-et-vient entre une fluidité virtuose et une provocation délibérée du heurt assumé : jouissif, d’un bout à l’autre !

Xavier Prévost

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Une plage en suivant ce lien

https://russlossing.bandcamp.com/album/inventions-a-suite-of-improvisations

Blue Note 2024

Immanuel Wilkins. (as, compos), Sekai Edwards. (compos), Micah Thomas (p), Rick Rosato (cb), Kweku Sumbry (dms), June McDoom (vc), Ganavya (vc), Yaw Agyeman (vc)+ Cecil Mc Lorin Salvant (vc), Marvin Sewell (g)

Juste sublime !

Lorsque l'on commence à écouter "Blues Blood", quelque chose, un je-ne-sais-quoi nous renvoie immanquablement au dernier album de Meschell Ndegeocello. Serait-ce le côté oratorio ? Serait-ce la façon dont cet album est produit dans les usines de Blue Note ? Serait-ce cette obsession, pour ne pas dire « manie » des jazzmen de l'autre côté de l'atlantique de vouloir absolument signer un " manifeste" musical ? On ne sait.
En revanche, lorsque l’on regarde le communiqué de presse on voit qu'effectivement Meschell Nedegeocello est de la partie puisqu'elle a co-produit cet album. On trouve donc une forme de continuité entre son travail et celui du jeune prodige de l’alto, Immanuel Wilkins.
Mais bref, là n'est pas l'essentiel.

Car l’essentiel c’est que cet album porte fort et touche en plein. Et qu’il n’est nul besoin de sous-texte, de prétexte, de contexte ou que sais-je pour nous faire vivre cet opus et entrer dans ce qui est à ce jour l'album le plus puissant du saxophoniste.

On connaît le saxophoniste alto surdoué qui ne cesse de franchir des étapes avec, à ses côtés un autre prodige, Micah Thomas dont les schémas ascendants semblent suivre la même ligne parallèle.  Qu’une légende comme Kenny Barron décide dans son dernier album ( The Source) de s’adjoindre les services d’ Immanuel Wilkins est en soi une vraie reconnaissance, si ce n’est un sacre.

Immanuel Wilkins c’est la virtuosité alliée à la maitrise et à la douceur du dire. Jamais dans le trop et toujours dans le juste. Mais ici Immanuel Wilkins est dans une autre dimension  bien au-delà de son lyrisme. Ici c’est le compositeur et arrangeur qui nous bluffe par l’ampleur de son travail magistral et par la façon qu’il a de faire habiter sa musique. De l’habiter lui-même et de la faire incarner par d’autres. Dans cet album, il y a cet art de mettre de la densité dans sa musique qui devient à la fois très palpable et à la fois mystique.  Mais il y a aussi, comme avec Meshell, une dimension gospel qui lui vient de sa propre expérience au sein du groupe Black Monks.

Blues blood est aussi un travail sur la transmission et la réminiscence. Notamment au travers des souvenirs venus de l’enfance. Wilkins évoque des souvenirs culinaires comme une forme de transmission d’une tradition remontant au plus loin du plus loin, à l’Afrique. Sur scène, pour la représentation de Blue Blood, il est même prévu de préparer des repas en laissant les micros ouverts sur les bruits de la marmite mijotant et sur les couteaux qui coupent. Why not ? Après tout la musique est aussi une expérience sensorielle.

Mais, comme on le disait précédemment, pas besoin de se raccrocher au prétexte pour rentrer dans cette musique aussi fascinante que belle. Chargée d’émotions. Elle se suffit à elle-même dans un moment de parfaite plénitude.

Incroyablement peacefull .

Jean-Marc Gelin

ADELE VIRET QUARTET

CLOSE TO THE WATER

Label LZI415/ L’Autre Distribution

www.adeleviret.com

Adele Viret, cello, composition

Wajdi Riahi, piano, Fender Rhodes, vocals (7)

Oscar Viret trumpet, vocals(5,7,9)

Pierre Hurty, drums

Le nom de Viret évoque sûrement quelque chose, n’est-ce pas? C’est que dans la famille Viret la musique est essentielle : avec son plus jeune frère Oscar, trompettiste, Adèle violoncelliste forme avec son père, Jean-Philippe, contrebassiste, un Triumviret savoureux et remarqué.

A vingt-cinq ans Adèle Viret a déjà une solide et belle expérience musicale ( ONJ des Jeunes Denis Badault, Sessions Medinea), des projets et de la musique plein la tête. Et ça s’entend dans ce groupe d’amis qui ont partagé de nombreuses aventures musicales depuis le conservatoire. Comment se joue cette partition très écrite, au piano pour commencer qui évolue et se fortifie en quartet? La trompette est indispensable à l’équilibre cello-piano-batterie. Oscar Viret semble à l’aise dans ce contexte : il est difficile de retrouver ses influences si ce n’est Ralph Alessi, Ron Miles? Quelque peu lunaire, voire élusif, le son droit flotte léger et fantasque.

Dans l’aventure émouvante d’un premier album, Adèle Viret, variant les nuances et climats, fait se croiser mystères, instantanés et révèle le tempérament d’une personnalité musicale à découvrir. La singulière cohérence de l’album découle de l’inspiration au plus près de l’élément liquide, sans terrain balisé pour autant : de nombreuses ruptures de rythme parfois inattendues, des dissonances à grands coups d’archet, un jazz de chambre volontiers bleuté, une musique énergique ourlée de lumières et vapeurs.

Close to the Water soit l’alternance de rivages Nord-Sud, de la Bretagne à la Méditerranée, la mer encore et toujours oriente les compositions d’Adèle, mélodies atmosphériques aussi lumineuses que mélancoliques. Le morceau-titre qui débute l’album favorise le duo batterie trompette avant que le violoncelle et le Fender n’interviennent. La mélodie peut alors se déployer.

Choral to the sea, une mélodie entêtante des Balkans dont le souffle dans le rythme ne retombe pas et Ceux qui sont loin sont deux pièces inspirées par la mer Méditerranée. La seconde, une élégiaque ritournelle, fut écrite dans le cadre enchanteur de la Fondation Camargo de Cassis, pendant une des sessions de Medinea, projet trop peu connu développé au cours du Festival d’Aix en Provence pour favoriser les échanges entre jeunes musiciens de toute la Méditerranée sous la direction du saxophoniste belge Fabrizio Cassol qu’elle reconnaît volontiers comme un mentor.

Suivent encore dans ce recueil d’impressions tournées avec élégance “Novembre” plus sombre et opaque parfois, “Made in” (Méditerranée bien sûr, le tropisme est connu à présent) où le duo fraternel se rapproche complice, mêlant heureusement leurs timbres singuliers en contraste avec l’autre duo impeccable piano et batterie. Une rythmique puissante et vigoureuse qui excelle par ailleurs dans ce singulier “The Watchmaker” qui se démarque dès le tic-tac initial : une précision toute mécanique comme il se doit dans cet exercice d’horlogerie fine.

Quant aux Courbes, comme celles de la pochette, elles s’apparentent aux vagues où se rejoignent trois voix complices au-dessus de la batterie qui concasse les sons comme des galets sur un sable rendu soyeux par le flux et reflux.

Dans ces divers tableaux, chanteurs à leur manière, les partenaires suivent une musique lyrique et retenue à la fois. Avec le quartet d’Adèle Viret, on aborde la fin de ce voyage maritime en résonance avec une prière qui s’éteint doucement.

Sophie Chambon