STEFY HAÏK sings and loves BURT BACHARACH

Frémeaux et associés

2023

Enregistré par Dominique Blanc-Francard

Pas étonnant que la maison Frémeaux qui s’attache à faire oeuvre de mémoire rende hommage par la voix de la franco-américaine Stefy Haïk à un merveilleux songwriter de l’American Songbook, Burt Bacharach (1928-2023) pianiste, arrangeur et chef d’orchestre qui a marqué l’histoire de la chanson et des musiques de film des sixties et seventies. Nous ne citerons qu' un exemple parmi une production pléthorique,  la B.O de Butch Cassidy and The Sundance Kid pour lequel il obtint l’oscar de la meilleure musique en 1970. Des labels ( Blue Note ou  la Motown ) comme les jazzmen se sont emparés de sa musique de Diana Krall (The Look of love dans Casino Royale) à Sonny Rollins pour Alfie du film éponyme, chanson que Stefy Haïk chantait déjà dans son premier album The Longest Mile.

Cet album de jazz vocal fera plaisir à tous les amoureux de la musique de Burt Baccharach-ils sont nombreux, même si nous sommes beaucoup pen France du moins, à fredonner ses chansons sans toujours savoir qui en est l’auteur. Ce que chantait déjà notre Trenet dans L’Âme des Poètes.

Dans la mémoire collective américaine, ce formidable mélodiste a toute sa place et aujourd'hui encore dans la comédie musicale  Joker 2 de Todd Phillips, on entend dans un recyclage habile autant Bewitched de Rodgers and Hart que Close to you.

La chanteuse franco-américaine reprend dans cet album soigné quelques unes des mélodies du duo magique Burt Baccharach- Hal David ancrées dans la mémoire consciente ou non qui nous ont touché voire ému. Elle en délaisse d'autres peut-être trop attendues comme Raindrops keep falling on my head au profit de ce God give me strength écrite avec le "versatile"(au sens anglais) Elvis Costello, autre référence de la chanson ou My Little Red Book entendue dans What’s new Pussycat? Retenons encore une curiosité, le duo réussi avec Bruce Johnston dans Wives and lovers.

On retrouve néanmoins  des tubes comme What the World Needs Now  popularisé par Dionne Warwick avec Walk on by, A House is not a home ou Close to you dont la déchirante Karen Carpenter donna une version inoubliable sans oublier la grande Aretha Franklin pour laquelle fut écrite I say a little prayer.

Les arrangements essentiels dans ce genre d’exercice sont écrits de main de maître par le pianiste Olivier Hutman. La chanteuse est  entourée par la fine fleur de nos musiciens Hugo Lippi à la guitare, Hermon Mehari à la trompette, Sylvain Romano à la basse, André Ceccarelli aux drums… Il faudrait les citer tous car ils offrent un accompagnement idéal  à  la voix chaude et sensuelle, au phrasé résolument jazz de Stefy Haïk. Très élégant dès le démarrage de I”ll never fall in love again, son swing est subtil et son énonciation claire (elle est aussi une enseignante accomplie).

On pourrait reprocher une certaine  facilité à la pop musicale, avoue même Stefy Haïk de quoi dégoûter les puristes jazzeux qui d’ailleurs ne connaissent pas bien ce répertoire. Mais composer une chanson qui touche le plus grand nombre est un art qui n’est pas aussi mineur qu’on voudrait nous le faire croire. Un art qui requiert et c’est le cas ici, complexité harmonique et rythmique sur une mélodie qui semble “facile” et qui reste en tête,  un fredon qu’agrémentent des paroles que l'on retient. Car avouons- le, l’anglais swingue et colle parfaitement à cette pop pas si sucrée en définitive. Alors si tous ceux qui comptent ont chanté Burt Bacharach, en écouter une nouvelle version est toujours irrésistible.

Sophie Chambon

Pianoforte

Artwork 2024

Baptiste Trotignon, Pierre de Bethmann, Bojan Z, Eric Legnini ( p, fender)

Attention les amis, ici ça jazz très très haut et l’on peut vous dire que les lignes à suivre vont vite manquer de superlatifs.

Cet exercice de style à huit mains ( deux pianos et deux fender) côtoie en effet les sommets du jazz ! Peut-être du fait que, justement il est bien plus qu’un exercice de style mais un vrai moment de musique aussi inédit qu’inouï.

Si l’on était resté un peu dubitatifs par le côté performatif montré à Marciac, on est en revanche totalement bluffés par la version studio de ce qui apparait comme un instant de fusion musicale où le plaisir de faire de la musique ensemble n’a jamais été aussi communicatif. Les quatre alternent ici tout à tour le rôle du piano et du Fender Rhodes pour ce mariage acoustique/électrique absolument génial.

Même si les indications de pochette précisent qui joue de quoi et s’il est à gauche ou à droite, il faut avouer que l’on a un peu de mal à les repérer. Et c’est tant mieux car le résultat est d’une cohérence parfaite. Ces quatre monstres sacrés qui connaissent sur le bout de leur clavier ces thèmes du répertoire jazz ou brésilien peuvent se fondre dans les lignes mélodiques ou harmoniques, dans les lignes de base comme dans la pulse de l’improvisation avec une virtuosité qui donne autant le tournis que quand on les voit sur scène changer de clavier dans une sorte de ballet savamment orchestré.

Pas de section rythmique ici ( manquerait plus que ça !) mais un vrai orchestre à eux tout seuls qui nous laisse un peu comme des lapins devant les phares de la voiture : éblouis et captivés.

Au final, ça groove sévère, ça invente tout le temps, ca s’entend avec aisance mais ça surprend tout le temps.

En deux mots : jouissif et génial !

Jean-marc Gelin

Enrico Pieranunzi (piano), Marc Johnson (contrebasse), Joey Baron (batterie)

CAM Jazz 7977-2 / l’autre distribution

Boulogne Billancourt, La Seine musicale, 13 décembre 2019

Le premier disque de ce trio, ‘New Lands’, enregistré voici 40 ans et quelques mois, je l’avais écouté dès sa sortie, et tout de suite aimé.

Après tout ce temps, j’aime toujours, et plus encore, ce trio. Le premier thème du CD me rappelle l’une des deux compositions originales du pianiste pour ‘New Lands’ ; et l’on retrouve aussi sur ce nouveau disque un thème que le pianiste avait déjà gravé avec ces deux partenaires voici un peu moins de 40 ans. Avec le temps, Pieranunzi et ses acolytes sont devenus plus libres que jamais. C’est enregistré en concert : ça fuse, ça échange, ça rebondit ; audace, passion et goût du risque à tous les étages. Un indescriptible mélange d’absolue maîtrise et d’ extrême abandon. C’est un festival de plaisir partagé…. Public de La Seine Musicale très enthousiaste, et le chroniqueur itou. À découvrir de toute urgence !

Xavier Prévost

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Un avant-ouir sur Youtube

https://music.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_nwIi1hwyYDfA16hRXVAFPz3LCFLE4dvTg

Anzic records 2024

Anat Cohen (cl) Tal Mashiach (b, g), Vitor Gonçalves (p,accordeon, James Shipp (vb,perçus)

On manque de superlatifs chaque fois que l’on évoque la clarinettiste israélienne Anat Cohen.

Ce dernier album, le deuxième qu’elle signe avec ce quartet de ployintrumentistes (géniaux), ne déroge pas à la règle et même porte à son point culminant le langage d’Anat Cohen.

Un langage universel qui s’approprie celui du Bresil et de la musique sud-américaine  avec un sens de la mélodie et du swing à nul autre pareil. Tout ec qu’exprime Anat Cohen est en effet porteur de soleil et de lumière tant son lyrisme est toujours empreint d’une énorme dose d’optimisme et de joie. C’est cela : Anat Cohen est solaire !

Elue plusieurs fois clarinettiste de l’année et nominée aux Grammy Awards, Anat Cohen, à l’aube de la cinquantaine s’impose comme l’un des plus grands talents de la scène du jazz actuel. On trouve chez elle ce qui fait la marque des plus grands : l’alliage d’une énorme exigence musicale avec l’apparente fluidité d’un geste libéré et jubilatoire. Du plaisir de faire de la musique, tout simplement.

Chaque membre de ce quartet apporte ici ses propres compositions teintées de danse, de swing, de ballades et même parfois d’un brin de mélancolie. Et le résultat est de très haut niveau et vous amène à vous lover dans une sorte de cocon musical dans lequel tout simplement on se sent bien.

Anat Cohen : «  Cela me rendrait très heureuse si, lorsque les gens nous entendent en concert ou écoutent l’un de nos disques, ils ont le sentiment de « là où il y a une volonté, il y a un moyen ». Tout cela demande un réel effort, maîtriser un art, engager une conversation et s’écouter les uns les autres, faire ce qu’il faut pour partager quelque chose de significatif – et écouter le public demande aussi un réel effort, pour être pleinement présent dans l’instant, pour être en phase avec ce qui se passe sur scène ou avec ce que quelqu’un a écrit sur un disque. De nos jours, tant de choses dans la vie dans le monde peuvent être douloureuses. Je sais que la musique est le seul endroit où je me sens complètement en sécurité. Ce groupe me fait sentir que tout est possible et accepté. Nous devons chérir ces expériences, tirer le meilleur parti du voyage. J’espère que les gens viendront et qu’ils vivront la musique de Bloom comme nous, comme quelque chose de positif, d’unificateur, de joyeux. »

Et de fait avec « Bloom », la clarinettiste sur la lancée de son amour pour la musique brésilienne et sud-américaine,  signe ici son ode à la joie.

Juste beau.

Anat Cohen et son Quartetinho sera au Duc des Lombards à Paris le 31 octobre

MIGUEL ZENON : » Golden city »

Miel Music 2024

Miguel Zenón (as); Diego Urcola (tp, tb à pistons) ; Alan Ferber (tb) ; Jacob Garchik ( tb, tuba) Matt Mitchell (p) ; Miles Okazaki (g) ; Chris Tordini (b) ; Dan Weiss (dms) ; Daniel Diaz (perçus)

Décidemment le saxophoniste new-yorkais de Porto Rico ne cesse de nous éblouir d’album en album. En multipliant les formes, les associations et les points de vue sur la musique, Miguel Zenon ne cesse de nous surprendre.

Lui qui creuse sans cesse le sillon de ses origines latino-américaines et de ses liens au jazz, lui qui a co-fondé le formidable SF Jazz Collective s’attache ici à une visite musicale de cette ville, San Francisco, la ville dorée, celle de son histoire et de ceux ( les migrants notamment) qui l’ont écrite.

L’écriture de cet album est éblouissante et d’une grande richesse musicale. Et la meilleure preuve c’est que lorsque la complexité de la musique laisse place à une écoute aussi fluide qu’évidente, on sait que l’on est face à un travail majeur qui jamais ne cède à l’exigence sans jamais perdre l’auditeur.

Miguel Zenon écrit en maniant les polyrythmies ( comme il l’a toujours fait), les ryhtmiques impaires et parfois les dissonances qui donnent une force particulière à son discours.

Cet album navigue sans cesse entre l’homogénéité collective et le rôle majeur des solistes avec une place toute particulière aux harmonies des trombones et tuba.

Et puis il y a Miguel Zenon, le saxophoniste. Toujours porté par un discours « entier ». Entendre par là un engagement sans faille dans sa musique formidablement ancrée dans « son » sol, son histoire musicale. Il y a dans la phrase de Miguel Zenon une forme d’urgence tellurique. Il ne suffit pour s’en convaincre que d’écouter «  wave of change » pour sentir le souffle puissant de cette expression.

Ce qui pouvait apparaître dans les précédents albums comme une force individuelle de Zenon, presque introspective se transmet ici  au collectif dont il est , en l’occurrence un des formidable serviteur.

Exaltant !

Jean-Marc Gelin