Il est parti en douce, à bas bruit ce jeudi 12 Février. On le savait malade, les nécros étaient prêtes. On n’a appris sa disparition que plus tard, le dimanche 15. Les hommages sont alors arrivés en rafale.

J’ai tenté de ramasser des souvenirs épars forcément... une si longue carrière. Des concerts, j’en ai vu quelques-uns dont je n’ai pas retenu les dates étonnamment, souvent en duo avec Martial Solal, Sylvain Luc, Richard Galliano, Louis Sclavis, en quartet (Daniel Humair, Jean Paul Celea, Louis Sclavis) avec ou sans Bojan Z.  Dans des lieux souvent remarquables comme le Palais des Papes, la Tour d’Aigues,  les Arènes de Montmartre, la Grande Halle de la Villette … et le parc de l’Abbaye de Cluny. En août 2010, là je m’en souviens, je suis revenue en train avec lui. Après avoir monté sa valise dans le TGV, la conversation a vite pris un tour presqu’ amical, à bâtons rompus, sur ses débuts dans les bals, sur Tony Murena, sur son Bayonne « la ville parfaite » selon Barthes… On a même échangé sur le livre que j’avais dans mon sac, Indignation de Philip Roth qui m’avait bouleversée et que je crois bien lui avoir raconté. Il est descendu à Avignon Courtine et je suis rentrée à Marseille. Fin de l'épisode.

 Je n’ai jamais voulu ni pu sans doute l’interviewer ou même tracer son portrait. Au mieux quelques remembrances de concerts et de disques d'une figure impressionnante qui ne se voulait pas idole.

Comme le duo à Cluny des « basques bondissants du jazz :

« Les deux hommes se connaissent depuis longtemps et ont appris à se jauger. On croirait qu’ils « jouent au chat et à la souris ». Portal va-t-il être déstabilisé par ce rythmicien d’enfer ? Luc est un partenaire vraiment digne de lui. Le jazz n’est qu’un prétexte pour ce musicien... et s’il joue un « Nuages » légèrement déconstruit, c’est seulement pour rendre compte d’un passage obligé. Il avoue ne pas interpréter souvent de standards, alors qu’il revendique volontiers son identité basque, tout en rêvant d’un sud imaginaire, celui du voyage et des rencontres. Il joue de toutes les formes au gré de son inspiration, blues et ballades, avec une facilité toujours aussi déconcertante, s’ajustant quasi instantanément, glissant sur le thème tout en pratiquant brillamment l’art de la digression... Quand à Portal, il n’est heureux que quand il joue et prend des risques en scène... il sait faire danser les gens avec un guitariste ou un accordéoniste depuis que, dans sa prime jeunesse, il a tourné avec des orchestres de bal (Tony Murena). Cha-cha, mambo et boléro n’ont pas de secret pour lui. Mais s’il sait donner au public ce plaisir des airs populaires, il peut soudain virer de bord, aborder autrement le répertoire, jouer free, lancer un solo retranscrit de mémoire, se lancer dans une improvisation comme dans le brouillard, à ceci près qu’il a, lui, les idées claires. La polyvalence est une de ses qualités premières, il maîtrise la plasticité du son et des formes. Une autre façon de mettre en jeu le corps, de jouer avec le souffle ou le vibrato, de taper du pied, de s’abandonner jusqu’à la transe parfois, et de danser (ce n’est pas un hasard si l’un de ses derniers albums s’intitule Bailador). Il s’exprime autrement, il déglinguerait presque ses « binious », soufflant dans le bec, triturant les clés, et lançant ses fameux cris « Like a bird on the wire » : il ne donne pas dans la démonstration technique, mais quand il est parvenu à jouer ce qu’il entendait dans sa tête, il exulte. Et cela se voit ! "

Ayant souvent entendu évoquer les mythiques concerts de Châteauvallon 1972 et 1976, j’ai tenté lors d’une réédition bienvenue d’en rendre compte en 2003 :

« Que faisiez-vous en cette fin d'été 72 ? Vous dansiez ? Vous flirtiez ? Ou bien n'étiez-vous que l'ombre de vous même dans un désir adolescent ? Même si je ne le connaissais pas alors, le Michel Portal Unit jouait pour nous, obstiné, rageur et détaché de toute autre préoccupation que de faire entendre la musique en création. Le seul hommage qu'on puisse lui rendre aujourd'hui est d'écouter avec recueillement ces plages enregistrées au Théâtre Antique de Chateauvallon...
Avec cette structure ouverte, basée sur l'improvisation libre, célébrant le hasard et la nécessité lors de ces rencontres informelles, la théâtralisation était de mise dans un lieu tout désigné, inspirant une dramaturgie de l'acte musical, sans oublier fantaisie, rythme, sens de la fête et donc de certains dérèglements. Prêt au paroxysme, Portal jubile, exulte autant qu'il éructe. Certains assurent que tout cela ne fut presque jamais répété, et on le croit sans peine… Ils étaient très beaux de surcroît, on a la nostalgie que l'on peut… Imaginez qu'en plus, Charles Mingus venait de se produire en première partie de ce concert même... Mingus en interview s'était interrompu pour écouter les Frenchies en regrettant presque qu'ils jouent aussi bien une musique qui n'était pas la leur. Il régnait une drôle d'ambiance dans ce festival qui ne voulait pas s'annoncer comme tel, mais qui accueillait aussi bien Don Cherry et sa tribu. Donc, le 23 Août 72 eut lieu cet événement. Quand j’ai chroniqué ce disque, j’eus une pensée émue pour les heureux mortels qui avaient vécu en direct cette expérience singulière d'un jazz libre et percutant. »

Alors quelle fut l’année mirifique, 1972 ou 1976 ? Car il y eut toujours en août quatre ans plus tard un autre Châteauvallon extraordinaire (une version angélique d'un Portal intimidé par le bouleversant thème aylerien?) dont Francis Marmande avait fait un compte-rendu inoubliable dans d’impeccables notes de pochette, concluant avec superbe: « Ce n’était pas rien. Ils dessinaient pour l’éternité, mais ils dessinaient à la craie. Reste le disque... »

Et puis il y eut encore cet album improbable Minneapolis. Je n’ y étais toujours pas... 

On nous l'avait assez présenté ce Minneapolis ... Idée originale ou concept du producteur Jean Rochard, la chronique du chef d'oeuvre annoncé tourna au règlement de compte pour un musicien qui n'aura jamais cessé de déranger. Portal, l'homme aux mille expériences et au souffle unique. Un homme de préférences, qui a voulu s'affranchir jadis de la filiation noire, aux temps mythiques de Châteauvallon et de Splendid Yzlment. Aujourd'hui il part chercher le dépaysement. Au sens propre. A Minneapolis. Qu'était-il donc allé faire dans la cité du Nain Pourpre ? Se frotter à des musiciens étrangers, se faire bousculer par la rythmique princière ? A première vue, le bassiste Sonny Thompson et le batteur Michael Bland, membres du NPG, le pianiste anglais Tony Hymas, qui a joué avec Jeff Beck mais aussi Sam Rivers, le guitariste Vernon Reid (ex-Living Colour) appartiennent à un autre monde. Mais ce n'est pas l'apartheid avec d'un côté les bêtes de frappe, rigides mécaniques et de l'autre les frêles intellos !  L'album dans tout çà ? Atmosphère électrique et rap, rythmique vigoureuse, dure et drue et en contrepoint le frémissement, les emportements du soprano, ou de la clarinette basse de Portal. Toujours le même bonheur quand il souffle : dans des thèmes tendres comme ce "Judy Garland", dédicace mélancolique à l'héroïne du Meet me in St Louis de Minelli, l'enfant de Grand Rapids pas si loin de la Twin City de St Paul-Minneapolis justement. Ou dans la reprise, très critiquée (pourquoi donc au juste n'a-t-il pas le droit de revoir ce thème ?) de l'éternel "Good Bye Pork Pie Hat" de Mingus en version étirée, presque susurrée sur tempo funk. Un hommage, retourné en quelque sorte, au plus profond de la clarinette basse. Jusqu'au cri final...

Sophie Chambon

Et  encore, par plaisir,  ce texte de Jean-Jacques Dorio qui était  à Châteauvallon en août 76 : Tombeau de Michel Portal

Christophe LeLoiL (trompette, bugle, composition), Rob Clearfield (piano, composition), Maud Fourmanoir (flûte, flûte alto), Laetitia Pont (violoncelle), Pierre Fenichel (contrebasse, composition), Fred Pasqua (batterie)

Rognes (Bouches-du-Rhône), 18 juillet & 28 septembre 2024

Arts et Musiques / Inouïe distribution

Sous-titré ‘Music for 2, 4 & 6’, c’est un album suscité par la collaboration du trompettiste avec le pianiste de l’Illinois Rob Clearfield (souvent marseillais, et dont la musique se fait entendre aussi plus au Nord, jusqu’aux clubs parisiens). Comme le sous-titre l’indique, on évolue au fil des plages d’un duo piano-trompette au quartette, en passant par le sextette (puis retour au duo). On pourrait aussi parler de quatuor et de sextuor, car la musique, dans ses thèmes comme dans ses arrangements, tend manifestement l’oreille vers la ‘musique classique’, au sens large. Mais c’est bien d’un disque de jazz qu’il s’agit, car l’écriture, l’interprétation et l’improvisation ressortissent clairement à cet univers. Le premier thème, en duo, pourrait s’entendre comme un standard, mais aussi comme un impromptu romantique. Et le suivant, en sextette, comme une harmonisation tendue qui s’émanciperait vers les rythmes syncopés et les balancements dont le jazz raffole depuis le début des années 60. Puis sous le titre de Mystic Blues (introduction et thème), on va cheminer avec gourmandise dans les souvenirs de la musique dite savante du début du vingtième siècle tout en se lovant dans une pulsation tenace. Ailleurs une entêtante mélodie de flûte va nous conduire vers des vertiges harmoniques. Sans aller plus avant dans une tentative de description qui serait vaine (car elle n’épuiserait pas la réalité de la musique), je dirai simplement que c’est un (très) bon disque de (très) bonne musique. Et l’engagement de chaque interprète dans l’intensité du propos ravit le mélomane jazzophile que je suis.

Xavier Prévost

Hugo Lippi          Olha Maria

Label For Musicians Only/ Distribution -Intégral Pias

Sortie le 23 Janvier 2026.

Concert de sortie de l'album le 10 mars à 20h30 au Studio de l’Ermitage (Paris 20ème).

Stéphane Belmondo (tp)
Gael Rakotondrabe (p)
Laurent Vernerey (b)
Denis Benarrosh (dm)
Hugo Guezbar (g)

Sorti sur le label For Musicians Only et Caramba Records, Olha Maria nous fait entrer dans les souvenirs et bonheurs d’écoute d’un des très grands guitaristes de la scène française Hugo Lippi. Il ne s’arroge que deux titres sur les onze de l’album, préférant jouer des compositions qu’il a aimées, recréer la vibration d’une époque, trouvant, avec le CBE de la rue Championet à Paris, inauguré en 1966, « année mirifique » selon Antoine Compagnon, le studio idéal. Fidèle aussi  à l’esprit de certains labels des seventies comme CTI de Creed Taylor. Se dessine ainsi le portrait d’un musicien exigeant et discret, conscient d’un certain engagement artistique.

Coup au coeur assuré dès le premier titre, le mélancolique « Still Crazy after all these years » du formidable songwriter Paul Simon.

Mais l’heure n’est pas à la seule nostalgie : entraîné par la rythmique souple mais assurée de ses complices Laurent Vernerey et Denis Benarrosh, habiles à le suivre et à donner une chair supplémentaire à la mélodie, Hugo Lippi vire sur le versant rock avec la reprise de la chanson de Donald Fagen (cofondateur de Steely Dan) en 1972 « Do it again ».

N’ayant pas peur de s’attaquer à des chansons passées dans la mémoire collective comme « l’Hymne à l’amour » de Marguerite Monnot que Piaf immortalisa, le guitariste accompagne avec une exquise légèreté Stéphane Belmondo au bugle, plus fragile qu’à l’ordinaire.

Le disque s’envole vers la mitan de l’album avec la reprise du génial Freddy Hubbard « Little Sunflower » (1973) créé sur le label CTI justement  : sur un rythme chaloupé, la trompette et la guitare dansent un hymne au soleil, avec une grâce suspendue aux fines notes d’un piano et d’une guitare cristallines.

Les recréations choisies et montées avec soin voyagent d’un style à l’autre avec aisance, dans une légereté et sûreté de phrasé. Libre à celui qui écoute de se lover dans ce nuancier émotionnel sur l’un des versants, rêve éveillé au fil de la mélodie ou groove dynamisant sud-américain. Les titres s’enchaînent dans une diversité joyeuse, Hugo Lippi sait faire le lien, sans perdre de cohérence. Cela fait beaucoup de modèles, sans oublier Django dont il a revisité dans un disque antérieur l'inoubliable "Manoir de mes rêves", Hugo Lippi s’inscrit dans une belle lignée et parvient à dégager un style singulier qui le fait reconnaître très vite.

Prix Django Reinhardt 2020 de l’Académie du Jazz, Hugo Lippi n’est que le sixième guitariste à être décoré depuis sa création en 1954. Il mérite cette reconnaissance car il nous livre en toute simplicité un véritable récital de guitare, de Wes Montgomery dont il reprend avec un autre guitariste Hugo Guesbar « Up And At It » dans l’esthétique vintage de l’époque à Jim Hall ou Kenny Burrell. Un guitariste dont les doigts agiles se baladent sur sa gratte, pas vraiment soucieux des effets de pédale et divers trucs électroniques. "Les mélodies qui marchent, ce sont celles que l’on peut jouer a cappella sans accompagnement harmonique".

D’un éclectisme de bon aloi, il nous livre une toute petite pièce qui swingue « Alley Cats » mais il n’a pas peur d’enchaîner avec l’un des tubes de la grande prêtresse de la pop anglaise le « Babooshka » de Kate Bush (1980).

Il a su s’entourer d’un pianiste rare que l’on découvre, soutien constant, portant le disque jusqu’à la fin, Gaël Rakotondrabe. Avec le  don précieux de savoir finir un album en beauté sur le standard « But Beautiful  » de Jimmy Van Heusen où guitariste et pianiste unissent leur chant lyrique, poétique, discrètement nostalgique. L’heure est à la douceur des souvenirs estompés par le temps, à leur recomposition. Mais la réminiscence est tendre, lumineuse (« Spolete »), Hugo Lippi et ses complices préservant fraîcheur et mystère. Un album régénérant en ces temps violents, à déguster comme il se doit.

Sophie Chambon

Enregistrement de 2021 à 2023.
Double CD et livret de 100 pages (français-anglais).

nato/Bigwax. Paru le 9 janvier.

     C’est l’histoire d’une rencontre entre une musicienne d’aujourd’hui, la clarinettiste Catherine Delaunay et un écrivain anarchiste à cheval sur les deux siècles passés, Octave Mirbeau (1848-1917), auteur prolixe (‘La grève des électeurs’, ‘Le journal d’une femme de chambre’, ‘Les 21 jours d’un neurasthénique’, ‘Les affaires sont les affaires’…).

     Tout commence aux Damps, village normand proche de Rouen où l’artiste bretonne s’installe et découvre que l’auteur y vécut de 1889 à 1893. Catherine Delaunay monte un projet ambitieux, raconter l’histoire de cet écrivain qualifié par Apollinaire de « seul prophète de ce temps ». C’est donc une suite musicale qui nous est proposée où alternent lectures d’extraits d’Octave Mirbeau (portant sur des engagements politiques, des critiques sociales, sociétales et son admiration pour Pissarro, Monet, Gauguin) et compositions de Catherine Delaunay évoquant les combats et passions de cet auteur si particulier.
 

     Pour ce faire, la clarinettiste a invité des comparses de longue date à commencer par le saxophoniste Pascal Van den Heuvel, mais aussi Hélène Labarrière, Jacky Molard, François Corneloup, Laurent Dehors… et même une fanfare locale, la Fanfare des Chaussonniers.

     Cela nous donne une œuvre foisonnante, passionnante, fruit du travail du producteur Jean Rochard (qui publie ici son huitième album avec Catherine Delaunay) et un hommage à un écrivain engagé quelque peu oublié. On lira avec attention le livret de 100 pages, comprenant notamment des textes de Pierre Michel, universitaire et président des amis d’Octave Mirbeau et de nombreuses illustrations.

Jean-Louis Lemarchand.

Catherine Delaunay (clarinette) et Pascal Van den Heuvel (saxophone baryton) présenteront l’album le 22 janvier à 18h30 à Souffle Continu 20-22 rue Gerbier. 75011.

Trond Kallevåg Minnesota

Label Hubro

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Rembobinage pour ce début d’une année qui s’annonce encore difficile avec cet album apaisant de la fin 2025 que j’avais quelque peu délaissé . Et pourtant il n’y a pas de mal à se faire du bien en écoutant ce Minnesota, quatrième opus sur le label Hubro du guitariste norvégien Trond Kallevåg. Son précédent Amerikasbäten évoquait déjà l’Amérique des grands espaces du Midwest. Le Minnesota, l’état aux dix mille lacs où le Mississipi prend sa source est celui des frères Cohen, de Bob Dylan, des écrivains de la wilderness. Il y a évidemment quelque chose de cinématographique dans ces paysages traversés tout au long des onze titres de l’album sans évoquer Ry Cooder obligatoirement, plutôt le Blues Dream de Bill Frisell, comme une bande son dans l’Amérique profonde, désespérément vaste.

Les autres musiciens, tous norvégiens qui entourent Trond Kallevåg sont des habitués du label ECM : ils savent en conséquence se glisser dans cet environnement sonore épuré : un quartet à l’instrumentation volontiers folk (violon lyrique de la jeune Tulva Hase, vibraphone et batterie douces de Gard Nilssen, contrebasse de Mats Eilerstsen). Les synthés, cloches, pedal steel, la guitare créent le climat idéal en écho à la côte ouest sauvage des fjords dans l’imaginaire du Norvégien.

L’album fut conçu lors d’une résidence dans l’île de Traena à l’été 2024 d’où ce premier titre « Twins of Traena » qui renvoie à l’histoire d’une immigration à Hawaï « Postmarked from Honololu ». Car on se doute qu’il sera question de ces vagues d’immigrations vers l’Amérique qui frappèrent la Scandinavie dès le 19ème siècle (« Kindness of Strangers »).On ne peut s’empêcher d’évoquer le bel Emma du guitariste franco-suédois Paul Jarret qui racontait l’histoire émouvante de son arrière-grand-mère partagée entre désir d’ailleurs pour un avenir meilleur et attachement viscéral au terroir natal.

Entre spontanéité de l’improvisation et fignolage des titres au mixage, la musique du guitariste creuse un arc narratif complexe, quasi documentariste, attaché à l’histoire récente de son pays et aux liens indéfectibles avec les Etats-unis. On entend nettement souffler le vent dans ce troisième titre lancinant « Pine Ridge » suivi du blues « Edward Curtis portraits » photographe « attrapeur d’ombres » comme le surnommaient les Amérindiens dont il fut en ethnographe, gardien de la mémoire autochtone.

On ne saurait citer quels sont les titres les plus attachants de l’entraînant « Pretty Polly » où le lapsteel du guitariste nous entraîne irrésistiblement à la simple évidence mélodique de ce « Boat Song » ou au lancinant Lighthouse Boogie.

Un album envoûtant où la guitare recrée les images du genre, installe une quiétude quelque peu mélancolique. Un voyage qui peut donc réserver quelques surprises si on se laisse embarquer à la suite des pionniers.

Sophie Chambon.