MARC RIBOT Jusqu’à la corde

Editions Lenka Lente

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Jusqu'à la corde de Marc Ribot / Editions Lenka lente

On connaissait le guitariste atypique de l'avant-garde new yorkaise, flamboyant accompagnateur des Lounge Lizards de John Lurie, de chanteurs Tom Waits, Susanna Baca et surtout compagnon indéfectible des projets excentriques autant que prolifiques de John Zorn. Mais pouvait-on imaginer qu’il ajoutait une corde supplémentaire à son art en écrivant et drôlement bien, d’un style alerte et imagé des nouvelles sèches, épurées, des réflexions sur la musique et les musiciens, sa vraie passion et des souvenirs toujours passionnants qui éclairent une personnalité pour le moins complexe? Sauf que jamais complaisantes, ses confessions ne sont peut-être pas aussi exactes que sa franchise nous le laisserait penser. Néanmoins quand il évoque certains musiciens qu’il admirait et avec lesquels il a joué, qu’il a connus de près comme le contrebassiste Henri Grimes, les guitaristes Robert Quine et Frantz Casseus, son modèle, le ton est particulièrement juste. Perdants plus ou moins magnifiques que l’Amérique laisse de côté, sur le carreau.

On peut commencer par une préface édifiante Marc Ribot écrivain de Lynne Tillman, romancière qui suit le travail de Ribot depuis longtemps que complète la postface de sa traductrice Isabelle Blandin (Jusqu’à la corde,  jolie trouvaille pour rendre le titre original Unstrung) s’entretenant librement avec le musicien Bruno Meillier. Une chambre d’écho en somme qui éclaire cet auto-portrait en creux, cette drôle d’autobiographie qui révèle un musicien attachant, profondément engagé dans l’existence. On retrouve une indéniable volonté militante dans le texte du livret de son album Song of Resistance 1942-2018 (Anti-records), chansons des luttes sociales américaines, des grèves du début du XXème siècle que reprenait Joan Baez par exemple dans la chanson Bread and Roses.

La lecture de ces divers textes complète le puzzle Ribot, le mystère de ce musicien peu loquace qui s’immerge complètement en concert, penché sur sa guitare. Il compose ses histoires comme ses musiques, au plus près des mots comme des sons. Des récits qui montrent une face sombre, plus désespérée encore que mélancolique, sensible à l’absurdité du réel, témoin d’une civilisation en crise. Cette noirceur est estompée quelque peu par un humour qui contamine jusqu’à son usage du son où il “abuse” souvent du tremolo et du vibrato, le décalage (sa signature) dans ses groupes depuis Cubanos postizos ou Ceramic Dogs, une pratique qui lui sied comme celle du collage pour Zorn. Il privilégie le déroulement de la ligne mélodique sur l'enchaînement des formules et autres gimmicks chers aux guitaristes les plus renommés.

On retiendra peut être de ce feuilleté de Jusqu’à la corde la partie consacrée à la musique, aux musiciens, aux guitares avec Mensonges & Distorsion, Y’a peut-être un truc à explorer là (Trois courts riffs sur Derek Bailey ) qui évoque le solo absolu, l’improvisation libre jusqu’au point de non-retour. Sans doute la plus instructive pour tout amateur de musique un peu pointu ou simplement fan de ce guitariste culte. Mais on peut aussi être séduit par une série de textes On est tous gagnants, plus ou moins fictionnels, récits de diverses longueurs,  les souvenirs ( La tournée qui dura vingt trois jours, Prendre un souvenir dans ses bras) et découvrir avec intérêt ses observations et réflexions sur son pays (Hymne à l’Amérique), sur la judéité (Kadish pour Joan) et la notion d’apatride à New York. Un blues de l’homme blanc américain. Dans l’avant-dernière rubrique assez stupéfiante, Ribot a l’oeil caméra avec ses Notes de mauvaises intentions cinématographiques, des scénarii non filmés, films infilmables comme il les appelle et que l’on aimerait pourtant voir… Le livre s’achève sur des textes en roue libre Veuillez nous excuser nous rencontrons quelques problèmes techniques. Toujours cet humour féroce pour un amour vache de l’existence.

Loin d’un certain effet disparate, ce patchwork de textes dont certains furent déjà publiés dans des revues, forme un ensemble qui se tient alors que l’on peut attraper et tirer la corde par n’importe quel bout. Ses textes le racontent dans tous ses états, entre observation et méditation, doute et émotion, colère froide souvent. Ah! Ribot! Cavalier seul terriblement attachant.

Sophie Chambon

Le ton vertical / Coax 2024

Geoffroy Gesser (ts, cl), Romain Clerc-Renaud (kybds), Linda Olah (vc, elc), Yann Joussein (dms, elec)

Comment diable est-il possible que cet album soit passé entre les mailles du filet ?

Sorti le 8 novembre il était passé totalement inaperçu alors que, nous pouvons bien vous le dire ici, c’est un véritable choc total que ce «  sky is crying » au cours duquel ce quartet revisite la musique de Ma Rainey, Bessie Smith et Billie Holiday dans une version modernisée du blues.

Quelle liberté ! quelle audace ! quelle modernité ! et au final quel talent !

L’idée de départ est venue pendant le confinement au travers la lecture par Geoffroy Gesser de « Blues Legacies and Black feminism » d’Angela Davis, de reprendre dans une vision contemporaine les histoires torturées de ces trois femmes que sont Ma Rainey, Bessie Smith et Billie Holiday et des paroles de leurs chansons à la fois émancipatrices et parfois teintées de douce melancolie.

A force d’expérimentation autour de ce sujet, les 4 musiciens ne s’interdisent rien et explorent tous les recoins de ce blues autrefois magnifié par ces légendes du blues, dans une version où l’on navigue entre les chansons portées par la voix superbe de Linda Olàh et les irruptions volcaniques et farouches d’un Geoffroy Gesser incandescent et Aylerien. Romain Clerc-Renaud aux claviers et Yann Joussein portent une rythmique bassless en gardiens d’une sorte de temple mi- sacré, mi-profane dans une profusion de détails sonores qui aiguisent l’écoute.

C’est tout au long de cet album un engagement sans faille des 4 musiciens de cette formation qui navigue entre jazz, free et rock progressif. Qui mêle les sons éléctro dans un environnement sonore au service du texte.

Cocktail fascinant et presque hypnotique qui trouve son apogée dans cette version poignante de Strange fruit comme on l’a rarement entendue et qui plonge au plus profond du tripal.

Totale réussite !

Un disque rare

Autoprod.

Melchior Farudja (ss, as), Graham Farudja (ts, bs), Alexandre Ostrovski (p, cl), Nicolas Gossiaux (dms)

Un premier album, une autoproduction, des jeunes jazzmen pas très connus et au final… un disque réussi et emballant avec ce zeste de charme léger et aérien.

On lui pardonnera son titre un peu passe-partout pour retenir surtout son éclectisme dans plusieurs formes de jazz qui vont puiser dans des sources musicales allant du jazz classique à l’éthno-jazz ou au funk en passant par un mariage subtil entre musiques traditionnelles et chansons. En conséquence on ne s’ennuie pas un seul instant et ce d’autant que les musiciens sont ici à pied d’œuvre, totalement concernés et à 100% engagés.  Les deux frères Farudja se partagent les sons de saxophones en parfaite cohérence et la rythmique (bassless. Tiens pourquoi donc ?) assure le cadre avec une belle maturité.

Les solistes parviennent à emballer et à éviter que cela ne ronronne.

Compos efficaces, sonorités léchées, solistes au top. Tout semble simple (pas simpliste) léger et bien ficelé.

On est séduits. C’est une sorte de bonbon dont on aurait tort de se priver.

A retrouver le 16 janvier au Sunside à Paris

Jean-marc Gelin

Hier soir j’apprenais la mort de Martial Solal. La veille je m’étais rappelé que cela faisait exactement 55 ans que je publiais mon premier papier dans la presse, un quotidien régional de Lille : un compte-rendu succinct du concert que Martial avait donné la veille au TPF Jazz , festival éphémère (2 éditions ?) qui se tenait au Théâtre Populaire des Flandres, rasé quelques années plus tard pour ce qui allait devenir la Place des Archives, dans le vieux Lille. Ce même 11 décembre 1969, le responsable des pages culture du quotidien m'avait envoyé un télégramme (je n’avais pas le téléphone….) pour me demander de faire un entretien pour le supplément culturel : ce qui fut fait le soir même, car Martial jouait trois soirs de suite en trio à deux contrebasses (Guy Pedersen, Gilbert Rovère : pour le disque enregistré début 1970, ‘Sans tambour ni trompette’, Jean-François Jenny-Clark succéderait à Guy Pedersen). Martial me fit bon accueil : je l’avais écouté en concert JMF à l’adolescence, je possédais quelques uns de ses disques, les quelques lignes que j’avais écrites sur le concert lui plaisaient : cette première rencontre ne fut pas étrangère à ce qui, une bonne dizaine d’année plus tard, devint mon activité professionnelle pour plus de 30 ans : le jazz, à la radio, et dans la presse spécialisée. J’avais noué avec lui une sorte de relation amicale, et ces dernières années j’allais régulièrement lui rendre visite chez lui, à Chatou.

J’ai pendant des décennies rencontré et côtoyé des musiciens, mais je ne me faisais jamais photographier en leur compagnie (d’ailleurs, je suis rarement sur les photos, que j’évite depuis ma jeunesse….). Le 14 septembre 2018, j’ai demandé à Anna, la femme de Martial, de nous prendre en photo. C’est vers elle, vers leur fille Claudia, et leur petite fille Amalia, que vont aujourd’hui mes pensées. Et aussi vers le premier fils de Martial, Éric, né d’un premier mariage, gastronome patenté dont l’étagère de ma cuisine accueille depuis plus de 20 ans le livre Les clés du savoir-cuisiner

Xavier Prévost

DMITRY BAEVSKY ROLLER COASTER

Sortie 6 Décembre 2024

Fresh sound New Talent/Socadisc

Dmitry Baevsky

C’est le onzième album du saxophoniste russe Dmitry Baevsky qui vit aujourd’hui à Paris après s’être formé à New York : il reste donc sous influence de ce bop délicieux qu’il revisite avec talent. Il a créé un quartet “américain” en invitant l’une de ses idoles, pointure de la guitare jazz Peter Bernstein avec lequel il partage les envolées de ces montagnes russes, traduction appropriée en français de “Roller Coaster” qui illustre parfaitement ces hauts et bas émotionnels que la sélection judicieuse des titres nous fait revivre. La rythmique discrète mais excellente Dave Wong à la contrebasse et Jason Brown à la batterie propulse les deux solistes qui jamais ne se disputent l’avantage  comme dans ce Matador du maître Grant Green. Une entente cordiale, raffinée et une musicalité évidente. Dès les premières notes on est pris par le jeu souple, virtuose, maîtrisé, le timbre et le phrasé sensuel de l’altiste, d’une élégance nonchalante. Out of time du regretté Benny Golson, ce pourrait être la griffe du passé qui fait retour, thème repris avec une intensité lyrique qui se combine à une douceur obstinée,

Gloomy Sunday, la tristement célèbre chanson du Hongrois Rezso' Seress est un exemple parfait du style du quartet, tout en juste retenue, sans aucun débordement dans la précision de chaque instant, entre élan et dépression. Un sens de la mesure, des couleurs et energies, en faisant passer par des nuances les émotions contrastées des compositions choisies.

Onze titres composent l’album avec deux compositions originales de Dmitry Baevsk, une cohérence dans ces musiques qui parfois se répondent. Les reprises vont voir autant vers Duke Ellington que Ray Charles. Sur ce Mount Harissa libanais, tiré de la Far East Suite du Duke, on se laisse piéger sur ces chemins de traverse, envoûté par les souples ondulations, les sinuosités du phrasé du saxophoniste et du guitariste.

Sur The Sun has died que Ray Charles avait adapté à partir de l’original français (!) “ Il est mort le Soleil’’ ( Pierre Delanoe, Hugues Giraud) de Nicoletta, le saxophoniste garde le sens dramatique de ce blues jusqu’à un final qui meurt dans le souffle. Rien à voir avec le swing du Sentimental blues plus décontracté qui suit, toujours de Ray Charles.

La cadence accèlère avec ce Will you still be mine? dans l’urgence de la déclaration ou la recherche de la confirmation. La machine s’est emballée avant de continuer et de s'abandonner, rassurée sur un éclatant calypso de Tommy Flanagan (titre de 1957) Eclypso.

Cette musique procure un plaisir immédiat qui dure tout le temps de l’album aussi délicat que fougueux. A écouter d'une traite.

Alors comment ne pas conseiller aux Parisiens d’aller aux concerts du quartet

16 Décembre
Salle Pleyel TSF JAZZ - You & The Night & The Music
Paris, France
Dmitry Baevsky & Peter Bernstein

17 Décembre
Sunside Jazz Club
Dmitry Baevsky Quartet
with Peter Bernsein, David Wong & Jason Brown

Sophie Chambon