Plume généreuse, flamboyante du jazz, Francis Marmande nous a quittés le 25 décembre des suites d’un cancer à l’âge de 80 ans.

       Bayonnais né le 10 janvier 1945, il a consacré son talent littéraire à ses passions –le jazz, la tauromachie, le flamenco- dans le Monde –de 1973, grâce à un dessin signé (c’est lui qui le soulignait) jusqu’à cet automne, avec notamment les nécrologies de Jack DeJohnette et Gérard Badini publiées fin octobre-mais aussi à Jazz Magazine, où il contribua régulièrement aux côtés de Philippe Carles et Frank Ténot.  

      Un extrait significatif de son style (Le Monde du 28 octobre 2025, à propos de Jack DeJohnette : « Allure et visage d’éternel jeune homme, il avait cette souplesse du sprinteur afro-américain dès son entrée en scène ».

     On peut retrouver quelques-unes de ses chroniques nécrologiques sous forme de portraits bien vivants dans « La chambre d’amour » (1997, Editions du Scorff. Photographies de Guy Le Querrec).

     Contrebassiste occasionnel, Francis Marmande a raconté quelques-unes de ses aventures dans un savoureux ouvrage « La housse partie » (Ed. Fourbis. 1997) qui débute par le vol de son instrument un soir de 1995 à Belleville (où il résidait).

     Ses goûts étaient encyclopédiques, de Jelly Roll Morton à Sun Ra, comme en témoigne l’anthologie publiée en 2014 par le label Naïve (Jazz Heroes) où il écrivait en préface : « Tous les musiciens de jazz sont des passeurs, passeurs entre ancien et moderne, entre Afrique et Europe, entre sacré et profane, entre maîtrise et folie, entre spiritualité et combats… le jazz ne répète rien ».

      Au-delà de ses passions ci-dessus mentionnées, il faut naturellement relever celle de Georges Bataille auquel il consacra sa thèse de lettres en 1985 et deux ouvrages (‘le Pur bonheur’, ’Georges Bataille Politique’) ; Car, aimait-il à dire, « mon vrai métier c’est l’université » : agrégé de lettres modernes,  Francis  Marmande enseigna de nombreuses années à l’Université Paris 7 (aujourd’hui Paris Cités) où il avait invité entre autres Sunny Murray, Archie Shepp, Max Roach, Toni Morrison et bien entendu son « pays » de Bayonne,  son aîné de dix ans, Michel Portal.

     Le jazz ne le quittait jamais. Tel était Francis Marmande, également pilote d’avion et de planeur.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo X. (D.R.)

Amaury Faye (piano), Herlin Riley (batterie), Julian Lee (saxophone ténor), Amina Scott (contrebasse)

La Nouvellle Orléans, mars 2025

Hypnote Records HR 42

Le pianiste toulousain de Bruxelles a quitté provisoirement l’Outre-Quiévrain pour s’en aller quérir, dans le Sud des États-Unis, la magie du groove de La Nouvelle Orléans. NOLA, c’est le petit nom de New Orleans LouisianA. Épaulé à la batterie par Herlin Riley, l’un des dépositaires contemporains d’un idiome qui fait référence dans le monde entier, et en compagnie de la jeune génération néo-orléanaise, le pianiste se fait le plaisir d’un retour aux sources qui n’oublie pas les développements ultérieurs du jazz. La musique danse, vibre, et remue les pieds qui nous trottent dans la tête. C’est vivant, brillant, avec aussi quelques respirations mélancoliques. Et le solo de piano de l’ultime plage résonne comme une passerelle entre les musiques d’Europe et celles du Sud états-unien. Un jazz d’aujourd’hui nourri de l’hier et de ses pépites : on se précipite sur ce très beau disque !

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

https://www.youtube.com/watch?v=Y3lykJMZWnU 

Henri Texier (contrebasse, compositions),
Sébastien Texier (clarinettes, saxophone alto),
Hermon Mehari (trompette),
Emmanuel Borghi (piano, fender Rhodes),
Gautier Garrigue (batterie)
Invité : Manu Katché (batterie sur 3 titres).

Studio Gil Evans (Amiens) juin 2025.
Label Bleu/L’autre distribution.
Paru le 14 novembre.
Concert prévu le 28 janvier 2026 au NEW MORNING (75010).

     Il y a toujours quelque chose de rassurant au moment de déchirer l’enveloppe en cellophane d’un cd d’Henri Texier, l’impression de retrouver un compagnon des temps anciens, une forme de nostalgie d’un univers musical à la fois proche (une sorte d’intimité) et lointain (de par les thèmes qui évoquent l’univers au plus large sens du terme, les paysages et les luttes).

     Avec « Healing Songs » (chants de guérison), le contrebassiste assume totalement cet héritage : « Je me suis projeté dans mes anciennes compositions susceptibles de nous faire du bien à tous ».

     Nous voici donc à nouveau à l’écoute de ces airs qui ont illustré le parcours de six décennies : dans le désordre, Vent poussière, Amazone Blues, Decent Revolt, Grève Révolte, Leïla, Samba Loca, Chebika Courage, Sarajevo Blues, Quand tout s’arrête.

     Pour cette traversée d’un homme qui se retourne sur son passé, Henri Texier a convoqué bien entendu son fils Sébastien (profondeur de son à la clarinette basse) et un fidèle de ces dernières années, le batteur Gautier Garrigue (un maître). Tel un entraîneur de Ligue 1, il sait aussi renouveler son équipe sans perdre les convictions de sa « philosophie de jeu » : sa formation intègre ainsi le pianiste-claviériste Emmanuel Borghi et le trompettiste Hermon Mehari, et même une « star » polyvalente, le batteur Manu Katché.
 

     Le contrebassiste sans frontières ni œillères, le môme du quartier populaire parisien des Batignolles, n’a décidément pas fini de nous étonner. Un album de référence, un condensé de tout l’art d’Henri Texier.

Jean Louis Lemarchand.

D’jazz Nevers (Suite et fin)

D’jazz Nevers suite et fin

La trente-neuvième édition de D’jazz Nevers arrive à sa fin en ce samedi 15 novembre, une journée sans aucun temps mort.

Kamilya Jubran et Sarah Murcia  : des affinités (s)électives.

Yokal, Théâtre municipal, 12h30.

Dernier concert dans le cadre si plaisant du théâtre à la sonorisation toujours impeccable, à proximité des musiciens, à l' heure apéritive.

Un compagnonnage de plus de vingt-cinq ans, un rendez-vous régulier entre deux musiciennes qui ont su apprivoiser leurs différences-histoire et culture, traditions musicales . Au fil du temps elles ont constitué un univers original aux confins de la tradition classique arabe, du contemporain et de la musique improvisée et n’ont cessé de dialoguer dans une grande proximité de pensée, croisant mélodique et harmonique, l' horizontal et le vertical .

Sans revendiquer une plus grande place des femmes dans le jazz, elles ont su la prendre avec style et tempérament sur des instruments souvent tenus par des hommes, la contrebasse pour l’Espagnole, l’oud pour la Palestinienne.

Ce qui les rapproche encore c’est le registre commun de leurs instruments respectifs, leurs timbres voisins . Elles se sont heurtées à la difficulté d’apprendre les gammes à transposition limitée de la musique orientale, l’importance des polyrythmies, de couleurs inhabituelles.

Si Kamilya est musicienne avant tout, son chant quasi ininterrompu apporte une dimension supplémentaire à la musique sans séduction facile dont la mélodie n’évolue guère apparemment, hormis des variations subtiles souvent indétectables à nos oreilles occidentales. Dans la tradition classique arabe, poésie et mélodie vont de concert, témoignant d’une manière de vivre, de penser et de sentir : elle explore de sa tessiture ample divers registres entre la plainte, une colère qui sonne juste, l’amour. Les syllabes ont une rythmique fixe dont elle peut étirer la longueur et la découpe, avec une scansion, un vrai défi pour Sarah, pourtant rompue au jazz et aux improvisations.

Les paroles de leur programme Yokal (« On dit ») sont distribuées avant d’entrer dans la salle du théâtre : l’apport des mots choisis dans cette langue poétique, rugueuse, âpre souvent mais sensuelle tend une corde de plus à leur art. Si nous ne pouvons en saisir la teneur immédiate, Kamilya Jubran essaie d’expliquer avec une économie d’effets les poèmes qui sont souvent de sa plume ou issus de la tradition bédouine ( "Suite nomade").  Enjoués ou élégiaques, ces mélopées et mélismes n’ennuient pas : il y est question de traversée, de déserts de sable « Raml », de menaces et de malheurs « Msibé » mais aussi d’élans fragiles avec ces portes ( « Bab ») qui pourraient être un appel d’air et d’espoir ! Un moment grave, aux résonances actuelles, un dialogue intense entre les cordes frottées, pincées, frappées de deux femmes libres qui ont su tisser des liens forts, des correspondances inouïes dans leur musique.
 

Une soirée Pee Wee à La Maison

Emmanuel Bex « Eddy m’a dit » 20h30

Dix ans après sa disparition, il était temps de repenser à Eddy Louiss, roi de l’orgue Hammond B3 quand il s’installait derrière son instrument.

Plus qu’un hommage compassé, l’organiste Emmanuel Bex a voulu une fantaisie gaie, un concert festif à la mémoire de ce musicien merveilleux qui a décidé de son engagement dans la musique :  "Eddy m’a dit des choses tendres, colorées…. il m’a transmis un désir, une envie... que le jazz est universel, baroque, animal... l'idée que l’orgue pouvait en être un vecteur particulier et sensible. C’est à moi aujourd’hui de le retransmettre." 

Avec sa verve intarissable Bex présente les musiciens qui vont illustrer certains moments forts de la longue carrière d’Eddy Louiss : le premier set en trio avec le guitariste Pierre Perchaud et son fils Tristan Bex à la batterie s’ouvre sur deux compositions formidables

 "Dum Dum" et “Our Kind of Sabi” qui figuraient sur Dynasty, l’album en quartet de Stan Getz avec René Thomas et Bernard Lubat. Bex ajoute un « Blues for Eddy » composé pour l’occasion.

Quand viennent sur scène pour une seconde partie le violoniste Dominique Pifarély qui a commencé par le folk, joué avec Eddy avant de s’engager dans des voies plus contemporaines et Simon Goubert qui fit partie avec Bex d’un trio mémorable avec le tromboniste Glenn Ferris, ce sont les souvenirs d’un autre trio de légende HLP  (Humair, Louiss, Ponty) en 1968  avec la reprise de « That’s all "

Comment ne pas citer les notes de pochette d'Alain Gerber? : "Ça jouait chez Pascal Fang, pour sûr, au regretté "Caméléon" de la rue Saint-André-des-Arts, quand le trio HLP y allumait ses feux de Bengale, ses soleils et ses fusées. H le fracassant. L le diabolique. P l'enragé. Ces trois là SE jouaient à fond. Quitte ou double. Qui perd gagne, parfois même. Pour la beauté du geste. Ou pour amuser la galerie, comme Daniel avec son beau solo déjanté de "So What?", car jouer n'interdit pas de... se payer le luxe de l'humour et de la désinvolture. "Le batteur gagne un kilo de sucre" mais c'est nous qui sommes à la fête."

Le nouveau trio Bex Pifarély Goubert reprend encore l'incroyable chanson populaire de 1942 que jouait souvent Eddy « Colchiques dans les prés »  jazzifiée de belle façon avec des trouvailles du violoniste.

On entendra enfin avec tous les musiciens réunis cet étrange « Caraïbes », censé évoquer les Antilles natales d’Eddy qui sonnent comme une balade ou gigue irlandaise et encore « Romance » rejouée dans l’esprit à défaut de rendre l’exacte luminosité de sa musique, cet arc en ciel de couleurs qu'il savait créer.

On aurait pu évoquer le vocaliste des Double Six avec Mimi Perrin, le soutien indispensable de Nougaro (entre 1964 et 1977). Il avait créé entre harmonie et big band  la Multicolor feeling fanfare en 1987 ( La Lichère) dont j’écoute toujours avec émotion le « Come on DH » ( que l’on entend sur le disque de Bex ) .

Oui il avait raison Nougaro quand il proclamait Avec Eddy tout est dit. Louiss a bien servi sa Majesté le Djazz.

Hors de l'eau un orgue a surgi
C'est pas Nemo c'est Eddy
À l'horizon l'orgue se hisse
Oh hisse et oh, c'est Louiss ...

Sous le plafond des flots, phosphorescent vitrail,
Dans l'opalin palais d'éponge et de corail,
Il improvise un Te Deum pour son public,
Pour le Titanic ou bien Moby Dick

Un final éblouissant avec le D Day de Monty Alexander

Quel enchantement à l'écoute de ce pianiste exceptionnel en trio, la formule la plus classique et pourtant la plus adaptée à cette musique. Il swingue avec une jeune rythmique des plus efficaces (Luke Sellick à la contrebasse et Jason Brown à la batterie) qui contribue à la circulation des énergies. Monty joue très rapproché,  l’oreille tendue vers le contrebassiste, lui même rivé à la main gauche du pianiste, le batteur les serrant de près.

Monty Alexander est né le 6 juin 1944 à Kingston en Jamaïque, le jour du débarquement en Normandie, il a traversé comme une évidence l’histoire du piano jazz avec de sacrés modèles Nat King Cole, Oscar Peterson, Art Tatum, Erroll Garner mais aussi Ahmad Jamal. Il n’a pas voulu laisser passer ses quatre-vingt ans sans marquer cet anniversaire, ce jour singulier et signifiant pour lui et pour l’Histoire. Le début de la fin... d’une longue guerre.

Un album mémoriel sans pathos, recréant l’allégresse qui suivit un temps du moins, la libération des alliés, avec ce langage universel, émancipateur, espace d’expression libre. Le jazz, s'il est la musique qui advient là, sous ses doigts enchaînant les idées avec une sidérante fluidité, n’en demeure pas moins mémoire.

On l’écoute avec bonheur dans un programme convaincant,  jamais nostalgique. Il connaît parfaitement son Great American Songbook et attaque le set avec Frank Sinatra passant de « I’ll never smile again » de 1939 à « Smile » de Charlie Chaplin, musique des Temps modernes (1936), rejoue sans dolorisme « Body and Soul » et introduit dans son répertoire ses compositions originales « Why ? » « River of Peace », « Restoration », « D-Day ».

La mélodie à laquelle il revient sans cesse et la pulsation sont au coeur de sa musique. Il n’oublie pas les rythmes chaloupés de sa Caraïbe s’emparant du balancement reggae de Bob Marley « No Woman, No Cry » et distillant avec humour quelques citations de la musique de John Barry, nous entraînant dans le sillage de 007 et de son créateur Ian Fleming dans la Jamaïque de « Dr No », et « Live and let die ».

Aucun signe d’usure ou d’affaiblissement chez ce  musicien, artiste et professionnel comme savent l’être les Américains. Tout à sa musique, disponible, à la demande du public il multiplie les rappels, droit et élégant dans son costume de scène. L’adhésion de tous fut immédiate, quel que soit l'âge. Roger Fontanel n’a pas raté le final de son 39ème D’jazz Nevers. Toute l’équipe de bénévoles toujours sur le  pont se réjouit...et nous attendons le feu d’artifice de l’édition anniversaire des quarante ans.

Sophie Chambon

Merci à Maxime François pour ses photos et à la dévouée attachée de presse MC Nouy.

Régis Huby Sextet     Bliss

Nevers, théâtre municipal, mercredi 12 novembre.

EPK - RÉGIS HUBY - BLISS

Nous voici de retour à Nevers pour la trente-neuvième édition du Djazz Nevers  festival de Roger Fontanel. Après une longue route, la récompense est la découverte depuis le pont sur la Loire de la cité ducale adossée à la colline.

Plaisir ensuite de retrouver le merveilleux petit théâtre à l’italienne près du Palais ducal, au coeur de la cité. L’écrin parfait pour accueillir la nouvelle création du violoniste, compositeur, homme orchestre Régis Huby intitulée Bliss après son Ellipse grand format qu’il avait présentée ici en 2018.

Un titre mystérieux un peu difficile à traduire. Régis Huby s’en explique après le concert, il parle de « béatitude », de  plénitude, d’ allégresse, de cet émerveillement qui s’empare de vous devant le spectacle de la nature, de la mer (ne pas oublier que le violoniste est breton), d’ un tableau dans lequel vous plongez ( un Rothko, un Klein ou un Pollock). Un sentiment vif en tous les cas qui nécessite une présence active et non pas une sérénité quiète et quelque peu ramollie. A juste titre Franck Bergerot évoque l’inverse d’"un engourdissement contemplatif".

Figure sur l’album enregistré au Triton il y a quelques mois une citation de Tolstoï qui résume l’affaire : « La source de la béatitude n’est pas hors de nous mais en nous. » Et l’on pense alors à cette dynamique qui porte la vie, une résistance au cynisme actuel, une façon de retrouver l’envie. Ce qui dans l'éthique spinoziste  résumerait la béatitude à ce plaisir total qui satisfait l’ensemble de notre être et s’oppose à ce qui lui résiste.

Il est certain que pour servir ce projet qui invite à une certaine introspection, Régis Huby a fait appel à des musiciens amis dont il connaît la valeur et le travail et qui peuvent lui fournir les nuances recherchées. Il a envisagé une formation inhabituelle : non pas un quatuor classique de cordes, lui qui vient de ce monde chambriste qu’il a su faire évoluer dès son quatuor IXI mais un sextet où l’emporteraient les graves : un seul violon ténor, le sien électro-acoustique, un alto (Séverine Morfin), une contrebasse centrale ( Claude Tchamitchian) proche du violoncelle (Clément Petit) . L’idée intéressante est de transformer l’ensemble en sextet, en l’augmentant du trombone de Samuel Blaser et des percussions "trafiquées" de Michele Rabbia. Le casting est de très haut vol. Régis Huby a pensé à chacun de ces virtuoses dont il partage le langage et l'esprit, leur laissant ainsi donner la pleine mesure de leur talent. C'est en effet en pensant à ce cheminement commun qu'il a conçu cette pièce de près d'une heure quinze, gigantesque travail de composition architecturé avec le plus grand soin avec des contrastes dynamiques qui rompent l'horizontalité de la formation. Tous se retrouvent avec un plaisir évident pour servir la musique qu'ils aiment, celle de Régis Huby en l'occurrence, le grand ordonnateur de cette histoire musicale. On peut être saisi par la disposition particulière étudiée pour que tout converge vers les basses, le grave et une certaine frénésie rythmique.

Le tromboniste seul cuivre de l'ensemble apporte la chaleur, ce "flesh and bone", lui qui peut escalader la gamme, timbrer de diverses façons- il prendra un solo d’une douceur exquise, gouleyante, coulissant de toute sa longueur, de glissandi en growls joyeux. Il faut l’imaginer heureux envoyant sa coulisse vers les cintres, du vif argent, inimitable car n’imitant personne ! N’oublions pas l’apport de la batterie, percussions, électronique de notre Turinois, plus « calme » aujourd’hui, qui jouerait presque « normalement » des balais, des mailloches et des baguettes sans faire trop remonter sa « furia » déconneuse, étonnante.

Et pourtant quand il fait des gargarismes au micro, ponctue les interventions du trombone ou de la basse de sa scie mécanique actionnée à l’archet ou les interrompt d’un coup de sifflet trublion, d’un doigt rageur sur le clavier trafiqué de son Mac, il rompt l’équilibre de la narration, fait varier les hauteurs, secoue l’orchestre de son délire bruitiste, parfaitement déréglé.

Un travail soigné, cohérent, édifié sur la recherche des timbres, couleurs et textures qui s'emboîtent selon la forme d'une suite fragmentée en dix petites pièces- si je suis le montage de l'album, qui parlent d'éveil "Awakening", de "Looking Beyond" avant de plonger dans le monde de la couleur. Synesthésie à la Kandisky?

Il y a dans cette oeuvre quelque chose d'insaisissable, de libre et de créatif, quelque chose de contagieux dont les musiciens se sont emparés. Une forme  en tension et détente, avec reprises, variations, répétitions (quelque chose de "reichien") tout en soulignant la vitalité, le lyrisme de cette écriture pleine, dense, travaillant sur l'épuisement des motifs rythmiques entre écriture continue et lampées d' improvisation. La seule figure féminine, l'altiste forme la paire de cordes indispensable au registre plus aigu.

Quant à la direction de Régis Huby que tous regardent, ne s'étant pas encore assez approprié son écriture, elle possède de séquence en séquence ce qu'il faut de tension pour emporter celle des spectateurs. Il a envisagé des regroupements des cordes (qui pratiquent autant les pizz que l'archet) en unissons éclatants, des montées en puissance enivrantes mais aussi des parcours brisés, échappées précieuses, lignes de fuite des solos si différents de chaque instrumentiste, de véritables moments de bravoure.

Claude Tchamitchian le pilier du groupe, est saisi soudainement d'une sombre mélancolie, profondeur qui surgit dans un solo déchirant et grave. Quant au violoncelliste tout proche il nous gratifiera d'un solo époustouflant qui ne sonne en aucun cas comme celui d'un violoncelle.

Cette musique se révèle impressionnante à l’écoute mais gageons qu’elle est aussi surprenante pour les musiciens eux mêmes qui doivent selon la loi de l’improvisation, faire surgir ce qui advient hic et nunc! En tous les cas, on souscrit au programme qui déclenche une certaine intranquillité et nous donne l’opportunité de nous arrêter un temps, de nous laisser envahir par le flux, le flot qui se conclut sur la découverte fondamentale de la joie, d’un bonheur mystique ou spirituel plutôt, difficile et rare car "tout ce qui est beau est difficile et rare". 

Sophie Chambon

Merci à Maxim François le fidèle photographe du festival pour toutes ses  photos !