J SUSI HYLDGAARD : « Magic Words »

Enja 2007

Reconnaissons à tout le moins à la chanteuse danoise une immense liberté qui tangente avec l’inconscience. Car au risque de se planter sur toute la longueur, la chanteuse ose tout. Certes chanteuse de jazz avant tout elle reprend avec une sacrée personnalité des standards comme teach me tonight, when I Fall in love ou une Love for sale reprit à la mode soul. Mais dans un grand melting pot, voilà la chanteuse qui va chercher dans un répertoire R&B (in a summertime), puise dans la chanson française avec un  talent très incertain, se donne des airs (juste des airs je vous rassure) de Bjork (Kemo Kimo) et voudrais même nous faire le côté très sympa du genre comédie musicale (It’s cold outside qui ne tient que par les arrangements au demeurant plutôt réussis). Aldo Romano pourtant d’habitude si prompt à donner des cours de jazz à certains trompettistes de talent (qui va certainement bien rire ici), chante (mal) avec la chanteuse avec le pathétique d’un Higelin chantant Trenet et le ridicule consommé de celui qui voudrait bien mais qui ne peut pas. Triste, vraiment triste.

Pourtant pas de doutes, on entend bien une chanteuse remarquable, capable certainement d’aller chercher quelque chose. Quoi ? On ne sait pas trop. Mais que voulez vous sur cet album là, ça ne passe pas. Aucune authenticité. A force de varier les registres et les répertoires, Susi Hyldgaard ne convainc sur aucun d’entre eux. On a beau le réécouter plusieurs fois en se disant que l’on passe à côté d’un truc, l’émotion n’est jamais là et l’album fait alors l’effet d’une goutte de pluie sur une toile ciré au soleil, rapidement il n’en reste plus rien. Tout est propre et sec. Bien trop sec.

Jean Marc Gelin

JJJJ ANDRE JAUME : « Sapto Raharjo - Gamelan Project first session»

2 CD Celp

Distribué par les Allumés du jazz

 Le label sudiste Celp s’engage depuis longtemps dans une action aventureuse autant que difficile (actuellement, sa distribution n’est  plus assurée que par les Allumés du Jazz )  pour  éclairer le travail de quelques acteurs jazz en région. Le jazz a toujours été une musique d’urgence, de liberté, de prise de risque. Ce qui signifie que ces musiciens dits « régionaux » doivent s’engager dans une passe terriblement  étroite. Et pourtant leur justification est de donner à voir et entendre leurs musiques.

André JAUME, un des maîtres des saxophones et de la clarinette basse, est à ce titre particulièrement emblématique de cette démarche.

Cofondateur du label bleu  CELP avec Robert Bonaccorsi,  bien que totalement enraciné dans la réalité méditerranéenne, il a été toujours ouvert sur le monde, multipliant les expériences avec les musiciens et cultures planétaires, du Nord au Sud, d’Est en Ouest. Cette recherche de métissages sans préjugés ni effets de mode l’a conduit à parcourir le monde et c’est ainsi qu’en 1995, invité par le Centre Culturel  Français de l’île de Java, à Yogyakarta, il a tenté et réussi une expérience mémorable que l’on pourrait intituler «  Jazz et gamelan », objet d’un double Cd que l’on peut se procurer sur le site des Allumés.

Le gamelan  est un ensemble de percussions constitués de gongs isolés ou en carillon, de métallophones accordés, fonctionnant  comme un clavier éclaté entre différents instrumentistes. A Java comme à Bali, les gamelans se rencontrent lors de diverses cérémonies, fêtes de cour, processions religieuses, théâtres d’ombres ou de masques, danses.

« Expérimenté, prêt à toutes les audaces, André Jaume a rencontré son équivalent-miroir en Sapto Raharjo » comme l’écrit joliment  André Billy, à l’initiative du projet.  Lors de cette rencontre qui eut lieu juste  après la visite du temple de Borobodur, décision fut prise collectivement d’enregistrer librement selon l’émotion du moment : deux pièces en forme de suite furent ainsi enregistrées en deux jours.

Face au groupe, au véritable collectif des musiciens indonésiens qui jouent à tour de rôle des divers instruments sans que l’on puisse même  les identifier, André Jaume  est sur touts les fronts, improvisant brillamment au saxophone ténor et soprano, relançant le jeu, équilibrant la donne avec talent, toujours  inventif. Il soutient furieusement l’échange, développe le dialogue, fiévreux, virevoltant, toujours expressif, rarement mélancolique ou dans le registre de la plainte. Plutôt dans l’exaltation du chant.

Ainsi, on se surprend  à reconnaître ce que l’on croyait impossible, la fusion devient effective et  par extraordinaire, cette association de timbres ne se révèle jamais détonante, elle atteint très vite une qualité et une évidence troublantes pour une oreille occidentale. L’accord est parfait entre les saxophones vifs, acérés parfois ou rauques, plus sombres et les sonorités métalliques, percutantes, brillantes du gamelan.

Si les tambours indiquent  pulsation et changements de rythme, les gongs marquent les cycles, en fournissant  des frappes éparses, la mélodie principale est  rehaussée de contrepoints complexes. On ne s’embarrasse pas longtemps à essayer de déchiffrer cette musique savante, mais on s’abandonne vite au lancinant  vertige, à l’ivresse poétique du moment. Combinant spontanéité, lyrisme, rigueur des échanges  cet album saisissant conduit sans violence vers de nouveaux territoires aux frontières toujours repoussées, selon la capacité d’ouverture de l’auditeur.

Il nous entraîne de climats percussifs en moments de méditation et de rêve éveillé, sous la protection du volcan, au coeur des stupas, tout au  long de la Borobodur suite. Entre réflexion et transe, maîtrise et croyance. Jusqu’au bout de souffle

Sophie Chambon

DUPONT T : « Spider’s dance »

Ultrabolic 2007

JJJLe contrebassiste Hubert Dupont a une énorme envie de jouer et cela s’entend. Celui qui s’occupe de la grand-mère avec le groupe Thôt ou Kartet développe une toute autre approche de l’instrument dès lors qu’il s’exprime sous son nom. Un rôle de soliste pleinement revendiqué. Cela avait d’ailleurs donné lieu à un album solo à haut risque paru il y a deux ans (Ultraboles) et cela s’entend évidemment dans ce quartet de haut vol où la contrebasse est constamment mise en avant au profit de multiples solos ou d’une prise de son avantageuse. Un peu à la manière d’un Avishai Cohen, Hubert Dupont revendique pour l’instrument une place déterminante, voire prédominante. On n’est effectivement jamais mieux servi que pour soi même.

Et l’exercice est d’autant plus difficile que la musique proposée par ce quartet est ici particulièrement exigeante. Derrière la poésie du propos, cette musique là, superbe, se faufile sinueusement entre la polyrythmie, l’atonalité, les pattern tirés de la musique indienne ( Irid, Orientable comme de très légers prétextes) avec une                approche quasi mathématique de l’harmonie, la digression improvisée et l’énergie du propos toujours. L’occasion est belle de découvrir ici, aux côtés de Hubert Dupont le nouveau talent de la scène New Yorkaise, le jeune saxophoniste Rudresh Mahanttappa régulièrement encensé par la presse américaine et dont on avait aimé les album très originaux qu’il avait signé en 2004 et 2007, Mother Tongue ou Codebook sur lequel il jouait avec la notion de language. Et à l’entendre ici on ne peut qu’être impressionnés par la force qui se dégage de son jeu, une sorte de puissance à la fois sauvage et animale (sur 1010 ou sur Irid par exemple), un son ravageur qu’il aborde à l’alto comme on soufflerait dans un ténor. Le prolongement ailleurs de la puissance de son d’un Steve Coleman. Une sensibilité faite de lyrisme puissant et donc rare. Yvan Robillard n’est pas en reste qui impressionne lui aussi par le mordant de son jeu. Quand à  Chander Sardjoe lui aussi apporte à la batterie l’aisance polyrythmique de ses racines indiennes.

La difficulté pour ce groupe réside alors pour ces quatre là à trouver un vrai « son » homogène qui ne soit pas le résultat de la performance individuelle de chacun. Trouver la voie qui va de la puissance du jeu à l’expression d’un son de groupe. Parce que tous restent toujours dans la même intensité de jeu, tout se passe comme si chacun des acteurs avait un peu à cœur d’être leader de l’ensemble. Cela créée alors une belle émulation et tire tout le monde vers le haut. Il faudrait juste alors un peu de nuance en plus pour que l’émotion rare ici, s’installe enfin.

Jean-Marc Gelin

JJJJ Après avoir tissé sa toile, elle nous tient, le fil à la patte, cette araignée dont la danse enchante tout le disque du nouveau groupe du contrebassiste Hubert Dupont.

Pour le situer, il faudrait replacer ce musicien singulier au cœur de la nébuleuse de groupes dans lesquels il a su se forger une identité, de Kartet dont il est le contrebassiste depuis 1990, à Thôt où il s’électrise au contact de Stéphane Payen sans oublier Hask créé en 1993, ou encore Aka Moon.

 La liste de ses collaborations en tant que sideman est impressionnante mais c’est l’aventure d’un nouveau groupe que l’on salue ici avec ce Spider’s danse, premier album de la formation Dupont T, en compagnie du pianiste Yvan Robillard, de Chandler Sardjoe, batteur de Kartet, et donc vieux complice, et du saxophoniste alto new yorkais d’origine indienne Rudresh.K. Mahanthappa. La rencontre ne pouvait être que propice à l’imagination coloriste du compositeur qui aime les polyrythmiques un peu complexes et subtiles (« Douj », « Possib », « Orientable »).

Sans se risquer à vouloir comprendre la « fabrique » de la musique, on se laisse très vite prendre au jeu, envoûté mais non paralysé par le jeu de l’araignée qui ne s’agite pas qu’au plafond. L’altiste subtil et exaltant  mène la danse avec une extrême mobilité, souple et  infatigable, créateur de volutes entêtantes : son phrasé s’insinue jusque dans les replis de la musique, sans jamais vouloir en finir de nous hynotiser.  

Chacun prend sa place avec sensibilité, finesse, souvent lyrisme  (phrasé délicat et insidieux dans « Ladies on board » d’un pianiste singulier et pluriel). Batteur et contrebassiste semblent avoir toujours le même plaisir à se retrouver et à partager. Sardjoe joue à l’envie des timbres et des rythmes qu’il alterne, superpose, redistribue. Toujours dans le registre du chant, le contrebassiste exalte sa partition, orchestrée avec des textures, des alliages inusités qui confèrent à cet ensemble un style particulier.

Un disque que l’on aime pour ce qu’il éveille dans notre imaginaire, un exotisme  authentiquement raffiné. 

Sophie Chambon

JJJJ Christian BRAZIER : « Sazanami » 

La tentation est grande pour un musicien-compositeur de se lancer dans l’aventure du solo, cette traversée périlleuse  de certaines limites. Si  nombre de pianistes de jazz s’y sont essayé dernièrement  avec plus ou moins de bonheur, ce n’est pas encore un passage obligé pour d’autres musiciens dont l’instrument peut s’avérer moins « complet ». Christian Brazier, lui, en rêvait depuis longtemps. Pour ce contrebassiste sudiste, il s’agit effectivement d’un pari, d’une tentative issue d’une tentation avouée.

Grand admirateur de Barre Philips, installé en France dès 1968 avec les improvisateurs libres (écoutez « Journal Violone 9 » chez Emouvance, autre label du Sud), il ne voulait pas pour autant se lancer dans une œuvre expérimentale, ni donner une leçon de contrebasse  avec ou sans archet, en 25 séquences.  Il avait plutôt envie de faire partager ce qui a traversé son horizon musical,  de s’arrêter un instant sur ce qui passe, cet éphémère qui demeure trace : ainsi est né  « Sazanami »  (rides à la surface de l’eau, en japonais), recueil de petites pièces pas si faciles, qui coulent pourtant avec bonheur sur une durée idéale de 45 minutes.  On le voit, on est loin de l’achèvement,  du définitif. Le choix de la composition de ce livret d’éclats,  de ce florilège de haikus,  tient à un rien qui est tout : le temps. Temps de la musique, de l’écriture, temps suspendu, temps anachronique.  Architecture sonore de  XXV Haïku /Miniature  à prendre comme un geste, un affleurement, qui, même répété, éclaire le lieu de la cristallisation,  du « mémorable ». Ces compos et impros que l’on ne différencie que par le numéro, conduisent sans violence  dans un univers singulier et impressionniste qui s’accorde aux cordes frottées, pincées, aux pizzicati nets et droits.  Christian Brazier a sculpté le temps, autorisé des respirations qui font entendre la musique dans tous ses états,  dans tous ses éclats : la pulsation, qui bat avec une mystérieuse simplicité est enfin perceptible. Rien de sévère ni de docte dans ces petites pièces  qui s’enchaînent avec une ferme douceur, coupées de superbes interludes  cuivrés, reflet de sensibilités bienveillantes, de l’ouverture au final (Christophe Leloil, grand trompettiste, que l’on peut entendre chez Sylvia Versini  avec le tout jeune tromboniste Bastien Ballaz ,  et  Philippe Renaud, le tromboniste ami, complice des  trois derniers  albums du contrebassiste) .  Variant les nuances de l’instrument, Christian Brazier joue  sur deux basses choisies avec soin pour leurs qualités de résonance, leur boisé, ou leur puissance. Il explore les possibilités de l’instrument, toujours avec une grande fluidité  mélodique,  alternant des pièces vibrantes avec d’autres aux cadences moins rapides.  Si les basses pouvaient parler, elles nous diraient que l’on entend s’exprimer  un artiste qui raconte une histoire très personnelle, avec une grande maîtrise de son instrument, intégrant audacieusement le temps du  silence, d’un certain vide, qui demeure musique. *Rendons hommage encore au label sudiste CELP produit par  Robert Bonaccorsi (directeur artistique de ce festival formidable de la Seyne sur mer ) et André Jaume, clarinettiste et saxophoniste immense, figure incontournable du jazz . Avec  une belle couleur d’azur méditerranéen et des œuvres picturales en couverture (ici,  « Le clochard et la geisha » du peintre Alain Paparone, Celp a  su se créer une identité, même si la distribution est  horriblement difficile (actuellement, seuls  Les ALLUMES DU JAZZ s’en chargent). 

 Sophie Chambon

JJJ Aronas – « Culture Tunnels »

Ces quatre musiciens néo-zélandais déjantés sont à l’origine d’un jazz décomplexé, libéré de toutes convenances. Aronas est emmené par un jeune prodige : Aron Ottignon. Dans ce disque intitulé « Culture Tunnels » se retrouvent associés Grooves, ballades cinématiques, boucles dansantes, percussives et autres improvisations magistrales. Aujourd’hui installé à Londres, c’est après de longues tournées en Océanie que ce groupe de scène arrive en Europe. Leur Musique est teintée aussi bien de vieille Pop que d’electro futuriste. Une alliance avec E.S.T serait presque probable. Seulement voilà, il y a là une fois de plus un mélange des codes, des principes fondamentaux du Jazz. Des clichés, des clins d’œil d’un goût démesuré, vous laissant seul juge. Au-delà de cette première écoute, on est contraint d’apprécier le majestueux Groove de ce disque. Tout en chaleur. Oui, Madame, le Groove, c’est chaud. Et pas seulement parce qu’en Afrique il fait chaud, vous l’aurez compris. L’instrumentation de ce projet est tout ce qu’il y a de plus classique avec pour centre un trio Jazz. Avec cependant deux touches en plus. La première est la présence du percussionniste Josh Green. Ce type d’instrumentation nous rappelle ce merveilleux opus d’Herbie Hancock, « Inventions and Dimensions », où notre pianiste adoré s’adonnait aux polyrythmie caribéenne. Heureusement, sur ce disque, Herbie jouait sur un vrai piano, lui. Peut être que le goût néo-zélandais pour la facture de piano n’est pas encore très établi. La jeunesse et les nouvelles choses paraissent détruire les anciennes, mais pour être plus juste il faudrait dire qu’elle les magnifie, les fait évoluer, et donc révolutionner. C’est un coté Grunge que l’on retrouve dans la Musique de Aronas. Avec en prime, cette fantaisie swing néo-orléanaise transfigurée par l’electro-rock et les machines. Encore un signe de mélanges hâtifs, si toutefois les créateurs y mettent la « manière ». Hier encore, des grands comme Truffaz montrait le chemin. Les raccourcis n’ont pas pu être évités, mais le souci d’originalité demeure. On notera surtout de lumineuses compositions, comme par exemple « You Little Beauty ». L’énergie et le virtuose de ces musiciens sont frappants et curieusement, leur descendance est assez difficile à retranscrire. Ceci est d’habitude une preuve de grande sagesse, lorsque la personnalité est aussi définie. Ces compositeurs-acteurs usent parfois d’effets divers, résultat d’un travail sur la matière sonore. La superposition de Musiques en est un. Le jeu sur sampler et effets bizarres en est un autre. Tout est bon pour surprendre, surtout sans paroles, sans mots, pour que vous puissiez avoir le champ libre sur vos images. Dans cette culture des Tunnels que Aronas nous offre, la transe rythmique trouve enfin une sensibilité poétiquement rassurante, et toujours en mouvement.

Tristan Loriaut