JJJ SCOTT COLLEY : « Architect of the Silent moment »

cAM jAZZ 2007

A 44 ans, Scott Colley est aujourd’hui l’un des contrebassistes les plus demandé de la scène d’Outre atlantique. Ceux qui ont suivi son parcours ont pu l’entendre avec Chris Potter, Dave Biney, Goeffrey Keezer, Fred Hersh, Greg Osby ou Adam Rogers parmi tant d’autres qui sont l’incarnation d’une nouvelle génération dorée du jazz américain que l’on retrouve en partie ici pour un casting de rêve qui, sans faire de name dropping regroupe une base solide avec Ralph Alessi à la trompette ( qui fait un peu figure de vétéran), Craig Tanborn au piano et Antonio Sanchez à la batterie ( ce dernier, un sacré client !). Et pour autant alors qu’un tel all-stars pourrait faire craindre un certain endormissement sur de si jeunes lauriers, tous les acteurs de cet album démontrent à l’envie qu’ils ont bien d’autre chose  faire qu’à s’assoupir. Au premier chef, Scott Colley lui même dont on a eu l’occasion d’apprécier maintes fois le jeu si discret et solide et qui s’est attaqué ici à l’écriture de thèmes à la construction remarquable dont la maître mot, l’architecture, n’est point savante mais ici redoutablement efficace. Car s’il est des contrebassistes qui lorsqu’ils font des albums sous leur nom n’ont de cesse que de vouloir toujours passer devant pour devenir un peu soliste, Scott Colley affiche une toute autre conception. La sienne repose tout entière sur l’assise rythmique qu’il partage avec Antonio Sanchez dans des formes au cerescendi irrésistibles, toujours en assise de soliste qui atteignent avec eux une rare mise en lumière. Une sorte de rythmique éclairante ! Et à ce jeu la prestation de Antonio Sanchez à la batterie (le batteur de Metheny que les français ont pu récemment entendre avec Manuel Rocheman)  est proprement ébouriffante. Véritable batteur caméléon capable de se mouvoir du percussionniste au coloriste fin.

De cet album on retiendra quelques beaux moments. Comme les envolées de Grégoire Marret à l’harmonica

Qui rappelle ses chorus inspirés lorsqu’il joue avec Metheny. De même que l’on a eu un coup de cœur absolu pour ce merveilleux trompettiste qu’est Ralph Alessi dont les incises démontrent toujours une rare chaleur de l’instrument et une énergie fougueuse. Tous forment corps dans cette musique qui puise autant dans l’esprit de la musique de Weather report, de Metheny ou encore du Miles de l’époque Wayne Shorter mais en donnant à cette musique toujours acoustique un sérieux coup de booster comme en témoigne l’admirable From Within qui donne l’occasion à David Binney de délivrer un incroyable solo de Soprano ou à un Window of time, véritable pièce maîtresse de l’album de faire tourner des pattern irrésistible et de terminer sur le son trop rare dans l’album du guitariste Adam Rogers toutefois un peu timoré. Et c’est peut être le seul regret  l’écoute de ce vivifiant album. A entendre l’inhabituelle réserve de Jason Moran on aurait peut être attendu des solistes invités qu’ils mordent un peu plus dans leur instrument, se lâchent et suivent d’une même voix celle tracée par Ralph Alessi et par cette belle rythmique. On aurait alors atteint des sommets que l’on a pourtant avec bonheur, approchés ici de très près.

Jean-Marc Gelin

JJJJJ GETACHEW MEKURYA and The Ex : “ Moa Anbessa”

 TerP records 2007

 Attention à vous, c’est du brutal ! Un bon gros son comme ça, c’est pas fait pour les mauviettes ! On  vous aura prévenu. « Mais de quoi qu’il cause » disent ils ? Tout simplement de cette rencontre incongrue organisée un jour entre des anciennes gloires néerlandaises de la musique punk, «  The Ex » et du roi, que dis je, de la légende vivante, du Négus du sax éthiopien, Getachew Makurya qui doit aujourd’hui afficher pas loin de 80 piges au compteur. Et Getachew n’est chez nous totalement inconnu pour ceux qui ont suivi les magnifiques éditions des Éthiopiques qui permirent il y a quelques années de découvrir les gloires fameuses du jazz du côté d’Addis-Abeba. Ces gloires qui explosèrent dans les années 70 à peu près en même temps qu’à l’autre bout du continent émergeait le phénomène Fela.

Rencontre en tout point étonnante qui naquit le jour où ces petits gars, alors invités à Banlieues Bleues entendirent Mekurya chevaucher son saxophone tel on dresse un cheval en liberté. Alors de ce son rauque à gros grain ils se dirent qu’il y avait quelque chose à faire. Ils perçurent l’évidence de la rencontre pourtant  curieuse sur le papier. Ils perçurent que dans les deux cas il s’agit du même art brut, de la même animalité voire de la sauvagerie tripale. Car il y a du cri et du grincement parfois, de la rage souvent mais jamais de violence. Bien au contraire. Des tourneries païennes qui peuvent renvoyer autant aux plaines d’Afrique qu’aux docks de Londres. Terrie et Andy donnent alors dans la guitare saturée et à plusieurs moments le chanteur de « The EX », GW Sok brandissant un mégaphone porte sa voix entre chant et parlé chanté. Getachew Mekurya habitué aux fanfares dans sa jeunesse, a peut être trouvé dans ce brass band néo-punk (aux accents lointainement Ska) une source de jouvence. Toujours est il que c’est avec une terrible force Aylérienne qu’il trace les sillons dans lesquels la bande des «  Ex » semble se régénérer à son tour.

Enregistrée pour partie en studio et pour partie en «  live » lors d’un concert à Tourcoing, cette rencontre vous prend aux tripes, bouscule vos repères, décoiffe le bourgeois assoupi qui d’habitude d’une oreille distraite se demande avec un  air distingué, entre deux volutes de sa cigarette de quoi donc sera fait l’avenir du jazz.

Ce n’est pas là qu’il trouvera forcément la réponse. Peut être pas dans la perpétuation du gros son d’Albert Ayler ou dans l’énergie de Fela. Mais certainement dans la confrontation face à face de ces deux cultures musicales, dans le travail en commun qui, croyez moi en l’occurrence n’a rien d’un métissage. Car vous ne ressortirez pas de cet album avec le sentiment d’y avoir vu un mélange des couleurs qui trop souvent se traduit par l’affadissement de l’une d’entre elle mais plutôt à une sorte de rapprochement au terme duquel, et c’est là toute la magie de cet album, aucun vraiment aucun n’a perdu son identité mais sort grandi de cette expérience commune.

Une leçon de vie en somme qui, en ce début de XIX° siècle traduit une incroyable modernité. Et nous rend optimiste sur l’avenir du jazz.

Jean-Marc Gelin

JJJJAndy Emler MegaOctet – « West in Peace »

Nocturne 2007

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Argh ! Certains groupes portent très bien leur nom ! Impossible, non mes amis, impossible de rester de marbre face au MegaOctet du pianiste Andy Emler. C’est un saut que l’on fait à pieds joints dans une flaque d’eau, vous savez bien, ce genre de saut qui est censé faire des dégâts autour de vous. Ce nouvel opus du groupe est manifestement la suite du disque précédent, « Dreams in Tune ». Parmi ces neufs musiciens, on retrouve de drôles d’oiseaux comme Laurent Dehors et Médéric Collignon. Sans parler de la tout aussi étrange ressemblance de Thomas de Pourquery avec un certain Éric Dolphy. Guillaume Orti est le second altiste. Le « tuyau » du groupe est en la personne de François Thuillier, un adorable tubiste capable d’acrobaties digne d’un coléoptère en période d’accouplement. Dans le mot adorable, n’y voyez pas là d’amitié entendue, mais intéressons nous plutôt au fait d’être plus ou moins attendri par tel ou tel instrument, et en l’occurrence, le Tuba. Éric Echampard et Claude Tchamitchian donne l’énergie à l’ensemble, par leur complémentarité tout-terrain (on dit aussi la CTT !). Parce que c’est de ça qu’il s’agit, une passionnelle suite d’évènements, de scènes, d’épisodes, avec à chaque fois une nouvelle surprise au coin d’un passage. Un album irrésistiblement complet. Un florilège de beaux mouvements, de bons moments, forts et intenses. Avec ce coté expérimental qu’à plaisir à exercer Andy Emler, aussi bien dans son écriture que dans l’esprit de son entourage. Ce disque débute sur un ostinato avec le sampler et les cris déstructurés de Médéric, qui nous offre au bugle, un peu plus loin dans le disque, un phrasé très pertinent. Il y a là tant de styles abordés, magnifiés. Cet esprit collectif est vastement ouvert et repousse les limites de la Musique. François Verly use par exemple des tablas dans la pièce majeure du disque, West in Peace. Le groove bestial au thème modal menaçant, la douce poésie du chant de la contrebasse. Certains gestes invoquent le « free style », ce sont ces gestes qui transfigurent le « skate- boarder » en artiste. On penserait presque à un scénario dont le pianiste serait le gourou, l’arbitre, le maître, celui qui libère les enfants terribles à l’heure de la récré. Plus sérieusement, en suivant cette trame musicale, on pense à Debussy, en allant jusqu’à Gustav Mahler. Les cornemuses sont même de la partie ! Quel bouquet de fleur ! Une originalité sans limite, un avant-gardisme comme on les aimes. Et tout ce tintouin organisé est capté à la Buissone par le Gérard De Haro national. Nos oreilles sont kidnappées, emmenées dans un rêve sur tapis volant, voyageant dans les airs au-delà des paysages les plus divers. Époustouflant, renversant, ingénieux, enivrant, ce disque est incontournable de vérité, de fraîcheur aussi. Les commentaires littéraires inscrits dans le livret témoignent des sentiments du compositeur sur sa propre musique, comme pour mieux transmettre ce qu’il a de grand à offrir. Merci qui ? Merci Monsieur Emler.

Tristan Loriaut

Dans la lignée du précédent album Dreams in Tune mais encore plus captivant,  West in peace nouvel opus du Megaoctet, réunit toujours une distribution de rêve. On se réjouit de retrouver le spectaculaire nonette du pianiste Andy Emler, en grande grande forme. La machine rutilante, puissante, démarre très vite, tout de suite, et très fort. Difficile de faire autrement quand on dispose d’ une section rythmique superlative ( Eric Echampard et Claude Tchamitchian, sans oublier le percussionniste, ami de longue date, François Verly) et de soufflants déchaînés autant que brillants (Laurent Dehors au ténor et aussi à la cornemuse, diable d’homme, Thomas De Pourquery et Guillaume Orti, souverains à l’alto, Méderic Collignon toujours aussi doué au bugle  comme dans « Les neuf cents lunes »).

Quand on lit les notes d’introduction du pianiste, qui constituent  son credo artistique, on comprend pourquoi on aime tant le musicien.

Ce n’est pas seulement une question de génération et d’éducation musicale.  Emler allie de façon délibérée, une musique savamment composée,  à une énergie  très actuelle qui déborde tout en restant à sa place. Sans oublier l’intelligence mélodique des grands groupes pop des années 70 et l’étude admirative du travail de géniaux perturbateurs, comme F.Zappa. Ce qui explique en partie une démarche qui explore avec humour, impertinence et précision, certains territoires musicaux actuels : ruptures de tempos, suspens harmonique et rythmique, faux arrêts et donc faux départs, ostinatos souples et rebondissants ; par instant, une douceur de prélude suivie d’ envolées qui n’en seront que plus étonnantes. Des interventions plus « sauvages », chantées, marmonnées, ou hurlées aux saxophones, exaltent certains dérèglements assumés avec le plus sérieux.

Ce que le pianiste arrive à faire avec ce groupe de surdoués tient d’un véritable projet collectif dans lequel chacun reste à sa place, concourant à cette impression de joyeux chaos.

Voici donc une formation soudée prête à se lancer dans une aventure permanente sous la férule du chef. L’ improvisation collective malmène le travail soigné de composition, avec une tendance impulsive à rechercher un certain désordre que l’on met en scène. Un embrasement que l’on partage sans que cet enchaînement ne laisse de côté les moments plus  tendres et rêveurs comme ce passage doux  qui se glisse dans la première composition « Les ions sauvages »  que domine au tuba, le trop rare François Thuillier.

C’est qu’Andy Emler  compose très soigneusement, en fonction de « ses » hommes, en recherchant les combinaisons insolites ou intéressantes de timbres, de  textures et de couleurs : du « cousu main » qui donne aussi sa pleine mesure en live.

Mais pour ceux qui achèteront le disque  (oui, cela vaut encore le coup d’acheter un album), mention particulière à l’ « objet » conçu avec soin, de la poétique photo de graminée, en couverture aux  explications révélatrices de la conception de chacun des titres (5 pièces longues et un court interlude, ludique, « Hugs » avant le final).

S’il fallait choisir un seul titre, « West in peace » aurait notre préférence : doux, tendrement nostalgique, et terriblement émouvant. Guillaume Orti dont on admire depuis longtemps déjà, la démarche, discrètement  tenace, est saisissant dans ce chant de désir ou aveu d’une plainte, c’est comme on voudra,  une ballade au cœur de la mélancolie, le climax d’un disque qui ne peut laisser indifférent.

Sophie Chambon

JJJJ Sophia Domancich et Simon Goubert : « You don’t know what love is » Cristal records

Entre les textures  affranchies du trio DAG et les  envolées excitantes de Pentacle, quintette plus cuivré qui s’abandonne aux Triana moods, Sophia Domancich et Simon Goubert tentent pour la première fois un album en duo.  Sur un répertoire largement original  (ils composent et improvisent  également à deux), voilà une autre tentation/ tentative  décidément  réussie pour une oreille capable de goûter les nuances de leur musique. C’est que leur double univers confondu ici, sans excessive fusion est singulièrement excitant pour qui a commencé à s’y aventurer.

Tout est ici soigneusement conçu et exécuté même si tout n’est pas véritablement écrit. Et l’album a une couleur originale vite reconnaissable, due à la personnalité de la pianiste Sophia Domancich. Elle s’abandonne toujours aussi élégamment  à ses propres rêves, entretenant la surprise par des changements abrupts de rythme, des interruptions, ou des reprises abondamment répétées. Une conception intimiste de la musique,  une poétique du jazz portée à un rare degré avec des sonorités plutôt sombres dessinées par le duo, sur un arrière plan de  mélancolie, dépourvue de sensiblerie. Une émotion plutôt froide, une sensibilité qui affleure mais  jamais ne déborde, aucune évanescence.

Simon Goubert accompagne, soutient, habille parfois en fond sonore, comble les vides ou recrée, souligne les lignes de force de sa partenaire. Si leurs rôles sont assez finement répartis, on ne peut pas vraiment dire qu’il s’agisse d’une pianiste accompagnée d’un batteur, il serait plus juste d’évoquer de solistes construisant de pair leur interprétation. Simon Goubert pense aussi en termes mélodiques tout en s’inscrivant dans la grande tradition  des batteurs de jazz. Mais son jeu  à la variété infinie ( un vrai festival sur caisse claire, grosse caisse, cymbales) sait s’accommoder des discontinuités évidentes, recherchées par sa pianiste. Et de toute façon,  la mélodie ne fait pas loi. Ce qui l’emporte au fond est infiniment plus subtil, une manière d’être et de jouer ensemble, de poursuivre un dialogue engagé hors scène.  C’est que ces deux là se connaissent parfaitement. Eux seuls peuvent nous dire « You don’t know what love is ». 

On ne s’étonnera donc pas de les voir reprendre avec succès  le « Lonely Woman »d’Ornette Coleman , qui est une sorte de passage obligé pour beaucoup de musiciens actuels , mais aussi le beau  thème de Mal Waldron  « Seagulls from  Kristiansund »:  ils s’ancrent  ainsi  dans la lignée de ce pianiste de l’épure qui savait créer une véritable fascination par d’abondantes répétitions tout à fait compulsives («All alone »). Sophia Simon, Simon Sophia, un duo à suivre assurément de tout cœur.

Sophie Chambon