Matthieu Mazué (piano), Xaver Rüegg (contrebasse), Michael Cina (batterie)

Pernes-les-Fontaines, juin 2022

Jazzdor Series 14 / l’autre distribution

Dans son texte de présentation Philippe Ochem, directeur du festival Jazzdor (qui est aussi la raison sociale de ce label), évoque la figure tutélaire de Mal Waldron, en particulier pour la première plage. C’est profondément juste et justifié. Dans ce goût d’une certaine lenteur, d’un labeur en train de s’accomplir, je vois une approche matérialiste -au sens philosophique- de la musique. Un peu comme dans le génial (et trop méconnu) film de Jean-Marie Straub et Danièle Huillet, Chronique d’Anna Magdalena Bach. J’y vois aussi une trace du labeur monkien, comme lorsque chez le Grand Thelonious la musique résiste à l’instrument, à la forme convenue, aux diktats de l’esthétique dominante. J’y entend aussi de cette liberté foncière qui s’est épanouie chez Paul Bley. Bref une constante de la préoccupation esthétique, placée en priorité devant l’ostentation musicale et instrumentale. Un très beau disque à écouter, et réécouter, car il ne livre pas tous ses secrets dès la première écoute.

Xavier Prévost

.

Le groupe est en concert le 3 novembre 2022 au festival Jazzdor de Strasbourg, puis en Suisse à Lavin le 12, Yverdon-les-Bains le 26, et Baden le 28

Bruno Angelini (piano, compositions), Régis Huby (violon, violon ténor, électronique), Claude Tchamitchian (contrebasse), Edward Perraud (batterie, percussions)

Pernes-les-Fontaines, 7-9 juin 2021

Label La Buissonne RJAL 397043 / PIAS

Le retour au disque de ce quartette, après «Instant Sharings», enregistré en 2014 (chronique ici), et «Open Land», en 2017 (chronique itou), tous deux pour ce même label. Inclassable formule instrumentale et musicale, qui procède tout à la fois de l’esprit de la musique de chambre et de l’aventure du jazz, en équilibre constant sur le fil du devenir. À l’exception d’un thème qui figurait sur le récent «Transatlantic Roots», ce sont de nouvelles compositions. Le pianiste revendique d’avoir pour ce disque avoir été inspiré par la poésie, de William Carlos Williams et ses errances à quelques autres dont j’ignorais jusqu’au nom, comme Ada Mondès ou Chandak Chattarji. C’est tout un monde de lenteur, de suspens, et d’infinies nuances, avec de soudaines saillies de lyrisme, des figures rythmiques obsédantes qui se fondent sans crier gare dans un chant qui nous happe. Une valse impromptue va nous embarquer vers un paysage plus dépouillé, plein des mystères d’instruments qui, en élargissant leurs modes de jeu, nous égarent. Inutile de préciser que cet égarement est un délice…. Et voici qu’un rythme obstiné nous emporte comme un torrent, bousculé par la batterie qui pose ses accents comme autant de météores qui ensoleillent la nuit. Une seule solution : s’abandonner au sortilège de cette musique,comme on céderait à une croyance magique ; le bonheur est au bout du chemin. Décidément Bruno Angelini, ses partenaires et leur Open Land sont comme des magiciens malicieux et bienveillants. Il suffit de succomber au charme, qui n’est pas maléfique mais magnifique !

Xavier Prévost

.

Le groupe sera en concert le 11 novembre à Paris au 360 Paris Music Factory

.

Des avant-ouïr sur Youtube

ANAT COHEN : «  QUARTETinho »
Anzic records 2022

Anat Cohen (clarinet, bass clarinet), Vitor Gonçalves (piano, accordion, Rhodes),Tal Mashiach (bass, guitar), James Shipp (vibes, percussion, analog synth)

 

C’est de la douceur pure ! Luxe, calme et volupté pourrait-on dire tant cette musique sans vous bercer vraiment, vous charme et vous séduit comme un petit sourire à la dérobée.

Après avoir connu les honneurs des Grammy pour son Tentet c’est dans un format beaucoup plus intime qu’Anar Cohen s’exprime ici. Son quartet est composé de musiciens basés à New-York mais hors frontières puisqu’ils viennent des quatre coins du monde : d’Israël (Tal Mashiach), du Brésil (Vitor Gonçalves) ou encore de Big apple (James Shipp).

Vrai travail collectif, ils se font tous les quatre arrangeurs et compositeurs pour montrer une écriture subtile et raffinée d’une rare élégance. Pour ce quartet, la clarinettiste a réuni un instrumentum original à géométrie variable en s’accompagnant de compagnons de jeu, tous poly-instrumentistes, permettant ainsi de s‘envoler gracieusement et de se libérer de toute contrainte formelle. Et c’est ainsi, avec une élégante liberté que l’ensemble passe de leurs propres compositions à une version sublimée et presque symphonique du célèbre Going Home de Dvorak à l’arrangement renversant ou à l’esprit plus joyeux de la Nouvelle Orléans ( Louisiana). Le tour de force est alors de réunir avec le même charme des horizons différents qui puise autant dans la musique européenne, dans les jazz des racines, dans la musique traditionnelle que dans le brésil profond. Et tout cela avec une admirable cohérence.

L’entente des quatre se fait naturelle. Sans forcer. Dans les les chants et les contre-chants qui s’harmonisent comme du velours. Où Anat Cohen y chatoie ( ou plutôt caresse) les mélodies passant de la clarinette à la clarinette basse dans un même mouvement et où James Shipp au vibraphone y apporte toute la rondeur et la suavité sensuelle en réponse à la clarinettiste.

 

Totalement sous le charme. Conquis. Et heureux de cette très soutenable légèreté de la musique.

Jean-Marc Gelin

https://youtu.be/jcNNgCelLtM

Madeleine & Salomon Eastern Spring

Clotilde Rullaud (vocals and flute) Alexandre Saada ( piano, vocals) Jean Paul Gonnod Fx effects

Label Tzig'art

Un duo étonnant (piano voix) qui reprend des chansons pop du bassin oriental de la Méditerranée, des années soixante et soixante-dix inconnues pour la plupart d’entre nous. “Chansons d’amour, de mort, de révolte”, des thèmes simples, universels même s’ils s’inscrivent dans un espace géographique très particulier ( Israel, Egypte, Liban, Turquie, Maroc, Tunisie ).

Après un travail de sélection minutieux sur un corpus patrimonial de plus de 200 titres, pour n’en conserver que 9, le duo a opéré un travail de traduction, en anglais le plus souvent-ce qui modifie la donne. Ainsi tout naturellement, sur l’hymne de la pop iranienne “Komakon Kon”après les mots que scande avec ardeur la chanteuse, le duo a inséré des fragments du mythique “Howl”, le cri d’Allen Ginsberg, le poète de la Beat géneration. Mais ce n’est pas tout: le duo a travaillé des arrangements de ces versions originales en improvisant des fragments personnels, intitulés justement “Rhapsodies”, c’est à dire des pièces libres utilisant des effets folkloriques et souvent électroniques.

Un répertoire révolutionnaire, humaniste, inscrit dans un temps certes révolu, qui entre hélas singulièrement en résonance avec l’actualité des dernières années, l’échec des printemps arabes, d’où ce titre d’Eastern Springs. Si les langues arabes sont sensuellement poétiques, métaphoriques, jouant toujours avec la censure impitoyable dans tous ces pays, Madeleine (le second prénom de la Française Clotilde Rullaud) ne voulait pas, selon ses propres termes, coudre un "patchwork" linguistique. L'anglais domine donc, une seule chanson est en français “De l’Orient à Orion”, extraite du patrimoine tunisien. Si le duo a gardé les mélodies et leurs rapports harmonico rythmiques, il n’en demeure pas moins que cette suite est remarquable par la sobriété, la volonté de ne laisser qu’un chant épuré dès le premier titre, où sur le piano élégiaque et subtil s’élève la voix fragile sculptant les mots du poète palestinien Mahmoud Darwich (“Matar Naem” libanais du groupe Ferkat Al -Ard).

Quel effet produit cet album, une fois exposé le propos généreux et ambitieux du duo? On est assez loin du monde originel du jazz commun à tous deux. Comme s’ils avaient voulu faire un pas de côté, essayer d’adapter leur regard passionné sur le monde et ses cultures à leur façon de travailler le duo. Pourtant, il fait retour,  le duo poursuit en un sens le travail du précédent album sur les “protest songs” de chanteuses américaines de la même période. Madeleine a d'ailleurs  gardé quelques inflexions de Nina Simone, ce qui contribue à augmenter le trouble. Après quelques écoutes, certains airs deviendraient ritournelles, fredons étrangement familiers. C’est le cas avec les comptines et berceuses israéliennes, plus proches de notre sensibilité occidentale? En particulier “Ha’Yalda Hachi Yafa Ba’gan”.

La voix de Clotilde Rullaud est plus qu’attachante, grave sans être trop profonde, sur cette petite fiction égyptienne “Ma Fatsh Leah” du groupe Al Massrien, qu’entraîne un piano vif, au groove hypnotique. Ou aiguisée sur le rock anatolien "Ince Ince Bir Kar Yagar".

Alexandre Saada (dont le second prénom est Salomon, on commençait à s’en douter) chante aussi. Il n'est pas que l'accompagnateur du duo, il souligne sans effort la ligne de chant, adaptant son jeu à chaque thème, impressionniste, syncopé, uni avec sa partenaire dans une même respiration jusqu’au final libanais "Do you love me?" qui s’achève en un murmure. Parfait.

Sophie CHAMBON

JOHN COLTRANE
Jean-Pierre JACKSON. 208 pages. 20 euros.
Actes Sud. Paru le 19 octobre.

    Les amateurs éclairés connaissent le monument de Lewis Porter consacré à John Coltrane et disponible en France aux éditions Outre Mesure avec une traduction de Vincent Cotro (John Coltrane, sa vie, sa musique. Collection Contrepoints. 368 pages. 2007).

    Il faudra compter désormais sur l’ouvrage de Jean-Pierre Jackson, auteur dans le passé de biographies de Charlie Parker, Benny Goodman, Miles Davis et tout récemment (2019) de Keith Jarrett. Certes son livre ne prétend pas à l’exhaustivité, se présentant sous un format poche. Mais il permet d’approcher au plus près et d’appréhender le parcours du saxophoniste (ténor et soprano) né à Hamlet (Caroline du Nord le 23 septembre 1926) et décédé à New-York le 17 juillet 1967. John Coltrane, résume Jackson, incarne à la fois l’apollinien –la sérénité, la maîtrise de soi- au début de sa carrière, en admirant Johnny Hodges, puis, à partir des années 60, le dionysiaque « par la transe, le dessaisissement de soi, le rejet des formes établies ».  

    Au fil du récit, on découvre ainsi l’influence du pianiste Hasaan Ibn Ali (1931-1980), proche de Thelonious Monk et Elmo Hope, qui développa au début des années 50 un système qui se traduira chez Coltrane par ces fameuses « nappes de son » ou encore comment Monk, qui engagea le « jeune homme en colère » en 1957-58, « fut l’un des premiers » à lui montrer comment jouer simultanément deux ou trois notes au saxophone ténor !

 
    Parmi les temps forts de cette biographie, figurent les chapitres dédiés à deux titres majeurs dans l’œuvre de Coltrane : ‘’My Favorite Things’’, mélodie de Rodgers et Hammerstein intégrée dans une comédie musicale de Broadway, La Mélodie du Bonheur (The Sound of Music.1959) qui assurera le premier grand succès du saxophoniste en 1961 et qui, aux dires mêmes de Coltrane restera comme son « morceau préféré » ; ‘’Love Supreme’’, composition du saxophoniste, fruit d’un travail solitaire dans sa chambre cinq jours de rang en 1964 (« C’est la première fois que j’ai tout reçu de la musique que je veux enregistrer sous la forme d’une suite », confiera-t-il à son épouse, Alice) et qui stupéfiera le public du festival d’Antibes Juan les Pins le 26 juillet 1965 dans sa première interprétation publique.

D’une lecture aisée, le Coltrane de Jean-Pierre Jackson nous donne quelques clés majeures pour entrer dans l’univers d’un créateur « en quête d’un amour suprême qui par nature est musique ». A conseiller vivement.

Jean-Louis Lemarchand.