Le saxophoniste Laurent Bardaine, le guitariste Maxime Delpierre et le batteur David Ankin doivent partager une sorte de vision cinématographique de la musique. Car avec Limousine, le groupe qu’ils ont fondé, les trois hommes créent un véritable climat, un univers presque irréel entre les grands espaces à la Wim Wenders et les no man’s land d’un Jim Jarmusch. Par touches délicatement insensées, Limousine à chaque morceau nous raconte une séquence. Une sorte de road movie. Lente déambulation de somnambules dans des paysages éthérés où les rencontres les plus fantasmagoriques deviennent possibles au détour du chemin ou à l’occasion d’un interstice subrepticement ouvert. A coup de grands travellings musicaux les trois musiciens sillonnent des espaces oniriques, des univers en apesanteur où l’on croise même des petits bals où se dansent parfois des petites valses dérisoires (Valse, Patinages). Une mélodie triste à trois notes tourne inlassablement sur elle même (Les Noces). Des silences de fin du monde s’installent (Lilas) suivis de petites mélodies enfantines. Bardaine alterne le sax avec les claviers tandis qu’il émerge de la guitare de Delpierre des harmonies subtiles de guitare folk métallisées à la Ry Cooder. Il y a une force incroyable de cet album dans lequel il ne se passe pas rien. Éloge de la lenteur et de l’espace vide- habité  où les trois hommes déroulent la toile avec une infinie patience.  Pas de musiciens performants lançés dans de vains chorus. Juste une pâte sonore faite à petites touches sensibles. Magnifique poésie cinématographique de cet album à l’ineffable  mélancolie.

Jean Marc Gelin

JJJJ MICHEL SARDABY: “Night in Paris ”  

Paris Jazz Corner 2006

JJJJ

A 70 ans, Michel Sardaby, grand pianiste bop des années 60 fait son retour sur scène après 20 ans d’absence pendant lesquelles le pianiste martiniquais s’est beaucoup plus consacré à l’enseignement de la musique (il a même obtenu un award en 2004 pour son œuvre en matière éductative) qu’à jouer lui même. A l’occasion d’un concert donné pour fêter d’autres septuagénaires (les 70 ans de Jazz Hot), l’équipe de Paris jazz Corner (Arnaud Boubet en tête) a eu l’idée de restituer en un double CD, dans son ordre original ce concert donné à l’Archipel un soir d’avril 2005. A côté du fringuant pianiste on retrouve une rythmique d’une redoutable efficacité composée de deux petits jeunes,  Reggie Johnson à la contrebasse et John Betsch à la batterie. Et c’est dans cette ambiance  de club, bon enfant et devant un public tout acquis à leur cause que ce trio livra durant près de deux heures un concert autour des standards du répertoire bop. C’est sans souci et sans arrières pensée que les trois hommes revisitent des thèmes ultra connus ( Don’t Explain, Crazeology, Lush life, On green Dolphin street, Rythm a ning etc…) d’autres un peu moins (comme ce Canadian sunset du très grand et méconnu pianiste, Eddie Heywood) ou encore deux compositions originales du pianiste. Le résultat, du moins pendant tout le premier set est absolument jubilatoire. Certes Sardaby c’est parfois Ray Bryant par son inspiration et son phrasé. Mais Sardaby démontre aussi à chaque phrase musicale combien il est parvenu à s’émanciper de ses maîtres d’hier. Sardaby surprend. Son phrasé dans le même mouvement alterne des attaques franches autant que les caresses légères de l’ivoire sous ses doigts. Véritable modulation aérienne de l’intensité du jeu. Jamais dans la facilité harmonique, Sardaby parvient toujours à se libérer des contraintes de la grille pour y revenir l’instant d’après ( il n’est que d’entendre ce qu’il fait sur Green Dolphin street où il est capable de s’embarquer sur d’autres pistes mélodiques et de nous ramener ensuite au thème). Rythmiquement il parvient à une sorte d’entente télépathique avec John Betsch comme lorsqu’il suspend sa phrase musicale et que Betsch s’arrête instinctivement de jouer, alors que nous autres attendions une descente straight de toute la longueur du clavier. A l’aise dans toutes les atmosphères (remarquable blues plus que lent sur Blues for JP and N, thème de sa composition), Sarbady est capable de réinventer voire de simplifier Monk au point d’en faire un pur pianiste bop (ce que lui reprocherons peut être certains). Très largement au dessus des pianistes de club, Sardaby dégage une véritable force jubilatoire. Au sommet de son art ce pianiste au phrasé et au lyrisme délicat ne cherche pas à moderniser les thèmes qu’il joue. Au contraire sa façon de les reprendre sur le mode de la musique bop est empreinte d’une véritable modernité. Pas la modernité tapageuse tape à l’œil et révolutionnaire. Non, plutôt celle de la réinvention quasi dialectique d’un discours bien connu.

Jean Marc Gelin

JJJJ

Musicien mythique au Japon, pianiste de collectionneurs (certains de ces albums s’arrachent sur ebay), connu en France mais de façon bien plus raisonnable, le martiniquais Michel Sardaby, est en train de faire son grand "retour" dans notre pays, même s'il a rarement quitté la métropole.  Il n'y jouait pas beaucoup, très estimé par la profession, mais peu connu du public.

Ce nouvel album fut enregistré en direct lors de la  double soirée anniversaire donnée à l’Archipel  en avril 2005, pour les 70 ans de la revue Jazz Hot et du pianiste (son premier disque «Blue Sunset» remonte à 1965). Paris Jazz Corner, à l’origine de cet album, est bien plus jeune, fêtant seulement quatorze années fertiles en rééditions bienvenues. Le pianiste  se produisait ce soir là en trio avec Reggie Workman à la contrebasse et John Betsch à la batterie. Sa discographie nous confirme qu’il a déjà joué avec ce trio au Japon, enregistrant un autre "Intense moment" en juin 1997. 17 titres gravés sur deux Cd, soit plus de deux heures de musique qui restituent le concert dans son intégralité.

Plutôt que de faire découvrir ses propres compositions (il n’y en a que deux sur l’ensemble des titres proposés), Michel Sardaby a choisi ce qui est certainement un exercice des plus périlleux aujourd’hui : reprendre des standards, de Gershwin à Ellington (Dont’ you know I care et Billy Strayhorn (Lush life), de Billie Holiday ( Don’t explain ) à Miles et Monk. Le public jubile sur certains titres, et on les comprend quand il s’agit de  In walked Bud ,  Rhythm-a-ning » et  Blue Monk .

Sardaby est souverain dans les thèmes bop qu’il exécute avec efficacité et originalité. Le bop est bien l’une des périodes les plus illustratives de cette musique de partage. A l’écoute de cette musique captée sur le vif, l’auditeur est frappé par le naturel avec lequel elle mêle audaces formelles, puissant flux vital et appel à la danse. On ne se lasse pas d'entendre les mêmes morceaux… parce qu'ils ne sont jamais les mêmes. C'est à un véritable bain de jouvence que nous sommes conviés, et les amateurs les plus coriaces (et les plus éclairés) y trouveront matière à découverte. Un vrai travail de relecture de toute une époque. Ayant de l’intérêt pour les mélodies, Michel Sardaby sait les adapter à son goût fervent, les imaginant à chaque fois différentes. Imposant sa manière dans une nouvelle "construction", il n' y a rien de moins convenu que la rencontre de ces trois musiciens qui s'inscrivent dans les modalités d'un chant venu des profondeurs, et qui produit dans son énonciation les formes de sa modernité. On y croit à nouveau, au moment même de son surgissement. Il ne faut pas se priver de ces petits bonheurs quand ils surviennent. Le jazz est assurément la musique de l'instant.

Sophie Chambon

JJJ  SUSIE ArIOLI BAND:  “Learn to smile again”

Justin Time Records 2005

« Learn to smile again » est un album-hommage au chanteur de country Roger Miller (1936-1992) qui reçut au cours de sa carrière 11 Grammy Awards. Excusez du peu ! Six des ballades de Miller sont interprétées par Susie Arioli avec la nonchalance qui convient bien à ce type de musique. Chemin de traverse pour cette chanteuse de jazz, habituée du Festival International de Jazz de Montréal et qui dans son précédent album, « That’s for me », ne chantait que des standards. Sur ce répertoire qui évoque les rocking-chairs, les longues chevauchées dans la plaine texane, les colts de John Wayne, le duo composé par la chanteuse montréalaise et Jordan Officer à la guitare et aux arrangements fait merveille. Leur complicité est absolument magique : elle, dans la plus pure tradition des chanteurs de country, lui dans un registre plus jazzy. Le son d’ensemble du Susie Arioli Band est capiteux et rond avec de belles guitares acoustiques, une discrète section rythmique et un harmonieux tapis vocal de Jason et Sheldon Valleau. On est sous le charme à l’écoute de cet album : du  magnifique standard de jazz By Myself revisité en folksong au très célèbre By the time i get to Phoenix de Jimmy Webb, en passant par les pièces composées par Jordan Officer et interprétées à la Django Reinhardt. Un album sans coup d’éclat et sans virtuosité extravagante. Ils sont dans le Less and Less (au passage sublime chanson de Miller). Avec eux, on part sur les routes à la rencontre de l’Amérique profonde et bien sûr on finit le voyage avec un bon blues à la papa composé par Jordan Officer, Leo’s blues.

Régine Coqueran

 JJJ EMMANUELE CISI: “Urban adventures”  

 Elabeth 2006

Concernant le  très sympathique label Elabteh, on peut dire deux choses : d’abord qu’ils aiment les saxophonistes. On s’en était rendu compte avec le merveilleux album de Sam Newcombe il y a deux mois et ce mois ci avec Grant Stewart associé à Nicolas Rageau. On pourrait aussi bien dire que le label aime les albums consensuels. Ceux où l’on entend du bon jazz qui résonne entre tradition, évidence des thèmes choisis et une certaine modernité dans le jeu. Et l’album d’Emmanuele Cisi n’échappe pas à la règle. On y retrouve en effet un jazz bop revival servi par un remarquable ténor italien (ah les ténors italiens…).

Car Emmanuele Cisi qu’il soit au sax ténor ou au soprano est un saxophoniste de la nonchalance qui se ballade le nez au vent sur les harmonies des thèmes qu’il compose. On est assez d’accord avec les liner notes de Benny Golson lorsqu’il dit que, l’air de ne pas y toucher, Cisi n’hésite pas à prendre des risques. Là où certains saxophonistes croient s’en sortir en alignant des gammes descendantes suivies de gammes montantes le saxophoniste italien explore sans en avoir l’air toutes les possibilités harmoniques des thèmes qu’il joue avec un sens de la mélodie qui rend évidentes toutes ses compositions. Sur neuf titres il en signe 7 et interprète pour les deux autres un thème de Victor Young pour un superbe Weather of dreams et de Charlie Parker pour un Quasimodo aux arrangements particulièrement raffinés avec une guise d’intro et de conclusion un contrepoint avec le trompettiste niçois, François Chassignite qui semble là avoir été élevé au biberon de Kenny Dorham. A l’opposé d’un Stefano Di Battista qui semble parfois pressé d’en finir, Cisi joue ne se dépêche pas, toujours au fond du temps avec une précision rythmique diabolique à laquelle sa belle section rythmique n’est pas étrangère. Sur deux de ses compositions il ajoute avec un raffinement et une élégance toute transalpine une légère section à cordes. Sur lazy rainy Sunday Cisi fait pleurer le soprano qui devient alors un instrument à la lancinante mélancolie. Cielo Celeste est une composition ultra efficace presque chantante où Cisi fait sonner son ténor comme un alto cristallin. Sur Primaltina le ténor redevient velouté et la composition semble rendre un hommage à Benny Golson alors que le point de départ de La notte delle lucciole est une descente chromatique un peu à la manière de Midnight Sun de Lionel Hampton. Emmanuelle Cisi tout au long de cet album s’imprègne

de tous les styles de ce hard bop calme et posé que l’on trouve parfois chez Joe Henderson, parfois chez Benny Golson et parfois même plus près de nous chez Joe Lovano ( Weather of dream)

L’album de Emmanuele Cisi n’est assurément pas un grand album mais c’est un bon album de jazz. Qui ne laissera certainement pas un souvenir impérissable. Auquel on ne reviendra pas forcément tous les jours. Pas un chef d’œuvre mais un album parfaitement honnête qui donne à entendre un saxophoniste d’une grande intelligence harmonique et d’un sens mélodique remarquablement affûté. Album éminemment consensuel qui a fort peu de chances de décevoir les amoureux du jazz. Dont vous êtes.

Jean Marc Gelin

JJJJ CHRIS CHEEK: “Blues Cruise”

Fresh Sound New City 2005

Il ne faut pas prendre ce disque trop à la légère. Malgré les apparences (un titre-invitation au voyage, une jaquette en forme de carte postale, un répertoire de standards divers et variés) Chris Cheek n’a pas pris cette session par-dessous la jambe. Embarquons donc pour cette croisière de charme, la « Blues cruise » dans le sillage d’une digne nostalgie avec un quatuor de qualité. A l’heure où la grippe aviaire nous  menace en nous encerclant, on s’envole dès le premier titre sur les ailes d’un volatile porteur d’un onctueux son d’alto : incontournable, le majestueux Flamingo qui fit aussi les beaux jours du (très emphatique ) crooner Herb Jeffries. Et le final mancinien « The sweetheart tree » est un hommage à tous les merveilleux instrumentistes d’antan. Presqu’inconnu (ne pas confondre avec Chris Speed, à peine plus connu il est vrai ) ce saxophoniste soprano-ténor-alto  est somptueux dans les ballades de jadis comme dans ses propres compositions qui ne dérogent pas à l’harmonie de ce disque bienvenu.  Une formation chic et choc, remuante,  accompagne le saxophoniste puisqu’il s’agit du trio bien connu et toujours  impeccable  de Brad Mehldau. Que c’est bon de se laisser bercer par le deuxième thème « Low key lightly » du Duke ; si le pianiste est toujours capable d'infinies délicatesses de toucher et poursuit avec bonheur dans le fil de ses pulsions rythmiques,  c'est avant tout l'instrumentiste Chris Cheek que l'on découvre dans le même temps, soliste généreux, puissant, soucieux de la mélodie et du rythme. Ecoutez son solo à l’ambiance lunaire dans « Song of India » et vous comprendrez comment on peut construire un thème avec un étonnant sens de l'envol  : et puis c’est la « madeleine » du « Captain Troy et des Aventures dans les îles » que ce thème de Rimsky-Korsakov induit ! Il ne manque plus que Gilda-Rita  glissant sur le parquet du « dance-floor» pour que notre bonheur soit complet.  Bravo donc au label défricheur catalan de Jordi Pujol  « Fresh Sound  New Talent » ondoyant  et ouvert, qui  ressort aussi des « oldies but goldies »  tout à fait formidables comme ce  « Russell Garcia and his four trombone band » dans la série Jazzcities  où l’on réentend avec délice le tromboniste inspiré et ombrageux qu’était Frank Rosolino.

Sophie Chambon