C'etait hier sur Jazzbox avec le pianiste Arshid Azarine (pour l'album Vorticity) et le contrebassiste Joachim Govin pour la sortie du Volume 2 de "Tree"

Bonne écoute !

Das Kapital    One must have chaos inside to give birth to a dancing star

Sortie le 24 Mai  sur  Label Bleu/ L’Autre Distribution

Actus — Maison de la Culture d’Amiens (maisondelaculture-amiens.com)

Studio de l’Ermitage 12 Juin concert de sortie du CD

Un disque important pour ce trio de camarades toujours aussi soudés après plus de vingt ans d’activité. Même s’ils ne sont pas du genre à éprouver de la nostalgie, le coup d’oeil nécessaire dans le rétroviseur leur a fait mesurer la distance parcourue et l’évolution de leur musique improvisée depuis 2002. Il ne s’agit pas pour autant d’un travail de collectage des musiques héritées pendant toutes ces années. Si leurs deux premiers albums Ballads and Barricades en 2009 et Conflicts and Conclusions en 2011 étaient consacrés aux influences du passé, aux compositions de ce musicien au parcours extraordinaire et pourtant peu connu, Hans Eisler, exilé à Hollywood avant de revenir à l’Est (créateur de l’hymne national allemand), ils se sont très vite abandonnés à leur propre partition, des chansons sans parole d’une grande beauté.

Difficile de définir leur style mais “ça joue” toujours autant entre eux, gardant mélodie et pulsation, sans aucun dogme, tout à leur seul désir et pour notre grand plaisir, ne s’interdisant rien et surtout pas de mêler traditions, références aimées et indépendance dans la musique qui surgit de cet élan collectif. Du lyrisme enfin qu’ils ne dédaignent pas d’injecter dans leur arc narratif et dramaturgique.

Pendant les cinq jours à Amiens chez Label Bleu, enregistrant en direct dans le studio Gil Evans, ils ont joué à perdre haleine et sorti 41 improvisations dont ils n’ont au final retenu que 7 titres* après une écoute des plus attentives. L’ingénieur-son Maïkol Seminatore, le quatrième homme, a fignolé les thèmes choisis avec des arrangements, recadrements et loupes. Du sur mesure,“sans l’éclat, la distanciation ironique, la violence iconoclaste” des débuts disent-ils.

On arrive à se faire une idée précise de la tonalité de la séance dès la première écoute, tant le climat reste homogène. Une musique toujours aussi énergique grâce à la batterie de Perraud, au lyrisme souvent énervé, écorché des saxophones ténor et soprano de Daniel Erdmann et à la guitare maîtresse de Hasse Poulsen. Un triangle plutôt équilatéral qui ne respecte pas l’arrangement habituel (trop classique pour ces poètes libertaires) de guitare-basse/batterie.

Si Edward Perraud, batteur et percussionniste, coloriste et rythmicien attire l’attention dès l’origine avec ce “Birth” à l’ostinato perturbant, s’il varie ses effets par des ruptures de rythme, il s'avère assagi et plus régulier sur “The River” puis “Earth”;  il brosse largement l’arrière-pays, ce socle sur lequel s’élance Daniel Erdmann inimitable, au timbre identifiable. C’est toujours la même séduction, immédiate, à l’ écoute de ce saxophoniste vibrant, tout en souffle, impressionniste ou fougueux… Plus en retrait semble le guitariste à moins que l’auditeur ne soit moins sensible aux accords de guitare qui s’enchaînent, imparables pourtant. Ce serait sans compter les doux effleurements d’Hasse Poulsen sur ce “Dancing star” en deux parties qui courent sans transition, une délicate musique des sphères; la construction ascendante de Hasse Poulsen, intègre avec bonheur tous les imprévus d’une musique invasive, constamment sous tension jusqu’au final prometteur, annonçant une “First Light” plutôt free rock.

Cet album semble une parfaite illustration en images virtuelles, écho à trois voix souvent irréelles, comme les photos d’Edward Perraud fantasmatiques et troublantes. Une suite continue où l’esprit se recentre autour d’ostinatos et de grondements sourds, le saxophone soufflant volontiers le chaud et le froid, la douceur étant du côté de la guitare.

Un peu plus étonnante est cette citation interminable tirée d’“Ainsi parlait Zarathoustra”. On ne comprend pas vraiment comment fonctionne leur alchimie, mais il est manifeste que cette musique à trois est structurée, parfaitement élaborée entre folk, jazz, rock. Ils continuent leur histoire sans perdre leurs repères. Attentifs, délicats, sans fébrilité excessive, ils savent donner à l’album son unité avec une dimension originale et poétique.

*2 plages fantômes poursuivent le supposé final!

Sophie Chambon

Hervé Sellin (piano & piano électrique) et sur deux plages Claude Egéa (bugle)

Meudon, 13-15 septembre & 8 octobre 2023

IndéSens Calliope Records IC 012 / Socadisc

Après l’album «Claude Debussy», enregistré en 2017 pour le même label, et publié en mars 2018 à l’occasion du centenaire de la mort du compositeur (http://lesdnj.over-blog.com/2018/04/debussy-vu-du-jazz-par-herve-sellin-et-enrico-pieranunzi.html), Hervé Sellin se penche sur la musique de Gabriel Fauré (en novembre ce sera le centenaire de sa mort) et celle de Maurice Ravel (qui leur survécut jusqu’en 1937). Cette trilogie a un sens, si l’on veut bien se souvenir de ce que le jazz est allé quérir dans leurs langages respectifs. Alors que pour Debussy il était allé chercher du côté des pièces pour piano, Hervé Sellin puise cette fois dans des œuvres orchestrales et vocales (sauf pour ses digressions très personnelles autour du Prélude pour piano de Ravel). Tout au long du disque, c’est une sorte de déambulation amoureuse dans des trésors de ces musiques : trois moments du Requiem de Fauré, ainsi qu’une mélodie - Après un rêve - et la célèbre Pavane du même compositeur. Pour Ravel on chemine de Daphnis et Chloé à la Rhapsodie espagnole en passant par la Pavane pour une infante défunte ; avec aussi deux digressions en duo piano-bugle autour du Concerto en sol majeur et de Ma mère l’Oye. L’amour de ces musiques, autant que la revendication de liberté et d’imagination, président à cette belle entreprise. Le pianiste interroge les harmonies en les transgressant, effleure les lignes mélodiques en les entraînant vers d’autres voies. Sa science du piano et de la musique, côté classique (sa formation au Conservatoire de Paris) comme dans le jazz (qu’il a pratiqué avec les plus grands avant de l’enseigner dans le conservatoire qui l’avait formé), lui donne la liberté d’enfreindre en magnifiant, de contourner sans manquer l’ultime but, d’intensité et de beauté. Dans le livret du disque il commente pour chaque pièce, de manière limpide, le cheminement autant que l’intention. Dans cet exercice, souvent tenté par les artistes de jazz, de puiser dans le répertoire classique (au sens large : du baroque au vingtième siècle) pour produire leur propre musique, exercice périlleux qui a suscité parfois des déceptions, Hervé Sellin nous offre une fois encore le témoignage d’une incontestable réussite. Au plus haut niveau.

Xavier Prévost

FREE FIGHT   Guillaume Belhomme Philippe Robert

This is our (new) thing

Editions Lenka Lente

FREE FIGHT de Guillaume Belhomme & Philippe Robert / Editions Lenka lente

Free Fight qui était paru pour seulement quatre numéros sous la forme d’un fanzine photocopié sur le site le Son du Grisli a été assemblé une première fois par les éditions Camion. Mais ce sont les éditions Lenka Lente qui leur rendent aujourd’hui leur format initial, à l’italienne, avec des illustrations en noir et blanc des pochettes d’albums photographiées à domicile dans leur environnement “naturel”.

On prend un plaisir certain à découvrir les échanges entre deux spécialistes, véritables allumés du jazz ( et de beaucoup d’autres choses) dans un duel à fleurets mouchetés. On suit leur parcours sans toujours bien saisir les passages, relais et associations d’idée entre eux, une entrée en évoquant vite une autre. Ils vont à sauts et à gambades dans les années fécondes, à coup de vinyles de leurs discothèques respectives que l’on aimerait bien découvrir in situ. Une bataille rangée des plus élégantes chez ces deux gentlemen du free jazz aux bibliographies conséquentes qui se sont rencontrés autour de ces musiques des marges. Des lisières même, sans hiérarchie de style ou d’école.

S’ensuit une grande variété de propositions déroutantes parfois, toujours intéressantes dans une sélection limitée à trente-six disques chacun, soit soixante douze articles. Ce qui n’est pas rien et forme la matière d’un bel objet que le format à l’italienne rend facile à consulter. Les adeptes de ces musiques pourront avec une grande liberté d’exploration, suivre, objecter ou proposer d’autres albums remontant des années soixante et soixante dix jusqu'aux années 2010. Ce n’est pas tant la discothèque idéale -idée rebattue et très déceptive au fond, qu’ils nous proposent tous deux que le résultat d'une écoute subjective privilégiant un découpage particulier. Historique donc mais encore contemporain, défricheur, planant ou militant, au delà du Free jazz, Black Power de Carles et Comolli. Ils insistent dans une interview liminaire sur le fait que cette liste argumentée a été dressée sans aucun calcul, aucun quota de nationalités, de genre, d’instrument, et évidemment aucune (auto)-censure, sans suivre l’ordre alphabétique, ni chronologique. Or l’amateur de jazz est un nostalgique et la chronologie lui importe. Il va chercher quels étaient les premiers albums sélectionnés : Jef Gilson in Oeil*Vision en 1962-1964, George Russel At Beethoven Hall chez Saba pour Shirley Jordan et encore Roswell Rudd America en 1965, tous deux indiqués par Guillaume Belhomme qui pousse aussi le curseur le plus loin, jusqu’en 2010 avec Jazz Pa Svenska où s’illustre Mats Gustafsson.

Philippe Robert dégaine avec du free, jazz, rock  : Steve Marcus in Count’s Rock Band de 1969 chez Vortex du saxophoniste Steve Marcus avec Larry Coryell et Guillaume Belhomme répond avec l’impeccable Cecil Taylor  in Garden en 1981 chez Hat Art. Solo à l’index précise-t-il, ce que montre la pochette. On déroule le fil de chroniques écrites d’une plume affûtée, dans un ton qui leur est propre, reconnaissable même sans la précaution d’une exergue signée pour chaque album. Si vous ne connaissez pas bien le groupe, le musicien, le chanteur, vous vous en ferez une idée d’après ces commentaires authentiques évoquant souvenirs et anecdotes qui balayent bien plus large que ce que le titre sous-entend. Que l’amateur se rassure cependant, il reconnaîtra des pépites dans ces albums de Roswell Rudd, Hamiet Bluiett, Frank Lowe, Andrew Cyrille, Steve Lacy, Wolfgang Dauner, François Tusques et Barney Wilen, Colette Magny, Jef Gilson, Joe Mc Phee, Marion Brown, Arthur Blythe, Sun Ra Aux Nuits de la fondation Maeght vol 1&2 en 1970, Mischa Mengelberg, Gunther Hampel avec Jeanne Lee…. car même si les auteurs font reposer leur choix, forcément subjectifs sur le plaisir et la sensibilité, leur expertise n’est plus à mettre en doute. Ce sont  donc les guides rêvés pour creuser la réalité d’une époque et d’une musique parfois incomprise, révélant au passage les conventions et hiérarchies tacites de la société.

Sophie Chambon

 BLACK LIVES     PEOPLE OF EARTH

I Apologize (youtube.com)

Label/Distribution : Jammin colors

Après un premier opus en 2022 From Generation to Generation, l’aventure humaniste de Black Lives continue avec ce People of Earth sur les scènes les plus diverses pour ce collectif d’une vingtaine de musiciens originaires d’ Europe, d' Afrique, de la Caraïbe, des Etats Unis, tous regroupés autour du bassiste Reggie Washington et de sa femme, véritable cheville ouvrière de cette formation conceptuelle.

Un propos généreux, un langage efficace car directement accessible pour lutter contre le racisme et les inégalités sociales, un album dédié à tous les enfants du monde. Quinze compositions courtes et enlevées, des songs aux titres explicites (Move, Awakening, Better Days, People of Earth…) créées pour la circonstance, façonnées pendant les tournées en Europe de l’album précédent, portées par des choeurs ajustés, des musiciens de générations différentes venant du jazz, de la soul, du rap, du hip hop, tous unis vers un objectif commun de changement.

Un “feel good” album dont la force réside dans l’énergie du groupe, la croyance en un avenir meilleur à condition d'agir sans plus perdre de temps. Une remarquable cohésion sous-tend l’album, à écouter d’une traite comme le résultat d’un esprit de groupe engagé et créatif. A la différence des albums explosifs pleins de colère, de rage des années soixante -encore que le poème “I apologize” dit par Ezra Schwarz Bart fasse ressurgir l'esprit de l'époque, c’est l’espoir en un monde différent qui prévaut sans pour autant tomber dans un enthousiasme béat. Cet optimisme surprenant quand on songe à notre époque si anxiogène et brutale, reste militant, festif, irrigué d’une fougue communicative, de la joie d’être et de jouer ensemble. On retrouve autour de Reggie Washington de sacrées pointures, le pianiste Grégory Privat, les batteurs Gene Lake, Sonny Troupé au tambour ka, les guitaristes David Gilmore (solo sur “Better Days”), Jean Paul Bourelly, aux saxophones ténor Jacques Schwartz Bart, Marcus Strickland et notre sax alto toujours enthousiaste Pierrick Pedron dans deux titres “Valley of Kings” de David Gilmore et “Jubie’s Jones”. La suite ainsi composée en écho au mouvement Black Lives Matter dresse un état des lieux d’une certaine musique noire entre Afrique, Antilles, Amérique. Entre doux rêve et folle utopie? Peut-être mais ce sont aussi des armes de résistance qu’ils nous proposent. Si l’album commence avec la belle voix de Christie Dashiell sur l’encourageant “Friendship” accompagnée par le Fender de Federico Gonzalez Peña, c’est Sonny Troupé qui rythme aux diverses percussions avec tout l’entrain qu’on lui connaît  “On sèl rèv”, un final porté par des choeurs émouvants.

Alors prenez vite date pour aller découvrir cet été ce formidable ensemble dans les festivals hexagonaux près de chez vous...

Sophie Chambon