ERIC PLANDE unit : « The feeling never stops . Plays the music of Joachim Kühn"
Unit 2025
Eric Plandé (ts), Bob Degen (p), Norbert Dömling (cb), Uli Schiffelhoz (dms)
Le son ! non mais, le son d’Eric Plandé ! Juste E-NO-RME !!
C’est Eric Plandé qui vit en Allemagne qui nous a envoyé directement cet album qui serait certainement passé inaperçu compte tenu de sa non-distribution en France.
On l’avait laissé un peu de côté et puis un beau matin on l’a mis dans la platine. Et alors là, mes amis c’est une véritable claque qui vous arrive en plein dans les oreilles. Un SON de ténor comme on en fait plus. Un son qui vient de Rollins mais qui vient avant tout et surtout d’une histoire humaine et remplie d’âme. Un souffle devrait on dire, avec ce qu’il emporte de puissance, de grain, de vent et d’embruns. Un son qui vous enveloppe dans sa matière brute, fauve. Avec Eric Plandé, le son c’est autre chose que le son, c’est le geste. Comme celui d’un peintre devant une toile blanche.
Cet album est le témoignage d’une rencontre que le saxophoniste avait faite avec Joachim Kühn et qui a amené Eric Plandé à le construire autour des compositions du pianiste allemand. Et cela aboutit à cette forme d’urgence à dire, à cette explosivité qui l’emmène à la lisière du free et qui fait qu’il se passe là, à cet instant autre chose que de la musique.
La présence énorme de Plandé, son lyrisme, son vibrato, sa puissance eclipsent un peu les musiciens qui l’accompagnent et font un peu de figuration.
Mais pour le reste c’est un disque rare, énorme qui va vous saisir tout vifs. Vifs et vivants !
Yotam Silberstein (g), John Patitucci(cb), Billy Hart (dms)
Il y a à peine un an sortait un album de standards sous l’égide du guitariste Yotam Silberstein. Album réalisé avec une équipe de haute volée composée de John Patitucci, le contrebassiste de Wayne Shorter et du légendaire et inusable Billy Hart à la batterie.
L’album fut alors salué par le magazine Downbeat comme « meilleur album de l’année 2024 ». Du coup, puisque lors de la séance d’enregistrement, ces trois musiciens avaient accumulé pas mal de titres, il n’y avait pas de raison de s’arrêter en si bon chemin et go on pour un volume 2.
Ce qui n’est pas pour nous déplaire.
Car voyez-vous il y a standards et il y a standards.
Il y a ceux que l’on connait par cœur, dont la grille est archi-connue et répétée jusqu’à satiété dans toutes les jam-sessions de la planète. C’est 100% plaisir immédiat parce que l’on connaît la chanson et que ca roule tout seul. Et puis à côté il y a les standards un peu moins joués et qui sont pris comme la base d’un jouage commun, comme un terrain d’entente entre les musiciens qui savent qu’en partant de ces chansons c’est tout un espace harmonique qui s’ouvre à eux et qu’ils peuvent ainsi faire durer le plaisir de l’impro en toute fusion, en toute communion. Cela peut être un blues classique ( wrap your trouble in dream de Harry Barris) ou encore une très étonnante lecture de Delilah de Victor Young où Yotam alterne entre guitare et Oud, tout semble facile, tout va de soi.
Yotam Silberstein est en effet un guitariste qui sonne le jazz par toutes les cordes de sa guitare qu’elle soit électrique ou acoustique : il la fait chanter avec une souplesse au velouté sensuel et moelleux : la grande classe ! Il n’ y a qu’à écouter Love Thy Neighbor » de Harry Revel et Mack Gordon ( joué par Coltrane dans l’album Stardust) : masterpiece !
Alors dans la grand messe des standards, c’est le moment où l’on reçoit la sainte bénédiction, l’eucharistie des non-croyants, l’apparition de la vierge : ca fait du bien par où ça passe !
Et plus voilà, y a pas à faire des phrases : c’est ça le jazz !
En plus si ce vieux briscard de George Coleman au son rauque et toujours puissant passe le bec de son saxophone par là sur un Tenor Madness des familles : que demander de plus.
Déjà se termine ce volume 2 de « standards » et vous savez quoi ? On attend déjà le volume 3 !
Frémeaux & Associés. 240 pages
En librairie depuis le 28 mars 2025.
Les lecteurs des DNJ connaissent bien le Laurent CUGNY pianiste, chef d’orchestre (grande formation en particulier), arrangeur, directeur de l’ONJ (1994-1997), plusieurs fois lauréat de l’Académie du Jazz, mais peut-être un peu moins le Laurent Cugny historien du jazz, même si on lui doit « une histoire du jazz en France, du milieu du XIXème siècle à 1929 » (Editions Outre Mesure.2014), devenu un ouvrage de référence.
Professeur (aujourd’hui émérite) à la Faculté de Lettres de Sorbonne-Université, Laurent Cugny élargit son champ de vision avec « Une Histoire du Jazz, une Musique pour les XX ème et XXI ème siècle » (Frémeaux & Associés). En quelque 200 pages, dans un format de poche, voici retracée une épopée prenant ses racines dans les champs de coton du Sud profond des Etats-Unis et à la Nouvelle-Orléans et nous conduisant jusqu’à ces dernières années à l’ère de la mondialisation et de la dématérialisation.
Construite sur la base de son enseignement, cette histoire du jazz déclinée de manière chronologique (hormis un chapitre consacré à l’expression vocale), se présente, selon son auteur, comme « une histoire de la musique et des musiciens », n’évoquant que ponctuellement les aspects de l’histoire sociale et culturelle. Il n’empêche. Laurent Cugny enrichit son approche artistique et stylistique de propos personnels sur l’évolution du jazz en s’attaquant à des idées générales et hâtives. Il entend ainsi détruire les mythes selon lesquels l’improvisation ou l’engagement politique et social n’aurait débuté qu’avec le be-bop, ou encore que le hard bop serait uniquement « une réaction de musiciens noirs à un jazz cool affadi joué par des blancs ». Dans ce même ordre d’idée, l’auteur tient à affirmer la place « très présente » des femmes dans le jazz dès ses débuts (par exemple Lil Hardin, pianiste et première épouse de Louis Armstrong) même si elles ont été « largement invisibilisées ».
Où va le jazz ? Laurent Cugny se garde de tout pronostic. Il relève cette diversification du jazz qui se manifeste depuis 1975-1976 (époque de naissance du groupe VSOP d’Herbie Hancock), ère post-moderne, « nébuleuse sans réelle géométrie » (world jazz, fusion, musiques européennes improvisées, influences des musiques traditionnelles…). A la fin de ce premier quart du XXI ème siècle, « le jazz est plus vivant que jamais. Il se pratique, s’enregistre et s’enseigne ». La dématérialisation a fait des ravages certes conduisant, juge l’interprète-historien du jazz, à « une relative indigence économique » à laquelle toutefois échappe « un petit groupe d’artistes ». Constat autrement présenté : « le nombre d’albums produits n’a jamais été aussi grand alors que les ventes globales ont considérablement chuté ». Curieux (et explosif) cocktail alliant richesse de l’offre et pauvreté des revenus perçus par les créateurs.
Un ouvrage d’une lecture aisée (sans céder à la facilité), fortement conseillé, et qui renvoie à une large discographie puisée dans l’encyclopédique catalogue patrimonial de son éditeur, Frémeaux & Associés.
Un disque, et un projet, inspirés par Wayne Shorter, qui décrivait ainsi la fleur de lotus : «La fleur de lotus est la seule à pousser dans le marais qui est comme le monde, trouble et boueux [….]Quand la fleur s’ouvre dans le marais, tout autour de la tige, l’eau s’éclaircit ! C’est un symbole de lumière». Et cela conduit Bruno Angelini à imaginer une suite de compositions dédiées à des militantes et militants qui ont alerté les consciences, de Rosa Parks à Nelson Mandela, en passant par les Mères de la Place de Mai, en Argentine, Berta Cacéres et sa fille Laura qui s’opposèrent à la construction d’un barrage destructeur pour l’environnement au Honduras, et d’autres lanceuses et lanceurs d’alerte…. Plus deux dédicaces à Wayne Shorter et Paul Éluard. Des inserts sonores nous feront aussi entendre les voix de certaines de ces figures tutélaires (Rosa Parks, Nelson Mandela). De plus un titre évoque les pertes croisées d’enfants par les peuples palestiniens et israéliens. De ce programme nourri de références surgit une musique chargée de sens : mais en rien une musique ‘à programme’. Plutôt une musique qui, par sa liberté et son inventivité, secoue notre sens esthétique en faisant éclore des sensations et des émotions qui nous parlent. De cet instrumentarium inusité (deux saxophones et un piano) surgit tout un monde de formes, de langages, d’expressivités croisées et de lyrisme de tous les instants. Lyrisme du compositeur, mais aussi des deux musiciennes dont l’expression, tempérée ou violente selon les plages, épouse les contours du projet dont elles portent l’oriflamme. À découvrir d’urgence, pour en découvrir toutes les nuances, la force, et la beauté.
Noé Huchard (piano), François Moutin (contrebasse), Louis Moutin (batterie)
Jazz Eleven JZE 11015 / BacoDistrib
Une idée qui a germé, par la rencontre de Géraldine Laurent et des Frères Moutin, en vue de réaliser un projet commun. Et ils choisissent pour partenaire le pianiste Noé Huchard, pour cette connexion de créativité et d’énergie que suggère le nom du groupe. Un siècle après le début des années 1920, ils ont l’ l’envie de revoir les chansons de cette époque, dont le jazz a fait ses standards, mais en ouvrant de nouvelles perspectives : le présent, la liberté d’interpréter et d’improviser, le goût de marquer le cadre pour en mieux transgresser les contours. Jouer ‘dedans-dehors’, prenant en compte les harmonies, les rythmes et les mélodies dont un siècle de jazz a paré ces thèmes, tout en s’offrant la liberté de passer outre. Bref faire vivre et revivre, de la manière la plus organique, ce que cette musique a insufflé dans l’histoire culturelle.
Liberté à tous les étages : les tempi consacrés par la tradition du jazz, les métamorphoses rythmiques et harmoniques qui étaient devenues les nouveaux standards normatifs de ces thèmes, tout cela est remis en question, ou plutôt remis en scène : musique intensément vivante, et aussi composition plastique selon une nouvelle perspective.
De ces thèmes qu’une tradition ancienne, partagée par les amateurs et les artistes, qualifiait avec une affectueuse ironie, de ‘vieux saucissons’ (comme ailleurs on parlerait de vieilles rengaines), ce quartette fait son miel : en faisant chanter les mélodies, pour mieux les subvertir, en dynamitant les ingrédients autant que les repères (y compris ceux dont le jazz a fait des versions de référence). C’est à la fois fidèle et transgressif, respectueux et iconoclaste, bref intensément jouissif pour qui aime, dans cette musique, l’inextinguible soif de liberté.
Entre After You’ve Gone (1918) et Ain’t Misbehavin’ (1929), un bouquet de standards de la musique populaire états-unienne devenus des emblèmes du jazz. Des thèmes de Fats Waller, George Gershwin, Kurt Weill, Duke Elligton, Irving Berlin…., mais aussi d’autres mélodies dont les versions de référence dans le jazz ont plutôt émergé à partir des années 50 (Softly As in a Morning Sunrise, Bye Bye Blackbird). Et chaque fois c’est un moment de jazz vivant, estampillé ‘présent absolu’, qui ne néglige pourtant pas, incidemment, les échos du passé. Un manifeste ? Une leçon de vie ? En tout cas une sorte de cri du cœur pour les musiques d’hier conjuguées au présent. D’une plage à l’autre, entre vertiges de l’effervescence et incendies de lyrisme, un bonheur musical....
Xavier Prévost
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Le groupe est en concert à Paris le mercredi 9 avril au New Morning
C’est son premier album sur le prestigieux label Steeple Chase et pourtant le guitariste Yves Brouqui a une belle et déjà longue carrière depuis 1986 : respectueux d’une certaine tradition, il s'inscrit dans la lignée des grands de l’instrument, les Grant Green, Wes Montgomery, Kenny Burrell...ce qui n'est pas pour nous déplaire.
Il a su s’entourer de complices aussi doués que lui et le quartet qu’il forme avec son ami le pianiste Spike Wilner est une splendide jazz machine. Ce pianiste avec lequel il a beaucoup joué en club dans ses années new yorkaises, en particulier au Smalls que possède à présent Wilner est son alter ego. L’un finit à peine sa partie que l’autre le relaie tout aussi étourdissant quand il entre dans la danse. Les deux échangent avec une énergie déconcertante et pourtant décontractée, une inventivité permanente adaptée à la fluidité de la musique. Le pianiste est « venu » avec son trio, une rythmique superlative (Paul Gill à la contrebasse et Anthony Pinciotti hélas disparu dernièrement) qui sait installer un swing généreux et robuste, propice aux envolées délicates du guitariste.
Neuf compositions qui prennent le temps de se déployer et développer des passages improvisés avec goût, parmi lesquelles un arrangement inventif et réussideMagali (traditionnel folk)par ce guitariste limpide ettrois compositions de son cru qui apportent une touche plus lyrique voire sentimentale comme dans l'exquise ballade Elsa Rosa . Le quartet reprend cinq standards dont deux de pianistes le Turquoise Twice de Cedar Walton peu revisité depuis sa sortie en 1967 sur lequel le contrebassiste joue un solo à l’archet impressionnant par sa clarté d’articulation et Mean What You Say de Thad Jones, titre éponyme de l’album, une ballade medium tempo avec une intervention musclée de Wilner.
Mais c’est à la mitan du CD avec une version du pourtant ressassé Besamo Mucho ( 1932) jouée plus de cinq cents fois depuis 1943 que le quartet s’envole faisant retrouver à ce classique une fraîcheur surprenante. Contre toute attente la chanson de Consuelo Valasquez est revivifiée sur un tempo en 5/4 ce qui change quelque peu la donne. La rengaine swingue d’un coup et le guitariste soyeux trace sa ligne claire avec élégance. Out of The Town de Cole Porter moins connu peut être que ses « tubes » éternelsest interprété sur un rythme plus nonchalant, latin qui bizarrement souligne combien cette mélodie mélancolique est inspirante. Tout à fait dans l’esprit de Cole Porter avec encore un solo à l’archet de Paul Gill. Quant à For John L, cette autre composition de Brouqui m’a fait revenir aux grandes heures d’un jazz post bop qui n’existe plus guère aujourd’hui, en France du moins, une pulse chaleureuse irrésistible, pas du tout hypnotique mais euphorisante.
Le quartet termine en beauté « tranquillement » avec la valeur sûre qu’est Caravan. Enfin pas si quiètement puisqu’ils finissent sur un up tempo très impressionnant. Un épilogue énergique et emballant. C’est la musicalité et la cohésion de ce groupe que l’on retient d’un bout à l’autre de cet album lumineux qui s’écoute d’une traite et donne une furieuse envie de se retrouver en club entre amis ou sur une piste de danse. Voilà une musique que ne décalquera pas cette sacrée Mademoiselle I.A.
Cent ans après son décès (le 1er juillet 2025), Erik Satie n’a pas fini de séduire et intriguer ne serait-ce que dans la jazzosphère.
Ces derniers mois, sont ainsi sortis dans les bacs des disquaires GYMNOSTROPHY, rencontre de Satie et Monk, signée du Possible(s) quartet (IMR/Inouïe Distribution), chroniquée dans ces colonnes par Sophie Chambon, La MARCHE du CHIEN NOIR (Label Bleu) version big band donnée par le Red Star Orchestra, sans oublier publié en 2023 IKIRU PLAYS SATIE (Collectif Surnatiral/L’autre distribution) où Fabrice THEUILLON (saxophone ténor) échange avec Yvan ROBILLIARD (piano) sur une douzaine de compositions, y compris les célébrissimes Gnossiennes et Gymnopédies.
L’écrivain belge Patrick ROEGIERS (‘Le cousin de Fragonard’, ‘l’autre Simenon’, ‘Eloge du génie’…) livre une explication : « Satie était de son temps, en avance sur son temps et hors du temps. Sa musique était intemporelle, atemporelle ».
De son vivant, Erik Satie (qui avait troqué le c de son prénom de naissance pour un k rappelant l’origine anglaise de sa mère) connut le succès assez jeune (22 ans) avec les 'Gymnopédies' en 1888 et le scandale à 51 ans avec 'Parade' (18 mai 1917), spectacle-ballet donné au Châtelet par les ballets russes de DIAGHILEV, sur un livret de Jean COCTEAU et des costumes et décors de PICASSO. « Musicien bruitiste », lança un critique.
Économe de ses notes, « Satie composait la musique du silence, la musique sortait du silence et retournait dans le silence » résume Patrick Roegiers.
Cette sobriété assurée irritait Pierre BOULEZ (allergique par ailleurs au jazz) qui qualifiait le compositeur de ‘Trois morceaux en forme de poire’ de « talent mineur, indigent techniquement ».
Tel n’était pas l’avis de compositeurs majeurs du XX ème siècle, qui voyaient en Satie un précurseur de la musique répétitive, minimaliste. A commencer par John CAGE qui interpréta en première mondiale en 1963 ‘Vexations’, partition inédite de 1893 conçue pour la peintre montmartroise Suzanne VALADON, compagne fugace de l’excentrique Satie.
Vêtu en toute saison d’un pantalon noir trop court, d’un paletot élimé, coiffé d’un melon, muni d’un parapluie, le normand d’Honfleur (né le 16 mai 1866 à 9 heures du matin) arborant barbichette et lorgnons parcourait tout Paris à pied avant de rejoindre son « placard » d’Arcueil, en banlieue sud, où personne n’avait droit d’entrée. Etre sensible, non dépourvu d’humour, peu sujet aux compromis mondains, Satie confia à Darius MILHAUD : « j’ai eu une belle vie, solitaire et triste, vraiment triste ». Mais, c’est un trait peu connu de sa personnalité, l’ermite d’Arcueil adorait les enfants de la commune banlieusarde auxquels il donnait des cours de solfège quand il n’organisait pas des goûters.
Admiratif de son héros, Patrick Roegiers, nous accompagne (brillamment) auprès d’un Erik Satie intime dans une biographie sans ordre chronologique, romancée et imaginée.
Au fil des pages, se retrouvent ainsi côte à côte des artistes (terme qu’exécrait Satie : « nous n’avons pas besoin de nous dire artistes laissant cette dénomination reluisante aux coiffeurs et aux pédicures ») ne s’étant jamais rencontrés, les amis de Satie (Ravel, Cendrars, Picabia, Brancusi…) et ses fans futurs (Cage, Bob Wilson, David Hockney, Pina Bausch) ... Tous unis dans une affection pour un compositeur refusant tout carcan et définissant la musique comme « un silence qui parle ».
Bien qu’il vive à Paris depuis 2008, qu’il y ait étudié, qu’il ait aussi fait ses classes à New York, le Sarde Matteo Pastorini n’a jamais pu oublier d’où il vient. Adoubé par son compaesano le trompettiste bugliste Paolo Fresu qui lui a montré la voie, il revient souvent dans son île et y a fondé lui aussi un festival à San Teodoro en 2016. “Une île n’est une île que si elle devient le point de départ pour mieux y revenir” écrit Fresu dans un texte introductif.
Ce Lightside dont le clarinettiste signe les neuf compositions est son troisième album en leader avec son quartet italien. Du jazz instrumental à fleur de vent, un rêve éveillé que poursuit le soliste en se laissant dériver au fil des mélodies. C’est en somme un concept album autour du thème de l’exil, empreint de nostalgie, du besoin impérieux de retrouver ses racines après les remous de la vie. Un sentiment que connaissent nombre d’Italiens du Sud mais aussi les migrants de toutes origines. Aussi loin d’un revival folklorique sarde, le quartet explore les liens entre tous les immigrés méditerranéens par le jazz. Mais ce sujet des plus actuels est abordé ici avec sérénité, voire un groove certain dans ce Coming back enlevé, thème de (l’éternel) retour où brille la section rythmique.
S’il commence à Gorée, lieu éminemment symbolique de toutes les servitudes et départs obligés, Matteo Pastorino a choisi de ne jouer que de la clarinette basse qui sait être une basse discrète, d’une extrême douceur dans les nuances. Il recherche la lumière, celle de la Méditerranée, évoque le cycle de la vie avec un titre tendre dédié à sa fille Elvira et finit sur une ballade sensuelle plutôt élégiaque au printemps (Marzo) après une pirouette, esquisse malicieuse d’auto-portrait (Scarabucchio qui peut signifier “gribouillage” mais aussi “barbu”). Les titres et la musique s’offrent comme la matière même de cette réflexion que le texte de Fresu encourage. Pour sortir Lightside, commande de 2021 du Festival Time in Jazz du trompettiste, Matteo Pastorino a pris du temps, attendu le moment propice. Une énergie positive se dégage du travail collectif où tous dans cette osmose au long cours semblent plus libres de laisser aller les compositions à leur rythme, donnant chair et vie au projet.
La musique du clarinettiste suit unchant intérieur quasi ininterrompu, nourri de toutes les influences puisées au coeur de ses voyages, dilatant le temps et l’espace. Plongeant dans de sobres vertiges de mélodies limpides et accrocheuses, le quartet tisse une toile intimiste, souvent mélancolique, aux textures douces mais insistantes. Entre rêveries liquides et réminiscences douces, le jazz demeure, fidèle : ce Lightside où tout est léger et grave mérite qu’on s’ y attarde.
Claudia Solal (voix, textes & composition), Benjamin Moussay (piano, piano électrique, synthétiseur & composition)
Malakoff, 19 novembre - 1er décembre 2023
Jazzdor Series 22 / l‘autre distribution
Retour d’un duo qui nous enchante depuis plus de deux décennies. Duo très singulier, qui rassemble un pianiste de jazz (mais pas que….) et une chanteuse de jazz…. et d’ailleurs. L’anglais pour les textes, comme toujours, car Claudia entretient une relation privilégiée avec cette langue, émaillant ses disques précédents de poésies britanniques et anglo-américaines. Un goût et une connaissance de cette langue qui lui viennent de sa grand-mère maternelle, qui était écossaise. En parfaite complicité musicale, le pianiste et la chanteuse ont conçu un objet musical tissé d’étrangeté foncière & de liberté fantasque. Les textes, d’une très forte charge émotionnelle, sont à savourer (le livret nous les délivre intégralement), non seulement pour leur qualité d’écriture mais aussi pour leur absolue adéquation à la musique. Très belle production sonore exploitant toutes les ressources du studio pour construire une esthétique imparable. On pourrait parler à ce propos d’une sorte de pop très sophistiquée, mais ce serait décidément réducteur. De la musique avec voix, liée à la voix d’une manière fusionnelle : de la grande musique ; bref de l’Art musical.
Xavier Prévost
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Le duo sera en concert le mercredi 26 mars à Budapest, et à Paris le jeudi 27 mars, à l’Atelier du Plateau
L’enregistrement d’un programme donné plusieurs fois en concert depuis sa création en 2022. Dix ans après la parution du CD «Akasha», en quartette, qui s’articulait sur les quatre éléments augmenté de l’éther, le contrebassiste-compositeur revient avec ce disque à l’inspiration ayurvédique, tournée cette fois vers le son. Mais au-delà de l’intention programmatique et des références à l’Inde antique et au sanskrit, nous plongeons avec délices dans une sorte de suite, finement orchestrée, composée de thèmes déjà joués ou conçus pour cette circonstance. Car l’auditeur que je suis perçoit l’ensemble comme une grande forme, très orchestrée (on jurerait souvent qu’ils sont plus de six à jouer), qui se déploie avec évidence de l’ouverture introductive jusqu’au titre conclusif. Des envolées lyriques pleines de souvenances, qui se jouent en écriture autant qu’en improvisation : c’est un orchestre de solistes où tous les protagonistes trouvent leur espace d’expression, conduisant par là à une forme d’élaboration collective. Très très belle réussite, à la hauteur d’ambitions artistiques et musicales pleinement accomplies, et qui nous rappelle que le ‘jazz augmenté’ est un terrain de jeu formidable pour les artistes qui connaissent les règles, autant que les espaces de liberté transgressive. Chapeau bas !
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