BD FOLK

Editions BDMusic

BOD DYLAN

PaBLO

Preface Philippe Manoeuvre

www.bdmusic-egalerie.com

Toujours dans la même collection mais dans la série BD FOLK cette fois, un incontournable numéro dédié au Bob Dylan des débuts, le chanteur folk , conteur inspiré, poète et barde...celui que certains préfèrent tant il est vrai que le personnage  complexe  a changé d’identité, presque de peaux comme dans le film de Todd Haynes  I’m Not There, où il ne fallut pas moins de 6 acteurs/ actrices pour le représenter. La préface est signée de Philman, notre Monsieur rock français, qui dans son style inimitable sait si bien raconter la vie du rock. Bob Dylan est une icône à présent mais si l’on revient à ses deux premiers albums entre 1961 et 1963, on aura le choc d’une révélation, car domine  l’intensité de son chant, sa voix rouillée apportant « une force aussi personnelle que féroce ». « Il est les années soixante à lui tout seul » écrit Philippe Manoeuvre qui a  invité le jeune Bergeracois (déjà auteur du Gainsbourg dans cette collection à tremper  ses pinceaux dans l’encre noire du psychédélisme.  Les pleines pages sont superbes, les portraits justes, l’odeur du temps perceptible, « the sweet smell of success » et Pablo évoque avec talent les personnages qui ont inspiré Dylan, Woody Guthrie, les Beatles, Joan Baez. On repère aussi les citations fines  du documentaire extraordinaire de D.A Pennebaker en 1967, Don’t Look Back Certaines chansons sont immortalisées comme le fameux « The Times They Are A-Changin » qui inspira un clip célèbre  et surtout « Knockin’On Heaven’s Door », tube du film de Sam Peckinpah dont Dylan fit la musique et  auquel il participa en jouant l’énigmatique Alias.

NB : A ceci s’ajoute une biographie en français et anglais bien faite ; quant à la bande son, elle comporte  en plus des deux premiers albums, des extraits d’émissions radio et d’un show de Cynthia Gooding  où elle interviewe le chanteur, pièces rares et documents d’époque.

Sophie Chambon

Raphael  Imbert (saxophones, clarinette basse, harmonium), Marion Rampal (chant et harmonium), Pierre Fenichel ( contrebasse) et Paul Elwood ( banjo, chant)

Label Durance/distribution Orkhêstra

www.label-durance.org

Voilà un album que vous ne regretterez pas d’avoir écouté tant il communique joie de vivre, bonne humeur. Enregistré en 2008, il ne sort que maintenant  avec  l’acharnement de Raphael Imbert et du label Durance qui oeuvrent avec vaillance pour voir leurs projets arriver à terme.

Le titre n’est pas une coquille d’impression, mais un mot valise formé avec les noms des régions d’origine ou  de cœur, de ces musiciens, « Alpes » et Appalaches. Un amour du « folk » des monts et des vallées unit, on le sait à présent, le saxophoniste Raphael Imbert avec les acteurs de sa compagnie Nine Spirit (ici du moins, la chanteuse Marion Rampal et le contrebassiste Pierre Fenichel). On sait qu’il travaille sur les racines spirituelles du jazz  (« Holy Family » d’Ayler), tout en poursuivant son travail de musicologue et de chercheur ethnographique.  Passionné d’échanges et de partages sur les terroirs et les identités, le saxophoniste a rencontré et invité sur ce disque Paul Elwood, compositeur contemporain, chanteur populaire et joueur de banjo inventif. Dans leur fief des Alpes de Haute Provence (d’où la production sur le label Durance) dans l’église haute de Banon, le quartet a enregistré ainsi des airs traditionnels, du gospel, des tubes de Bob Dylan, Joni Mitchell et aussi de très belles compositions originales comme « Petite sauge couleur garance ». Sans la mélancolie inhérente à l’univers de Bill Carrothers et de sa femme Peg, on pénètre dans cette version de l’americana mâtinée de la douceur alpine. Ce n’est pas non plus le « talking blues » de Woody Guthrie que reprit Dylan à ses débuts, dans le traditionnel « Freight train » que l’on entend au début du disque dans une version aussi enjouée  (sans harmonica et  les élucubrations vocales dylanesques).

Et cela est beau. La voix de Marion Rampal atteint sa plénitude dans ce registre plus « traditionnel », nettement moins expérimental, où l’émotion et la puissance sont plus fortement palpables. Sans affèterie, quand elle reprend « Urge for going » de Joni Mitchell, avec même quelques inflexions semble t-il de la Canadienne.

De toute façon  quand Paul Elwood en s’accompagnant au banjo,  chante « It takes a lot to laugh, it takes a train to cry » de Dylan, c’est une musique qui ne triche pas, populaire, accessible sans être nécessairement facile. Si entraînante que l’on a envie aussitôt de partager cet enthousiasme. Jusque dans le beau final à deux voix de « Lorena »

Sophie Chambon

Avec Franck Amsallem, Pierre de Bethmann, Thomas Enhco, Manuel Rocheman, Baptiste Trotignon, (piano), Thomas Bramerie (basse), Lukmil Perez (batterie).
Backstage/L’autre distribution

Encore une chanteuse, me direz-vous…Elle ne nous est pas tout à fait inconnue, Mélanie Dahan. On l’avait remarquée par des choix artistiques hors des sentiers battus pour ses deux premiers albums, l’un dédié à la chanson française, l’autre aux courants latins. Une personnalité qui illustre toujours son troisième disque. Certes le répertoire s’y révèle des plus classiques, les airs consacrés, mille fois entendus de la chanson et du jazz américains. Jugez un peu, Cole Porter, Victor Young, Herbie Hancock, Benny Golson…
Le choix de ces titres a été effectué en harmonie avec les pianistes invités, Franck Amsallem, Pierre de Bethmann, Thomas Enhco, Manuel Rocheman, Baptiste Trotignon. Pourquoi ces cinq-là ? Réponse de Mélanie en forme de portrait express : « Franck ?, « le swing », Pierre « Une frénésie réjouissante », Thomas, « la délicatesse mélodique », Manuel « Coloriste raffiné et subtil », Baptiste « La virtuosité éclairée ».
Résultat : un puzzle réjouissant où Thomas Bramerie (contrebasse) et Lukmil Perez, (batterie) apportent leur pièce avec justesse et vélocité. Un beau voyage au pays des sons et des songes avec des titres éternels Whisper Not, Every Time We Say Goodbye, Star Eyes, Dedicated to You, What’s new. Et surtout une voix qui ne manque pas de sel et de swing.

  Jean-Louis Lemarchand

En concert les 27 et 28 novembre au Sunside (75001) avec Thomas Bramerie et Lukmil Perez et Pierre de Bethmann et Baptiste Trotignon (27), Manuel Rocheman et Franck Amsallem (28).

Une nouvelle ami e
3 novembre 2014
BOriginal by Cristal records
Distribution Sony Music entertainment
La bande originale du dernier film de François OZON
Musique originale de Philippe ROMBI
www.cristalrecords.com

Voilà que le dernier film de François Ozon fait le buzz alors qu’il vient de sortir. Un nouveau conte mélo, un film « transgenre », un catalogue de provocations ? Le Français s’est il réellement déchaîné dans cette histoire qui s’inspire d’une nouvelle de Ruth Rendell ? Ce film stylisé, assez détaché du réel, suit un personnage masculin qui se transforme au cours du film, une histoire d’amour avec des obsessions morbides très troublantes, à la Hitchcock. Il va «ressusciter» une femme qui manque, Laura (autre clin d’œil à une disparue célèbre, celle du film d’Otto Preminger) en devenant Virginia, une nouvelle amie. Ainsi se comble peu à peu le vide créé par l’absence de l’être aimé avec un « personnage » qui aime les femmes au point de vouloir leur ressembler, « a cross dresser».
Pour suivre le film, avant ou après sa vision, le label rochelais Cristal records sort dans sa très épatante collection BOriginal, le « Cinemasong » du film pour reprendre le titre de l’excellente émission de Thierry Jousse sur France Musique. L’occasion de revenir sur une partition à la fois populaire et complexe, à l’image du film.
La B.O du film est de Philippe Rombi, le musicien attitré des films de François Ozon qui signe une belle partition mélodique, romantique et romanesque qui fait parfois songer à Bernard Hermann pour Alfred Hitchcock, l’un des cinéastes modèles de François Ozon, qui aime multiplier les fausses pistes. Il suit ici les étapes successives de transformation de chaque personnage, car il s’agit d’une double métamorphose, celle du mari David /Virginia et celle de l’amie Claire.
A l’image du film, la musique joue subtilement sur le mélange des tonalités, pouvant se définir comme « transgenre » elle aussi : de la « grande musique » avec le Mozart lyrique des Vêpres solennelles-Laudate Dominum K.339, qui fut choisie au montage, alors que d’autres thèmes étaient dans le scénario : dans la scène d’amour, s’imposait « Mon cœur s’ouvre à toi » de Camille Saint Saens mais le choix de l’interprétation est astucieux, car il s’agit, en écho au film, de celle de Klaus Nomi, qui dans les années 80 se travestissait en créature... Par contre, dans la scène capitale du club, un travesti reprend « Une Femme avec toi », le tube de Nicole Croisille qui fit fureur à l’époque : les paroles conviennent autant, si ce n’est plus à Claire, qu’à Virginia. D’ailleurs Anais Demoustier chante encore en fin de film, à l’hôpital, mais « a capella » cette fois « Une femme avec toi », preuve supplémentaire de l’inscription de la chanson dans le scénario même. Autre clin d’œil bienvenu, après le moment d’émotion du club, on entend le très adéquat «Follow me» de la toujours ambiguë Amanda Lear. Quant à la musique originale, composée, orchestrée et dirigée par Philippe Rombi (qui joue lui-même les thèmes de piano solo), elle a cet avantage d’être très vite familière, de rester dans l’oreille. Les titres des compositions portent souvent le nom des personnages, devenant ainsi un leitmotiv identificateur (« Laura », « Le parfum de Laura », « La vie sans Virginia », « C’est David maintenant») ou de lieux importants pour l’action comme « Créancy ». N’illustrant jamais au sens fade de doublage ou de surlignage, cette BO fait partie de l’intrigue au même titre que le maquillage, les costumes, et devient essentielle dans l’histoire.

Pour aller plus loin http://www.telerama.fr/cinema/l-adn-d-une-nouvelle-amie-de-francois-ozon,118744.php

www.cinezik.org/critiques/affcritique.php?titre=une-nouvelle-amie

Sophie Chambon

Blue Note, le meilleur du jazz depuis 1939. Richard Havers, traduction Christian Gauffre. 416 pages, 450 photos et fac similés. 27,7 X 21,6 relié. Editions Textuel. 59 euros.

Voilà un livre qui vaut son pesant de savoirs et d’émotions et justifie amplement de casser sa tirelire. C’est un pavé et pas seulement de bonnes intentions. L’histoire d’un des labels qui ont marqué –et marquent encore- l’histoire du jazz. Blue Note, deux mots pour voyager à travers le jazz sur 75 ans, des virtuoses du boogie-woogie (Ammons et Lewis) aux explorateurs des nouvelles voies (Glasper et Moran) pour se limiter aux seuls pianistes.

Publié à l’occasion des ¾ de siècle de la compagnie de disques (1), cette brique à couverture … bleue séduit d’entrée de jeu par la richesse de son iconographie : des pochettes de disques présentées souvent en pleine page et qui mettent en valeur le talent du graphiste Reid Miles, des « planches contacts » de photos prises en studio souvent par Francis Wolff, un des patrons du label lui-même… L’amateur y retrouve aussi des analyses des disques majeurs- du label, de Sidney Bechet (en 1940) à Gregory Porter (en 2013) témoignant de la diversité du catalogue du label désormais dans l’escarcelle d’Universal Music Group.  La sélection porte sur 75 albums dont dix pour 1964, année prolifique avec Lee Morgan, Wayne Shorter, Tony Williams, Herbie Hancock, Art Blakey …

Journaliste spécialiste de musique, auquel on doit un ouvrage sur Frank Sinatra, Richard Havers évoque avec précision l’histoire de Blue Note, ne serait-ce que sur les débuts audacieux à New York en 1939.  Installé dans la métropole depuis 1936, Alfred Lion (1908-1987), qui avait fui l’Allemagne nazie, gagnait sa vie dans l’import-export mais pas suffisamment pour concrétiser sa passion pour le jazz. D’où son association avec un écrivain et musicien aux idées de gauche, Max Margulis, et un poète et critique théâtral, Emanuel Eisenberg, pour fonder, le 25 mars 1939, Blue Note Records. Ce n’est que quelques mois plus tard que l’équipe dirigeante du jeune label sera renforcée par l’arrivée fin octobre d’un camarade d’enfance berlinois d’Alfred Lion, issu également d’un milieu « intellectuel et bohème », Francis Wolff, qui avait obtenu un visa de sortie in extremis alors que les nazis avaient déjà envahi la Pologne.

L’aventure Blue Note pouvait dès lors commencer avec une volonté affichée de se différencier des majors du disque : des choix artistiques « sans compromissions commerciales », assurait leur premier communiqué de presse, graphisme éclatant, un format de disque de 30 cm généralement réservé à la musique classique, et non de 25 cm, la norme alors pour le jazz, pour donner aux artistes la possibilité de s’exprimer largement, un prix de vente également plus élevé (1,50 dollar le disque vendu initialement seulement par correspondance, soit deux fois le prix de vente moyen des 25 cm en magasin). Stoppée près de deux ans (1941-43), comme les autres compagnies, par la grève du syndicat des musiciens-qui demandait une juste rémunération notamment pour la diffusion des albums à la radio-la production de Blue Note prendra véritablement la voie de la modernité en 1944 avec l’engagement comme directeur artistique du saxophoniste Ike Quebec. Bientôt le label allait signer Fats Navarro, Thelonious Monk, Miles Davis, Bud Powell, Art Blakey…. Blue Note entrait alors dans l’histoire du jazz. Le tandem Lion-Wolff allait atteindre son apogée dans les années 50-60 avec l’embauche de deux hommes à forte personnalité artistique, Reid Miles, graphiste, et Rudy Van Gelder, ingénieur du son travaillant sur sa console avec des gants blancs. Tout un symbole de l’excellence qui identifie un label toujours vert à 75 printemps.

Jean-Louis Lemarchand

(1)  Un festival, Blue Note Xperia Lounge, est organisé à Paris du 18 au 23 novembre avec des concerts à l’Olympia, la Gaîté Lyrique et les clubs de la Rue des Lombards. A l’affiche, Robert Glasper, Ambrose Akinmusire, Lionel Loueke, Oran Etkin, Sophie Alour, René Urtreger, Marcus Miller….On lira également le dossier spécial (40 pages) consacré au label par Jazz Magazine de novembre.