Fidel Fourneyron trombone, Geoffroy Gesser saxophone ténor, et clarinette, Sébastien Beliah contrebasse

www.umlautrecords.com 

www.onj.org

www.fidelfourneyron.com

Concerts  14 novembre  D’Jazz Nevers festival

21 janvier La Dynamo de Banlieues Bleues- Pantin

Dès l’ouverture de la pochette, où figure  sur un éclatant fond  jaune, un tableau du peintre renaissance autrichien  Marx Reichlich  « Un fou », on se dit que cette émanation de l’ONJAZZFABRIC  a parfaitement illustré le titre de l’album et de la première composition « Un poco loco » de Bud Powell qui l’était un peu ...fou. Puis on s’aperçoit que logiquement, le trio d’improvisateurs (trombone/sax ténor, clarinette/ contrebasse) a choisi de reprendre dans ce programme le répertoire du jazz des années cinquante, en particulier du bop... C’est en effet la  « redécouverte de ces airs passés qui ont fait en leur temps la folie du jazz » que le trio nous propose. Et s’ils ne paraissent  toujours pas sages, ils sont encore capables d’enflammer un auditoire qui aime le jazz. On est donc content de réentendre ces compositions superbes réarrangées, assez fidèlement cependant  pour que la mélodie soit reconnaissable.  Il est bon de revenir aux compositions de Dizzy Gillespie ....sans oublier Lee Morgan dont il n’existe pas encore de biographie en français.  Et si vous ne vous mettez pas à danser sur la compo « Minor’s holiday » de Kenny Dorham  magnifiée par la contrebasse de Sébastien Beliah, consultez...

En lisant la présentation de l’album, on apprend que  Fidel Fourneyron, membre des très dynamiques et contemporains collectifs  Radiation X, ou Coax  (avec Geoffroy Gesserd’ailleurs) est un amoureux des orchestres swing, soliste chez Laurent Mignard (relecteur passionné de Duke Ellington) et de l’Umlaut big band spécialisé dans la musique de danse...Il y aurait donc des jeunes musiciens qui ne s’affranchissent pas du passé et remontent le temps musical au delà des années 60 ? 

L’un des  atouts de cette démarche est de reprendre ces thèmes gravés dans les mémoires des plus anciens, avec une autre instrumentation. On oublie donc les trompettistes, on écoute une autre «orchestration», des arrangements enlevés car le trio parvient à retranscrire le jus, à garder la sève de cette musique enthousiasmante. Le démarrage nous met dans l’ambiance, tout en payant respect à la mélodie : ça éructe, vrombit, s’interrompt pour mieux rebondir, klaxonne presque...vrille comme un bourdon. C’est rapide et enlevé. Et ça continue avec «Tin Tin Deo » très métallique, chaloupé et lancinant ...quand il le faut. Nos compères arrivent à ajouter encore de la chair à des compositions qui n’en manquaient pas , ainsi du moelleux fondant du trombone sur le moins connu « Rondolet ». C’est souvent humoristique avec changements et variations de tons à la klezmer ou à la Goodman. Dès l’exposition de certains thèmes, on sent une volonté d’en faire autre chose, de casser les attentes, de broder d’autres variations, de déstructurer le morceau. Et cela ne peut se faire que si l’on connaît bien le répertoire et ses chausses trappes (« A Night in Tunisia »). D’autres thèmes donnent naissance à des pépites comme ce « Ca-Lee-So » de Lee Morgan, aux rythmes latins et aux motivations plus commerciales alors, au tournant des années soixante. La version revisitée de ce calypso donne  une composition moins heureuse, plus compliquée, inquiétante et hypnotique par endroits. Quant au thème émouvant de «Poor Butterfly», il est attaqué de façon étrangement lente, étirée pour rendre un peu de la langueur de la mélodie originale... « And then she stopped » de Dizzy Gillespie  devient du jazz de chambre...à la Giuffre quand il ne jouait pas encore free. Ecoutez encore “Back for Berksdale” de Gerry Mulligan, où ça marmonne, “moane and groane”, jouant  sur les citations, allitérations, contrepoints : cela fourmille d’idées, et c’est intelligemment rendu.

On se régale d’un bout à l’autre de l’album qui n’est pas trop long, on aimerait bien les entendre en live, ils vont passer à Nevers et on espère qu’ils feront date...

Sophie Chambon

Laurie Pepper a été la dernière compagne du grand saxophoniste Art Pepper.

Ils s’étaient rencontrés au centre de désintoxication de Synanon en Californie en 1969 et ne se sont plus quittés jusqu’aux derniers souffles du saxophoniste en juin 1982. Si Laurie Pepper avait largement contribué à aider Art dans l’écriture de sa célèbre autobiographie ( Straight Life), c’este elle qui aujourd’hui raconte la sienne, sans fard et sans pudeur dans un livre aussi passionnant qu’émouvant.

Rencontre avec Laurie Pepper......

JMG : Pourquoi avoir attendu si longtemps pour écrire ce livre ( Why I stuck with a junkie jazzman) ?

LP :  En fait c'est un livre que j'ai commencé il y a environ 12 ans. J'y ai donc travaillé dessus sur une période assez longue.

JMG :  Vous pensiez que c'était le bon moment pour écrire ce livre ?

LP : Oui mais vous savez ce que c'est. Lorsque vous n'êtes pas vous même un écrivain et que vous n'écrivez pas tout le temps, cela prend beaucoup de temps pour arriver à en faire quelque chose de présentable et surtout pour commencer ce travail que bien sûr j'avais en tête depuis la mort d'Art en 1982.

JMG : Est ce une sorte de renaissance après tout le travail que vous aviez fait sur « Straight Life » (*) ?

LP : Oui, absolument.

JMG : Comment vous sentez vous après avoir écrit ce livre ?

LP : Je ne peux pas avoir le même sentiment que celui que j'avais après avoir écrit Straight LIfe. Lorsque j'ai écrit ce livre avec Art, j'avais le sentiment d'une petite mort lorsqu'il est sorti parce que, comme je le dis dans mon livre " c'était le meilleur job que j'ai jamais eu dans ma vie". Avec " Why I stuck" c'est autre chose. Je n'ai pas la même impression. D'abord parce que lorsque j'ai écrit Straight Life avec Art, je pensais que ce serait la seule et unique fois que j'écrirais un livre comme celui-là.

JMG : Quand vous l'avez rencontré à Synanon, pensez vous avoir sauvé sa vie ?

LP : Non, je ne sais pas, je ne peux pas le dire. J'écris dans le livre que si cela n'avait pas été moi cela aurait très bien pu être quelqu'un d'autre. Parce que tout simplement il cherchait quelqu'un qui pouvait sauver sa vie. Mais en fait il a toujours cherché, tout au long de sa vie quelqu'un qui pourrait le sauver. Mais je pense que lorsqu'il m'a rencontré il a pensé que je pourrai le sauver. je ne savais pas à l'époque que c'était le job qu'il avait en tête pour moi. J'ai réalisé cela plus tard.

JMG : Pouvez vous nous expliquer l'influence que vous avez eu sur la musique d'Art Pepper après que vous l'ayez rencontré à Synanon pour vivre ensuite près de 20 ans avec lui ?

LP :  Je ne sais pas si c'était une bonne chose ou non mais, oui effectivement j'ai eu une grande influence sur la musique d' Art. D'abord parce qu'il y avait certains types de musiques que j'aime et que je lui ai fait partager. Je l'ai influencé aussi au travers de mes encouragements. Je voulais qu'il joue plus de blues et de ballades que j'aimais. Vous savez il était très influencé par Coltrane. Mais de mon côté je trouvais que cette musique était dure à suivre. Art etait dans un état d'esprit où il voulait me plaire. Il savait que j'aimais les choses un peu funky, les jolies mélodies et il a répondu à cela.

DNJ :Vous pensez donc qu'après votre rencontre, sa façon de jouer a changé ?

LP : Je vous l'ai dit je pense que j'ai eu une influence. Maintenant je ne saurai jamais ce qui se serait passé dans l'évolution de sa musique si nous ne nous étions pas rencontrés. Peut être aurait elle été la même. Ce que je sais c'est que Art était très attentif aux goûts de ceux qu'il côtoyait. Particulièrement les femmes à qui il voulait plaire. Et à ce moment là cette femme c'était moi. Je ne sais pas quelle a été mon influence mais je sais bien qu'il a alors commencé à jouer beaucoup plus de blues et de ballades. Dans les albums que j'ai récemment édité, il y en a un en live au Ronnie Scott en 1980. A un moment, à la fin de l'album on entend une femme dans la salle qui crie " joue du blues !". C'était moi.

JMG : en fait vous êtes devenue le vrai manager d'Art Pepper

Retrouvez ici la suite de l'interview de Laurie Pepper : " why I stuck with a junkie jazzman"

Propos recueillis par Jean-Marc Gelin en octobre 2014

 ART: Why I Stuck with a Junkie Jazzman
Laurie Pepper
358 Pages
ISBN: # 978-1494297572
Art Pepper Music Corporation
2014

(*) Laurie Pepper est en fait celle qui avait largement contribué aux côtés d'Art Pepper à écrire l'autobiographie du saxophoniste, "Straight Life"

Cam Jazz 2014

Quoi de neuf ?  Three time three. Trois fois trois, c'est trois trios, 9 titres, trois morceaux par formation.

Mais c'est aussi trois éléments. C'est à la fois la terre, c'est l'air et c'est l'eau. C'est une sorte de dream team avec ce qui se conçoit de mieux en matière de musiciens de jazz. Antonio Sanchez, l'un des batteurs le plus talentueux du moment (nous ne cessons de le dire dans ces colonnes !) est ici accompagné de Brad Meldhau et de Matt Brewer (1er trio) , de Joe Lovano et de John Pattituci (2eme trio) et enfin de John Scofield et Christian Mc Bride (3eme trio).

La terre ce sont ces quelques morceaux enregistrés avec Brad Meldhau dont il ressort cette impression d'un groove ancré en profondeur dans le sol. Chacun des trois membres du trio semble fusionner à un très haut degré d'intensité. On pourrait presque évoquer le trio jarretien tant celui-ci s'élève à un niveau incroyable, Brad Meldhau trouvant là, au-delà de son habituel trio une force supplémentaire tirée de la puissance et de la précision d'un Matt Brewer mais aussi et surtout d'un Antonio Sanchez hallucinant , sorte de résultat d'un mariage métissé d'Elvin Jones et de Jack De Johnette.  Excusez du peu ! L'association de Brad et de Sanchez s'y fait  totalement fusionnelle ( Constellations ! Quel morceau !). Un superbe relecture du thème de Miles ( Nardis réintitulé  Nar-this) au groove intelligent emporte surtout une sorte de flot irrésistible qui balaie tout sur son passage. Une sorte de glissement de terrain puissant.

Avec Scofield c'est tout autre chose. Une vision plus swinguante et limite funkisante du jazz voire même très jazz-rock sur Nooks and crannies avec un Mc Bride débridé. De quoi voir encore l'apport incroyable d'Antonio Sanchez sous un  jour différent.

Puis apparaît Lovano et là c'est encore un autre courant qui balaie tout. Un courant d'air décoiffant ! Lovano dans une forme olympique comme on ne l'a plus entendu depuis fort longtemps. Une version de I mean you qui nous en fait voir de toutes les couleurs. Antonio Sanchez qui dialogue avec le saxophoniste dans une débauche d'énergie et de puissance. Du très très grand Lovano qui s'insère alors dans le dispositif avec autant de fougue que d'engagement radical et tout cela dans la bonne humeur ponctuée par le rire final de Lovano ( ?) visiblement très heureux de faire en bonne compagnie de la très très bonne musique. Ecouter aussi Leviathan avec ce gros son de Lovano cherchant dans des inflexions mystérieuses l'apport à la basse d'un Pattituci incroyable de profondeur et enfin le drive endiablé, endiablant d'Antonio Sanchez. Du très très grand art. Ca joue à un incroyable niveau.

Croyez moi sur mesure, cela fait longtemps que l'on avait pas entendu du jazz de cette qualité-là avec autant d'engagement, de puissance et de télépathie. Il faut des musiciens d'une sacrée trempe pour parvenir à jouer sur de si hauts sommets. Les musiciens dont s'est entouré Antonio Sanchez font partie de la race des seigneurs. Quant au batteur lui même, exceptionnel, il est assurément de celle des heros.    

Jean-Marc Gelin

La pianiste suisse était hier à Paris pour un concert qu'elle donnait à la Dynamo à Pantin. Elle y présentait son nouveau projet avec son violoniste de mari, Mark Feldman, Scott Colley à la contrebasse et Billy Mintz à la batterie.

Les DNJ : C'est une formation originale que vous présentez ici. Un quartet inédit pour vous ?

Sylvie Courvoisier : Effectivement c'est une toute nouvelle formation. Nous souhaitions avec Mark apporter une couleur beaucoup plus jazz à notre musique. Mark avait déjà en tête de faire quelque chose avec Scott. Il apporte beaucoup de profondeur à la musique et il apporte aussi son sens du blues qui nous manquait peut être. Quand à Billy Mintz, c'est un batteur au feeling incroyable mais trop peu connu ici. Il est d'un très grande inventivité. Nous avions déjà joué en quartet avec lui et Thomas Morgan.

DNJ : Votre précédent album en duo (avec Mark Feldman) a été très bien accueilli par les critiques. Vous jouez avec Mark Feldman depuis de nombreuses années. Qu'est ce qu'il y avait de spécial dans cet album que vous n'aviez pas exprimé avant ?

SC : Je crois surtout que c'est la magie du live. L'album a été enregistré en public et nous y avons apporté un soin tout particulier au mixage pour qu'il n'apparaisse justement pas comme un live. Par exemple nous avons cherché à gommer tous les applaudissements. C'est quelque chose qui me fait horreur, quand j'entend ces albums et que l'on entend les applaudissements du public entre chaque morceau. Et puis nous avons fait aussi un gros travail sur le traitement du son. Du coup il y a je crois dans cet album la magie de la scène, la spontanéité de ce que nous disons mais comme si cela avait été enregistré en studio.

DNJ : Quelles sont les influences que vous revendiquez aujourd'hui dans votre jeu ?

SC : La question des influences est délicate. J'ai bien sûr des gens, des pianistes que j'adore mais que je mets un point d'honneur à ne pas " imiter". Je revendique bien sûr des influences comme celles d'Amhad Jamal. Mais aussi et surtout Keith Jarrett qui est quelqu'un que j'adore absolument. Pourtant j'essaie vraiment de me dégager de son influence. Et c'est cela qui est vraiment difficile.

DNJ : Quel est l'accueil que votre musique reçoit aux Etats-Unis ?

SC: Il est très bon. Mais vous savez nous jouons très souvent à New-York dans quelques lieux comme Le Stone où nous bénéficions d'un cercle de fans absolus, de gentils fous qui  nous sont totalement dévoués. Ils vont même parfois jusqu'à créer leur propre label et à produire eux-mêmes nos propres albums. C'est incroyable parce que ce sont des gens dont ce n'est pas le métier, qui ont un  job par ailleurs....

DNJ : C'est la constellation de la planète Zorn ?

SC : Oui en grande partie

DNJ : cette appartenance à la planète Zorn n'est elle pas être parfois enfermante ?

SC : En tous cas moi et Mark nous ne le vivons pas comme cela. Nous adorons jouer avec John ou jouer sa musique tout simplement. Dans le dernier album que nous avons réalisé avec Scott et Billy c'est vrai que vous retrouvez pas mal de compositions qui portent un peu sa marque, son esthétique comme les "3 Cards for capitaine".

DNJ : Oui et jusqu'au titre de l'album ( "Birdies for Lulu")

SC : Ah oui c'est vrai vous pensez à l'album News from Lulu ! Mais en fait figurez vous que Lulu,.....c'est mon chat.

Mais pour en revenir à l'influence de Zorn j'ai l'impression de m'en dégager aussi lorsque je fais mon album en trio avec Kenny Wollesen et Drew Gress.

DNJ : Kenny Wollesen est quand même un pilier du dispositif de John Zorn !

SC : Oui mais pas du tout Drew. Ni même Scott Colley. C'est comme cela que nous ouvrons notre musique à une autre forme de jazz tout en gardant l'identité de la musique que nous aimons jouer. En intégrant des musiciens qui n'ont rien à voir avec cette histoire et qui apportent une personnalité différente.

DNJ : L'album que vous sortez aujourd'hui n'est d'ailleurs pas sur le label de Zorn ( Tzadik)

SC : Non il est sur un label suisse (Intakt). Il a été enregistré à New-York par James Farber qui est aujourd'hui l'un des plus grandes références.

Intakt records - Birdies for Lulu

DNJ : Un label suisse ? Justement quel accueil reçoit votre musique dans votre pays ?

SC : Pratiquement aucun. Vous savez je suis installée à New-York depuis 1998. Cela fait longtemps que j'ai quitté la Suisse et je ne sais plus trop ce qu'il s'y passe aujourd'hui.

Propos receuillis par Jean-marc Gelin

Just Looking / Harmonia mundi

Une belle surprise que ce disque qui vient de sortir sur le label Just looking : il réunit de façon fort homogène compositions originales et musiques de films revues par deux formidables virtuoses  qui n’ont pas peur de reprendre des compositions d’autres musiciens. Cet album confirme la tendance plus qu’esquissée aujourd’hui  de prendre pour standards des musiques de films. Le domaine de la musique de films a connu un foisonnement créatif tel que l’on oublie les reproches souvent formulés de parent pauvre de la composition, ou de pis-aller alimentaire.  Si beaucoup de metteurs en scène n’ont pas eu une imagination et une vision musicales  très affirmées, il y eut tout de même des tandems qui signèrent  parmi les plus belles partitions du cinéma.  Les B.O de Bernard Herrmann pour Hitchcock,  de Michel Legrand pour Jacques Demy, Nino Rota  pour Fellini, Ennio Morricone pour Sergio Leone ont enchanté littéralement la mise en scène, modelé le montage. Qu’est ce qu’au juste une bonne musique de film ? Doit-elle se faire entendre ou oublier ?  Est-elle seulement au service de l’image ou a-t-elle son identité propre ?  Le compositeur Alexandre Desplat  (qui a signé la musique des films de Jacques Audiard entre autres)  avoue  avoir écouté les musiques de Nino Rota avant de découvrir les films de Fellini. Car les grandes musiques de cinéma portent en elles une identité forte. Très récemment, le contrebassiste de jazz Stéfane Kerecki (après Stéphane Oliva pour Godard ) a rendu hommage à la Nouvelle Vague en un album concept très réussi.

Ainsi  peut on comprendre la formation d’un couple rare- on n’a pas dit improbable- celui du saxophoniste alto et ténor Stefano di Battista (que l’on est heureux de retrouver) avec le guitariste bayonnais Sylvain Luc. Cette collaboration est particulièrement féconde, créant ici la partition d’un film imaginaire et parfaitement original. Cela commence très fort sur un enivrant rythme funk, celui de  Ray Charles  dans son inoxydable « I got a woman ». Jouant admirablement sur les contrastes Di Battista passe ensuite au soprano pour cette ballade  issue de la musique de Sir William Walton composée  pour le film Henry V de Laurence Olivier,  en 1944, orchestrée à l’époque par Muir Mathieson « Touch her soft lips and part ». Quand la musique est aussi subtile et ... bonne,  pourquoi se priver de la reprendre et d’en jouer une variation ? La guitare cristalline perle et s’ajointe à la douceur exquise et perçante du timbre du soprano. Et puis surviennent ces madeleines sonores que le duo nous propose avec talent, en compagnie (ne les oublions pas) de Daniele Sorrentino (basse et contrebasse) et Pierre François Dufour (batterie et percussions) : « Otto e Mezzo », « Giu la Testa » (Il était une fois la Révolution), « Love Theme for Nata »  (Cinema Paradiso). Notre Michel Legrand octogénaire toujours vaillant et prolifique, a signé aussi en plus de tubes incontournables comme «La chanson des Jumelles », des originaux comme ce « Dingo Rock » des plus percutants.

La force de ces musiques revisitées est qu’elles apportent quelque chose d’inattendu, ont leur vie propre, sont écoutées sans leurs images d’origine, se projettent dans  ce que les auditeurs peuvent demander, espérer, désirer. Ainsi le thème moins connu de Cinema Paradiso a sa force propre et la transition avec « Arrivederci » de Stefano di Battista se fait plus qu’en douceur, dans une parfaite continuité : les deux musiciens  sont de merveilleux  créateurs d‘ambiance et travaillent au delà des images, comme ce très réussi « Sauvage » du guitariste sur lequel s’envole di Battista, qui communique une fièvre à laquelle on ne résiste pas.  

Si on continue à reprendre aujourd’hui Cole Porter, Irving Berling, on revoit aussi les chansons plus « actuelles » de Randy Newman, Joni Mitchell, Radiohead. Et le domaine immense de la musique de films s’avère un répertoire dans lequel puiser sans complexe. Souhaitons que cette tendance perdure avec des créations aussi réussies que celles de ce Giu la Testa : « To pay respect to the melody » disent les Américains, on ne peut que souscrire à cette idée quand l’hommage est rendu avec talent, compréhension musicale , énergie et...sensualité.

Sophie Chambon.