Blue Note 2014

Jon Cowherd (p), Myron Walden (as, clb), Melvin Butler (ss, ts), Marvin Sewell & Jeff Parker (g), Chris Thomas (cb), Brian Blade (dms)

Dans la production surabondante d’albums qui nous parviennent quotidiennement, il y a parfois des petites pépites, surprises heureuses dans cette inégale profusion. « Landmarks », le dernier album du batteur Brian Blade fait ici exception.

A 44 ans, à l’instar d’un autre grand batteur, le regretté Paul Motian, Brian Blade , par ailleurs batteur incontournable du quartet de Wayne Shorter, apparaît aujourd’hui comme un compositeur remarquablement inspiré, capable d’insuffler une réelle âme à sa musique et à ceux qui la serve. Acteur et auteur immense de ce nouveau jazz américain, sa musique s’inscrit dans la lignée de celle d’un David Binney où les espaces mélodiques s’étirent, aériens et flottant dans une sorte de clair-obscur mélancolique et rêveur. Quelque chose de l’ordre du travelling, où la linéarité de la route dessinée entraîne vers un horizon très haut perché.

Des morceaux sublimes aux ostinatos très prenants ( Ark.La.Tex) ou à forte densité pop-jazz ( he died fighting) voire aux accents d’un blues gras  ( Farewell bluebird) sous la houlette de Marvin Sewell (le guitariste de Cassandra Wilson) embarquent leur monde dans ce voyage captivant.

Mais il y a aussi chez Brian Blade quelque chose d’Ellingtonien dans ce soin tout particulier réservé dans son écriture à la mise en valeur de ses solistes. Myron Walden, jeune saxophoniste bourré de talent pour lequel All About jazz (1) n’hésita pas il y a quelque temps  parler de l’une des étoiles les plus brillantes de sa génération, explose ici avec ce son torturé et acide.

Mais c’est avant tout une véritable œuvre collective que signe là son Fellowship Band avec lequel il tourne depuis près de 5 ans. Jon Cowherd et Marvin Sewell signent aussi 3 compositions et montrent qu’il y a là une grande implication partagée qui se ressent tout au long de cet album à fleur de peaux où l’émotion et la sensibilité effleurent avec élégance et légèreté.

Pour fêter ses 75 ans le légendaire label Blue Note renoue avec ce jazz de très haut niveau qu’il avait un peu délaissé ces dernières années. Avec Brian Blade, il inscrit de nouvelles pages essentielles du jazz. Avec alléresse on s’en réjouit. On s’en délecte.

Jean-Marc Gelin

(1) "one of the true bright stars of his generation" who "has a very distinctive sharp tone with a rounded nasaly-inflection" and "has shown the ability to develop solos with both an incisive logic and an organic level of invention."^[4] Describing his performance on tenor sax, writer John Kelman said that Walden was "as thoughtful yet fiery a player on the bigger horn as he is on alto" 

Paul Bley “ Play Blue”

ECM 2014

Paul Bley (p)

En 2008 le pianiste canadien donnait un concert à Oslo. Il s'agissait d'un concert solo (1er anagrame) au cours duquel Paul Bley livrait toute sa science de l'improvisation dans un de ces moments rares où le pianiste semble faire corps avec son instrument. On hésitera pas bien longtemps avant de jeter des ponts entre PaulBley et Keith Jarrett car à entendre cette sublime prestation on sait bien qu’il est évident que le maître du clavier Pennsylvanie s'est souvent inspiré de son aîné canadien. Dans cet exercice de 2008, Paul Bley a oublié le free. Il joue avec les harmonies, ouvre des tiroirs, manie les renversements d'accords avec brio et laisse toujours l'émotion s'installer. La mélodie est sous-jacente, non jouée mais toujours omniprésente. Cet album, jamais introspectif, élève l’art du piano solo à des niveaux  exceptionnels. Pas comme ces longs exercice solitaires où l’attention de l’auditeur tend parfois à digresser. Non, ici Paul Bley semble réinventer à chaque instant, à suprendre de phrase en phrase au point que celui qui écoute ne peut absoluement pas lâcher un seul instant le développement de la pensée du pianiste qui, sous ses doigts devient ici d’une limpide évidence.

Enrico Pieranunzi : « Plays Morricone 1 et 2 »

Cam Jazz  rééd. (Cam Jazz CAM504425)

Enrico Pieranunzi (p), Marc Johnson (cb), Joey Baron (dms)

Cette réédition complète des albums enregistrés en 2001 et 2002 est une véritable démonstration de grande, de très grande classe. Avec ce trio mythique qu’il a formé en 2004 le pianiste reste dans son sillon, celui d'un jazz très classique. Ce jazz dont il porte aux nues son maître absolu : Bill Evans, référence de tout son travail depuis plus de 30 ans. Ici le pianiste romain a choisi comme angle d'attaque les musiques de films signés Ennio Morricone pour s'en inspirer librement et en faire une lecture totalement prétextuelle. Finalement le rapport avec la musique originale importe peu si ce n'est dans l'esprit des films qu'ils relatent. Car ce qui est à l'oeuvre c'est un trio d'exception. il faut écouter un thème comme Nuevo Cinema Paradiso qui atteint des sommets de piano jazz, avec une belle âme lyrique et des harmonies de fous comme les aimaient Bill Evans. Et surtout cet équilibre totalement parfait du trio auquel l’ex bassite de Bill Evans n’est pas totalement étranger. La musique est belle et avec intelligence amène Morrricone au jazz qu'il n'avait certainement pas envisagé au départ.

Leur sens du swing est renversant. C’est celui qui fait bouger les pieds, celui qui ne résiste pas au dodelinement, celui qui vous prend aux tripes et vous emporte.

KARTET : "Grand Laps"

Songline recordings 2014

Guillaume Orti, saxophones - Benoît Delbecq, piano - Hubert Dupont, basse - Stéphane Galland, batterie

C'est un peu l'album où il ne se dit rien, où il ne se passe rien mais qui est en fait riche d'une multitude de microscopiques évènements. Éloge de l'indicible, de la lecture de l'entre-deux lignes pour pénétrer dans un monde à la fois mystérieux et délicat. Ça joue dans l'atonalité, dans les rythmiques impaires, dans les ostinato décalés, tout cela entre errance et groove pulsé par un Hubert Dupont hyper solide (X).

L'expression de Guillaume Orti semble hors du temps. Hors de toute mode.

pas forcément à la recherche du "son" mais simplement d'une émotion juste. Il faut écouter avec quelle économie de moyen sur I.E.S, il parvient à toucher. En même temps, avec une sorte d'infinie patience dans le traitement de la note il aborde un langage presque mathématique, très Steve Colemanien.

Il y a du télépathique dans ce groupe où la musique se conçoit comme une sorte de construction intellectuelle qui aide à la divagation des esprits mais aussi parfois à l'ancrage du groove. Entre ciel et terre pourrait-on dire.

Laurent Robin : «  Movie’zz »

Dixiefrog 2014

Laurent Robin ( compos, dms), Benjamin Moussay (p, kybds, machines), Vincent Laffont (p, kybds, machines), Camille Lebrequier (tp sur un titre)

Si les daft punk faisaient du jazz il feraient peut être du Laurent Robin !

La musique électrique du batteur s'y fait en effet interstellaire, lunaire entre comics et B.O d'un James bond futuriste. Movie’zz : tout est dans le titre. Il n'y a qu'a regarder cet pochette d'acier aux couleurs de thriller. Le jazz prend avec Laurent Robin des allures d'anticipation dans un monde limite angoissant parce que terriblement froid.

Les boucles rythmiques tournent, les nappes sonores se tuilent et se superposent.

Et décapent les oreilles les plus averties.

Bad Plus : «  The rite of Spring »

Okeh 2014

Ethan Iverson (p), Reid Anderson (cb), David King (dms)

Une interprétation fidèle de l’oeuvre de Stravinsky du Sacre du Printemps mais emmené sur le terrain d’un heavy jazz ? Pari carrément audacieux que se lance le trio de Minnéapolis. Et pari qui s’avère d’une rare complexité dès lors que ces trois-là veulent rester au plus près de l’original. Et d’autant plus périlleux qu’au milieu de ce trio décoiffant se trouve un batteur plutôt rentre-dedans, David « Boum-Boum »-King. Si dans l’oeuvre originale les cuivres ont leur importance, David King parvient en efet à les remettre au centre de leur dispositif donnant ainsi un éclairage fascinant à l'oeuvre que l'on avait rarement entendue comme cela avec à la fois une telle liberté mais aussi un vrai respect pour l'oeuvre originale. Car elle pourrait tout aussi bien être présentée devant un public classique que devant un public rompu à la musique contemporaine. The Bad Plus gardent à l'esprit la dimension de la suite orchestrale et surtout du développement, du ballet qui vit ici autrement. A trois ils parviennent à donner une véritable ampleur orchestrale assez exceptionnelle. Il ne s'agit pas de révolutionner mais d'introduire des développements différents, des instrumentations en incises, des inspirations rock parfois lourdes mais qui font sonner ce printemps comme un appel à quelques forces telluriques, à des forces vives, scandées et rituelles, au plus profond de la terre qui s’éveille avec violence et liberté.

Jean-Marc Gelin

Une fois de plus, le festival Jazz à Ramatuelle se place au top des lieux où tout jazz fan est en droit d’écouter du bon jazz cet été.

Toujours soucieux de la qualité de sa programmation, son directeur artistique Denis Antoine a mis tous les jazz à l’honneur.

Notons tout d’abord une rareté : le célèbre pianiste allemand Joachim Khün, qui viendra le 17 août présenter son album « Chalabas », enregistré avec le chanteur et joueur de oud Majid Bekkas et le batteur Ramon Lopez. Le pianiste virtuose, improvisateur de génie, a su marier le chant arabe et le jazz dans ce projet on ne peut plus original.

Le voyage ne s’arrêtera pas là puisque le 19 août, le festival accueillera le pianiste cubain Omar Sosa. Ce dernier vient d’enregistrer un album intitulé « Eggün (The Afri-Lectric Experience) », célébrant les 50 ans de la sortie du fameux « Kind of Blue » de Miles Davis.  Plutôt que de réarranger les morceaux de Miles, Omar a préféré s’inspirer de certains de ses motifs musicaux et de son atmosphère, pour en présenter sa quintessence personnelle. Il viendra accompagné par Childo Tomas à la basse et au chant, Ernesto Simpson à la batterie et Leandro Saint-Hill aux saxophones, flûte, percussions et voix.

Le Jazz contemporain ne sera pas en reste avec la venue d’Antonio Faraò le 18 août. Le pianiste italien sera accompagné du grand saxophoniste Dave Liebman, pour jouer notamment les morceaux de son dernier album « Evan ».

La clôture du festival sera assurée par Jack Schwartz-Bart, saxophoniste antillais très en vogue, qui présentera son projet « Haitian Jazz Roots », album pour lequel son inspiration a puisé dans les chants et rythmes vaudous d’Haïti. Il sera accompagné notamment par Grégory Privat au piano, Claude Saturne aux tambours Haïtiens et Stéphane Kerecki à la contrebasse,  Encore un voyage !

Mais ce n’est pas fini : le festival n’a pas oublié les enfants (y compris ceux qui, avec bonheur, le sont « restés »). L’ouverture des festivités (le 16 août) sera confiée à « The Amazing Keystone Big Band » qui interprétera  une version jazz de « Pierre et le Loup » de Sergueï Prokofiev. Une « ré » création  rafraîchissante destinée à tous les amoureux de la musique.

A l’heure du Pastis si cher aux gens du Sud, la buvette sera chaque soir le lieu du Festival Off, mettant en avant les jeunes talents du jazz. Notez que ces concerts sont entièrement gratuits !
Une 29^e édition fort prometteuse, qui, à coup sûr, fera vibrer d’émotions le magnifique amphithéâtre en plein air où il n’est pas rare d’entendre également le joyeux chant des cigales de la Provence se mêler à celui du jazz.

Yaël Angel

Site du Festival : www.jazzaramatuelle.com

16 août : The Amazing Keystone Big Band  -  21h

17 août : Joachim Khün - 21h

18 août : Antonio Faraò - 21h

19 août : Omar Sosa - 21h

20 août : Jack Schwartz-Bart - 21h

Concerts OFF tous les soirs à 19h à la buvette.

Nouvelle série 10/ 2013

Le JAZZ AUJOURD’HUI

EDITIONS OUTRE MESURE

www.outre-mesure.net 

C’est peu dire que l’on attend toujours avec une certaine impatience la publication des  Cahiers du Jazz, nouvelle série. Et ce numéro 10,  dont le dossier est intitulé Le jazz aujourd’hui, a terminé  l’année 2013 en beauté.  On  y retrouve  la même exigence, la rigueur rédactionnelle qui animent les publications, toujours excellentes,  des éditions Outre mesure.

Isabelle Leymarie  présente en ouverture un panorama de la scène jazzistique actuelle d’une belle vitalité avant de dresser un portrait du regretté  Mulgrew Miller accompagné d’une discographie exhaustive du pianiste. Marilyn Crispell,  Steve Coleman auront droit à des articles circonstanciés  et  Etienne Brunet  lancera  non sans finesse,  que ce n’est pas « le  jazz qui est mort aujourd’hui mais le disque de jazz....»

On peut lire ces cahiers dans tous les sens, en rebondissant au hasard des pages, en se laissant entraîner par le jeu des associations, jouant de l’interdisciplinarité artistique : ainsi, Lucien Malson dans  Gatsby. De l’âge du jazz à l’âge du rap,  compare les deux dernières  versions cinématographiques américaines du(grand) livre de Francis Scott Fitzgerald, espacées tout de même de près de quarante ans [i],  Philippe Frechet  découpe finement  le Jazz dans le roman  noir français de Manchette à  Izzo, Villard ou Pagan ...  

Accompagnant  le dossier traité dans le numéro,  des études « sérieuses »  témoignent de l’essor de la recherche universitaire en musicologie, étudiant  de  très près, un musicien  et son style, ici «La singularité rythmique de Kurt Rosenwinkel », une période de la carrière d’un artiste ou l’évolution d’un  thème avec ses variations....

A la fois accessibles  pour les amateurs et suffisamment techniques pour les professionnels,  ces  Cahiers  s’attachent à la structure de cette musique et  en dévoilent  toutes les  promesses, sans négliger une perspective  historique indispensable de nos jours. On sera ainsi tenté de jeter un coup d’œil  dans le rétroviseur,  dans le miroir que tendait le trompettiste et compositeur Christian Bellest  en 1962,  déjà dans les  Cahiers,  sur  « L’écriture dans le jazz actuel ». Sont évoqués dans ce numéro  des souvenirs de Radio France et du Bureau du Jazz, ainsi que la démarche actuelle, favorisant « la continuité dans le changement », comme le souligne Xavier Prévost.

Passages en revue  est une rubrique où l’on revient sur l’actualité avec deux parutions du confrère  éditeur des Pyrénées Orientales, Alter Ego,  le formidable Hess-O-Hess que l’on se permet de recommander chaudement (à nouveau) et le non moins édifiant  Petit dictionnaire incomplet des incompris d’Alain Gerber[ii] .

Ainsi ces  Cahiers s’avèrent précieux pour  tous ceux qui,  justement, ne s’intéressent pas qu’à l’immédiateté, au « hic et nunc »,  à l’actualité promotionnelle du jazz, mais aiment à resituer inlassablement dans son contexte l’histoire de cette musique aimée.    

Topologie d’un manège

www.jazzus.fr

Voilà un titre poétique pour une musique insolite, celle du trio Algèbre constitué de deux soufflants très complémentaires, François Cotinaud (saxophone ténor, clarinette) et Daniel Beaussier (hautbois, cor anglais, clarinette basse, saxophone alto et soprano) et  d’un guitariste exceptionnel,  Pierre Durand. Ils s’amusent à déconstruire et mettre au point des formes libres, ouvertes, avec ou sans algorythmes, se jouant très sérieusement des titres et des formules dans cet album Topologie d’un manège. Adepte de recherches expérimentales, de « sound painting », d’improvisations et de poésie, le saxophoniste François Cotinaud s’est entouré de complices, en phase : en invités, on retrouve avec bonheur le contrebassiste  Bruno Chevillon  sur quatre titres, et deux batteurs formidablement différents qui se partagent l’album, François Merville et Denis Charolles. La musique a une réelle cohérence, une structure narrative dense sans être étouffante, entre jazz de chambre et musique contemporaine. Point de vibrantes démonstrations free mais un accord en demi-teinte, intimiste et rebelle. Ils brossent un arrière-pays à l’élégance savante qui se découvre lentement, au fil du temps dans cette traversée initiatique, clairement exposée et pourtant d’une luminosité ténue. Clair-obscur des textures affranchies du trio aux envolées plus excitantes encore en quintette. Un bien beau parcours, peu balisé qui suppose l’engagement d’une écoute attentive et complice. On est au cœur d’une aventure collective dans ces dix pièces méditatives ou ludiques, toutes teintées de ces recherches qui installent une atmosphère poétique, frémissante, lyrique, dans des tableaux sonores complexes mais captivants. La musique, sensible, se risque dans le souffle, tente la déclaration sans affrontement, évite plainte ou stridences. Un album spontané et fraternel qui  exalte la rencontre.

 Sophie Chambon