JOEY ALEXANDER : «  Continuance »
Mack Avenue 2023
Joey Alexander (p, fder, mellotron), Kris Funn (cb), John Davis (dms) + Théo Crocker (tp on 4 tracks)

Contrairement à ce que semble indiquer le titre du nouvel album du pianiste de Bali, ce nouvel opus est pour nous bien plus qu’une simple continuité de ce que l’on savait de lui : à savoir qu’à 20 ans il est l’un des pianistes majeurs de sa génération qui se situe au gotha des 5 ou 6 plus grands pianistes qui font le jazz d’aujourd’hui.

Car ici, Joey Alexander franchit un nouveau cap. On connaissait son talent incommensurable de pianiste et d’improvisateur qui, hors de tout effet de manche, respire le jazz et ses fondamentaux. Mais il va plus loin ici en s’attaquant à la compositions dans un album où chacune de ses pièces pourrait s’inscrire au futur répertoire du real book. Car Joey Alexander avec une sensibilité infinie et un supplément d’âme maîtrise absolument TOUT. Ceux qui ne le connaissent pas pourraient jurer en l’entendant qu’il s’agit d’un grand maître qui n’aurait plus rien à prouver. Et pourtant ce que l’on entend ce sont les doigts d’un tout jeune pianiste qui, déjà écume les plus grandes scènes internationales.

Ses compositions disions-nous ! Elles sont justes sublimes. Qu’il s’agisse d’un blues emprunt de tradition,d’un gospel à vous tirer des larmes ou d’une approche plus moderne d’un jazz plus électrique, Joey Alexander ne cesse de nous bluffer.
On l’a dit, chez ce pianiste aucun effet de manche mais comme une seconde respiration de lui même tout à son ouvrage ou à celui des autres où son accompagnement du trompettiste Theo Crocker (invité sur quatre titres) y est aussi purement et simplement lumineux.
Un autre pianiste que lui avait percé au berceau et Keith Jarrett a suivi la trajectoire fabuleuse qu’on lui connait. Joey Alexander en est au tout début de se situer sur la même voie.
On s’excuserait presque d’être aussi dithyrambique au sujet de Joey Alexander mais on s’en remet à la justesse de vos oreilles. Courez vous procurez cet album et savourez. Il y a peu de chances que vous soyez déçus.

XAVIER RICHARDEAU
A CARIBBEAN THING
Label Continuo Jazz / UVM Distribution 

Sortie du CD le 20 Octobre
Concerts le 30 novembre et le 1er décembre au Duc des Lombards

Xavier Richardeau revient avec un album tout indiqué pour ces vacances d’automne, un album qui parle de la Caraïbe qu’il aime et connaît bien puisqu’il réside à Gosier depuis quelques années.
Personnalité originale, ce natif de Charente-Maritime a un parcours plutôt atypique, une passion chevillée au corps pour le saxophone baryton et ses graves puissants dans la lignée de Gerry Mulligan et du  bebop après Harry Carney chez Duke Ellington. Quand il a commencé, les barytons n’étaient pas légion (François Corneloup bien sûr) et n n’avaient pas la côte … aujourd’hui les temps ont changé, Céline Bonacina a su s’imposer.
D'un apprentissage à la dure, dans les orchestres de bal, le goût lui est resté d’un jazz qui swingue, de la chanson et des belles mélodies.
Avant de se prendre d’amour pour les rythmes et musiques des îles, Xavier Richardeau, soliste au seul baryton, était connu dans la capitale pour animer des clubs : si le concert de présentation de son prochain CD a lieu au Duc des Lombards, c’est une scène qu’il connaît bien puisqu’il y a dirigé quelque temps son orchestre.
Les boîtes de jazz, il aime toujours puisqu’il a recréé un New Ti Paris en Guadeloupe où il programme encore des concerts. Déterminé et incorrigible. 

A Caribbean Thing est son hommage en sextet aux musiques d’une vie, musiques antillaises, jazz qui pulse et fait danser : dix compositions de la plume  du saxophoniste dont certaines sont co-écrites avec la chanteuse Véronique Sambin et une seule reprise “Sous le ciel de Paris” transformée en reggae plus encore qu’en biguine dans un arrangement qui modernise et intensifie la valse originelle. 
Autre surprise d’importance, cette fois Xavier Richardeau ne s’entête plus au seul baryton mais joue plutôt du soprano pendant tout l’album  en résonance avec le ténor de Jocelyn Ménard, un Québecois bien acclimaté lui aussi à la Guadeloupe. La seule occasion d’entendre son instrument de prédilection, ce sera sur “Waves and Wind”  très structuré hard bop. 
Xavier Richardeau semble avoir changé de cap avec ce nouvel instrument de la famille des sax et dans des titres comme “Sonnélavérité”, il aime à combiner les timbres du soprano et du ténor avec une intervention enlevée de Leonardo Montana au piano. 
 Si sa musique a évolué, “Linea Oceanica” reste une ballade nostalgique, rappel des origines et de son tropisme pour l’océan. Le saxophoniste n’hésite pas à reprendre certains titres d’un des premiers albums qui l’ont fait connaître en 2002, Hit and Run  en les fortifiant :  “a Caribbean Thing” ouvre l’album auquel il donne naturellement son nom en laissant place à la rythmique antillaise de Régis Therese et Yoann De Danier qui groovent de façon tendue mais réjouissante. “Broussanova” est devenu une vibrante “Broussa Samba” des plus festives. Sur “Blue Sunlight”  c’est au tour d’Anthony Jambon de laisser parler sa guitare. Car le saxophoniste a su écrire pour mettre en valeur chacun de ses complices.  
Les compositions s’enchaînent en une  tresse plutôt organique et s’écoutent d’un trait : elles donnent un aperçu des terres et imaginaires arpentés depuis toutes ces années sans verser pour autant dans la nostalgie. Un album qui sait rassembler et faire tenir les épisodes et étapes d' une vie de musique.

Sophie Chambon

 Voix majestueuse du jazz contemporain, cheffe d’orchestre-compositrice, pianiste, Carla Bley s’est éteinte le 17 octobre à Willow (état de New-York) à l’âge de 85 ans.

     Une seule œuvre, monumentale (et pas seulement par sa durée, supérieure à 100 minutes), aura suffi pour la faire entrer dans l’histoire du jazz : ESCALATOR OVER THE HILL (EOTH).

     Basée sur une poésie de Paul Haines, cette composition qualifiée parfois d’opéra-jazz, aura nécessité trois ans de travail en studio de Carla Bley entre 1968 et 1971. Mobilisant près de 60 musiciens américains et européens venus du jazz, de la pop, du rock (Don Cherry, Linda Ronstadt, Enrico Rava, Gato Barbieri…), EOTH se présente comme une mosaïque musicale reflétant la liberté d’expression de cette période « post soixante huitarde ». L’Académie du Jazz lui attribua en 1972 « l’Oscar du meilleur disque de jazz moderne ».

     Sa contribution à la « plus savante des musiques populaires » était saluée dès 1971 par Philippe Carles (disparu le 14 octobre dernier) et Jean-Louis Comolli dans Free Jazz/Black Power : « des œuvres qui comptent, remarquables par la richesse de leur imagination mélodique ».

     Née en Californie (Oakland) le 11 mai 1938 dans une famille d’origine suédoise, Karen Borg devenue Carla Bley après son mariage à 19 ans avec le pianiste canadien Paul Bley (1932-2016) s’était déjà illustrée par son travail dans la communauté new-yorkaise avec George Russell, Jimmy Giuffre, Charlie Haden (et le Liberation Music Orchestra) ou encore Mike Mantler avec lequel elle fondera le Jazz Composer’s Orchestra Asssociation et qu’elle épousera en 1968.

     En plus d’un demi-siècle d’activité artistique, Carla Bley aura alterné les projets en big band et en petite formation notamment avec le bassiste électrique Steve Swallow -son compagnon sur scène et à la ville depuis le milieu des années 70- ou en trio avec le saxophoniste britannique Andy Sheppard.

     Dans sa production foisonnante, réalisée pour l’essentiel sur le label Watt (fondé en 1973 avec Michael Mantler) et distribué par ECM, figure également un des grands classiques de la musique populaire nord-américaine, les chants de Noël (« Carla’s Christmas Carols », avec Steve Swallow et le quintet Partyka brass. Watt-ECM. Décembre 2009) ... Un souvenir, confiait Carla, de ses jeunes années en Californie et de son père, professeur de piano qui tenait l’orgue à l’église ce jour de fête chrétienne.  

     Cet orgue (un Hammond ce soir-là), dont jouait Carla le 13 novembre 2014 au D’Jazz Nevers Festival à la tête d’un quintet … après une relecture de Escalator Over The Hill par un nonette français co-conduit par Bruno Tocanne et Bernard Santacruz.

Jean-Louis Lemarchand.

OISEAU RARE

BRUIT CHIC / L’Autre Distribution

Sortie du CD le 13 octobre.

Concert de sortie au Studio de l’Ermitage (Paris) le 18 octobre.

Pratiquant l'alternance dans la longueur des dix compositions, toutes de sa plume, peaufinées lors du confinement, Yoann Loustalot nous présente son Oiseau rare sorti sur le label Bruit Chic. La pochette du CD n’est plus vraiment un voyage dans l’imaginaire du groupe mais fait référence à de drôles de volatiles. C’est par un trio de cordes frottées que commence le concert, mais avec son bugle Loustalot ne flâne pas hors du temps, il s'enroule plutôt dans ce “Nom de plume”qui semble imager le titre, en écho à la pochette.

Que lui est il donc arrivé? Un désir soudain d’écrire pour les cordes, de se frotter à des sons et textures nouveaux avec ces traits d’archet qui tranchent et découpent dans “Tango de Fuga”?

S’est il pris pour Bird? A-t-il cédé pendant cette période si incertaine et angoissante à l’appel du règne animal? L’envol est la figure la plus appropriée quand on évoque le style du trompettiste-bugliste. Son univers poétique nous est à présent familier, l’ayant suivi dans des formations diverses en leader ou sideman. Mais quel que soit le répertoire, son jeu se reconnaît très vite, à la trompette et au bugle : il sait à merveille envelopper de brume la force du souvenir, répondant encore dans cet album à un besoin de douceur, explorant le détail sans faire trop de notes (“Balcon de Malte”) s’abandonnant volontiers à un certain impressionnisme des sensations.

Soutenu par une rythmique essentielle indispensable à son envol (le regretté Matyas Sandaï tient la contrebasse sur trois titres...Yvan Gelugne sur les autres) le trompettiste se pousse vers le ciel dans une palette nuancée de couleurs plutôt similaires. Le temps s’étire comme une aile et on se laisse prendre au charme de certaines pièces en forme de plume et non plus de flocon comme dans l’un de ses albums antérieurs.

Si le trio de cordes est parfait, on appréciera la délicatesse du toucher de Julien Touéry, alter ego du leader. Souple et précis, il a le sens des nuances et sonne toujours juste.

Une des pièces préférées est “A la dérive”, ballade introduite subtilement, en accord parfait avec le piano avant de dérouler un thème qui ferait une B.O de film noir impeccable, encore plus nostalgique que mélancolique. Les cordes parachèvent le travail en pizz sautillants qui annoncent une échappée  brillante, plus décisive. La composition est longue et on ne s’en plaindra pas tant elle se transforme pour finir sur des notes inquiétantes. Les cordes en aucun cas ne constituent un écrin moelleux et lénifiant, toujours franches d'attaque. Le trompettiste semble lutter avec elles dans un “Oiseau rare” court et convaincant qui installe le décor. Mais il trouve un refuge avec l’ouverture du violoncelle d’Atsushi Sakaï dans ce “Peaceful wood” où l’on aimerait bien se perdre, en apesanteur.  Le voyage musical de ce drôle d'oiseau se conclut sur un “Baïkal Blue Ice” (souvenir de la tournée épique qui donna Sleeper train ?) les cordes frottant en contrepoint  sur ce miroir de glace.

En écoutant cette musique intrigante dont on cerne moins facilement contours comme dans ce “Perdersi e perdere”, on sent que le trompettiste suit des chemins qui bifurquent. Il prend de la hauteur, créant à sa manière une ode à la fragilité de la vie.

A noter que cet Oiseau Rare sort aussi en Vinyle avec 5 titres exclusifs et 4 du CD “Nom de Plume”, “When We Say Goodbye”, “Trick in a Dream”, “Peaceful Forest”.

Sophie Chambon

     Passionné sans exclusive, érudit sans suffisance, Philippe Carles, décédé ce week-end à 82 ans, aura brillamment défendu et illustré la cause du jazz pluriel pendant un bon demi-siècle dans ses formes écrites (Jazz Magazine dont il fut rédacteur en chef 35 ans, et plusieurs ouvrages de référence) et parlées (producteur à France Musique 37 ans durant).

     Né à Alger le 2 mars 1941, Philippe Carles avait découvert le jazz en écoutant la radio dans ses jeunes années. Arrivé en métropole, il entame des études de médecine à Paris vite interrompues (en 1963) pour se consacrer à sa passion. Entré à Jazz Magazine sur la recommandation de Jean-Louis Comolli, il contribue également à cette époque à différentes publications du groupe Filipacchi (y compris Mademoiselle Age Tendre, 20 ans, Union…) en tant que secrétaire de rédaction.

     Nommé rédacteur en chef du mensuel en 1971- succédant à Jean-Louis Ginibre dont il était l’adjoint- il tiendra ce poste jusqu’en 2006 et prêtera son concours au magazine encore de nombreuses années par des chroniques et la relecture du journal avant impression, figurant à l’ours sous le titre de Best Man (témoin, garçon d’honneur) dont il s’amusait (« mon ancienneté jazzmagazineuse m’oblige surtout à me considérer comme un témoin des avatars successifs de cette publication pendant un demi-siècle »).

     Grand connaisseur du Free Jazz dès son origine, Philippe Carles lui consacra en 1971, écrit à 4 mains avec Jean-Louis Comolli, un ouvrage devenu une référence « FREE JAZZ, BLACK POWER » (Éditions Champ Libre).  Réédité par deux fois en version poche (la dernière en 2020 chez Folio/Gallimard) le livre « reconsidère l’histoire du jazz dans son articulation avec l’histoire sociale et politique des Noirs américains ».  

     Philippe Carles n’avait jamais délaissé le free jazz et en 2019, il conseillait chaudement à l’auteur de ces lignes l’écoute d’un album de la saxophoniste allemande Ingrid Laubrock au titre évocateur (« Contemporary Chaos Practices. Two works for orchestra with soloists », Intakt Records).

      Fan de free jazz, Philippe Carles était aussi –et surtout- un passionné sans œillères. Ses goûts le portaient aussi bien sur Jimmy Giuffre, une de ses idoles, dont il vanta les mérites dans un article devenu culte titré « Jimmy joue free » et qu’il interviewera dans un double album sorti en 1992, une rareté (Jimmy Giuffre Talks and Plays, CELP) que sur Fletcher Henderson ou encore Anita O’Day qu’il défendit face aux « siffleurs » d’un concert parisien en 1970.

     Cette ouverture d’esprit le conduisit en 1985, toujours avec Jean-Louis Comolli, à proposer à Guy Schoeller, inventeur de la collection Bouquins chez Robert Laffont, l’écriture d’un Dictionnaire du Jazz. Engagée à deux puis à trois, avec l’arrivée d’André Clergeat, l’aventure menée avec l’appui de 67 contributeurs-experts, se concrétisa en 1988. La troisième et dernière édition, sortie en 2011, comprend 3300 articles dont 400 nouvelles entrées sur les artistes, courants musicaux... Cet ouvrage de près de 1500 pages en format poche constitue une encyclopédie œcuménique même si Philippe Carles reconnaissait des « oublis possibles et inévitables », citant George Bernard Shaw : « Un dictionnaire est comme une montre, indispensable mais jamais à l’heure ».

     Homme de convictions, Philippe Carles faisait partager ses passions à ses auditeurs à France Musique notamment lors d’une émission (Jazz à Contre Courant, lors de sa dernière saison 2007-2008) programmée le samedi aux alentours de minuit. Il était non seulement une plume mais une voix. Il n’abusait pas pour autant de son érudition, comme peuvent en témoigner ses collègues de l’Académie du Jazz notamment lors des travaux de la commission Livres.

     « Le jazz a l’avantage et l’inconvénient d’être une musique vivante », aimait à dire Philippe Carles. Une citation qui pourrait résumer la personnalité d’un héraut du jazz pleuré aujourd’hui par l’ensemble de la jazzosphère.

         On conseillera l'écoute de ce témoignage de Philippe Carles et son entretien avec Aldo ROMANO dans le disque INTERVISTA, sorti en 1997 chez Verve.

Jean-Louis Lemarchand.

La cérémonie des adieux à Philippe aura lieu le mercredi 25 octobre à 11h30 au crématorium du Père Lachaise (75011).