SIMON MOULLIER   ISLA

www.simonmoullier.com

Auto production

Sortie le 17 Février

Simon Moullier - Isla (Teaser 1) - YouTube

Simon Moullier - Isla (Teaser 2) - YouTube

Si son Spirit song nous avait semblé prometteur, le Countdown suivant avec un trio particulièrement percutant nous avait comblé avec ces reprises si personnelles de standards. Avec ce nouvel album, nous suivons toujours l’artiste dans son parcours, il renouvelle  une fois encore sa manière, le thème et l’équipage: il s'agit d'une aventure en quartet avec piano et vibraphone, basse et batterie ( loin pourtant de la tradition instaurée par le Modern Jazz Quartet) ne gardant de son précédent album de 2021 que le batteur Jongkuk Kim. Simon Moullier nous embarque avec Isla, son troisième CD en leader, dans le monde de son enfance, une île au coeur de l’Atlantique, au large du Finistère. On est dans le ressac dès le vigoureux “Empress of the Sea” qui ouvre l’album, une valse qui tournoie en hommage à cette mer qui peut s’agiter sans être jamais cruelle.

Vibraphoniste virtuose qui vit à New York, adoubé par les plus grands, il reste fidèle à son imaginaire d’embruns et de vibrations. Une formule colorée, dépaysante qui ne tend plus vers l’Afrique comme dans son premier album Spirit Song où il intégrait le balafon mais dépeint l’insularité. C’est tout un art de la nuance, infiniment précieux, qu'il distille dans des compositions spatiales aux envolées envoûtantes dues à un véritable savoir-faire maillochique.

A la première écoute, les huit titres de la plume du leader à l’exception de deux standards, forment une suite très cohérente, un tableau saisissant qui donne une assez belle idée de son paysage musical imaginaire. Il est habile à tirer partie de sa palette sonore, des timbres et couleurs de sa formation. L’alchimie de cette musique tient au subtil dosage des interventions du contrebassiste discrètement brillant Alexander Claffy comme du pianiste Lex Korten dans un authentique travail de placement et de répartition des rôles. Le vibraphoniste donne souvent l’impression de se muer en un soufflant : on entend alors son chant, plus attentif à la mélodie qu’à la percussion sur “Phoenix eye”. Une nouvelle tendance des vibraphonistes actuels? On est  alors sensible à cette gourmandise qu’il nous offre très vite et qui va droit au coeur, cette version de “You go to my head”, transformée en un boléro enchanteur. Car Simon Moullier a écouté Billie Holiday. Et il cherche bien à tordre les notes avec son instrument pour obtenir une qualité plus vocale dans son phrasé.

D’une qualité atmosphérique certaine, construites sur des impressions parfois fugaces, les compositions sans débauche d’effets, de rythmes ou d’ornements ont une vraie grâce. Ancré dans la tradition jazz, ça groove aussi comme dans cet “Heart” final, plus doux, intime où on se retrouve en territoires heureux.

On reconnaît la manière sensuelle et sensible, enjouée de l’ensemble d'une belle fraîcheur de ton. Au risque de ne pas me renouveller, je persiste à trouver le nouvel opus élégant quand il se coule dans l’univers rêvé du leader. Cet espace sonore du vibra sait étirer, voire suspendre le temps comme dans le titre éponyme.

Sophie Chambon

Thomas Naïm    On The Far Side

Label Rootless Blues/ Metis records

L’autre Distribution

Lincoln Circus - YouTube

CONCERT LE 14 FEVRIER AU ZEBRE DE BELLEVILLE

On The Far Side du guitariste Thomas Naïm est un album captivant dès la première écoute et le plaisir ne diminue pas à la réécoute. Autrement dit, il ne déçoit pas.

Dès l’introduction “Endless Memories”, l’atmosphère est posée : on évolue dans un polar urbain années 70 avec le doux ronflement de l’orgue Hammond et le drive souple de la rythmique sur un thème qui s'insinue et s’accroche. “Slow Blues”creuse cette même piste, sans embardée de guitar hero, Thomas Naïm suivant plutôt les traces d'un Bill Frisell qui en est pourtant un! 

Ainsi se met en place avec un sens mélodique certain, une suite de 9 compositions toutes de la plume du leader, d’une grande fluidité dans une véritable circularité de morceaux, sombres mais enlevés. 

Musique d’un film rêvé,Thomas Naïm a dû rêver son disque et il est parvenu à le réaliser sur son propre label Rootless Blues, en choisissant avec soin ses complices de jeu, sous le regard extérieur d’un directeur artistique, Daniel Yvinec, conseiller avisé dès le début du projet. Une vraie formation s’est créée à partir du trio avec lequel Thomas Naïm a élaboré 5 albums en dix ans, une histoire de fidélité avec Raphaël Chassin à la batterie et aux percussions et Marcello Giuliano à la basse électrique et contrebasse. Le guitariste a osé prendre un autre instrument harmonique et c'est le pianiste Marc Benham qui intervient avec bonheur à l’orgue. Quant au saxophoniste ténor, il s’agit de Laurent Bardainne qui, sur 3 titres dont “Kite” et “Lincoln Circus” s’ajuste parfaitement à l’esthétique du projet, une bande-son qui accompagne un itinéraire étrange, une escapade On the far side qui évoque l’Amérique profonde, les grands espaces de l’ouest. La guitare recrée les images du genre ou plutôt les contourne tout en restant dans la même perspective, horizontale.

Thomas Naïm laisse en effet beaucoup d’espace à ce trio dépouillé; et si l’orgue n’en rajoute pas, il crée un "mood" avec des notes tenues et une couleur bienvenue, le sax affolant cette musique, surtout quand il se mêle aux secousses, saccades de guitares. Jusqu’aux larges accords du “Gypsy” final, composition déjà enregistrée qui ne dépare pas l’ensemble quand elle est rajoutée en superposant des guitares, avec des effets de “re re”.

 Ouvert à toutes les influences, le guitariste écrit un jazz teinté de rock aussi réfléchi que sensible. Sans sombrer dans l’imitation, même s’il a beaucoup écouté ses modèles autant dans le jazz (Grant Green, Wes Montgomery, Kenny Burrell...) que le rock (Jimmy Page, Jeff Beck...) et bien évidemment Jimi Hendrix qui lui a d’ailleurs inspiré son album précédent The Sounds of Jimi.

Le voyage à travers cet album réserve quelques surprises, on se laisse embarquer volontiers avec ces ballades bluesy, au climat onirique et crépusculaire. Un “Little dreamer” très orchestré nous enveloppe dans un cocon doux, vaporeux par petites touches de la basse. “The walk” qui suit débute au piano, mélodie flottante où de petits fragments éveillent en échos images cinématographiques et souvenirs d’autres trips. Ces petites formes, ces fredons qui restent en mémoire comme dans "Kite"- suspensions, ritournelles plus que ressassements, ces esquisses ont une force envoûtante, énigmatique.On verrait bien des voix se poser sur ces musiques, comme dans cette complainte “No Way Home” tant les compositions de Thomas Naïm s’apparentent à des chansons. Un compliment pour celui qui a accompagné si souvent de grandes chanteuses.

Sophie Chambon

FOEHN : ELEMENTS

Kollision records 2023

Christophe Waldner (p, cl, compos); Cyril Billot (cb), Kévin Borque (dms, samples)

Il se passe définitivement quelque chose du côté de Lyon. Une sorte de vent nouveau qui souffle sur la planète du jazz. Ce vent qui vient de loin et de quelques contrées nordiques sur lesquelles des groupes comme E.S.T se sont laissés porter avant d’emmener dans son souffle ce jeune groupe lyonnais, FOEHN.

Avec un formidable power trio, ces trois garçons naviguent entre une forme traditionnelle de trio piano-basse-batterie mais jonglent en même temps avec des effets électriques et électroniques de manière souple et naturelle, ancrant leur jazz dans le siècle.

Les compos sont remarquables. Ici l’énergie c’est le mouvement. Le mouvement c’est la forme qui bouge et se meut au gré d’un groove moderne. Et tous les effets que l’on entend ne sont pas là pour faire « genre » mais pour servir un propos à fleur de peau (Romy) dans une sorte de romantisme de 2023. Derrière les mélodies presque chantantes, il y a une intelligence harmonique qui leur permet de renverser les accords et les rythmes en toute simplicité. Avec cet art du syncrétisme il reprennent ainsi " Around the world" de Daft punk avec une belle progressivité et une science de la mise sois tension. Irrésistible !

Avec eux le jazz évolue vers la dance et la techno et revient au jazz acoustique dans un même geste.

Et c’est bourré de créativité !

Tentez l’expérience ! Vous tomberez inévitablement sous le charme de cette new wave of jazz.
Jean-Marc Gelin

Adjusting

Arnaud Dolmen (batterie)

Léonardo Montana (piano)

Samuel F’hima ( contrebasse)

Francesco Geminiani ,Ricardo Isquierdo et Adrien Sanchez (saxophone ténor)

Guests: Vincent Peirani (accordéon), Moonlight Benjamin, Naïssam Jalal( flûte traversière)

Actuellement en tournée en quartet, à Aix et Vitrolles le weekend dernier, avec son dernier CD, nous avons eu envie de revenir sur cet album Adjusting du batteur Arnaud Dolmen.

A écouter le dernier album du batteur guadeloupéen Arnaud Dolmen, Adjusting, sorti au début de 2022 sur le label Gaya Music on comprend pourquoi il fut nommé Révélation de l’année aux Victoires du Jazz 2022 et considéré comme l’un des 3 meilleurs batteurs de jazz en France, cette même année par Jazzmagazine.

Arnaud Dolmen a l'ambition de rafraîchir la musique de son île, la Guadeloupe, en mettant en valeur les vibrations du cru, les rythmes et rituels africains. Et il se donne les moyens de cette ambition. Non seulement il dispose d’un quartet solide qui donne généreusement une musique libre, axée sur le chant et la danse, mais il ose des combinaisons instrumentales originales avec des guests triés sur le volet, sans oublier d’étoffer son orchestration en doublant certaines parties de saxophones. 

Il essaie de surprendre, de trouver une nouvelle voie pour approfondir ce traditionnalisme progressif sans frontières dans “Graj ou Toumblak” par exemple, deux rythmes spécifiques à deux et quatre temps, juxtaposés.

Ce qui est tout de suite remarquable dans le jeu du batteur, c’est ce mélange détonant de puissance et de douceur sans avoir recours aux frappes sur tambours ka- toujours spectaculaires. Si le gwo ka est le blues des Antillais, une musique dont il a appris les fondements avec Georges Troupé, le père de Sonny, le Ka n’est qu’un instrument! L’enchevêtrement des rythmes est calculé, recherchant l’union de mélopées africaines et d’un jazz vif, aux audaces harmoniques. Un déséquilibre voulu parfois, celui de la danse, qui épouse les imprévus, qu’il sait utiliser, en amateur de ce processus de créolisation qu' étudia Edouard Glissant. Une batterie mélodique qui inverse les rôles avec la rythmique, en miroir, jouant avec les contrepoints saxophone/piano. Affirmant les potentialités harmoniques de son instrument, Arnaud Dolmen donne-t-il une  couleur nouvelle, imprime-t-il une autre façon de jouer de son instrument en s’adaptant à ce qui arrive, à l’inattendu, restant interconnecté dans ce monde bruyant et complexe? L’une des belles mélodies est d’ailleurs “Cavernet”, “un jazz des cavernes”, référence à l’allégorie de Platon mais aussi à cette plongée inexorable dans le web.

ADJUSTING? Un titre qui résume le projet. Poésie et souffle pour faire face à l’imprévu et en jouer! Arnaud Dolmen fait le point dans une suite de 12 compositions, narrant de petites histoires, dédiées par exemple aux enfants (“Ti Moun Gaya”), car il se pose beaucoup de questions, ce fils d’immigré, né à Bar le Duc qui ne renie pas ses origines créoles, réglant son pas dans le pas de ses ainés. Le dernier titre “Les Oublié.e.s” avec Adrien Sanchez au saxophone, rend hommage à toutes ces figures disparues dont deux saxophonistes des années cinquante, injustement méconnus, Emilien Antile et Robert Mavounzy. Arnaud Dolmen pratique alors le bouladjel, percussions corporelles et vocalises lors des véillées funèbres. Il n’oublie pas ses racines, ses repères et dans “Hey Cousin”, il rend hommage à l’île voisine, la Martinique . C’est une mazurka créole ( inspirée de la danse polonaise d’origine et de rythmes de danse bèlè de l’île), jazzifiée avec un doux saxophone souffleur.

Quand survient la lumineuse et pourtant mélancolique ballade “Ka Sa Té Ké Bay” ( littéralement "Qu’est ce que cela aurait donné?", sous-entendant si j’étais resté en Guadeloupe?) le jeu épuré du groupe explore ces questionnements en musique. Comme dans ce “Gap” évocateur qui démarre le Cd, ce décalage qui fait qu’en une ou deux heures d’avion, le paysage et la vie changent radicalement! Une composition qui finit en crescendo comme la transe haïtienne. L’un des titres de l’album est d'ailleurs chanté par une prêtresse vaudoue, Moonlight Benjamin. Sorcier des rythmes, le batteur songeait il aux esprits frappeurs des cérémonies rituelles? La répétition incantatoire, étonnamment calibrée donne une force éruptive à cette musique à laquelle participent pleinement les saxophonistes ténor ( qui ne passent jamais en force), le pianiste très percussif et le contrebassiste gardien du tempo.Tous partagent une certaine sobriété dans leur jouage, loin des effets de toute sorte, souvent pratiqués aujourd’hui.

Mention particulière aux invités qui ornent et rehaussent le titre dans lesquels ils apparaissent. Ainsi de l’accordéoniste Vincent Peirani dans "SQN" ( Sine Qua Non) où biguine et jazz s’entrelacent amoureusement et de la magnifique flûtiste franco syrienne Naïssam Jalal qui prend la place des saxophonistes dans “Résonance”.

Adjusting est un auto-portrait en creux dont la musique, très accessible, plus subtile qu’il n’y paraît, intègre magnifiquement le jazz si souvent réputé cérébral. Arnaud Dolmen y requalifie le concept d’adaptation perpétuelle, propos de l’improvisation.

Sophie Chambon

Quentin Dujardin (guitares, piano et voix), Didier Laloy (accordéon), Nicolas Fiszman (basse électrique) et Manu Katché (batterie).
Agua Music - AGUA 22-011 / Inouïe Distribution.
Parution le 3 février.

    David Linx, Philip Catherine (même s’il naquit à Londres), Bert Joris et bien avant (les années 50-60) Bobby Jaspar, Jacques Pelzer, René Thomas sans oublier une légende, l’harmoniciste Toots Thielemans, le jazz ne manque pas de talents en Belgique. C’est d’ailleurs ce dernier, l’immortel créateur de Bluesette qui remarqua en 2005 son compatriote le guitariste Quentin Dujardin : « une révélation extraordinaire ».

    Instrumentiste mais aussi compositeur, notamment de musiques pour le théâtre (Monsieur Ibrahim et les fleurs de Coran) et le cinéma (Paradisiac), Quentin Dujardin n’entend pas se cantonner dans un registre unique. Une ouverture qui caractérise aussi le batteur Manu Katché, déjà invité sur un précédent album (Catharsis, 2016) et le bassiste Nicolas Fiszman (figurant sur Veloma, 2007), auxquels le guitariste dédie l’un des titres (Blues for M & N) de son tout dernier disque (2020).
 

C’est bien un panorama de la guitare que nous présente ici Quentin Dujardin, tout en nuances et en sensibilité en puisant le meilleur de chacun des quatre types de guitare  - nylon, fretless, baryton, acoustique et/ou électrique - mobilisés pour l’occasion.

Une des plaisantes découvertes de ce début d’année 2023.

Concert prévu le 17 mars au Pan Piper (75011).

Jean-Louis Lemarchand.