Grand crooner devant l’éternel, Tony Bennett, disparu le 21 juillet à New York a 96 ans, aura réussi à réconcilier toutes les générations. Le créateur de ’’The Good Life’’ en 1963, adulé depuis par les anciens, séduira quatre décennies plus tard les fans de hip-hop par ses duos (acoustiques) avec Amy Winehouse, Diana Krall, Norah Jones, et surtout Lady Gaga.

        Vingt Grammy Awards sont venus saluer une carrière engagée à la fin des années 40 pour ce New yorkais issu d’une famille italienne originaire de Calabre.
     Anthony Benedetto devient alors Tony Bennett. Sa voix feutrée, son art du placement, sa nonchalance élégante lui assurent une place de choix dans la galaxie des crooners aux côtés des Franck Sinatra, Mel Tormé, Dean Martin…

     Il prend son inspiration dans le jeu de Stan Getz et Dizzy Gillespie vante ses qualités. Sa carrière décolle au début des années 60 avec deux chansons ’’I left my heart in San Francisco’’ et ’’The Good Life’’, adaptation d’une composition de Sacha Distel.

     Après une traversée du désert de quelques années -où il continue à se produire dans les casinos de Las Vegas et de Reno- Tony Bennett retrouve la faveur du grand public peu avant le tournant du siècle, à la faveur de duos avec des chanteuses de la jeune génération. Sa collaboration avec Lady Gaga donnera lieu à deux albums dont le dernier, ’’Love For Sale’’, sorti en 2021.

     Entre temps, il aura poursuivi son hommage au Great American Song Book avec un disque dédié à Jérôme Kern en compagnie du trio du pianiste Bill Charlap, qui lui vaudra un nouveau Grammy en 2016.

     Diagnostiqué la même année de la maladie d’Alzheimer, Tony Bennett continuera de se produire sur scène jusqu’en 2021.

     De ses quelque 80 albums, une attention particulière doit être portée aux deux disques enregistrés en duo en 1975 et 1977 avec Bill Evans.

Jean-Louis Lemarchand.

©photo by Andy Witchger & Dane Moon.

     Figure familière des clubs et festivals pendant plus de six décennies, fidèle à son Nikon F1, Christian Rose, reporter-photographe, nous a quittés le 11 juillet.

     Sa première photo publiée en 1965 dans Pariscope, hebdomadaire de spectacles, était consacrée au trio de Martial Solal. Il avait 19 ans. Depuis, le jazz était sa passion et il apporta sa contribution à Jazz Magazine avec régularité, mais sans exclusivité, tenant à son statut de photographe indépendant.

     Si le jazz fut son terrain d’exercice majeur, Christian Rose sut saisir aussi les moments forts et les expressions de toutes les scènes de la musique (pop, rock, blues, classique). Pour s’en rendre compte, il suffit de consulter les quelque dix mille références de son site (Christian-rose-photo.com). Ou de compulser ses cinq livres, ‘Instants de jazz’ (1996), ‘Jazz Meetings’ (2003), ‘Zappa en France’ (2003), ‘Black and Soul’ (2004), ‘Guitares : 60 portraits de légende’ (2005).

     Christian  avait les qualités maîtresses du photographe : il savait s’imposer pour être au bon endroit au bon instant et se faire oublier pour capter une expression sans troubler l’artiste au travail. Membre de l’Académie du Jazz, il participait très activement à ses manifestations, toujours présent lors de l’assemblée générale votant le palmarès et à la cérémonie de remise des prix, même en mars dernier, se refusant à baisser les bras face au cancer qui finira par l’emporter.

     Discret, élégant, doté d’un réel sens de l’humour, Christian Rose nous laisse l’image d’un observateur engagé de la scène musicale.

      Nous perdons un ami, un pilier, et présentons nos plus sincères condoléances à sa famille et à ses proches.

     Une cérémonie se tiendra au cimetière parisien du Père Lachaise le 19 juillet à 11h30.

     Jean Louis Lemarchand.

©photo Philippe Baudoin

Régis Huby (violon, composition) , Guillaume Roy (alto), Marion Martineau (violoncelle, viole de gambe), Olivier Benoit (guitare électrique), Pierrick Hardy (guitare acoustique), Joce Mienniel (flûte), Jean-Marc Larché (saxophone soprano), Catherine Delaunay (clarinette), Pierre François Roussillon (clarinette basse), Matthias Mahler (trombone), Illya Amar (vibraphone, marimba), Bruno Angelini (piano, piano électrique, synthétiseur basse), Claude Tchamitchian & Guillaume Séguron (contrebasses), Michele Rabbia (batterie, percussions, électronique)

Malakoff, juillet 2022

Abalone / l’autre distribution

Un somptueux foisonnement ! J’avais écouté ce groupe, et cette musique, en 2018 au festival D’Jazz Nevers, et j’espérais qu’un disque viendrait. C’est fait, et l’auditeur que je suis est comblé par ces retrouvailles. Réunissant une équipe de solistes au-delà de tout éloge, c’est une musique construite sur un exigence formelle qui ne brime en rien la vitalité, le rebond, et la créativité individuelle de l’improvisation. La complicité ancienne du compositeur-leader avec une bonne partie des interprètes n’est pas pour peu dans cette réussite. Mais ce n’est pas le seul ingrédient : l’investissement individuel de chacune et de chacun dans cette musique, dans son esprit, mais aussi ce qu’elle a d’organique, de charnel, fait que l’on court de séquence en séquence, étonné et ravi de ces transitions inattendues, de ces retours obstinés de pulsations entêtantes. Au moment des premières présentations publiques de cette œuvre presque monumentale, Régis Huby avait dans un entretien évoqué Steve Reich. Mais ce qui pour moi va au-delà de cette référence, c’est qu’il s’agit d’une musique vraiment collective, avec des interprètes qui sont constamment inspirés, dans l’écrit comme dans l’improvisé : le miracle de la vie même. De la (très) grande musique ou, si l’on préfère, du Grand Art. Chapeau bas !

Xavier Prévost

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Un avant-ouïr sur Youtube

MOONDOG raconté par Guy Darol & Laurent Bourlaud

Editions de la Philharmonie

Collection Supersoniques (paru en avril 2021).

Supersoniques #1 : Moondog, la fortune du mendiant | Philharmonie de Paris
 

En découvrant l’ouvrage de Laurent de Wilde sur le père du synthétiseur Robert Moog aux éditions de la Philharmonie, on a eu envie de poursuivre notre exploration de la collection Supersoniques où écrivains et dessinateurs conjuguent leurs efforts pour mettre en valeur un parcours musical souvent atypique.

Le rembobinage conduit à s’intéresser au premier ouvrage de la collection qui en comporte sept à présent, qui traite du cas de l’excentrique Moondog, vu cette fois par l’écrivain, essayiste, critique musical, Guy Darol dont l’une des passions est Frank Zappa qui avouait être influencé comme son pote Captain Beefheart par le Viking de la Sixième avenue. Rien de surprenant puisque Louis Thomas Hardin, devenu aveugle très jeune, qui se baptisa Moondog en souvenir de son chien Lindy qui hurlait à la lune, fascina des compositeurs d’envergure, tous styles confondus, en premier lieu des jazzmen comme Benny Goodman, Charlie Parker (Moondog composa en son honneur le fameux "Bird’s lament"), Mingus avec lequel il joua, Miles... Mais il intéressa aussi Leonard Bernstein qui lui donna quelques leçons pour conduire un orchestre, Steve Reich, Philip Glass qui l’hébergea pendant un an. Pour ces derniers, il était même le précurseur du minimalisme!

Dans ce bel ouvrage coloré et rythmé par Laurent Bourlaud,  Guy Darol, dans un style élégant et poétique, décrit très clairement les points forts d'un parcours "beyond category". En neuf petits chapitres que l’on avale d’un trait, Guy Darol nous conte la vie et l’oeuvre de Moondog jusqu’au  clin d’oeil final : pour la dernière découpe, donc la neuvième, on apprend que ce passionné de numérologie et du chiffre neuf (il en avait fait la mesure de sa musique) mourut un jour avant la date de la parfaite harmonie, le 9/09/99. S’il ne néglige pas les bizarreries du personnage, ses conditions de vie extrême -il vécut sans abri dans les rues de New York, mais aussi de Francfort ou Hambourg, jouant aussi devant les salles de concert et de maisons de disques ( la Tour Columbia), Darol s’intéresse surtout à définir son style. Avec un sens élaboré des formules, il avoue qu’ il faisait du neuf avec l’ancien. Ce musicien strictement tonal qui commença avec des serpents de son (Snaketime rhythms) était fou de musique classique, de contrepoint qu’il étudia sérieusement, et bien sûr de Jean Sébastien Bach. Loin d’être post-moderne, Moondog se revendiquait comme un classique, continuateur de Bach et Beethoven en disant “Je ne vis pas dans le passé c’est le passé qui vit en moi”.

Bien que compositeur d’une oeuvre foisonnante, entièrement en braille, et connu de son vivant grâce au label Roof de Bernd Kowalzik et en France  par Daniel Caux et Martin Meissonnier, son oeuvre fut peu diffusée et enregistrée. Sa musique ne fut pas oubliée pour autant après sa disparition puisqu’elle fut reprise et prolongée par des samplers dont la technique ne lui était pas indifférente, en amoureux inconditionnel du rythme.

La musique de Moondog est résolument américaine, marches militaires, ragtime, jazz mais aussi percussions amérindiennes jouées pour des danses traditionnelles du soleil (un souvenir de son séjour chez les Arapaho dans les années vingt, une tribu dont la science du regard admet l’invisible), sans oublier les bruitages des rues de New York. Il inventa d'ailleurs de nouveaux instruments pour créer de nouveaux timbres, l’itsu, le trimba, le hüs qui manifeste de son goût pour la culture et mythologie scandinaves que trahit son accoutrement qui ne le faisait pas passer inaperçu.

Ce texte apparaît-et ce n'est pas le moindre de ses attraits, comme un conte illustré, une fiction merveilleuse; la playlist fournie à la fin de l’ouvrage donne des pistes non exhaustives mais déjà suffisantes pour flâner dans l’oeuvre de ce musicien hors norme, dont la vision du monde était fondée sur l’harmonie.

Sophie Chambon

JeanPaul Ricard & Jean Buzelin

GIRLS VOCAL GIRL GROUPS

JAZZ POP DOO-WOP SOUL (1931-1962)

Frémeaux& Associés

Go On - YouTube

I'M On The Wagon - YouTube

When You Were Sweet Sixteen - YouTube

Editions, Galerie, Librairie Sonore et Vignobles Frémeaux & Associés (fremeaux.com)

Le label Frémeaux&Associés nous fait découvrir une fois encore des enregistrements rares mais pas nécessairement obscurs, tout à fait dignes d’intérêt. Un coffret de 3 CDs sur un thème inédit et très original...

Nous avions salué comme ils le méritaient les précédents coffrets, toujours de 3 CDS chez Frémeaux & Associés qui redonnaient enfin aux femmes dans le jazz un rôle plus conséquent, une plus juste place. JP Ricard et Jean Buzelin, à l’origine de ces formidables compilations, rassemblaient les pianistes ( 1936-1961) sans oublier les autres instrumentistes (1924-1962) et les Girls Bands (1934-1954), en laissant de côté les chanteuses. Ils partaient du principe que pour le grand public les femmes dans le jazz sont avant tout chanteuses : sexy, elles s’exposent sur le devant de la scène, en pleine lumière, et n’ont jamais eu ce problème de visibilité rencontré par les instrumentistes.

Les chanteuses n’ont pas été dédaignées pour autant par les créateurs de ces coffrets. Encore un autre travail colossal de nos deux experts en jazz et blues qui continuent leur entreprise en orientant leurs recherches cette fois vers une catégorie complètement ignorée aujourd’hui, sous estimée (?). Ils s’intéressent cette fois aux Girls Vocal Groups qui se sont souvent constitués dans le groupe familial, utilisant ainsi les diverses tessitures avec la prédominance d’une “lead singer”. Si ça commence avec des chanteuses blanches dans les années vingt, les Boswell Sisters de la Nouvelle Orleans, accompagnées par les frères Dorsey, connurent un très grand succès au début des années trente avec des reprises sensationnelles de “ Everybody loves my baby”, “Mood Indigo”ou “Alexander’s Ragtime band” sur les disques Brunswick, les Andrews Sisters nous sont encore familières avec les chansons de la période de la guerre “Bei mir bist du schön” ou “Rum and Coca-Cola”sur Decca. Comment ne pas citer les Chordettes dès 1946 qui jusqu’à leur séparation en 1965 enchantèrent le public ( “Mr Sandman” en 1954)?

Mais pour beaucoup de groupes, il était nécessaire d’opérer une réévaluation de ces chanteuses dont le nom nous est souvent inconnu. Très vite les groupes sont constitués par des chanteuses noires avec leur style fait de blues et jazz hot…On peut citer sur le Cd1 les Dandridge Sisters qui passèrent au Cotton Club au sein de l’orchestre de Jimmy Lunceford, Dorothy s’illustrera plus tard dans la "Carmen Jones" de Preminger. Une curiosité à souligner, les Peters Sisters eurent une belle carrière en France et passèrent aux Folies Bergères…) “Comme tu me plais” de Paul Misraki.

Le gospel laisse sa marque avec une chanteuse au premier plan soutenue par le choeur. Les Cookies sont repérées par Ray Charles qui les rebaptisa Raelettes (“What kind of man are you”?1957)

C’est à une véritable explosion du phénomène de groupes vocaux au féminin, y compris dans le style très particulier doo-wop, lancé pourtant par des groupes de garçons, que l’on assiste durant les sixties, avec de grands producteurs qui ont le sens du marché et savent manager des groupes de très jeunes et jolies chanteuses qui envahissent la variété et deviennent la coqueluche des teenagers. Les Shirelles ouvriront la voie aux groupes célèbres qui vont se succéder: le génial Berry Gordy qui fabrique les talents et le Tamla Motown sound encourage au début les Marvelettes “Please Mr Postman” en 1961, Martha and The Vandellas “I’ll have to let him go” en 1962 mais il favorisera surtout les Supremes qui figurent en couverture du coffret ( Vous aurez reconnu sa protégée, Diana Ross qui finira par remplacer en lead singer Florence Ballard ), chanteuses qu’il rendra suffisamment lisses pour le marché pop. (“Buttered popcorn”, “Let me go the right way” en 1961).

Quarante six groupes, un livret de 20 pages avec les renseignements discographiques complets des différentes séances, 26 titres pour le premier Cd, et 28 pour chacun des deux autres.

Jean-Paul Ricard, ardent défenseur des femmes dans le jazz, ne pouvait laisser passer l’occasion de ressortir quelques belles pépites et avec son copain Jean Buzelin, ils étudient cette fois l’art du jeu et des harmonies vocales dans tous les champs de la musique populaire américaine du XXème siècle. A eux deux, ils couvrent toute l’écriture jazz, pop, soul, country music (Staple Singers en 1959 “Downward road”) respectant la législation du domaine public, c’est à dire de 1931 à 1962.

Nos deux auteurs ont puisé cette fois encore dans leur vaste collection de LPs, se sont répartis les styles et après sélection des titres les plus représentatifs de chacun des groupes choisis, ils ont validé après restauration et mastering le nouveau coffret, d’où une très belle qualité de son pour une écoute optimale.

Guidé par l’expertise de tels connaisseurs, on ne peut que se laisser bercer par ces musiques "vintage", ces oldies but goldies et rendre hommage à ce travail de mémoire précis, précieux et indispensable pour l’histoire de la musique.

Sophie Chambon