Blue Note 2013

Pour ceux qui étaient l'autre soir au concert de Gregory Porter à la Villette, cela ne fait aucun doute : ce chanteur a l'étoffe des monstres sacrés comme on en produit peu. Très peu. De fait Grégory Porter est énorme ! (Et l'on ne parle pas ici de sa corpulence toute pavarotienne). Ne serait-ce que par sa présence scénique, ne serait-ce aussi que par cette voix et ce feeling incroyables, ne serait-ce encore que par les racines qui l'ancrent aussi bien du côté de Marvin Gaye que de Curtis Mayfield, Gregory Porter est phénoménal.

Soulman totalement revendiqué jusqu'à composer lui-même, dans cette pure veine des héritiers de la Motown le matériau de son dernier album ( "Liquid Spirit"), Gregory Porter sait y faire ! En star américaine hyper charismatique il se montre capable de mettre le feu à la scène d'un simple claquement de mains, d'un simple geste de l'épaule tout simplement par le charisme  qu'il dégage.  Mais avant tout Gregory Porter est un chanteur exceptionnel. De ceux qui sont capables de tout transcender et de donner une dimension hallucinante à la plus insignifiante des chansons. Et c'est bien pour cela que l'on est prêt à tout lui pardonner. Tenez prenez par exemple Water under bridges. Dans un autre contexte, avec un autre chanteur, le thème un peu insipide, prendrait des allures de chanson pour gala de milliardaires américains venu soutenir une fondation théodule. Mais avec Gregory Porter, on chavire, transpercés de part en part par le timbre d'une voix crooneuse à souhait et par un feeling hallucinant qui, quelque soit le tempo, peut faire fondre n'importe quel auditeur. En jazz il y avait bien des gars comme Sinatra qui étaient capables de cela. Dans la soul il y avait aussi Marvin Gaye.

Alors oui, on est prêt, à la 179 ème écoute à lui pardonner cette soul-soupe qui l'entraîne parfois vers des rivages un peu faciles d'autant plus que le chanteur colossal a le mérite de se coltiner les compos lui-même. Et ces compos sont la preuve de la grande générosité d’un chanteur qui se livre, aussi sensible qu'engagé. Et puis finalement, quel mal y a t-il à faire de l'easy listening lorsque cela est fait avec autant de talent ? Tenez, autre exemple : écoutez Hey Laura. Là encore une compo un peu facile, mais alors quel sens du groove ! quelle sensualité ! et quelle classe !

En signant sur le label Blue Note il fallait bien s'attendre à ce que le chanteur crooner fasse quelques concessions et passe un peu dans la machine à formater. Et pourtant on marche à la sincérité de l'artiste, on a envie d'y croire. Gregory Porter parle de ses racines musicales. Dans le jazz par exemple avec sa relecture de Lonesome lover d'Abbey Licoln et Max Roach. Ou encore avec un standard comme I fall in love too easily. On le croit aussi dans son engagement contre la musique de recup comme dans ce Musical Genocide. Il y a de la conviction chez Porter. Sur scène il lui en faut peu pour faire vibrer le public. Il peut prendre un thème archi rebattu comme Worksong pour se faire alors interprète d'une cause noire comme si les champs de coton d’hier étaient bien ceux d'aujourd'hui. Avec ce qu'il faut de conviction, de force et violence, mais toujours avec la hauteur qui le place à des années lumières de ceux qui essaieraient bien de le suivre, voire de l'imiter.

De loin Liquid Spirit est le meilleur disque de Gregory Porter. Le plus personnel aussi. Celui dans lequel le chanteur semble se livrer avec sincérité et générosité. Mais avec toujours un art sous parfaite maîtrise. Du grand professionnalisme dont on fait les héros, les bêtes de scène et les monstres sacrés. Sur scène on l'entend chanter : can I be a jazz singer ? can I be soul ? can I be funk ? can I be gospel ? A toutes ces questions on répond oui en applaudissant des deux mains et en lui réservant une longue standing ovation. Car nous sommes définitivement un public sous le charme d'un chanteur généreux et nous coulant avec délice dans cette musique un peu revival et vintage.

Jean-Marc Gelin

Ps : en live petite mention toute spéciale pour  pianiste et directeur musical. En revanche mention moins pour le saxophoniste Yosuke Satoce saxophoniste répétitif et spectaculaire qui mériterait d'apprendre du maître une leçon de feeling.

UNIT RECORDS 2013

Yael Miller (vc), Julie Campiche (harpe), Manu Hagmann (cb), Roland Merlinc (dms)

C'est un quartet genevois intéressant. Pas transcendant loin de là, mais intéressant. D’abord par son instrumentuum qui associe deux instruments à cordes ( harpe et contrebasse) , une batterie et une voix. C'est une pièce théâtrale qui se déroule comme une sorte d'oeuvre antique. La chanteuse israélienne Yael Miller vocalise ou chante en hébreu. Le quartet installe une musique parfois étrange et fantomatique, parfois roots et wild. On est prêts à se laisser prendre la main par une vestale flottante sans savoir vraiment où et dans quel but. La harpe de Julie Campiche apporte cette couleur céleste et poétique alors que la basse de Manu Hagmann donne la pulse jazz avec les frottements de peaux délicats de Roland Merlinc. Quant à la chanteuse, c'est vers des rivages marins qu'elle ne laisse de nous entraîner. Voyage onirique, méditérannéen ou africain ( Imtamouti, Zmam) dans un métissage heureux. Vapeurs ensoleillées. World musique apaisée.

Parfois le groupe voudrait donner une intensité plus sauvage, plus rock tout en restant quand même en dedans sans véritablement impulser une quelconque énergie ( We're done - May 21). Ou alors blues à l'image de ce Wise man.

Mais l'ensemble nous a donné le sentiment d'une musique hésitante quant au choix à prendre, jouant la carte de la chanteuse sans savoir véritablement dans quelle direction aller. Un peu inaboutie parfois, la musique nous donne un peu le sentiment d’une certaine préciosité à l'image de The Others strangers qui sur le plan vocal nous laisse spectateur d'une performance qui n'en est pas vraiment une. L'émotion n'effleure jamais vraiment. Un peu comme un exercice pour tremplin de jeunes talents. Bien qu'elle ne manque pas d'une certain charme, voire d'un charme certain.

Jean-Marc Gelin 

Sortie du Duc des Lombards. Nous rencontrons Alexandra Grimal qui venait de présenter son dernier album ( « Heliopolis ») enregistré avec son groupe, Dragons. Nous prenons date avec la saxophoniste que nous recevons quelques jours plus tard dans les locaux d’ Aligre FM.

Car Alexandra Grimal ne cesse de surprendre. Né il y a 33 ans au Caire, la saxophoniste a multiplié déjà tant d’expériences un peu partout dans le monde, enregistré avec tant de grands jazzmen et participé à tant de projets différents qu’on a le sentiment qu’elle a déjà une longue carrière derrière elle.

Si Alexandra Grimal semble parfois un peu fermée sur elle-même et donne finalement peu d’interviews, ce jour-là en revanche, rayonnante, elle se prête avec plaisir et grâce à nos questions, visiblement heureuse de pouvoir parler de son travail qu’elle défend comme une quête toujours inachevée.

Nous avons eu un choc aux DNJ pour ton dernier album ( « Heliopolis »). Pourtant, ce n’est pas un album qui se livre au premier abord, il y a un chemin à faire. N’est ce pas volontaire de ta part : faire une musique qui se mérite, qui nécessite l’effort de l’écoute ? 

 AG : Je crois que c’est une musique par paliers. Il y a des gens qui peuvent mettre des années pour entrer dans cette musique. Mais une fois que tu y es, tu peux t’y laisser entraîner. En tous cas, ce n’est pas un choix conscient.  Ça se trouve comme cela et il a fallu beaucoup de temps pour que cette musique se structure. Notamment parce qu’elle est très différente de celle que j’avais l’habitude de jouer avant ou encore en sideman notamment avec d’autres leaders que j’admire. Il m’a fallu du temps pour admettre que la forme de la musique que je voulais créer est celle-là et pas une autre. Du coup il m’a fallu moi-même des paliers pour arriver à la prendre telle qu’elle.

Sur le dernier album as tu composé en pensant à tes camarades ou bien surtout aux structures ?

 AG : A la base c’est surtout un travail que je faisais autour de Nelson Veras. On s’est rencontré en 2005 et nous ne nous sommes jamais vraiment quittés. On a fait beaucoup de choses ensemble. C’est une muse. J’ai rencontré aussi Jozef Dumoulin et Dré Pallemaerts en 2005 et là encore ce sont des rencontres très fortes. Il m’a fallu du temps pour comprendre que ces deux rencontres devaient et pouvaient s’assembler sans qu’il y ait besoin d’y adjoindre une basse. C'est devenu une nécessité

Avec Nelson nous avons beaucoup joué en duo depuis l’époque de l’Olympic Café. J’ai notamment écrit la musique d’un film d’Ozu de 1928 ( NDR « Où sont les rêves de jeunesse ») que nous allons rejouer au Balzac en duo à Paris le 12 novembre 2013. Avec Jozef et Dré il s’est passé aussi beaucoup de choses et c’est donc naturellement que les ramifications se sont faites. La première fois que l’on a joué cette musique c’était avec une contrebasse (Joachim Florent), Patrick Goraguer à labatterie et avec la voix de Jeanne Added. Mais en fait je suis revenue à cette formule parce que je recherchais ce que j’avais trouvé dans mon premier groupe avec Emmanuel Scarpa et Antonin Rayon où l’on improvisait en contrepoint continu. On avait beaucoup travaillé cela. J’ai retrouvé ce même concept qui et inhérent à Nelson et que Jozef a pu développer dans d’autres groupes comme Octurn : avoir  plusieurs contrepoints permanents avec tout à coup un soliste qui ressort. Une sorte de masse mouvante. C’est quelque chose que je retrouve aussi chez Steve Coleman par exemple.

Dans ces tramages, il est surprenant que tu n’utilises pas Jozef au fender ?

AG : Oui mais justement au début lorsque l’on a monté ce groupe, il était au fender et c’était génial. Dans Dragons il a essayé le fender mais le registre médium de l’instrument faisait disparaître la guitare en live. C’est compliqué au niveau des équilibres. Comme ma musique est faite de strates et de superposition, c’est dangereux d’avoir ces deux registres ensemble. Jozef Dumoulin est un immense pianiste, et je suis heureuse de pouvoir utiliser son touché pianistique. Dans le Naga, il sera au fender rhodes à nouveau, et Benoît Delbecq sera au piano. J'aurai ainsi toute la palette de Jozef au sein de ces deux projets. L'un étant la continuité naturelle de l'autre.

Tu parlais de Steve Coleman vous êtes vraiment d’une génération pour qui il est une référence absolue.

AG : C’est d’ailleurs pour cela que j’étais partie à New York, pour pouvoir étudier avec lui. Ce qui m’a amené à suivre ses master classes à la Jazz Gallery. Toutes les ramifications de Steve Coleman en Europe sont énormes. Je me sens très en résonance avec ces musiques-là comme avec celle de Marc Ducret. Cela étant lorsque je suis allé à NY c’était aussi dans un autre but : comme celui de rencontrer Motian par exemple, et tous les jeunes musiciens si actifs sur la scène des musiques créatives.

Tu es quelqu’un d’un peu insaisissable. Tu donnes peu d’interviews alors que tu as un parcours qui t’a conduit à traverser les frontières, à t’ouvrir au monde. Ta carrière est faite de grands coups d’accélérateurs mais et dans le même temps tu sembles donner à ta musique le temps au temps…..

AG : Mon rapport au temps… Vaste question. Il y a chez moi quelque chose d’important, c’est d’être en relation intergénérationnelle avec les musiciens de jazz quel que soit leur âge et quel que soit le lieu où ils évoluent. J’ai des projets qui mettent un certain temps à arriver à maturité Mais lorsqu’ils aboutissent tout s’enchaîne effectivement très vite. Ce qui me motive c’est moins de me livrer moi-même que de m’attacher à des collaborations sur un très long terme. Comme par exemple avec Giovani Di Domenico ( le pianiste) avec qui nous avions enregistré sur le label Sans Bruit ( « Ghibli ») et avec qui je viens d’enregistrer un nouveau duo qui sortira en 2014. Je travaille avec lui depuis 2002. C’est un peu comme avec Nelson, nous participons ensemble à pas mal de projets dans des formats différents et depuis pas mal de temps. Il y a une permanence dans notre travail, quelque chose qui traverse le temps dans ce duo et qui vient de nos affinités très profondes. Je l’ai rencontré au Conservatoire de La Haye. Mon rapport au temps est fait de hasard et de nécessité.

Quand tu fais ce disque avec Gary Peacock et Paul Motian, ce n’est justement pas un hasard ?

Lire la suite : Alexandra Grimal ou celle qui cherchait de l’or dans les étoiles

Naïve

Baptiste Trotignon (p), Mark Turner (ts)

Attention choc de la rentrée !

Trotignon  associé  en  duo à Mark Turner, ce n’est absolument pas le fruit d’un pur hasard. Les deux hommes se connaissent bien. Le saxophoniste était venu  jouer sur 3 titres sur l’album « Share » paru en 2009 et, en 2010 sur l’album  fort logiquement nommé « Suite », toujours pour le label Naïve. Il y  avait déjà entre eux quelque chose de tellement fusionnel dans leur jeu, que  l’idée  d’enregistrer  un duo était la suite logique et ultime de leur rencontre.

Et force est de constater que les deux musiciens ont décidé de la placer au sommet,  au niveau de ces cimes rarement atteintes en musique et desquelles on  contemple  le  paysage  musical en parfaite plénitude. Méditative ? Pas vraiment  au  sens  mystique du terme. Plutôt contemplative dans le sens où cette  musique  très  zen (Dusk is quiet place) ouvre de superbes espaces musicaux (Wasteland). Musique de chambre, intime qui prend des allures de storytelling. Rencontre d’une  douceur tamisée où le rapprochement des timbres, la fusion des sons, et  l'abolition de toute frontière entre improvisations et écriture en fait un  moment  rare.  Où  l’on  ne sait jamais ce qui a été écrit et ce qui ne l’est pas, ce qui relève d’une prise spontanée ou ce qui a été retravaillé. Car  c’est  une  évidence, cette musique semble tout aussi naturelle que le simple fait de respirer.

Mark  Turner  tout  en  économie du geste et en sensualité joue les maîtres zen.  Avec  un jeu très aérien,  très attentif au timbre, manie l’aigu avec la  précision d’un calligraphe, et apporte dans les graves un souffle doux. Enveloppe  la musique d’une sorte de velours moiré. Et Trotignon, attentif, ornemente  et embellit avec grâce et subtilité, gardien de l'harmonie et du rythme  sans  jamais  enfermer  le trait.  Le pianiste s’inscrit alors avec élégance  dans  les  interstices  du jeu du saxophoniste avec un jeu proche parfois  de l’école classique, s’inscrivant en contraste non seulement dans l’esprit  mais  aussi  dans  le  son  (Ô  do  borogado). Où chacun, à force d’écoute  y  montre un grand respect pour la musique de l’autre et entre en résonance.  Cela  donne  ainsi  un dialogue toujours passionnant, toujours tendre.

Tous  les deux jouent divinement. Laissent la musique respirer.On n’est pas loin du duo Konitz-Solal.

Les  thèmes  sont  composés  pour  l’occasion  par  les deux musiciens.  2 morceaux magnifiques  de  Bach sont aussi prétextes à de belles improvisations jazz, aériennes et inspirées.

Et  ce dialogue à fleuré moucheté, fait d’écoute et d’attention nous touche par son évidence et par sa grâce. Juste un piano et juste un sax ténor pour dire de belles choses. Paisiblement.

Jean-Marc Gelin

13ème Note Editions.253 pages.22,90 euros.

Hampton Hawes: Lâchez-moi ! avec Don Asher

Il aura fallu attendre plus de quatre décennies mais le résultat est bien là, un témoignage choc sur une période effervescente du jazz, les années 50-60. Accueillie avec respect lors de sa sortie aux Etats-Unis en 1972, l’autobiographie du pianiste Hampton Hawes (Raise Up Off Me : A Portrait of Hampton Hawes. Da Capo Press) est enfin disponible en version française sous le titre « Lâchez-Moi ».
Spécialiste de la littérature anglo-saxonne et latino, la jeune (née en 2009) maison d’édition 13è Note Editions a publié cette année l’autobiographie du boxeur Jake LaMotta « Raging Bull » qui portée au cinéma avait mis en valeur la force de frappe de Robert DeNiro. L’autobiographie de Hampton Hawes (1928-1977) écrite avec le pianiste et romancier Don Asher, et traduite par Bernard Cohen, ne manque pas non plus de punch.
« Sacré pianiste et sacré personnage », selon les termes de Jean-Claude Zylberstein, auteur de la postface, Hampton Hawes a vécu mille vies. Membre à part entière de la génération be-bop, il raconte ses aventures de musicien, ses rencontres avec les géants de l’époque (Parker, Mingus, Miles Davis, Chet Baker, Billie Holiday, Monk, Rollins, Coltrane, Martial Solal aussi avec lequel il enregistra à Paris un album accompagné de Pierre Michelot et Kenny Clarke…) ses déboires, ses problèmes personnels avec la drogue, son service militaire en Corée du Sud, sa prison (cinq ans de détention avant sa grâce par le président Kennedy le 6 août 1963, document reproduit).
Genre conduisant souvent à l’exhibitionnisme le plus nauséeux, l’autobiographie prend ici la forme d’un témoignage sans fard et poignant sur la condition de musicien, d’artiste. Les vertus du pianiste de la West Coast ne nous sont pas inconnues, celui-là dont Le dictionnaire du jazz (sous la plume de François-René Simon) dit qu’il « n’a pas grand-chose à envier à son maître Bud Powell ». Enfin disponible en français, son autobiographie nous fait découvrir un authentique personnage.
Jean-Louis Lemarchand