Emarcy 2013

Cecil Mc Lron (vc), aaron Dhiel (p), Rodney Whitaker (cb), Henri Riley (dms), James Chirillo (bjo, g)

Cecil Mc Lorin c'est THE Voice. La révélation de cette année ! Pour beaucoup, lorsque l’on nous annonça sa présence lors de la présentation du nouvel Attica Blues d’Archie Shepp à la Villette en septembre 2012, elle était totalement inconnue. Pourtant, en trois phrases la chanteuse parvenait ce soir là à renverser le public de la Grande Halle. Sarah Vaughan semblait avoir investi ce temple du jazz. Et puis il y eu peu après la parution du dernier album de Jacky Terrasson ( « Gouache ») sur lequel la chanteuse accompagnait le pianiste et là encore nous transportait. Il ne lui restait qu’à graver son propre album pour découvrir , au-delà de quelques Youtube pas toujours flatteurs, la vraie personnalité de la chanteuse.

Et la pari est bien au delà du probant, il fait plus que confirmer, il s’inscrit comme l’un des plus bel album de jazz vocal de ces dernières années. Car la chanteuse franco-haitienne qui gagna en 2010 le concours Thélonious Monk dans la catégorie du jazz vocal (ce qui n’est pas peu dire) a cette sorte de voix qui porte tout. Qui emporte tout.

Cette voix patiente et gourmande à la fois. Patiente parce qu’elle prend le temps nécéssaire, celui de donner le sens et le son à chaque mot qu’elle prononce avec un le goût de donner à la phrase le feeling. Gourmande parce que Cecil Mc Lorin aime les mots et les mélodies, le blues érotique et la ballade romantique avec la même passion. Et surtout avec la même classe que celle qui animait ses illustres aînées Cecil Mc Lorin peut effectivement tout chanter. Que ce soit des standards, des classiques ou même chanter en Français, exercice pourtant que l’on sait périlleux à faire swinguer ! Son timbre est absolument exceptionnel et lui permet de passer de l'hyper grave à l'aigu avec la même densité. Techniquement la chanteuse est exceptionnelle. Dans sa voix, si parfaitement posée,toutes les modulations possiblesCette voix qu'elle parvient à traîner dans quelques blues un peu trash (comme sur Nobody). Cette voix parfois sage mais aussi d’une sauvagerie (woman child) dont elle joue avec quelques facéties (You bring out the savage in me).

Les grandes chanteuses ressuscitent par la voix de Cecil Mc Lorin. Celle de Sarah,  celle d'Ella ou encore celle d'Abbey. Mais il ne s’agit pas pour autant d’un simple exercice de pure imitation. Car Cecil Mc Lorin parvient à nous convaincre qu’elle a intégré ces voix, se les a approprié au point de s’en faire une deuxième peau. La chanteuse a cette liberté qui émancipe, cette tradition qu'elle parvient à dépasser. Et pour s’en convaincre, ce sens de la réinterprétation comme sur ce What a moonlight can do où elle s'anticipe totalement jusqu’à faire (un peu) oublier Billie.

La chanteuse qui s’est ici entouré d’une équipe de grande classe avec un Aaron Dielh lumineux dans ses interventions au piano signe là un grand album de jazz. Et s’il fallait un titre pour vous en convaincre, laissez vous aller à écouter ce St Louis Gal qui ouvre l’album, éloge de la lenteur, éloge de la moiteur du blues, éloge du feeling.

Jean-Marc Gelin

ACT 2013

Céline Bonacina (s), Kevin Reveyrand (b), Hary Ratsimbazafy (dms) Guests : Himiko Paganotti (v), Pascal Shumacher (vib), Mino Cinelu (perc)

Le nouvel album de Céline Bonacina nommé « Open Heart » fait suite à l’album « Way of Life » sortie en 2010 également chez ECM. Entourée toujours du même batteur (Hary Ratsimbazafy, très très bon et polyvalent), elle a été rejoint par Kevin Reveyrand à la basse, ce dernier est notamment compositeur de certains morceaux de cet opus. Des invités sont également présents tels que Himiko Paganotti à la très belles voix, chaude et sensuelle (Il faut aller la voir en concert si elle passe près de chez vous, elle intervient dans la formation de Magma et accompagne Nguyen Le sur sa tournée « Songs for Freedom », en plus de jouer dans le groupe Slug), Pascal Shumacher au vibraphone ou encore Mino Cinelu aux percussions.

L’album commence par « Souffle d’un songe », un morceau inspiré par Erik Satie. C’est une entrée très méditative que nous propose Céline Bonacina, toute en douceur avec une utilisation du re-recording judicieuse et bien amenée. Ensuite, « Circle Dance » arrive et là, on rentre dans le vif du sujet avec une rythmique basse/batterie entêtante tout au long du morceau. Le son développé au saxophone baryton dénote une personnalité et une présence nette et ce sentiment ne nous lâchera pas au cours des 12 titres qui composent cet album. Lorsque débute « Wild world », ce côté sauvage retranscrit par cette musique est saisissant. La ligne de basse nous hypnotise et nous emmène dans un voyage qui se termine par une envolée rythmique aux consonances africaines. Les deux morceaux qui suivent sont beaucoup plus calmes. « Bayrum » peut s’écouter comme une comptine pour enfant où, le vibraphone, au son rond, est totalement adapté pour ce type de thème. « So Close So Far » est lui très envoûtant. On se laisse bercer par la voix de Himiko Paganotti accompagnée par un saxophone alto et un vibraphone en résonance permanente. Le final est beaucoup plus entraînant et dansant avec un trio voix - sax alto - vibraphone des plus intéressant. L’introduction au sax baryton du morceau « Watch your step » ne devrait pas vous laisser indifférent. S’ensuit un « Out of Nowhere » très riche en rythmes endiablés avec un final aux consonances free qui se démarque clairement du reste de l’album. Le calme revient avec une ballade saxophone – basse sympathique. « Desert » est riche en mouvement et est vraiment un très beau morceau. La douceur est ce qui a voulu probablement être développée tout au lond du morceau « Open Heart ». L’album se termine par « Snap the Slap », un duo saxophone baryton – voix très groovy ainsi qu’une prise live avec un morceau de Michael Wollny.

Finalement, si l’on devrait résumer cet album en quelques mots, rythme et éclectisme seraient les plus représentatifs. Eclectisme, que certains pourront lui reprocher, mais qui dénote une ouverture d’esprit et une volonté de nous faire voyager clairement ressentie tout au long de cet opus. Cette ouverture d’esprit se ressent à travers le mélange des cultures mais également les différents styles de jazz abordés. Rythme car il y a un perpétuel mouvement au sein de chaque morceau qui n’est jamais source de lassitude et de perdition. Les mélodies sont d’une efficacité telle que vous accrocherez rapidement à cet album très recommandable et qui devrait prendre encore plus d’ampleur à travers les prestations live délivrées par ce trio.

Ajmi series

Voilà un  titre astucieux et poétique pour un hommage au génial gaucher de Seattle. On pouvait néanmoins avoir quelque inquiétude à l'idée d'entendre une nouvelle  version des tubes hendrixiens, plus ou moins remaniés. C'est compter sans le talent du guitariste Rémi Charmasson qui a attendu  longtemps avant de créer un projet personnel, en quintet, à  partir de l'univers si créatif du guitariste.
C'est " Little wing " qui commence l'album, l'une des ballades lyriques en diable de Jimi Hendrix,  portrait fantasmé d'une jeune femme, plutôt  éthérée. Après la longue introduction au piano de Perrine Mansuy vraiment troublante, Laure Donnat continue à nous désorienter, en étirant les mots très sensuellement et ce n'est qu'ensuite que l'accompagnement " classique " guitare-basse-batterie joue vraiment la mélodie, le nerf rythmique du quintet étant merveilleusement assuré par le (contre)bassiste Bernard Santacruz et le jeune batteur Bruno Bertrand.
En effet le parti pris de l'album n'est pas de rivaliser en riffs de guitare saturée, en  distorsions déchaînées, en effets de la wah wah dont Hendrix tira des sons insoupçonnés des créateurs même ou premiers utilisateurs que furent Cream et Zappa . Il est certain qu'on  ne pourra jamais  ressentir l'onde de choc déclenchée par  les strates d'électricité du jeu tourbillonnant d'Hendrix. Mais Rémi Charmasson  connaît tout ou presque de son instrument. Donc, il ne voulait pas trop la jouer " guitar hero " sauf sur quelques moments judicieusement choisis (on peut tout de même se faire  plaisir)  comme sur " Voodoo Chile ", ou " Wait until tomorrow ", qu'Hendrix considérait  bizarrement comme une chanson commerciale ! Nul doute que Charmasson sait faire chanter ses guitares.
Pour le reste, il fait confiance aux femmes du groupe, la pianiste Perrine Mansuy à l'univers singulier et la chanteuse Laure Donnat (on se souvient de son dernier projet sur Billie Holiday) pour rehausser ses arrangements  du répertoire hendrixien. Certaines versions se rapprochent de l'original  comme le délicieux " The wind cries Mary " qui finit pourtant dans un crescendo de " Hey Jude ",  single de McCartney sorti en 68. Ce qui souligne un aspect intéressant des compositions qui tirent sur le versant pop. Le répertoire choisi par Rémi Charmasson permet en effet de couvrir plusieurs aspects de la personnalité d'Hendrix et de saisir l'évolution d'une carrière courte, mouvementée, incandescente. Ainsi " Burning of the Midnight Lamp " a un statut particulier dans la discographie hendrixienne, puisque ce single de 1967 " illustre l'évolution musicale d'Hendrix, en six mois d' Are you experienced ? à  Axis : Bold as Love, avec une orchestration chargée, clavecin, chœurs et guitare jouée comme une mandoline ", nous rappelle l'un des spécialistes les plus sérieux du sujet,  Régis Canselier, dans Jimi HENDRIX, le rêve inachevé, remarquable  travail aux éditions du Mot et du Reste. Dans "One Rainy Wish", de  Axis : Bold as Love, Hendrix a conçu ses parties de guitare (Fender Stratocaster et Octavia) plus comme un compositeur que comme un simple guitariste. Hendrix se livrant à des séances d'improvisation épiques, à des tentatives constantes d'exploration, voilà pourquoi, sans doute, plus de quarante ans après sa mort, il nous bouleverse encore.

The Wind cries Jimi n'est  donc pas un tribut à l'intention des fans, des collectionneurs, des amateurs perdus devant la profusion d'albums qui ressortent. C'est le "Labour of Love  de quelqu'un qui a grandi avec Jimi Hendrix, qui s'est nourri de l'époque et de sa formidable richesse, et qui tente joliment ses propres variations avec une autre instrumentation et des musiciennes. De  "Them Changes", l'une des compositions les plus célèbres de Buddy Miles dans le  dernier groupe  Band of Gypsies, avec des improvisations du batteur d'inspiration soul, voire gospel et un solo funky d'Hendrix, la version du quintet en fait autre chose d'absolument  moderne et de très différent. De l'intérêt des variations autour de " standards " qui constitue l'esprit même du jazz, se réapproprier et adapter des mélodies et compositions aimées sans en faire des " remakes ". Le final  "People get ready  n'est pas d' Hendrix mais de Curtis Mayfield, très engagé à l'époque dans les luttes raciales. Sans que cela ne soit trop décalé, ce choix éclaire la vision plurielle du quintet.

Sophie Chambon

Le Triton / Musea 2013

Christophe Monniot : saxophones alto, baryton et sopranino / Didier Ithursarry : accordéon / Guillaume Roy : alto / Atsushi Sakaï : violoncelle sur 1, 3, 5, 9, 10.

Que Christophe Monniot ne nous en veuille pas d'être si tardifs à chroniquer cet album. Qu'il nous pardonne d'avoir été si longs à l'allumage de ce magnifique spoutnik et si peu prompt a rattraper au vol cet ovni musical. Car cet album paru il y a une 10 aine de mois est un rare moment de brillance, d'intelligence. Toujours inattendu et iconoclaste, Christophe Monniot y défriche des territoires musicaux en s'affranchissant de tous les codes ou plutôt en les embrassant tous.

Monniot y joue comme un dieu. Feu follet insaisissable. Prolixe, dynamitant les lignes, l'ex baby boomer de Daniel Humair n'entre dans aucun code et nous emporte dans une musique qui stimule l'intelligence, le plaisir et la curiosité. Jeu incroyable de force, de vélocité, de richesse d'expression. Sur la base d'un instrumentum original qui lui permet d'associer plusieurs timbres et plusieurs univers musicaux, il nous emporte loin dans une aventure musicale sans frontière. La musique de Monniot est remarquable.

Syncrétique. Puisant a d'innombrables sources musicales. Jusqu'a Brassens admirablement visité ! Au delà de la musique, ce qui frappe chez Monniot c'est cette une sorte de théâtralité où le saxophoniste fait un peu office de directeur d'une troupe. Une troupe de théâtre où la musique est presque comme parlée, déclamée, racontée. Monniot est alors un acteur qui tient dans cette pièce, le premier rôle. En habit de lumière. Prenant, captivant, saisissant. Intense musique où ce qui est sous-jacent est toujours fort et puissant.

La musique sait s'y faire généreuse et s'offrir immédiatement. Il faut la parcourir sans cesse pour la redécouvrir sous cette forme kaléidoscopique qui, à chaque écoute donne un nouvel éclairage, une nouvelle facette captivante et fascinante.

Passionnant. A découvrir d'urgence.

jean-Marc Gelin

Mise en scène Anne Marie- LAZARINI

Musique originale Andy Emler

Création Les Athévains

Coproduction La Compagnie aime l’air et Théâtre 95

Du 27 mars au 05 mai 2013

Etrange expérience vraiment que de parler d’une musique conçue pour un spectacle de théâtre (que je ne pourrai voir) mais dont je peux lire le texte qui a inspiré la pièce. Il s’agit du Ravel de Jean Echenoz paru aux éditions de Minuit en 2006. Jusqu’au 5 mai, au théâtre Artistic Athévains, dans le 11ème à Paris, ce RAVEL (interprété par Michel Ouimet ) retrace les dix dernières années de la vie du compositeur (1875-1937) depuis sa folle tournée aux Etats Unis en 1927. Ce spectacle, mis en scène par Anne Marie Lazarini, est joué par le pianiste Andy Emler qui a composét «quelques pages musicales à la manière de... », dans le même esprit que l’écrivain dont l’écriture, toute musicale, est faite de brisures, de changements de tempos. Dans ses pages se joue une vie, sa fin plutôt, « celle de Ravel qui fuit sous ses doigts ». On pourrait reprendre en effet une formule d’un autre livre d’Echenoz, Cherokee, pour qualifier Ravel, dandy « un peu absent de lui même».

Sans voir l’acteur interpréter le compositeur au caractère singulièrement difficile, je relis le texte épuré, élégamment ironique, tout en écoutant la musique. L’écrivain a composé une partition imaginaire, immergé dans l’univers ravélien. « Ravel serait donc une biographie romancée du musicien ? Non plutôt une vie réinventée, avec ses sinuosités, ses failles, ses absences, ses incertitudes... » lit-on dans les liner notes de cet album que l’on peut se procurer au spectacle. Un récit sans fioritures, retransmis en version quasi-intégrale sur cet homme dont on connaît si peu de la vie privée, qui semble n’avoir eu comme passion que la seule musique. Le spectacle lui redonne vie, incarné par les comédiens et la musique jouée, improvisée sur un piano peint en bleu.

Alors pourquoi ne pas avoir pris la musique de Ravel elle-même, des fragments des œuvres évoquées, à savoir le Concerto en sol, « conçu non pas pour le piano mais contre lui », le Concerto en ré, et surtout le fameux Boléro dont Echenoz nous explique si bien la genèse : « Il sait très bien ce qu’il a fait, il n’y a pas de forme à proprement parler, pas de développement ni de modulation, juste du rythme et de l’arrangement... Phrase ressassée, chose sans espoir, c’est seulement fait pour être dansé. » La tentative serait, dans ce cas, purement illustrative. Avec le choix d’ Andy Emler, leparti-pris tout à fait réussi, fait plus qu’ évoquer, s’inscrit tout contre la figure ravélienne. Quand on aime Ravel, on ne peut pas ne pas aimer le jazz, à moins que ce ne soit l’inverse. Sans vraiment le savoir, Ravel a créé un système, ouvert une voie aux jazzmen à venir. Attiré par « cet art neuf et périssable », Ravel a découragé néanmoins Gershwin, venu lui demander des cours de composition. La réponse fut sans appel, « lui représentant qu’il risquerait de perdre sa spontanéité mélodique, et pour faire quoi, que du mauvais Ravel ... Et puis bon Gershwin, son succès universel ne lui suffit plus, il vise plus haut mais les moyens lui manquent, on ne va pas quand même l’écraser en les lui donnant. »

L’ influence de Ravel a irrigué nombre de musiques plus contemporaines, y compris des musiques de films. Andy Emler s’en est souvenu dans cet exercice de style qui n’en manque pas, à la manière d’un pastiche littéraire, au sens le plus noble du terme. Pas de caricature dans ce « labour of love », mais au contraire une version originale de « my own Ravel », une extrême fidélité au mot, au signe près, de la chose écrite, des partitions. Savoir recréer l’univers, les couleurs, le raffinement complexe de cet écrivain de musique, solitaire, distant, immense orchestrateur et arrangeur minutieux. Sous le charme de l’écriture superbement distante d’Echenoz, Andy Emler s‘est prêté à son tour au jeu de faire revivre lui aussi le compositeur, et comme il connaît son Ravel « de mémoire vive », il en est ressorti avec 9 pièces écrites et cinq improvisations.

« Ravel préfère considérer le plus longtemps possible la surface blanche et grise...dans l’idée d’en extraire une ligne mélodique, un rythme, un leitmotiv, pourquoi pas. Il sait bien que cela ne se passe jamais ainsi, que l’inspiration n’existe pas, qu’on ne compose que sur le clavier. »

Voilà une expérience intégrale passionnante, finement transversale qui unit littérature, théâtre et musique. Un portrait littéraire et musical dont, on ose l’espérer, Ravel aurait aimé la justesse dans la recréation même.

Sophie Chambon