Effendi 2008

Saxophoniste français basé à Montréal, Jean-Christophe Béney sort un quatrième album avec une formation en quartet semi-acoustique (fender rhodes et piano/sax/basse/batterie) constitué de musiciens canadiens. L'album s'appelle « Pop Up » et annonce clairement l'utilisation de structures de musiques pop dans le jazz. Dès les premières secondes du CD, Béney attaque avec un morceau-chorus très coltranien que – heureusement- le groupe finit par étouffer dans une mélodie pop très bien amenée et rondement menée. Cela semble être symbolique: un signal de la part du saxophoniste? Comme pour nous signifier que cet album est orienté pop et qu'il s'écarterait des structures jazz, comme celles de Coltrane justement? Il faut dire que les compositions de Béney sont concises et facilement transposables en chansons (Béney ne fait pas de reprises). Elles empruntent à la musique pop en général tant dans l'écriture de la mélodie que dans la structure binaire/ternaire des pièces. De manière générale, les mélodies sont gracieuses, tapent à l'oreille immédiatement (« Chinese Checkers », « Pop Up ») et ont toutes leur évidence. Enfin, les chorus sont épurés et efficaces, sans verbiage « saxophonistique ». Au ténor ou au soprano, Béney ne fait pas dans la démonstration. Son jeu est posé et lyrique et marque volontairement la mélodie. Le leader adopte ainsi un style distingué qui n'écrase pas l'harmonie et la motricité du groupe. Le quartet de Béney fait penser par certains côtés à celui de Jérôme Sabbagh (avec le guitariste Ben Monder) mis à part que Béney utilise des rythmiques plus variées mais originales, comme « Chinese Cheekers » avec sa rythmique afro-cubaine sur le refrain, ou empruntées à des styles de musiques modernes et utilisés de manière diluée. La musique de Béney est moins spacieuse dans les atmosphères et plus dense dans la jouerie. Pour terminer, le quartet de Béney est soudé et présente par son jeu une version intelligente des « power quartet » actuels. Jérôme Gransac

Abondance ne nuit pas ? C’est ce qu’il faut espérer si l’on en juge par le caractère très prolifique de l’actualité du jazz ces derniers mois. Dans un marché du disque en crise, la production de nouveautés n’a jamais été aussi importante. Il vous suffira de jeter un œil au sommaire des DNJ pour vous rendre compte du nombre de CDs que nous avons sélectionné ce mois-ci. Productions labellisées ou autoproductions ne désemplissent pas. Idem pour le livre de jazz. Comme chaque année l’excellent festival de Jazz à Saint-Germain-des-Prés (Esprit jazz) ouvre le bal de la saison festivalière avec un programme de grande qualité. Et lorsque l’on regarde la programmation qui nous attend cet été un peu partout en France elle est, sur le papier totalement bluffante avec son lot de stars américaines et de surprises étonnantes. Tiens, pas plus tard que ce soir la rencontre inédite de Bojan Z avec Petra Magoni en hommage au double blanc des Beatles promet de nous éblouir. Pas mal non ?

Sur les ondes aussi, le jazz est en forme. Tenez, France Musique par exemple qui, Samedi 17 mai se donne exceptionnellement le temps de programmer une nuit entière (de 23h à 7 h du matin !) consacrée à Chet Baker sous la houlette de Alex Dutilh, Philippe Carles et Franck Medioni. Assez exceptionnel pour avaler ses douze cafés et rester éveiller toute la nuit.

Oui visiblement le jazz se porte bien ces temps –ci.

Quant à la nouvelle génération du jazz, elle est plus talentueuse que jamais. Ceux qui ont eu la chance d’assister récemment à des tremplins de jeunes talents, ne manquent pas d’être sidérés par le niveau exceptionnel de ces jeunes issus de l’école de Didier Lockwood, du CNSM ou d’ailleurs et qui à 20 ans à peine possèdent déjà toute l’histoire du jazz au bout de leurs doigts de musiciens déjà plus en herbe.

Alors quoi, tout serait bien dans le meilleur des mondes du jazz ? Le jazz serait-il donc plus vivant que jamais et nous n’aurions que des raisons de nous réjouir ? Pas si sûr car cette abondance de talents et donc de productions nouvelles crée inévitablement un effet de goulet d’étranglement sur le marché pourtant bien étroit et bien encombré du jazz. Et qu’y aurait-il de pire pour le jazz en particulier et la musique en général qu’une banalisation du talent ? Comment alors naviguer et avec quelles balises ?

Il est alors urgent et nécessaire d’entendre la voix des vieux doctes qui, avec l’âge deviennent d’ailleurs plus jeunes et plus mutins que réellement sages, pour nous donner encore et toujours quelques repères essentiels. Martial Solal qui, pour les DNJ s’est confié à l’oreille attentive de Bruno Pfeiffer en est un, assurément. Car Solal a ce recul nécessaire et cette distance indispensable qui lui permet aujourd’hui à, plus de 81 ans, de revenir sur le devant de la scène plus libéré que jamais. Avec cette distance qu’il est urgent d’entendre. Indispensable pour tous ceux qui voudraient survivre dans cet océan de nouveaux talents. L’entendre enfin aujourd’hui est vital pour quiconque cherche à se donner des grilles de lecture du jazz actuel.

CamJazz 2008




L'artiste qui surprend l'amateur de quelque discipline que ce soit peut s'assurer d'une chose : il a réalisé du bon travail. Il aura contribué à  des moments de bonheur, seraient-ils fugaces. Avec Solal, on est servis. La surprise devient carrément un concept. Chaque note de ce dernier CD est tellement imprévisible que les sourcils restent relevés en permanence. Avant l'écoute, dans les notes du livret, le célèbre critique de jazz américain Dan Morgenstern nous prévient. Il décrète Solal l'un des plus grands pianistes de l'histoire du jazz. Les dix morceaux du trio du pianiste, dont trois standards, iraient plutôt dans son sens. Son jeu époustoufle à  un point tel, il emprunte un nombre si diversifié de virages et de bifurcations, qu'il vaut mieux abandonner le projet de garder une respiration normale pendant trois quarts d'heure. Les idées fourmillent, les mélodies se multiplient, les rythmes se transmutent, puis comme un bateau qui aurait tangué jusqu'au point limite, revient après le cyclone à  leur exposition initiale. C'est vertigineux, swinguant et porteur d'émotions. Ajoutons que le choix de ses accompagnateurs encourage les raids de Solal.

La complicité surnaturelle de François et Louis Moutin (respectivement contrebasse et batterie) déteint sur le leader. Le jeu d'ensemble permet à ce dernier de décomposer encore davantage son assise rythmique, comme dans ce bijou déconcertant : Bizarre, vous avez dit ? Interlocuteurs idéaux, les jumeaux, d'une réactivité confinant à  la vitesse de l'éclair, caressent les acrobaties et portent le style du funambule au niveau du grand art. Enfin, il convient sans doute de mettre au crédit des Moutin d'avoir rendu une expression unique encore plus lisible. On le goûte avec une joie renouvelée. Morgentern a l'oreille du pro. Il a raison : aucun musicien au monde ne propose un itinéraire de cette qualité. Bruno Pfeiffer

Yolk Records 2008

Mais où est passé Francis ? On le cherche partout, vous l’avez croisé ? Rires incontrôlés lorsque l’on s’aperçoit qu’il s’agit tout simplement du pseudonyme du leader de cet atypique collectif. Inutile d’expliquer que Francis Ripolin doit son nom à un produit si cher aux peintres du bâtiment. Il est en fait question du saxophoniste François Ripoche qui s’est entouré de Gilles Coronado à la guitare électrique, Christophe Lavergne à la batterie et Fred Chiffolleau à la contrebasse. Pour un second album plus acoustique dans l’instrumentation, il faut noter aussi l’aimable participation du chanteur trublion Philippe Katerine. Cette sulfureuse équipe de joyeux lurons se devaient d’introduire farouchement ce disque par une sorte de tango, « La Paloma », libéré de toutes traditions castratrices. Plusieurs ingrédients rehaussent la sauce épicée de cette tambouille avec par exemple des rythmiques bissextiles, un timbre acidifié d’une guitare déjantée, un saxophone fou de bruitages. Par la suite, impossible de rater l’enfantine revisite des tubes interplanétaires de la variété que sont « Capri c’est fini » d’Hervé Vilard ou encore « L’idole des jeunes » de Johnny, avec l’incontournable féminité décalée de la voix de Katerine. Décidément, personne ne se prend au sérieux d’un bout à l’autre du disque, ce qui oblige l’oreille à rester attentive aux blagues qui se suivent et ne se ressemblent pas. En témoigne l’immense interaction entre les protagonistes lors du remarquable « I touch, I break, I pay ». A noter aussi l’incontrôlable déhanchement que provoque un des morceaux portant si bien le nom de « Oliver Twist ». Transporté par cette dangereuse folie musicale qui s’empare sans vergogne des styles de Musique populaire comme le Funk ou la Bossa-nova, il est inévitable d’être touché à vif par le talent énorme qui émane de chaque instrumentiste, dédiant chacun leur personnalité à l’homogénéité du groupe. Si l’analyse osait être approfondie, en dépit du résultat final, il s’agirait de remarquer l’héritage jazzistique du saxophoniste qu’il s’amuse à décortiquer, de trouver la subtile utilisation percussive de tous les bruits que peut offrir une batterie, d’être frappé par l’électrique étrangeté des effets soumis au son de la guitare. Mais comment définir l’indéfinissable avec de simples mots. Ce projet devient génialissime à travers une autre reprise, « Le douanier Rousseau », emplie une nouvelle fois de second degré par la voix bucolique de Katerine. Cette constante plaisanterie développe sa fabuleuse envergure à travers le coté brut du son, comme un peintre userait des matières premières que sont les couleurs dont il dispose. En d’autres termes, l’absence du souci de l’apparence laisse place à un humour pittoresque redoutable. Ce collectif déjanté est à découvrir avec l’urgence de la créativité que la scène demande à ceux qui la foule. Tristan Loriaut

 BRIan BLADE & the fellowship band– «Season of change »

Verve 2008

Brian Blade est à 38 ans l’incarnation de ce jazz actuel qui va de David Binney à Mark Turner ou Chris Potter. Batteur prodige, on l’entend notamment aux côtés de Wayne Shorter, de Joshua Redman et d’une manière générale de tout ce qui compte Outre-Atlantique. Avec Clarence Penn, Nasheet Waits ou Jeff Tain Watts il représente véritablement une quatrième voie de l’instrument. Celle qu’il explore tout au long de cet album porte la marque des ses propres influences musicales qui se situent exactement entre un jazz post Shorterien et une pop minimaliste. Influence que l’on retrouve d’ailleurs chez ses camarades de jeu à tel point que l’ouverture de cet album semble nous replonger dans le dernier opus de Dave Binney tant les esthétiques sont proches. Mais l’album remarquablement (trop ?) produit et artistiquement co-dirigé de main de maître par Hollis King (Directeur artistique de Verve) mais surtout par Blade lui-même suit une progression ultra scénographiée qui l’emmène ailleurs. Une véritable dramaturgie s’installe qui se perçoit à l’écoute de l’album dans sa globalité. Des solistes exceptionnels, qu’il s’agisse du saxophoniste alto Myron Walden (très impressionnant) ou de Rosenwinkell qui affiche ici un jeu plus Methenien qu’à l’accoutumée, participent à ces crescendi portés à leur paroxysme. Une fois n’est pas coutume ce sont eux qui révèlent l’intensité incandescente du jeu de Brian Blade maître dans l’art de la mise en tension. La construction d’un morceau comme Return of the Prodigal Son  avec ses trois étapes (le départ libérateur puis le tumulte et enfin le retour) est admirablement et intelligemment posée. Cette musique prend alors au fur et à mesure de l’album une dimension presque mystique dans son incandescence voire carrément religieuse (Improvisation ou Alpha et Omega). C’est un peu comme si, ce fils de pasteur redécouvrait alors une autre mystique Coltranienne, bien loin dans la forme mais si proche dans l’inspiration. Dans l’élévation autant que dans le tumulte. Jean-Marc Gelin