"Sweet Raws Suite, Etcetera" - Live at Sevran

Concert : Jeudi 28 octobre au Studio de l’Ermitage (Paris 20^ème)

Abalone productions/Musea

Produit par Bruno Angelini et la ville de Sevran

Producteur exécutif : Régis Huby

Décidément Bruno Angelini est un de ces pianistes rares qui forcent l’attention, et un compositeur sensible. Sa musique laisse des traces indélébiles : avec cette histoire imaginée, Sweet Raws Suite, Etcetera, c’est une autre écriture qui s’impose, tournée vers le réel, engagée au meilleur sens du terme : cela veut dire qu’elle sonne juste, avec puissance et lyrisme, sans pathos, mais avec ce sens de la réalité qui est aussi un prolongement du jazz d’aujourd’hui. Avec une construction dramatique et une tension qui ne retombe guère, l’argument, simple et fort, pourrait ne pas être connu, la musique l’emporterait assurément par la conviction, le frémissement, l’indignation* qui la parcourt . Mais donnons-le tout de même : il s‘agit de l’histoire de Raws, personnage imaginaire, qui après avoir combattu lors de la seconde guerre mondiale, a participé à la reconstruction de la société, avant de se retrouver balloté dans la tourmente économique actuelle, entre ultralibéralisme et exclusion, « opulence and starvation ». Un propos nécessaire donc, sous-tendu par une musique qui réveille et déclenche une réaction immédiate, passionnée.

Emouvant, nous l’avons dit et le fait que Bruno Angelini ait fait ses classes dans la Bill Evans Academy, avant d’en être aujourd’hui un des enseignants, n’est pas pour nous déplaire…S’il a su s’éloigner de cette lourde hérédité, il avoue lui même que c’est « l’interplay » qui le fascine chez le pianiste américain.

Ses généreux complices forment un trio fraternel. Quand ils improvisent, leur jeu a l’éclat et la fluidité du chant, la vérité et la vitalité du cri. Une mélancolie sourde traverse l’album, dans l’ouverture et le final de cette suite, chant éploré et saisissant de Sébastien Texier, au saxophone. Ce thème pourrait accompagner le film d’une vie, car les traits musicaux dessinent les contours, composent le portrait de Raws. Nous parions volontiers que ce motif désespéré, qui va crescendo, restera dans nos mémoires.

Mais résonne aussi dans tout l’album, un air de liberté teinté de romantisme, avec des sursauts de révolte que la musique illustre parfaitement. Dans « Wars », le rythme s’emballe soudain, une folie meurtrière gagne, les sens sont exacerbés. Plus percussionniste que batteur dans son « drumming » ambivalent, Ramon Lopez joue à l’envie des timbres et rythmes qu’il alterne, superpose, distribue !

La triangulaire classique piano-saxophone alto/clarinettes- batterie impose trois voix qui s’écoutent et se répondent en des interventions nerveuses, longues et exaltantes, avec des commentaires riches qui entretiennent et relancent l’intrigue ( « Neo capitalism : happy tomorrows for Raws ?»)

Une musique sombre et pourtant lumineuse, qui arrive à se renouveller tout au long de l’album, ménageant l’alternance de climats, d’une douce violence à une rage plus inquiétante. D’évidence, voilà un trio de musiciens formidables qui envoûtent tout en incitant à la résistance. On marche à fond ! Alors, procurez-vous vite ce « live à Sevran » et allez écouter  Sweet Raws Suite…  s’il passe près de chez vous !

Sophie Chambon

* Indignation

Comme le formidable roman de Philippe Roth qui vient de sortir en France…Percutant et indispensable aujourd’hui !

Site de Bruno Angelini

Site de Ramon Lopez

Myspace de Sébastien Texier

Collection Formes

Le MOT et le RESTE/ Harmonia mundi

2010

25 euros.

lien

Régis Canselier est le spécialiste français de Jimi Hendrix, comme Aymeric Leroy est Monsieur «Rock Progressif».(1) Musicien, improvisateur, administrateur du forum français consacré à Hendrix, Canselier livre, dans ce Jimi Hendrix le rêve inachevé, un travail des plus sérieux sur l’oeuvre enregistrée par le génial gaucher. Difficile de résumer un tel ouvrage, si riche en informations et analyses mais, une fois encore, les éditions marseillaises Le Mot et le Reste s’attachent à rendre visibles, avec une grande générosité, le travail d’amateurs fous, ce que les Anglo-saxons nomment «labour of love», «a work in progress» sisyphien.

Jimi Hendrix est mort, il y a aura quarante ans, le 18 septembre 1970. Pourtant, dès mars 2010, on pouvait acheter un «nouvel» album Valleys of Neptune, comprenant des parties instrumentales du bassiste Noel Redding et du batteur Mitch Mitchell, un scandale et une formidable arnaque, d’autant que le mastering est lourd, le son compressé.

Comment savoir quels sont les albums à se procurer dans cette discographie d’Hendrix chaotique, alignant titres majeurs et autres purement anecdotiques, sans oublier des albums très inégaux sous son nom (évidemment vendeur) où le guitariste n’est que «sideman» ? Son dernier album demeure inachevé, et il reste encore des heures d’enregistrement inédits, exploités par des hommes d’affaires souvent peu scrupuleux. 

 Si Hendrix est au cœur d’enjeux financiers considérables, Régis Canselier tend à rétablir une certaine vérité, à gommer quelque peu le mythe de la rock star, à montrer un musicien autodidacte, à l’imagination époustouflante : «les solos de Hendrix sont souvent complètement imprévisibles, tout en étant parfaitement construits ». Il faisait preuve d’une inventivité rythmique, alliée à une sonorité exceptionnelle. C’était un génial improvisateur même s’il n’était pas un jazzman, encore moins un guitariste de be bop, mais l’aspect révolutionnaire de son jeu de guitare est ici souligné, ce qui ne pouvait qu’intéresser Miles Davis et Gil Evans : leur rencontre programmée l’eût sans doute orienté sur d’autres voies, des plus fécondes.

C’est à un véritable travail d’analyse musicologique que se livre l’auteur, décrivant les enregistements majeurs d’Hendrix et les replaçant dans leur contexte : les différents chapitres s’articulent sur la chronologie (3), traitant par exemple des très grands concerts Monterey (1967), Woodstock (1969), Isle of Wight (1970) et Royal Albert Hall (1969). Sans oublier un passionnant «Une vie après la mort (slight return)» qui développe tout le travail entrepris par Alan Douglas (sorte de « mea culpa » après certaines erreurs passées) sur  Jimi Hendrix : Blues, sorti le 26 avril 1994. Cette thématique s’avère passionnante . Elle complète, sur les sept films que Martin Scorsese consacra au blues, celui honorant Hendrix, une sorte de Blues, volume 2 qui peut séduire les amateurs de l’album de 1994, d’autant que les titres sont différents. 

A qui s’adresse le livre de Régis Cancelier ? Sûrement pas à ceux qui achètent des compils souvent «dégoûtantes», par effet de mode ou attirés par le  sensationnel (Jimi le guitariste qui jouait avec ses dents, ou la guitare dans le dos, qui incendiait sa guitare un beau jour de 67 à Monterey, pour répondre au défi des Who –le groupe le plus assourdissant de l’époque).  Alors, comblera-t-il  les seuls «spécialistes», les fans absolus ? Oui, mais pas seulement ! Il est écrit pour tous ceux qui aiment et aimèrent Hendrix et ont du mal à faire le tri dans les parutions innombrables et les fonds de tiroirs raclés avec acharnement, depuis la mort du guitariste. D’autant qu’à partir de 1997, le père de Jimi Hendrix et sa fille adoptive Janie reprirent le fonds discographique (héritage des plus lucratifs) sorti sous le nom de Experience Hendrix L.L.C  et sous le label Dagger dès 1998 (souvent des pirates officiels). Si ce livre ne se lit pas tout à fait comme un roman- ce n’est pas une fiction romancée sur un des mythes du rock, l’une des trois figures tragiques de cette période avec Jim Morrisson et Janis Joplin - il se feuillette au gré de l’humeur et des chapitres, comme une passionnante histoire musicale. Sans oublier, en fin de livre, la cerise sur le gâteau, les reproductions en couleur des pochettes psychédéliques des principaux albums vinyls.

Ajoutons enfin tout l’appareil éditorial : une chronologie fine et précise des sessions  (avec seulement des prises officielles), une discographie qui souligne l’ère de deux producteurs incontournables mais souvent discutables, l’ancien manager Michael Jeffery (1971-1973) et Alan Douglas (1974-1995), ancien producteur de jazz dans les années soixante.(2)

Encore plus précieux, les «setlists» des différents concerts reconstituent le concert original sans les coupes sombres et oublis plus ou moins pardonnables, effectués sur les nombreux Cds et DVDs sortis depuis la mort d’Hendrix. La bibliographie, copieuse, inclut aussi des ouvrages et études des plus sérieux (d’universitaires jazzmen comme Laurent Cugny) et enfin l’index des chansons permet, en un temps record, de retrouver dans le livre tout le «matériel» à disposition.

Sophie Chambon

Tous deux sont nés dans les années soixante dix, après la mort d’Hendrix et sont bien trop jeunes pour avoir connu ces musiques qui les passionnent. 

On doit à Douglas les scandaleux Crash Landing et Midnight Lightning , recomposés en studio avec des musiciens professionnels qui n’avaient jamais rencontré Hendrix !

Les trois single londoniens, Are you experienced? , Axis : Bold As Love, Electric Ladyland, Winterland, Royal Albert Hall, la fin de l’Experience, Woodstock, Band of Gypsys,  The Cry of Love Tour,  Isle of Wight          

Abalone Productions 2010

Cédric Chatelain ( htb, cl, as, ss, fl), Pierrick Hardy (g)

On aurait aimé aimer ce duo prometteur entre le saxophoniste, clarinettiste, hautboiste Cédric Chatelain et la guitariste Pierrick Hardy. Belle rencontre en perspective s’il en est. Car même poésie de deux ici réunis. Même amour des mélodies et des phrases un peu bleues ou pastels. Une douce nostalgie poétique dont ils manient si bien l’écriture eux qui signent ensemble l’essentiel des compositions. Cédric Chatelain varie les anches et , toujours dans le fin, dans la ligne ciselée, s’enroule dans la phrase dont il sait révéler toute la richesse. Mais l’album est réalisé en duo et l’on attendait une rencontre. Un dialogue. Quy’ils se parlent d’égal à égal. Que l’un cède le pas à l’autre parfois. Au lieu de quoi Pierrick Hardy en fidèle accompagnateur reste sagement derrière, chargé de donner les couleurs harmoniques douces et de tamiser les lampes. Cédric Chatelain est devant et ne s’efface jamais. Porte seul la matière. On aurait tant aimé pourtant les entendre échanger, dialoguer, entendre le guitariste que l’on sait si talentueux, passer devant un peu, prendre parfois les choses en main. Mais on reste sur notre faim, frustré d’une mise en lumière qui n’arrive pas. Frustrés de le voir tapi dans l’ombre de son camarade. Quelques passages plus rythmiques tirés de quelques réminiscences tribales cherchent à rompre le cours un peu monotone du discours. Mais ces langueurs d’automne sont un peu trop sages et ces couleurs un peu trop passées au point de s’estomper d’elle-même. Le silence d’après la note est encore de la musique. Mais cette musique-là pourtant si belle se défile néanmoins.

Jean-Marc Gelin

Gérard Nguyen

Ed.Camion Blanc 551p, 32 euors

Durant 4 ans, de 1975 à 1979, une poignée de fondus de rock, totalement amateurs mais tous érudits à leur façon et passionnés à donf’ décidaient de lancer leur propre fanzine ( on disait fanzine à l’époque où les blogs n’existaient pas). Aventure palpitante qui leur permit rapidement de rencontrer les plus grandes stars du moment. Entre analyses critiques et  interviews, ces journalistes en herbe allèrent à la rencontre des voix du rock mais aussi des musiques dites tranverses de la musique contemporaine:  Kevin Ayers, Robert Wyatt, Philipp Glass, Steve Reich, Tom Waits, Brian Eno, Robert Fripp, Henri Crow, Magma, Suicide, Kraftwerk, Tim Buckley, Nick Drake et tant d’autres , passèrent au crible de ces jeunes critiques en herbe.

Sous la houlette de Gerard Nguyen, cette sélection, d’articles parue chez le petit éditeur Camion Blanc permet de retrouver quelques papiers  de cette époque auxquels on pardonnera parfois la naïveté du style, et l’écriture assez pauvre qui a obligé pour cette réédition Nguyen a retravailler légèrement les textes tout en conservant leur fraîcheur d’origine.

Les amateurs de jazz trouveront aussi au travers de ces portraits et analyses, le liens entre le rock et le jazz qui ne cessaient de se tisser durant cette période prolifique comme en témoigne le regard porté par Robert Wyatt sur son travail avec Carla Bley.

Certains seront un peu perdus par les propos un peu hallucinés de Robert Fripp, passionnés par ceux de Robert Wyatt justement ( fausse-vraie interview) ou encore par l’engagement intègre d’un Christian Vander et d’un Klaus Blasquiz . Tous y  retrouveront en tous cas le témoignage de cet âge d’or avec un brin de nostalgie.

Un judicieux travail de compilation.

ECM 2010

Norma Winstone (vc), Glauco Weiner (p), Klaus Gesing (clb, ss)

SORTIE LE 30 AOUT 2010

 Il y a avec Norma Winstone cette poétique, cet art de la littérature chantée qui vient de la profondeur qu’elle parvient à donner aux textes et qui fait d’elle, bien plus qu’une chanteuse de jazz, une musicienne de la parole. Avec le pianiste Glauco Weiner et le sublime clarinettiste Klaus Gesing, la chanteuse anglaise forme le plus magnifique des trios de « story tellers ».

Ces trois-là, se sont rencontré il y a déjà 10 ans ont enregistré leur premier album (Chamber Music) en 2002. Mais on surtout encore en mémoire le précédent album « Distances » paru en 2008 chez ECM et qui avait été encensé par la critique     (Prix de l’Académie du Jazz, nomination aux Grammy Awards). Ici, ils viennent prolonger le conte, raconter la suite de ces histoires tout à tours charmantes ou émouvantes. Un peu comme s’ils nous invitaient à revenir dans l’intimité de leur cottage anglais à l’heure du soleil couchant.

On connaît à peu près tout de ces histoires, comme si on les avait déjà entendus maintes fois. Elles parlent de l’amour, elles parlent de l’absence, elles parlent de la vie, chantent des comptines pour enfants ou reprennent quelques ballades traditionnelles. Mais elles nous captivent toujours. Comme le merveilleux parle à l’âme. Norma Winstone a cette gravité flottante qui véhicule une émotion un peu mélancolique et suave que seuls quelques chanteurs possèdent. Marianne Faithfull a cela. On pense aussi à Léonard Cohen. On pense à Suzanne Abbuehl ou à Thierry Péala. Ces chanteurs qui se situent entre le ciel nuageux et les racines de la terre. Dans ces flottements de la voix, dans cette évanescence entre histoire réelle et souvenirs flous,  Norma Winstone chante la mélopée avec l’air et le velours et la sagesse des conteurs qui ont trouvé une sorte d’indicible secret.

Jean-Marc Gelin