© Patrick Audoux

Pourquoi le Jazz ?

Parce que Thelonious Monk, et car je m'y sens libre. Le Jazz est un idiome qui me permet de construire peu à peu mon univers, d'aller à la rencontre de moi-même, de l'instant présent, et de partager des expériences très fortes avec d'autres musiciens.

Quelle est ta principale influence musicale ?

Impossible de citer une influence principale parmi celles de Thelonious Monk (encore lui), en passant par Aphex Twin, le Velvet Undergroud, Bowie, Lennie Tristano, Beethoven, Ligeti, Stevie Wonder, Arnold Schönberg et tant d'autres. Sans compter Philip K.Dick, Stanislas Lem, Michel Houellebecq, Paul Klee, Michael Mann, Clint Eastwood, ou Andrei Tarkowski.

Qu’aimerais tu transmettre ?

Le goût du risque, un certain optimisme, et ma passion pour la musique vivante.

Crois-tu à une révolution possible du jazz et existe-t-il de nouvelles expériences qui t’ intéressent ?

Pour moi le Jazz est plus un état d'esprit qu'un style musical. Il se nourrit de toutes les musiques et suit l'évolution des musiciens qui le jouent. Aujourd'hui, alors qu'il ne reste parmis nous que très peu de grands musiciens qui ont participé aux grandes évolutions du jazz du milieu du XXe siècle, c'est aux générations actuelles de continuer à l'inventer. Pour les expériences qui m'intéressent je dirais: continuer à composer et à développer mon style, jouer, et me laisser surprendre.

Sur une île déserte qu’emporterais-tu  ?

Ma petite famille, de la crème solaire, un couteau suisse, un piano, du papier à musique, un crayon, et mes partitions du Clavier Tempéré de Bach, des Sonates de Beethoven, des Etudes de Ligeti, et des Préludes de Chopin.

Peux-tu rédiger la dédicace de ton prochain album

Non

Peux tu  citer 3 artistes que tu détestes ?

moi, moi et moi ;-)

Qu’est ce qui te fais lever le matin ?

La curiosité, l'appétit, l'envie de vivre.

 © Patrick Audoux

Retrouvez le dernier album de Benjamin Moussay, " On Air" et la chronique des DNJ :

photo Jean-Pierre Foubert

Benny Golson donnait l’autre jour deux concerts au Duc des Lombards. Il a sympathiquement accepté de venir remettre son prix à un jeune saxophoniste (Adrien Sanchez) à l’occasion du Tremplin du Festival de Saint Germain.

L’occasion pour nous de revenir sur la carrière de ce saxophoniste légendaire auteur des plus grands standards du hard bop et figure de proue de cette période foisonnante du jazz.

Along came Benny …..

DNJ : Quand vous avez remis ce prix à ce jeune musicien, comme j’imagine vous le faites  souvent, cela vous rappelle,t-il vos jeunes années lorsque vous jouiez à Philadelphie avec John Coltrane

BENNY GOLSON :  Oh oui ! Cela me rappelle Coltrane mais aussi Jimmy Heath, Philly Joe Jones. On était des amateurs à l’époque. Il y avait aussi Ray Bryant et Red Rodney. Mais nous étions si jeune. Il avait 17 ans à l’époque et Coltrane à peine 18. Jimmy quand à lui devait en avoir 19. Je me souviens que John Coltrane venait alors à la maison et se mettait au piano et moi au saxophone. Et puis on changeait et je passais au piano. Mais il était vraiment un très mauvais pianiste. Nous répétions tous les jours mais les voisins en avaient assez et je crois qu’ils auraient bien voulu nous tuer ! C’était terrible….

DNJ : Quelles ont été vos influences les plus marquantes ? Coleman Hawkins ? Don Byas ?

BG : Non, non, vous voulez que je vous dise…. Arnette Cobb dans la formation de Lionel Hampton. Arnette Cobb sur Flying home. Mais surtout, avant d’être influencé par les saxophones, je suis passé par les études de piano, durant 6 ans. Je répétais tous les jours . J’aurais voulu faire du classique, m’inspirer de Chopin, Brahms. Et puis c’est alors que j’ai entendu Arnette Cobb avec l’orchestre de Lionel Hampton : ouhhhh !

DNJ : Il a eu une grande influence sur votre jeu ?

BG : Non, c’est juste qu’il m’a donné envie de jouer du sax. Ensuite sont venus Coleman Hawkins et Don Byas. Mais le premier ce fut Arnette Cobb. Mais ensuite j’ai écouté Coleman et notamment le célèbre Body and soul  !! Un choc incroyable. Bien longtemps après j’ai eu la chance d’avoir un jour un job avec lui.

DNJ : Ce ne devait pas être très facile de jouer avec lui ?

BG : A ça non. Un killer !

DNJ : Vous aviez peur ?

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                                                                                    © Lionel Eskenazi

La saxophoniste ténor Sophie Alour viendra présenter son très bel « Opus 3 » sur scène au Sunside à Paris les 21 et 22 mai. Nous l’avons rencontré afin de faire le point sur un virage musical recentré sur le jazz, dans la formule sans concession d’un trio saxophone-contrebasse-batterie à la fois explosif et langoureux.

DNJ : Comment t’es venue l’idée de passer au trio pour ce troisième album ?

S.A : C’est à cause des pianistes… (rires…), non plus sérieusement je crois que c’est tout simplement un moment dans ma carrière qui correspond à une certaine maturité. Plus on avance dans le temps, plus on a tendance à aller vers des choses plus simples, plus économes, plus austères aussi. L’austérité, ce n’est pas un mot qui me fait peur, je trouve même que c’est assez beau, d’un point de vue artistique bien-sûr car je ne parle pas de l’austérité économique que nous subissons en Europe en ce moment !

DNJ : Plutôt qu’ « austérité », je préfère le mot de « maturité ». Je pense qu’avec ce disque, tu es à un virage important où tu te recentres vers le jazz et où quelque part tu fais un bilan de ta carrière en reprenant presque tout à zéro, d’où ce titre « Opus 3 ».

S.A : Effectivement, il y a tout ça à la fois et cet « Opus 3 » correspond pour moi à la fin de quelque chose et au début de quelque chose d’autre. Je ne sais pas encore exactement quoi, mais il est clair que je suis à un virage. En ce qui concerne le retour vers le jazz, c’est une musique que j’aime profondément depuis que j’ai 14 ans et qui a longtemps habité mes rêves, mais j’ai eu une crise d’adolescence assez tardive, une crise d’identité, où j’ai voulu m’éloigner du jazz et chercher autre chose. Ça paraît un peu étrange de le dire, mais aujourd’hui j’ai presque l’impression de redécouvrir le jazz.

DNJ : Au moment de « Uncaged », ton deuxième album, tu écoutais beaucoup de groupes de rock comme Radiohead par exemple.

S.A : J’en écoute toujours, mais beaucoup moins qu’à l’époque, je voulais me libérer de certains carcans liés aux codes du jazz. J’avais envie de me bousculer, je me sentais enfermé, je voulais sortir de la cage (« Uncaged ») en changeant mes repères artistiques et j’ai cherché du côté de la forme, des sonorités. Il y en a qui ont été beaucoup plus loin que moi dans ce domaine, par exemple j’ai toujours refusé de jouer avec une basse électrique. Je voulais sortir des conventions alors qu’aujourd’hui j’y suis revenu en me réconciliant avec la forme du jazz, avec l’épure.

DNJ : Oui et en même temps on sent une tension extraordinaire dans ce disque, une énergie catalysée qui vient du cœur et des tripes.

S.A : Je suis quelqu’un de tendu (rires…). Ce qui est curieux c’est que plusieurs personnes qui m’avaient suivi sur « Uncaged » ont eu du mal à rentrer dans ce nouveau projet, alors que pour moi cette musique, même si elle n’est pas forcément accessible, me paraît évidente car elle est assez naturelle, elle vient du cœur et du plus profond de moi-même. Je trouve que le son de l’album (sans l’apport d’instruments harmoniques) oblige à rentrer dedans avec une écoute exigeante car il ne s’agit pas d’un simulacre de quartette.

DNJ : D’autant que dans « Uncaged » il y avait sur un tiers de l’album, la présence de la guitare de Sébastien Martel qui amenait un deuxième instrument harmonique à ton groupe, comme par exemple dans le morceau assez rock « Haunted » que tu as voulu reprendre ici en trio, pourquoi ?

S.A : C’était un peu ironique, je voulais utiliser cette matière pour en faire quelque chose de différent, comme un peintre qui reprendrait un tableau. Cette relecture m’a semblé intéressante car la forme du trio permet d’aborder plusieurs styles de musique de la même manière, avec le même son d’ensemble.

DNJ : Cette formule du trio te permet aussi de mieux t’affirmer comme leader, car sur l’album précédent, la présence de Laurent Coq était assez importante (il avait même signé trois compositions).

S.A : Oui c’est vrai, mais je suis fière de l’avoir utilisé à contre-emploi en le poussant à jouer du Fender Rhodes, avec plein de pédales d’effets aux sonorités rock. Ce n’est pas son instrument de prédilection, mais il a bien joué le jeu et y a pris du plaisir.

DNJ : Parlons des musiciens de ce trio et de la formidable interaction qu’il y a entre vous.

S.A : Oui il y a une très bonne entente et une formidable complicité entre nous. On m’a proposé d’enregistrer avec des musiciens américains, j’ai refusé et j’ai tenu bon car je voulais de partenaires de jeu que je connaissais bien et avec qui je m’entend parfaitement, comme Yoni Zelnik (contrebasse) et Karl Jannuska (batterie). Ce qui est intéressant c’est qu’ils ne jouent pas de la même façon en trio qu’en quartette, ils se positionnent différemment, ils ont plus d’espace. Yoni (qui n’a jamais voulu être leader d’une formation), est un partenaire de jeu idéal, il est complètement à l’écoute, il joue un rôle pivot et je peux avoir entière confiance en lui. Il sera, si besoin est, très difficile à remplacer. Avec Karl, c’est différent car il est lui-même leader de plusieurs formations, il compose et il a une maturité musicale incroyable. Il a la capacité à voir les morceaux dans leur globalité, il apporte quelque chose de cohérent et de très défini. Il ne cherche jamais, il trouve !

DNJ : Qui a eu l’idée de confier la direction artistique de l’album au pianiste Eric Legnini ? N’y a-t-il pas un paradoxe que ce soit un pianiste qui tienne ce rôle alors que tu as justement choisi de ne pas utiliser de piano pour ce disque ? Et quel a été son rôle exactement ?

S.A : Oui, on peut y voir de l’ironie et trouver ça amusant, mais il a été idéal dans son approche et il a joué un rôle très important dans la réussite de l’album. Yann Martin tient à ce qu’il y ait un directeur artistique sur les albums Plus Loin Music et nous avons pensé à Eric, qui avait déjà joué ce rôle sur plusieurs disques. Il a été parfait dans son travail car il n’y avait aucune ingérence et en même temps à chaque fois qu’il disait quelque chose, c’était pertinent et utile. Très souvent, c’est lui qui a déterminé la direction du morceau car il percevait très bien ce qu’on voulait faire et il nous a aidé à y parvenir.

DNJ : Peux-tu nous dire quelques mots sur chaque morceau du disque ?

S.A : L’album démarre avec « Grekerna » qui est une reprise d’un morceau d’un groupe pop suédois qui s’appelle « Loney Dear » (et non pas « Lonely People » comme c’est indiqué par erreur sur la pochette du disque). C’est une idée de Nicolas Moreaux qui est un ami contrebassiste et compositeur, qui est leader de plusieurs formations et membre du groupe franco-espagnol « Beatnick Quintet ». J’ai d’ailleurs repris une composition de lui « Why People Always Laugh About Serious Things », qui est le septième morceau du disque.

DNJ : J’aime beaucoup le deuxième morceau de l’album qui s’intitule « Mystère et Boule de Gomme ».

S.A : je l’ai écrit à partir d’un mode d’Olivier Messiaen. On ne dirait pas en l’écoutant et pourtant il est joué tel quel au début du morceau.

DNJ : Puis vient une « Eloge du Lointain » qu’évoque-t-elle ?

S.A : Ce morceau parle de la distance qui m’éloigne des musiciens de jazz afro-américains. On joue leur musique, mais il faut avoir conscience qu’à la base, elle ne nous appartient pas, ce n’est pas nôtre notre musique, ni notre culture. J’ai eu cette idée après avoir lu « Free jazz, Black Power » de Jean-Louis Comolli et Philippe Carles. C’est un livre qui m’a énormément marqué et qui a changé ma vision des choses.

DNJ : Qui est l’Arthur Cravan de « Ode à Arthur Cravan » ?

S.A : C’est un écrivain du début du siècle que j’ai découvert grâce à l’essayiste Gilles D’Elia de la revue « Relectures » qui est un ami.

DNJ : « En ton Absence » est un très beau  morceau, émouvant et tendre…

S.A : Je l’ai écrit en hommage à mon grand père qui venait de disparaître. 

DNJ : Et « La Pensée Vagabonde » ?

S.A : Celui là il m’est venu au sortir d’une sieste, avec un cheminement très vagabond…

DNJ : « Caprice » ?

S.A : C’est une forme classique très courte (« Les Caprices de Paganini ») qui peut être humoristique ou bien désigner une cadence. Ce titre correspond bien à l’humeur du morceau et puis c’est un trait de mon caractère que je revendique !

DNJ : « Karlston » est une composition de Karl Jannuska très ancrée dans le jazz  be-bop.

S.A : Je voulais, comme sur le précédent album, une contribution de Karl sur ce disque. Il m’a fait plusieurs propositions et j’ai choisi ce morceau énergique qui est effectivement très jazz et surtout complètement différent de  l’atmosphérique « Snow in May » qu’il m’avait proposé sur « Uncaged ».

DNJ : L’album se termine sur la très belle « Petite Anatomie du Temps qui Passe » et nous restons comme en suspension dans l’espace et le temps.

S.A : Oui, c’est bien de finir sur ce morceau où nous sommes tous les trois en homorythmie complète. On joue la même chose en même temps, sans remplissage. La batterie ne marque pas le tempo, et la basse ne marque pas l’harmonie.

DNJ : Tu vas jouer l’album sur scène et vas-tu en plus arranger d’anciens morceaux pour le trio ?

S.A : Non, je vais plutôt faire des reprises et jouer des morceaux que j’aime particulièrement comme « Fleurs Africaines » de Duke Ellington et sûrement un arrangement que j’ai fait pour le trio d’après le « Moderato » du concerto pour violoncelle de Chostakovitch. Et puis au troisième set, je compte bien inviter des amis musiciens.

DNJ : Vas-tu inviter ton jeune frère, le trompettiste Julien Alour ?

Oui, j’aimerais bien, surtout que je n’ai pas pu le remercier sur les notes de pochettes du disque, mais c’est grâce à lui et à ses encouragements après un concert, que j’ai pu concrétiser l’idée de réaliser cet album en trio.

Propos recueillis par Lionel Eskenazi le 06 mai 2010.

retrouvez la chronique de l'album de Sophie sur  SOPHIE ALOUR : « OPUS 3 » ****

En prime un petit clip de Sophie Alour ( sur un autre projet)

10 ans déjà qu’ils ouvrent la saison des festivals d’été en animant le mythique quartier de Saint Germain des Près. 10 ans que Fred (Charbaut) et Donatienne (Hantin) propagent dans la capitale leur amour du jazz avec la flamme des passionnés. À l’écoute et à l’affût, ces deux-là s’investissent depuis 10 ans dans ce qui est assurément l’une des plus belles réussite festivalières. Avec une générosité grosse comme ça, et une fidélité à toute épreuve Fred et Donatienne ont le jazz gourmand. Pétillants à l’idée des belles rencontres qu’ils suscitent ( on a encore en tête par exemple la belle initiative d’avoir réunit Bojan Z et Petra Magoni autour du Blanc des Beatles), ces deux-là ont aussi à cœur d’être autre chose que de simple programmateurs. Multipliant les lieux du jazz, des plus institutionnels ( académiques presque) au plus populaires ( les Starbucks par exemple), Fred et Donatienne vont à la rencontre des autres (jusqu’à organiser de concerts en milieu pénitentiaire), ouvrent à d’autres horizons du jazz ( jazz et littérature, jazz et Photo) et s’ouvrent aux jeunes talents à qui ils offrent un tremplin. Fred et Donatienne ont le jazz contagieux. Et ce qu’ils nous transmettent, c’est de l’amour du jazz, de la passion et une bonne dose d’amitié. Ouverte à qui veut bien passer la porte.

                                                                                                 © Jérémy Charbaut

Dans quel état d'esprit abordez vous cette 10ème édition  et que représente pour vous ce 10eme anniversaire ?

FRED ET DONATIENNE : Plutôt sereinement car le stress des premières années a disparu.

Ce 10è anniversaire nous permet de réaliser que plus de 1000 musiciens ont joué au festival avec une majorité de français. Nous bénéficions d'une équipe extraordinaire de personnes passionnées et de très grandes qualité professionnelles, qui n'en sont plus à leur premier festival non plus ce qui permet à la fois une harmonie dans l'organisation et tout le bénéfice de l'expérience. 10 ans est à la fois une longue période mais un éclair au regard des reconnaissances qui se manifestent plus massivement seulement depuis peu : celles du public, des médias et des partenaires. 10 ans marque aussi l'envie d'imaginer de nouveaux projets, non plus comme des rêves repoussés d'années en années, faute de temps, de moyens ou au regard des priorités, mais plutôt comme de futurs événements fondés sur le socle de l'expérience et des moyens réels : introduire la littérature dans le Festival, créer L'esprit Jazz Café où public et musiciens se retrouveraient après les concerts, un peu à l’instar de ce que nous avons découvert à Montreux il y a quelques années.

Les lieux du festival ont changé : quels sont ceux qui restent, qui
 disparaissent et ceux qui apparaissent ?

F&D : Pour info, restent la MCM, L’église St Germain des Prés, L’hôtel Lutetia, Le Show Case

Disparaissent pour l’instant L’amphi de Sciences Pô (à cause des examens), l’amphi de la Sorbonne (frayeur après annulation de l’année dernière)

Nouveaux lieux, l’Institut océanographique, l’Institut Pasteur, le théâtre de l’Odéon, l’hôtel Méridien.

Ce festival est un véritable apprentissage philosophique de la vie et les lieux qui changent beaucoup en sont une très bonne illustration. Nous installant souvent le temps d'un soir dans des lieux appartenant aux patrimoines historique, culturel, architectural ou intellectuel du quartier, nous prenons les risques des "one shot", car tous ne sont pas destinés à accueillir des concerts live et parfois une seule date s'avère possible ! Cela apporte des découvertes magnifiques comme l'amphithéâtre Richelieu de La Sorbonne, l'Institut Océanographique, construit en 1910 et alors entouré de parcs, l'auditorium en bois de l'Institut Pasteur, construit grâce aux dons de la Duchesse de Windsor, le bouleversant Théâtre de l'Odéon qui fut en rénovation pendant plusieurs années, les salons des hôtels Méridien et Lutetia et des renouvellements impossibles comme Sciences Po, en période d'examens, ou l'église Saint Sulpice en travaux. Nous passons une période à la fois tendue et passionnante de recherche de nouveaux lieux remarquables dans le cadre de la préparation, qui ouvre des portes inimaginables sur des lieux saisissants, auxquels nous renonçons parfois ; toute l'équipe s'y met et des surprises sont encore à venir...

Pas de concert en club, à l'exception de ceux du Tremplin. Pourquoi ? Est ce dans un souci de démocratiser le jazz ou est-ce une contrainte ?

F&D : Il ne s'agit pas d'une question simple. D'une part, et à notre plus grand regret, de nombreux clubs ont disparu dans le 6ème comme les regrettés La Villa, Le Bilboquet ou le Montana ou le Franc Pinot dans le 5ème, à savoir des établissements consacrés à l'écoute de concerts de jazz et où l'on peut boire un verre. Par ailleurs, les clubs survivants, ou souvent bars, brasseries et restaurants qui programment de la musique live, comme par exemple le Tennessee, le caveau des Oubliettes, le caveau de la Huchette, le Montana, la Rhumerie ou Chez Papa sont indépendants dans leur programmation musicale et souhaitent le demeurer. Enfin, l'inscription dans le cadre du festival peut susciter des frais supplémentaires pour ces établissements pour la rémunération des groupes, qui ne peuvent pas être pris en charge par le Festival sans contre-partie de billetterie, qui est rarement mise en place dans l'année.

En revanche, il est intéressant de noter que le Café Laurent de l'Aubusson, le bar du Lutetia et le Bar du Bel Ami, les hôtels partenaires du Festival, font une programmation spéciale à cette période où l'on pourra écouter de remarquables musiciens comme Christian Brenner et ses invités, Daniel Rocca et son trio accompagné par des chanteurs (ses), ou encore des pianos solos de Manuel Rocheman ou Nico Morelli.

Cette année encore les pianistes sont mis à l’honneur. Parti pris de programmation ?

F&D : Outre le fait que nous aimons les pianistes, il y a aussi le hasard (heureux) qui fait que la même année se retrouvent Yaron Herman, Jacky Terrasson, Jean Pierre Como, Murat Öztûrk, Edwin Berg ou Giovanni Mirabassi. En revanche, depuis plusieurs années, nous avons institué la Nuit du piano à l’Eglise St Germain des Prés en invitant des pianistes à se produire en solo. C’est ainsi que Brad Mehldau, Yaron Herman, Martial Solal, Kenny Barron ou Jacky Terrasson ont été programmés. Cette année nous aurons le bonheur d’y écouter Michel Legrand et Bojan Z. Et puis comment imaginer un festival de jazz sans pianistes leaders ?

Quels sont les chiffres du festival :

Nombre de spectateurs l'an dernier ? 

F&D : Entre 12 000 et 15 000.

Nombre de concerts ?  

F&D : Une quarantaine

Nombre d'artistes ? 

F&D : Environ 200

Nombre de spectateurs attendus pour cette année ?

F&D : Le plus possible (rires !) Plus sérieusement, nous avons ouvert la billetterie sur Internet dès février cette année et ainsi qu'une boite mail sur le site pas encore en ligne à cette époque. La bonne surprise a été le démarrage des ventes dès la mise en ligne et les nombreuses demandes en provenance de l'étranger (personnes anglophones) sur la programmation et l'achat de places à distance. A ce jour, nous avons déjà deux concerts complets qui sont une immense satisfaction : Richard Galliano au Théâtre de l'Odéon et la nuit Jazz and Soul avec Ben L'oncle Soul, et en première partie Abyale + DJ Funky JV. Les ventes se passent bien dans l'ensemble avec toujours les tête d'affiches internationales qui attirent en priorité. Tout notre travail consiste à gagner la confiance du public et que le Festival JAZZ à SAINT-GERMAIN-DES-PRÉS devienne un label de qualité et de découvertes bouleversantes (comme Jacky Terrasson en 2001, Norah Jones, premier concert en France au festival en 2002, Mina Agossi en 2004, Yaron Herman en 2005, Ndidi O. l'an dernier, la regrettée Marva Wright en 2006 accompagnée par l’orgue de Lucky Peterson à l’église St Sulpice ou le retour de Sam Moore en 2004 accompagné par un chœur de gospel dans cette même église, la rencontre de Georgie Fame et de Ben Sidran en 2007, cette même année Laurent de Wilde et son trio qui invite Abd Al Malik, etc…) et que ce public ait aussi l'envie et la curiosité de passer la soirée en compagnie de Portico, de Murat Osturk et Jean-Pierre Como ou de découvrir le réjouissant projet de Diane Tell et Laurent De Wilde sur des textes inédits de Boris Vian écrit sur les plus grands standards de l'histoire du Jazz.

Nous prenons vraiment très à coeur de faire découvrir tous les ans, à travers les premières parties ou soirées plus audacieuses, les artistes de demain ; et sans aucune modestie, nous sommes fiers d'avoir compté tant de musiciens devenus de grands talents aujourd'hui. Il est de notre devoir de penser à ceux qui enchanteront les foules d'ici quelques années dans d'autres festival offrant aussi la possibilité d'accueillir un public très nombreux sur des lieux aux capacités que nous n'avons pas sur le territoire du Festival.

Comment se finance le festival ?

F&D : Le Festival est un alliage, dont nous tendons à équilibrer les proportions afin de minimiser les risques, entre : les partenaires privés, les mécènes, les partenaires public et la billetterie. Il est très composite et cela nous plaît car, bien que cela représente un travail de titan et de longs mois de préparation impliquant beaucoup de personnes, cela reflète l'idée qu'un grand événement est le fruit de la mise en commun de moyens différents dans leur nature et leur montant. N'est-ce pas là encore un clin d'oeil philosophique à nos vies quotidiennes ? Que certes, nous aimerions idéalement simplifier en un seul et (très) gros chèque, mais nous avons appris a faire la part du rêve et de la réalité. Pour ce qui est du financement, nous gardons les pieds sur Terre, laissant les rêves s'exprimer dans l'artistique et cela fonctionne pour l'instant pas trop mal (sourires).

Quels seront selon vous les moments forts ?

F&D : Difficile de privilégier tel ou tel événement, car tous nos concerts sont mijotés, choisis et attendus avec impatience.  Mais les rencontres et les créations sont toujours très excitantes comme Yaron Herman en quartet inédit (avec entre autre Michel Portal), Térez Montcalm et son quartet qui accueillera en guest David Linx, Géraldine Laurent et un invité surprise. Il n'est toutefois pas possible de répondre à cette question sans citer Richard Galliano et son quintet à Cordes au Théâtre de l'Odéon. Cette soirée réunit tout ce dont nous rêvons pour chaque concert du festival ; un plateau exceptionnel pour une occasion exceptionnelle : la sortie du nouvel album de Richard Galliano, ce maître et pionnier à la fois qui parle de violon dans sa main droite et de violoncelle dans sa gauche à propos de son instrument (l’accordéon), et d'un lieu exceptionnel qui ne s'ouvre que très, très rarement à la musique. Nous voudrions y rajouter tout un étage pour l'occasion !

Le jazz est une culture qui passe, pour nous, aussi par la photographie qui produit des émotions très fortes. Philippe Lévy Stab a mené un travail, comment le qualifier..., à la fois inouï, patient et remarquable auprès des musiciens de New-York "qui SONT le jazz" pour lui et accroche dans le bar et la brasserie du Lutetia leurs portraits. Il a accompagné ces portraits de photographies des ponts de la ville, pour le symbole qu'ils incarnent : ce lien, ces ponts si présents dans la musique jazz, depuis toujours. Outre l'indéniable force esthétique de ses images, tirages de collection qu'il réalise lui-même, les connaisseurs ne manqueront pas d'entendre ces musiciens jouer et respirer depuis leurs cadres.

Quelques habitués reviennent régulièrement ( Yaron , Terrasson) : pourquoi ?

F& D : Yaron a donné l'un de ses premiers concerts au festival en 2005 et nous étions si fans qu’il est revenu plusieurs fois passant de la première partie à la tête d’affiche. Comme il le dit lui-même « Le festival et moi, nous grandissons ensemble » . Il est bon parfois de laisser s'exprimer nos coups de coeur et d'accompagner sur le long terme des artistes comme Yaron, dont la personnalité séduit autant que le jeu.

Concernant Jacky Terrasson, Joël Leroy qui a créé ce festival avec nous, était un ami des parents de Jacky et l’a donc connu petit et vu évoluer musicalement. Il avait très tôt détecté le futur grand pianiste en lui. En 2001, pour la première édition, Jacky était naturellement invité à jouer. Malheureusement, Joël est décédé quelques jours avant le festival et Jacky, très affecté, nous a demandé ce que nous pourrions faire ensemble car il n’était pas imaginable que l’aventure s’arrête là. En sa mémoire, Jacky a décidé de venir chaque année avec un nouveau projet, comme cette année avec son nouveau trio. Il a été notamment le premier à inaugurer de nouvelles salles, comme l’institut Océanographique cette année.

Comment choisissez vous les musiciens ?

F&D : En priorité parce que nous aimons leur musique. Nous avons la chance de recevoir une bonne partie des nouveautés des maisons de disques

et d’assister à pas mal de concerts. Nous sommes toujours très heureux de pouvoir découvrir des nouvelles formations et imaginer, en discutant avec les musiciens, des rencontres musicales qui ne sont pas forcément évidentes tout de suite . C’est ainsi, par exemple, qu’en 2008 nous avons imaginé de faire se rencontrer Bojan Z et la chanteuse Petra Magoni pour un hommage au « Double Blanc » des Beatles qui avait 40 ans, ou l’idée folle de mettre sur une même scène Jan Garbarek, Jacky Terrasson, Manu Katché et Rémi Vignolo. La connaissance personnelle avec certains musiciens et le remarquable travail d'accompagnement des agents et managers permet l'échange sur des idées, la meilleure connaissance des choses et l'alchimie se fait ainsi. C'est ainsi que 15 jours de programmation sont le fruit de plus de 25 ans d'écoute et de rencontres. Les propositions sont évidemment toujours les bienvenues et, en particulier, celles provenant des personnes jeunes de notre équipe qui ont des oreilles nouvelles. Il est important de les solliciter.

Dans le cadre du tremplin jeunes talents, comment sélectionnez vous
 les candidats ?

F&D : Chaque formation candidate qui aura répondu aux critères de sélection (pas d’album commercialisé, jouer des compos) est retenue. Ensuite après écoute, neuf groupes se retrouvent candidats. L'information est diffusée auprès des clubs de jazz, des studios et des conservatoires.

Le jury composé de professionnels de la musique (Sacem, compositeur, musicien, journaliste…) constatent avec nous la qualité croissante des musiciens tant artistiquement que techniquement. Ceci donne envie de dire que la relève est assurée.

Les groupes vainqueurs des éditions précédentes (Anne Pacéo trio, S Mos 5tet,  Inama, …) sont suivis et programmés dans le cadre du festival l’année suivante.

Votre rêve le plus cher pour ce festival ?

F&D : Que le public et les musiciens prennent du plaisir, comme nous, que l’équilibre financier nous permette de pérenniser ce festival ; que Saint-Germain-des-Prés redevienne synonyme de rendez-vous jazz incontournable au moins une fois par an dans le monde entier ; que Paris, dont Miles Davis disait qu'elle est la capitale de la musique (!) soit fière de compter un rendez-vous annuel musical où têtes d'affiches et nouveaux talents se côtoient ; que les médias donnent envie au public d'éteindre la télévision pour retrouver le plaisir de déambuler le soir après un concert-plaisir dans l'un des quartiers les plus agréables de la capitale ; que la musique nourrisse le public en profondeur et qu'aucun d'entre nous ne puisse plus jamais s'en passer, car les musiciens sont des funambules sur un fil d'argent qui ont choisi de délivrer leur empreinte émotionnelle au monde et qu'il est indispensable de ne pas passer à côté de ce partage.

et pour ceux à venir ?

F & D :  Que nous ayons la chance de travailler avec une équipe aussi sublime le plus longtemps possible car cela a des conséquences indéniables sur le rendu final du Festival. Et que nos partenaires, tous, soient toujours aussi heureux de contribuer à laisser nos rêves s'exprimer, car la réserve en est pleine.

Propos recueillis le 11 mai 2010 par Régine Coqueran et jean-Marc Gelin

Le site du festival 

Et la programmation....

Premier rendez vous sur la parvis de l'Eglise de Saint Germain à la découverte de les chanteuses de jazz, dimanche 16 mai. Accès libre et gratuit.

Nous avons rencontré au mois de janvier la chanteuse et comédienne Elise Caron pour parler de sa brillante année 2009 (l’album « A Thin Sea of Flesh », le film « Un Soir au Club » et sa collaboration au « Midnight Torsion » d’Eric Watson) et aussi pour qu’elle nous dévoile ses projets en cours pour 2010.

Propos recueillis par Lionel Eskenazi le 13 janvier 2010.

DNJ : Tout d’abord j’aimerai que l’on parle de l’album « A Thin Sea of Flesh » publié au Chant du Monde au mois d’avril 2009. Tu l’as co-signé avec le musicien Lucas Gillet. Qui est-il ?

E.C : Je l’ai connu par son père Bruno Gillet qui est compositeur de musique contemporaine et que j’ai rencontré en 1981. J’ai souvent collaboré avec Bruno qui a écrit plusieurs choses pour moi. Je me rendais fréquemment à leur domicile et lorsque j’ai rencontré Lucas pour la première fois, il devait avoir 12 ans. Puis Lucas, vers l’âge de 17-18 ans, a commencé à composer à son tour (paroles et musiques) et m’a souvent convoqué pour de fréquents enregistrements à domicile où généralement j’avais à peine le temps de déchiffrer la partition !

DNJ : J’ai remarqué que la plupart de tes projets tournent autour de textes littéraires. Comment t’est venue l’idée de chanter sur des poèmes de Dylan Thomas ? J’imagine que c’est un écrivain que tu apprécies ?

E.C : C’est une idée de Lucas Gillet, c’est lui qui a initié ce projet, il a choisi les textes et écrit la musique. Je ne connaissais pas spécialement la poésie de Dylan Thomas avant cela, mais j’ai bien aimé la profondeur de ces textes, j’ai d’ailleurs essayé de les traduire moi-même et je me suis aperçu que souvent les mots choisis avaient plusieurs sens et pouvaient donner plusieurs significations à la phrase. C’est vrai que je suis souvent associée à des projets littéraires (Sade, Pavese, Poe, Rilke et bien d’autres…), j’aime chanter des textes puissants car ce sont à chaque fois des mini-histoires, des mini-drames, des choses fortes à interpréter.

DNJ : Comment s’est passé l’enregistrement ?

Lucas Gillet m’a confié un rôle d’interprète, c’était assez précis et difficile, car la musique était déjà enregistrée et il fallait que j’arrive à placer ma voix par-dessus. Nous n’avions pas beaucoup de temps et c’était assez frustrant de ne pas avoir pu travailler avant l’enregistrement. Je n’arrivais pas toujours à obtenir ce que je voulais car je ne pouvais pas aller au-delà de la dynamique existante. J’ai dû faire un nombre incalculable de prises pour arriver au résultat que l’on entend sur le disque.

DNJ : Comment définirais-tu cette musique ? Penses-tu que ce sont des chansons pop ?

E.C : C’est de la pop contemporaine mais ce ne sont pas des chansons. La structure des poèmes a été conservée, ce qui fait que l’écriture est basée sur la mélodie, nous ne sommes pas dans un système couplet-refrain, nous sommes dans l’extension permanente de la mélodie. Le côté pop est intéressant, car la musique est presque antinomique avec l’image sonore que l’on pourrait avoir des poèmes de Dylan Thomas. C’est beaucoup plus léger que ce que ça raconte.

DNJ : C’est vrai que les adaptations musicales des textes de Dylan Thomas sont souvent plus graves, plus sombres, je pense en particulier à « Words for the Dying » de John Cale. Connais-tu cet album ?

E.C : Non.

 DNJ : Avec « A Thin Sea of Flesh », nous sommes dans une musique pop très produite, une musique fabriquée en studio, ce qui nous éloigne complètement du jazz et de l’interaction musicale immédiate.

E.C : Oui, c’est un travail de studio particulier qui n’a pas grand-chose à voir avec les enregistrements de jazz où l’on fabrique la musique ensemble. Il y a tout de même un morceau que nous avons joué complètement live (« The force that through the green fuse »), c’est un duo entre ma voix et la flûte de David Aubaile, où il se passe du coup quelque chose de différent, il y a des fluctuations vocales qui sont peut-être plus naturelles. Lorsque nous jouons ce projet en concert, il est forcément beaucoup moins « fabriqué » et c’est passionnant de pouvoir le chanter en live, où je peux donner plus d’épaisseur à ma voix et où je suis entouré de six musiciens. Nous serons d’ailleurs le 13 avril prochain au Studio de l’Ermitage à Paris.

DNJ : Avez-vous avez eu du mal à convaincre une maison de disques pour ce projet plutôt atypique ?