MICHEL SAMSON & GILLES SUZANNE
Avec Elizabeth Cestor

A Fond  de cale
1917-2011 Un siècle de jazz à Marseille

Editions Wildproject 2012

Les auteurs Michel Samson (ancien correspondant du journal Le Monde à Marseille), Gilles Suzanne (maître de conférence en esthétique à l’université d’Aix Marseille) et Elizabeth Cestor, (chargée de mission au Mucem) ont écrit la saga de Marseille en jazz en 8 chapitres chronologiques.
Comment raconter le jazz à Marseille ? Qui y joue, qui fait quoi et quelle structures existent ?  Voilà des questions élémentaires auxquelles ils répondent en menant une enquête journalistique sérieuse, s’appuyant sur de nombreux entretiens avec les principaux acteurs du jazz à Marseille. 

Ville pauvre, populaire, rebelle, dépourvue de tout esprit  patrimonial, Marseille reste avant tout un port, même si les dockers sont  beaucoup moins nombreux aujourd’hui qu’à la grande époque. En roue libre, cette ville d’immigration qui n’a jamais cessé de brasser des arrivants venus du monde entier, était capitale du « musical hall » dans les années trente. Marseille a compté dans l’implantation mondiale du jazz, devenant même une scène d’avant-garde, avec de nombreux activistes promoteurs de la diffusion de cette musique, dont le Hot Club à ses débuts.  C’est une musique vivante ‘à consommer sur place’, depuis son arrivée dans cette ville-monde, à fond de cale. Marseille, à la Libération, est nommée « capitale française du jazz » ( Hugues Panassié), «ville noire» avec son quartier historique du Panier, où circulent G.Is et big bands. Puis, sans jamais perdre de vue l’évolution du jazz, la ville est devenue un « conservatoire à ciel ouvert », où s’est ouvert la première classe de jazz en France, sous la houlette de Guy Longnon. L’apport de Marseille au jazz est considérable, même s’il n’existe pas un jazz marseillais. Par contre, des cycles s’imposent à chaque tournant décisif de l’histoire de cette musique et ainsi se mesure l’attachement de chaque génération à «sa » musique. Plus de trente ans après leur création révolutionnaire, des structures créatives existent encore,  cherchant à briser les frontières musicales ou intellectuelles comme le GRIM fondé en 1978 par André Jaume, David Rueff, Gérard Siracusa et Jean Louis Montera (actuel directeur), ou  le GMEM (Groupe de Musique Expérimentale de Marseille).  Autre association indispensable pour implanter cette musique durablement, Le Cri du Port, seule véritable scène de jazz ( avec Michel Antonelli toujours en poste)  a longtemps fonctionné sans salle, quasiment sans budget pour monter des concerts, avec pour vocation de faire vivre le jazz dans la ville.
A chaque époque, son regard, ses filtres, ses affrontements, ses oublis et ses désillusions. Beaucoup d’artistes ont d’ailleurs jeté l’éponge et quitté la ville, rêvant d’ailleurs. Car, côté culture, la ville a souvent mauvaise réputation, alors qu’elle déborde d’énergie artistique. Le jazz s’est  constitué un public à Marseille en dépit de la richesse des discours musicaux : la dynamique collective qui s’était d’ailleurs un peu essouflée avec l’apparition d’autres musiques plus « modernes », comme le hip hop ou le rap (que Marseille se vante d’avoir ‘inventé’ en France), revient en force. Le jazz aujourd’hui est particulièrement à l’honneur dans les deux derniers chapitres « Le jazz encore possible » et « Jazz XXI ».
 
C’est une navigation passionnante que propose ce travail collectif autour d’un phénomène que chacun a voulu s’approprier, sans que le dernier mot ne soit dit. Peut-être parce que l’on ne viendra jamais à bout du jazz. L’approche est pertinente et suffisamment critique, les choix éclairants et le lecteur pourra se plonger à loisir dans le chapitre qui l’intéresse. La perspective historique est essentielle dans cette étude : on découvre les biographies des principaux acteurs de cette musique, qu’ils soient musiciens (André Jaume, Hervé Bourde, Gérard Siracusa, Michel Zenino…), patrons de boîtes ou clubs de jazz (l’incontournable Jean Pelle qui fit et défit le « jazz côte sud » sur trois décennies au Pelle Mêle ), politiques comme Roger « Goliath » Luccioni, contrebassiste, professeur de médecine et cardiologue, « affreux jojo du jazz », adepte d’un anti-jacobinisme ardent, directeur de la revue JAZZ, membre du Jazz Hip Trio, à l’origine du premier festival phocéen Jazz des Cinq Continents qui fait le plein actuellement.
Paradoxalement, aujourd’hui, continue « ce lent décrochage entre un public toujours plus large pour le jazz et son peu d’attrait pour la scène locale », certains amateurs pouvant satisfaire leur passion en ignorant tout ou presque des musiciens qui se sont souvent installés dans la ville, sans en être originaires.
Ces néo-arrivants jouent dans les clubs, bars du quartier de la Plaine, de Longchamp, du Panier…ou les théâtres : ils ont pour nom Raphael Imbert, Christophe Leloil, Perrine Mansuy, Eric Surmenian, Christian Brazier, sans oublier les plus jeunes Simon Tailleu, Cédric Bec, Cyril Benhamou. 

Travaillée par tant de mémoires, la ville n’aura jamais manqué d’inspiration, toujours prête à mixer les courants et les genres. Ecrit avec le recul suffisant pour une œuvre nécessairement subjective, analyse lucide non dénuée d’émotions, A fond de cale est le roman du jazz marseillais que doivent découvrir non seulement les « étrangers » à la cité phocéenne, mais encore les Marseillais eux mêmes. Nul n’est prophète en son pays…


NB : Ajoutons un index des plus sérieux, des notes soignées faisant référence à de très nombreuses publications et articles dans la presse spécialisée, sans oublier un interlude rare (le cahier de photos du fonds Paul MANSI, promoteur doué, dès 1947, pour trouver des concerts aux jazzmen de passage.)



Sophie Chambon

Chroniques 1966-1971

Collections Jazz Impressions
Alter Ego éditions
www.leseditionsalterego.worldpress.com

225 pages


Joël Mettay (Alter Ego Editions)  a eu la bonne idée d’éditer le formidable recueil de chroniques du regretté Jacques Bernard Hess, préfacé par son ami de toujours, Lucien Malson. Cette revue de presse court de 1966 à 1971, avec des textes  publiés à l’origine dans Jazz Hot puis Jazz Magazine et même dans le Rock & Folk premier,  le n° 0 de 1966 (« J’étais l’interprète de Bob Dylan »). En guise de conclusion figure un dernier texte, plus tardif, de 1985, une synthèse intitulée « Les nuits de St Germain des Prés ». D’abord appelée « Le Bloc-Notes », en référence à François Mauriac, cette rubrique fut rebaptisée « Hess-O-Hess » ( on peut aussi comprendre  S.O.S ) quand Jacques B. Hess quitta Jazz Hot pour Jazz Magazine, après un différend avec Michel Le Bris, rédacteur en chef un temps du mythique Jazz Hot de la rue Chaptal. 

Il eut une vie extraordinairement bien remplie, tragique aussi avec la déportation, très jeune, à Buchenwald. Mais dès son retour, il ne gâcha pas des dispositions naturelles plutôt exceptionnelles. Philosophe de formation, musicien de jazz et contrebassiste, traducteur émérite (on lui doit Moins qu’un chien, la traduction sans fard de l’autobiographie de Charles Mingus, Beneath the Underdog, aux éditions Parenthèses), il fait preuve d’un talent d’écriture certain et de sa belle plume journalistique, il livre une version truculente de l’actualité du jazz en France et aux Usa et donne sa vision non édulcorée de la société en pleine mutation des années soixante. J B. Hess s’inscrit d’ailleurs dans la lignée d’un Boris Vian, son aîné de quelques années dont il cite les Chroniques de Jazz qui parurent de 1947 à 1958. D’où un ton léger, spirituel mais critique dans ses papiers que vous découvrirez, sourire aux lèvres et souvent, comme moi, en proie à d’irrésistibles éclats de rire. Sans jamais être scabreux, il nous dépeint allègrement la vie aventureuse d’un musicien de jazz à Paris après guerre.
Lecture nostalgique aussi car Jacques B. Hess, qui avait l’âge de mon père, décrit l’époque de mon enfance. Qui pourra mieux saisir la finesse des allusions, replacées dans le contexte adéquat, apprécier cette revue de presse alerte et politique que les lecteurs de ma génération et de celles qui précèdent ? Souhaitons que les plus jeunes apprécient ces pages à leur juste valeur, même si l’esprit et le ton de l’époque ont changé.  Il peut y avoir « concordance des temps », recul et mise en perspective de notre époque à l’aune de précédentes, comme l’écrivait Racine,  avec le coup d’œil sur un « pays éloigné ».
 A aucun moment Jacques B. Hess n’est « politiquement correct », il ne pratique jamais la langue de bois, et les vérités qu’il assène d’un ton goguenard sont implacables. Il ne sort positivement de ses gonds - cela est rare et d’autant plus marquant- que lorsqu’il est question de racisme, de tous les racismes et discriminations (lire les terribles articles « Lynchburg », « Insurrections », ou « Obviously White ») et là, croyez moi, on ne sourit plus.
 Autre témoignage émouvant, Jacques B. Hess parle souvent d’un pianiste oublié aujourd’hui, Art Simmons qui faisait les beaux jours des clubs parisiens comme The Living Room, le Mars Club et que j’ai eu l’occasion de rencontrer lors de la réédition des albums de la collection Jazz in Paris, chez Universal.
Tout est plaisant dans Hess-O-Hess, jubilatoire, jouissif, affûté. Quand on sait qu’en plus de toute cette activité, l’auteur a initié et animé les premiers cours de jazz à l’université, on se dit que ce devait être un régal d’assister à ses cours : point de chronique érudite et assommante, de ce pointillisme parfois énervant des experts en jazz, tellement pointus qu’ils en deviennent limités. Par contre, notre aimable et disert chroniqueur quand il prend la peine d’analyser un album ou la musique d’un jazzman (Pharoah Sanders par exemple) impose une vision si précise qu’il n’y a pas lieu d’y revenir. Sans indulgence, avec la légitimité d’une véritable analyse, sans promo ni copinage.

Précipitez-vous sur ce livre, chers lecteurs, amateurs de jazz, vous ne le regretterez pas. C’est le portrait d’une époque déjà révolue, de la France des Trente Glorieuses,  un témoignage vif et précieux sur le jazz, écrit par un témoin des plus singuliers,  personnage attachant et véritable musicien.

Sophie Chambon     



Ed. Alter Ego, Jazz Impression 2012,  105p, 12 euros TTC

http://leseditionsalterego.wordpress.com

Et voilà comment, d’une façon originale, il est possible de raconter 100 ans de jazz ! Au travers 19 anecdotes choisies de la manière la plus arbitraire qui soit par notre confrère et ami Jean-Louis Lemarchand ( dont les lecteurs des DNJ apprécient dans ces colonnes les chroniques avisées). Partant de la naissance du jazz en 1913 au travers de l’Original Dixieland Jazz Band pour se terminer 100 ans plus tard dans l’émotion d’un concert unique réunissant pour la première fois deux géants de cette musique, Yusef Lateef et Ahmad Jamal lors d’un concert donné à l’Olympia le 27 juin 2012.

A l’inverse d’une démarche d’historien qu’aurait préconisé un Lucien Lefebvre de l’Ecole des Annales, Jean-Louis Lemarchand privilégie l’histoire événementielle. Moins en ce qu’elles racontent d’anecdotique, que dans ce qu’elles disent de moment privilégiés où le jazz se construit, dans ces sortes de moments qui ont contribué à en faire une Histoire avec sa cohorte de légendes et de mythes. Mais chaque fois en replacant ces petites histoires dans a grande avec un H.

Il peut s’agit de l’histoire de Strange fruit par Billie Holiday ; il peut s’agit du Greatest Jazz concert réunissant ppur la seule et unique fois sur scène Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Bud Powell, Charles Mingus et Max Roach ou du bout de peau prétendument coincé dans l’embouchure de Miles lors de l‘enregistrement d’Ascenseur pour l’Echafaud.

Ce petit ouvrage d’à peine plus de 100  pages s’adresse autant aux amateurs néophytes qu’au public plus éclairé qui y découvrira le dessous de ces histoires souvent connues superficiellement (Si l’on savait par exemple que le Greatest jazz concert avait donné lieu à une bataille d’égo, on y apprend que le cachet de Gillespie s’était élévé à 450 dollars, celui de Bud Powell à 500 dollars et celui de Parker, qui en 53 etait déjà une légende vivante à peine à 200 dollars).

Avec son sens de l’écriture d’une rare limpidité et d’une efficacité redoutable, ce petit ouvrage se laisse dévorer en deux temps trois mouvements avec une certaine délectation. Celle de pénétrer en un territoire parfois bien connu mais remarquablement bien raconté. Et puisque les choix qui l’ont émaillé sont par définition limitatifs et totalement aléatoire, l’on imagine que l’ami Jean-Louis en a encore un grand nombre dans sa hotte. Là c’etait trop court et pour nous ôter cette frustration on en redemande encore avec une insatiable impatience.

Jean-Marc Gelin

Par le menu

1/ 6 mars 1913, San Francisco : Le jazz fait so entrée dans la presse

2/ 28 juin 1928, Chicago : Louis Armstrong enregistre West End blues

3/ 21 novembre 1934, New-York : Ella Fitzgerald remporte un concours amateur

4/ 2 décembre 1934, Paris : 1^er concert du Hot-Club de France

5/ 20 avril 1939, New-York : Billie Holiday enregistre Strange Fruit

6/ 22 février 1948, Nice : Ouverture du Festival International de Jazz

7/ 15 mai 1953, Toronto : Charlie Parker et son quintet au Massey Hall

8/ 4 décembre 1957, Paris : Miles Davis enregistre Ascenseur pour l’échafaud

9/ 21 mars 1960, Paris : John Coltrane débarque à l’Olympia

10/ 30 mai 1962, Moscou : Benny Goodman entame une tournée en URSS

11/ 17-19 avril 1964, Paris : Mingus à Wagram et au Théâtre des Champs Elysées

12/ 30 juillet 1969, Alger : Archie Shepp joue avec des touaregs

13/ 25 juillet 1970, Saint Pal de Vence : Albert Ayler à la Fondation Maeght

14/ 4 juillet 1976, New-York : dernier concert de Thelonious Monk

15/ 16 avril 1981 : ouverture du New Morning à Paris

16/ 17 décembre 1982, Roissy : Michel Petruciani retourne aux Etats-Unis

17/ 11 avril 2000, New-York : Bruce Mundvall (Blue Note) reçoit Norah Jones

18/ 18 septembre 2001, New-York : Martial Solal se produit au Village Vanguard

19/ 27 juin 2012, Paris : Yusef Lateef et Ahmad Jamal à l’Olympia

Traduction de Suzy Borello
Editions Le Mot et le Reste
Collection Attitudes
www.atheles.org/lemotetlereste

 A la fin des années soixante dix, Peter Hook (Hooky) est l’un des membres fondateurs de Joy Division avec Bernard Sumner, Ian Curtis et Stephen Morris. Après son précédent ouvrage, déjà publié aux éditions Le Mot et le Reste, l’Hacienda, la meilleure façon de couler un club, il raconte, dans le même style simple, direct, alerte (impeccablement traduit par Suzy Borello), l’histoire trop courte du groupe qui allait révolutionner le visage de la musique, en revitalisant le rock à l’ère du post punk, élaborant un son nouveau, sombre, halluciné, hypnotique et si intensément juste qu’il déterminera l’engagement de groupes comme The Cure, Echo & the Bunnymen, Wire et Radiohead.
Rappelons que le mot punk était déjà employé dès le milieu des années soixante pour des groupes amateurs jouant un rock primaire aux Usa. Le mot réapparaît et se démocratise avec les SEX PISTOLS...le sexe comme éloge de la transgression rock...Un groupe adulé par les gothiques dont les deux albums sortis entre juillet 79 et juin 80, Unknown pleasures et  Closer  forment un testament aussi monochrome que leur pochette.
 Quatre garçons pas vraiment dans le vent, des  prolétaires qui avaient une certaine vision artistique, sans en avoir toujours les moyens techniques. Fantasque, jovial, le bassiste de Joy Division, Peter Hook raconte ses souvenirs sans trop enjoliver, avouant ses turpitudes avec une bonhommie confondante et beaucoup d’humour. On s’amuse énormément dans les premiers chapitres qui racontent l’enfance. Et puis il y a ce noir et blanc des souvenirs de ce groupe composé de sales gosses, de ces lads du nord de l’Angleterre, des Mancs  toujours prêts à en découdre avec les cockneys ou ceux de Chelsea. Ils passent leur temps à se faire de sales blagues, à boire, à déconner... « Du vin, des femmes et des chansons ». Ils vivent encore chez leurs parents, à l’exception du chanteur Ian Curtis, marié et bientôt père de deux enfants.  Ils mènent une vie très dure, travaillant le jour et faisant leur gig le soir, conduisant, rangeant, plaçant et déplaçant leur matos, ne touchant que des sommes dérisoires,  les conditions des concerts étant  très différentes de celles d’aujourd’hui. Aucun confort et souvent le froid glacial. Des instruments rassemblés à la-va-vite, bricolés et un van pourri que conduit  Hook en ronchonnant, car il doit en plus, payer l’entretien et  les réparations. Aucune solidarité dans la bande !
Le groupe se laissa manœuvrer et manager par le producteur fou Martin Hannett, remodelant à sa guise les enregistrements de ces gamins qui ne comprenaient rien à ce qui se passait. Leur seul plaisir était de jouer, d’en découdre sur scène, de se laisser aller à l’ alchimie de cette formation, relégant par exemple, dans Unknown Pleasures, les guitares au fond du mix pour mieux capter les échos hantés, la voix sépulcrale d’Ian Curtis. La vie du groupe et de son chanteur devient une étrange balade, avec comme décor, une ville qui se délite sous les coups du thatchérisme, tout en donnant naissance à un son résolument nouveau, imprégné d’une sourde révolte, une résignation hurlée.
 Le suicide d’Ian Curtis marque la fin du groupe. Curtis ne fait même pas partie du club des 27, puisque mort à 24 ans ! Miné par son divorce, ses crises d’épilepsie de plus en plus sérieuses -elles augmentent avec le succès et le rythme infernal des concerts- il convulse sur scène. Il  finra par se pendre au matin dans la cuisine de son petit appartement de Macclesfield, près de Manchester, juste avant  le départ pour une tournée aux USA.
Peter Hook  le répète souvent, et on ne peut que tenter d’imaginer comme lui , ce qui aurait pu être. On sent bien toute la peine du bassiste et son remords actuel de n’avoir rien compris à la détresse morale, physique du chanteur et d’avoir laissé faire.  Un soir par exemple, il retrouve le chanteur inconscient,  dans les toilettes, blessé. Une fois ses esprits retrouvés, Curtis fera quand même son concert. A sa mort, ses camarades, s’ils ont continué et créé NEW ORDER dans le prolongement de JOY DIVISION, n’ont voulu ni pu remplacer le lead singer. Et c’est tout à leur honneur...
Le très beau film Control d’Anton Corbijn réalisé en 2007 avec Sam Riley (lui même rocker) dans le rôle d’Ian Curtis traduit cette vie en circuit fermé, qui, très vite,  saisi d’une accélération folle, conduit à une impasse. Fatale. Peter Hook y fait souvent référence, soulignant  juste quelques différences. Il corrige ainsi quelque peu l’image d’Ian Curtis, protéiforme et caméléon, épris d’absolu, très « arty » mais aussi semblable aux autres membres du groupe, dans certaines frasques ou délires  très imbibés. « Il avait le projet et nous on était ses outils pour le mettre en œuvre ». Pas vraiment de tiraillement entre sensibilités musicales distinctes. Du moins sur scène. « La plupart des batteurs se contentent de taper comme des sourds. Steve, lui jouait de la batterie. Cela se voyait qu’il avait été dans un trio jazz, parce qu’on aurait dit qu’il avait fusionne le ressenti et la subtilité du jazz avec la puissance et l’énergie du rock et du punk ». Car curieusement, en dehors des concerts, chacun retrouve ses petites mesquineries, son égoïsme.
Les éditions marseillaises Le mot et le reste ont fait un excellent travail, avec une mise en page astucieuse, des chronologies intercalées, les titres de chapitres qui reprennent quelques formules choc. Un graphisme intrigant de lignes diffractées. Une lecture plus que plaisante, puisqu’on prend le livre et on ne le lâche plus. On retient l’excellente suggestion  que nous propose Peter Hook d’écouter chaque album piste par piste, en suivant son décryptage. D’intelligentes « liner notes » après coup.  Des titres qui sautent à la gorge  dont la liste montre l’ambiance délétère de ce groupe qui pâtit au début, de leur nom tiré de l’histoire nazie. Et pourtant, il n’y eut jamais aucun engagement ou fascination envers les nazis.
Enlevé, percutant et instructif, voilà un témoignage sur une époque pas si lointaine et pourtant déjà révolue, un portrait à l’acide d’une certaine Angleterre que l’on retrouve dans les films de Mike Leigh ou Ken Loach, une  balade nocturne et froide. Ce groupe météorite a marqué une page de l’histoire du rock. C’est aussi un peu de notre histoire personnelle et la nostalgie fait le reste.
Unknown pleasures/Joy Division vu de l’intérieur(382 pages- broché  26 euros)
Sophie Chambon

Jazz impressions

Ce livre vient de recevoir le prix de l’ Académie du Jazz dans sa catégorie !

« La gloire est le soleil des morts » peut on lire dans Illusions perdues.

Après la période de fête où les livres, albums, CDs, DVDs se sont vendus dans une extrême urgence selon des thématiques porteuses, peu de chance de revendre sur ebay, ce petit bijou concocté une fois encore par le romancier du jazz, le feuilletoniste de cette musique dont nous pouvions suivre les émissions sur France Musique.

Alain Gerber est  un expert de cette musique  qu’il connaît intimement depuis des décennies. Il s’enest fait plus encore que l’historien et la mémoire vivante, le romancier, et on ne sait jamais quelle est la part exacte de fiction dans ses livres.
Cette fois, il explore une thématique passionnante sur les oubliés du jazz, ces mal aimés,  les « seconds couteaux » qui s’illustrèrent comme les acteurs du cinéma américain des séries B, voire Z ( je pense à l’impeccable Robert Ryan, le « good bad boy » qui n’eut jamais  la notoriété des stars les plus révérées, les Cooper, Stewart, Gable, Grant ).

L’approche chronologique étant trop académique, Alain Gerber s’intéresse à ces malheureux, ces méconnus qu’il classe ingénieusement  par instrument, sans oublier la voix ( 4 seulement  dont Eddie Jefferson, Jelly Roll Morton, Frank  Rosolino et la seule femme de la liste Lorez  Alexandria ). Il propose en quelque sorte une autre histoire, alternative du jazz. Comment ces musiciens faisaient-ils pour ne pas (trop) attirer l’attention sur eux ? Pour arriver à exprimer ce qu’ils voulaient dire en gardant dans l’esthétique des majors, une position marginale, en faisant figure d’ indépendant. Comment est on passé à côté de ceux qui se sont laissés détruire par leur passion et leur rage, impuissants à affronter leur démons intérieurs et la part neuve de leur musique ? Ainsi sont évoqués Jimmy Rowles, Connie Kay, Israel Crosby, Michel Warlop, Sonny Stitt, Lucky Thompson, Charlie Ventura, Teddy Edwards, Illinois Jacquet. Plus curieusement, mais le choix est pertinent, le pianiste Martial Solal  fait partie de la liste, « cas d’école ... immense artiste... un créateur dont l’apport inestimable reste trop largement méconnu. »

Ce dictionnaire suit l’itinéraire personnel d’Alain Gerber qui réécrit l’histoire du jazz en portraits délicats et souvent mélancoliques, retrace la chronique amère de ces années jazz,  décrit ces parcours sinon flamboyants, du moins terriblement difficiles de ces musiciens, soulignant et vengeant leur solitude : il a rêvé la parole singulière de tous ceux qui pouvaient déclarer ne rien avoir à dire, « je préfère ne pas ».

Un lyrisme fiévreux, une éloquence parfois emphatique mais avec ce goût réel des mots et des phrases qui sonnent, avec ce sens imparable du tempo. N’oublions pas que ces papiers ne paraissaient pas dans les feuilles de choux, même spécialisées, mais étaient lus à la radio par leur auteur lui même, de sa voix calme, un peu blanche –rien à voir avec les commentaires studieux de Patrick Brion au Cinéma de minuit. En poursuivant l’analogie  entre jazz et cinéma,  on peut  trouver des points communs : l’époque, la suprématie américaine des majors (ici des studios), la domination des Américains dans des formes artistiques qui leur sont propres avec quelques artistes « contrebandiers » qui usent du système insidieusement plutôt que d’essayer de le combattre, qui en seraient ouvertement  les iconoclastes[1]. Mais la plupart ont payé le prix fort de leur indépendance et de leur talent. Ils n’arrivaient pas toujours “in the right time and in the right place”. Too bad!  

Sophie Chambon