Un salut à Brassens

La Campagnie des Musiques à Ouïr

2 Cd Anticraft

Ils ne passeront malheureusement pas près de chez moi : un coup d’œil à la liste des concerts de la tournée de « La Campagnie des musiques à ouïr » le confirme. Je ne verrai pas de sitôt le spectacle musical très complet de cette bande de joyeux allumés du jazz et de bien d’autres musiques intitulé Un salut à Georges Brassens.

Pourtant, cela avait plutôt mal commencé : le premier titre du premier CD « Il suffit de passer le pont » m’avait plutôt décoiffée. Je les ai assez écorchées pour savoir quelles sont impossibles, les chansons de Brassens : déjà toutes ces paroles qu’il faut retenir, le rythme si particulier à prendre, l’escalade sur plusieurs octaves à réussir, sans oublier les harmonies délicates. Le Forestier, fils putatif, ne s’est jamais trompé d’ailleurs en les chantant le plus fidèlement possible, «à la Brassens».

Alors, on surmonte sa surprise quand, dans ce double album, deux (des principaux) chanteurs tout à fait complémentaires, c’est à dire opposés, relèvent le très sérieux défi de « reprendre » Brassens. Le projet demande une bonne dose d’inconscience tant l’ami George a imposé son style pour distiller ses couplets à rallonge, en s’accompagnant lui-même à la gratte, de son sourire timide, avec, dans l’ombre, le fidèle Joël Favreau à la seconde guitare, et Pierre Nicolas, contrebassiste et contrepoint indispensable.

Denis Charolles, l’un des fondateurs avec Christophe Monniot, de la (déjà ancienne) «Campagnie», est la cheville ouvrière de ce programme insensé : il nous fait redécouvrir avec une nostalgie attendrie, tout un pan de notre patrimoine musical, certains aspects de « la chanson francèèèèèèse » d’antan comme dans le délicieux« Presque oui » du couple improbable Jean Nohain et Mireille, ou d’autres versants plus graves avec les paroles musicalisées de Jean Richepin et de Paul Fort. Un grand moment encore, quand Denis Charolles arrange de façon sauvage et âpre « Gastibelza » d’aprèsVictor Hugo (« le vent qui vient à travers la montagne me rendra fou »).

De toute façon, dès « la marche nuptiale », on s’était acclimaté, accroché par la rage d’un des chanteurs Loïc Lantoine qui crache les mots d’une voix rauque et râpeuse : il a une force poétique rare, proche d’un Minvieille, mais aussi d’un Arno ou d’un Tom Waits, dans la splendide « Supplique pour être enterré sur la plage de Sète » .

Eric Lanteine, le sudiste, a un ton passionné, la voix tendue, le timbre vibrant, tout en

restant plus respectueux des intonations d’origine comme dans « Les Passantes ».

Il y a aussi Joe Doherty, « l’étranger », le violoneux irlandais,  touche « exotique » de pop mâtinée de folk, au bel accent sur « Saturn » (on songe aussi à John Greaves, qui a repris aussi cet émouvant  poème).

Toutes ces correspondances n’ont rien d’étonnant au fond : ces musiciens sont de la même trempe, de la même famille.

Et puis, il y a les parties purement instrumentales qui sont un régal parce qu’elles complètent, enrichissent et soulignent la beauté mélodique des mélodies de Georges Brassens (l’introduction aux accents concertants, absolument magnifique  des bancs devenus « pudiques », ou la fin époustouflante de « La religieuse ». Avec Charolles, véritable homme orchestre, ils sont six, poly-instrumentistes qui savent aussi donner de la voix à l’occasion: François Pierron (contrebasse) , Julien Eil (saxophone baryton-clarinette basse), Joseph Doherty ( saxophone alto-flûte-violon-guitare « irish spirit »-synthés-banjo), Patrice Fournier (accordéon), Alexandre Authelain( clarinette-sax ténor et soprano) : voilà une belle équipe décontractée, joueuse « La chasse aux paillons », une fanfare reggae sur « La Marine », anar et truculent sur « la guerre de 14-18 » . 

Décidément, avec ces gaillards, on peut s’attendre à de drôles de variations : il faut oser, comme dans les arrangements gonflés du « percuteur » Charolles  sur « Au bois de mon cœur », version étrangement décalée qu’il envoie lui-même, avec un accompagnement qui donne le frisson.

On aura compris que, dans le répertoire fourni de Brassens, la Compagnie a puisé des chansons à la mesure du talent des musiciens : sans trop insister sur l’ « amour vache », ils adoptent parfois un ton résolument potache, bon enfant, comme dans « Le temps ne fait rien à l’affaire » mais penchent très souvent vers une drôlerie  déjantée et baroque que permet une instrumentation étoffée. Mais une gravité émue, une sourde mélancolie l’emportent sur des titres comme l’antépénultième« Vieux Léon » que tous reprennent parce que, là vraiment, Brassens est insurpassable. Il les faut tous… pour accompagner le cortège.

Vous l’aurez compris, si les « Etrangers familiers » passent près de chez vous, courrez les voir! Vous retrouverez « la magie du mot et du verbe » du libertaire auteur-compositeur dont la leçon a été comprise. Il peut reposer en paix. Salut l’artiste !

Sophie Chambon

2 DVD + 1 CD : Arto films/Zig-Zag Territoires/Harmonia Mundi.

Frédéric Pierrot (voix), Christophe Marguet (dm), réalisation : Fabrice Radenac et Alain Epo.

Quel beau projet que cette lecture du « livre de l’intranquillité » de Fernando Pessoa par le comédien Frédéric Pierrot et avec la batterie de Christophe Marguet comme unique accompagnement musical. Un comédien possédé, complètement imprégné par l’univers poétique et singulier de Pessoa et un musicien à l’écoute, suggérant sans cesse des idées musicales qui enrichissent le propos. Une batterie à la fois mélodique et rythmique, qu’elle soit légère et diluée ou puissante et tendue, elle est toujours juste, à la bonne place, en totale osmose avec le discours poétique. Le CD audio de cette performance fonctionne très bien par lui-même, mais la réalisation sensible et intelligente de Fabrice Radenac rend le DVD encore plus intéressant, en particulier dans sa manière de mettre en relation et sur un même plan, le jeu d’acteur de Pierrot et le jeu de batterie de Marguet. Un deuxième DVD, sous forme d’un documentaire réalisé par Alain Epo, permet de rentrer au cœur de l’œuvre poétique de Pessoa avec des témoignages passionnants du spécialiste Robert Bréchon et de nos compères Pierrot et Marguet, toujours aussi pertinents, même lorsqu’ils ne font que parler de Pessoa.

Lionel Eskenazi

Sébastien Texier (sax alto, clarinette, clarinette alto), Claude Tchamitchian (contrebasse), Sean Carpio (batterie) + invité : Henri Texier (contrebasse) sur trois titres.

Cristal Records/Harmonia Mundi – 2009 –

Sébastien Texier vient de réaliser un disque mature, sensoriel et puissant qui ne correspond pas forcément à l’image superficielle que l’on peut avoir de lui, celle d’un musicien lisse, sage, discret et timide. « N’oublie pas que tu es un animal » est la devise de cet album où Sébastien sort de ses gonds, se dévoile, étale ses tripes et nous délivre sa sensibilité et sa sauvagerie, tel un félin bondissant, agile et intuitif, qui maîtrise parfaitement la situation. La situation musicale d’un « power trio » comprenant un sax ou une clarinette,  une contrebasse (et parfois deux, comme sur les trois titre où il invite son père Henri) et une batterie fort impressionnante, conduite par Sean Carpio, que l’on ne connaissait pas et dont on se souviendra. Une formation sans piano et sans instrument harmonique, qui joue sans filet une musique sincère et écorchée, qui nous va droit au cœur. Qu’il joue du sax alto, de la clarinette, ou de la clarinette alto, le feeling, l’intelligence et le contrôle de soi est toujours présent dans son jeu. Qu’il compose (huit morceaux sur dix), laisse s’exprimer Claude Tchamitchian (dans le remarquable exercice de contrebasse solo « Ombre D’or ») ou qu’il reprenne un morceau de la pianiste arménienne Anahit Simonian (« Tango »), la sensibilité mêlant rage et douceur, reste sa marque de fabrique. Le disque commence avec « Lilian’s Tear », un morceau au groove léger et délicat, que Sébastien a spécialement écrit pour mêler les deux contrebasses de deux de ses plus illustres représentant dans le jazz français (Henri Texier est à gauche et Claude Tchamitchian à droite). Puis avec « Pain de Singe », la tension, l’animalité, et la sauvagerie règnent en maître avec une clarinette alto tourbillonnante et une batterie bondissante à l’énergie hyper-tendue. Citons encore « The Yellow Cab Experience » avec sa clarinette dansante et enivrante ou l’originalité structurelle de « Broken Worlds » où c’est la clarinette alto qui tient une rythmique continue pendant que contrebasse et batterie jouent les solistes. Un bien beau disque dont l’ampleur s’accentue à chaque écoute et où l’animalité sensorielle est dotée d’une grande intuition, intelligence et sensibilité musicale.

Lionel Eskenazi

Telarc 2009

Avec un peu de malchance, nous serions passés totalement à côté de ce « nouvel » album de Mike Stern paru il y a déjà 6 mois sous le label Telarc. Car cet album qu’il nous propose avec une jouvencelle fraîcheur nous ramène un peu à l’âge de nos 15 ans, celui où nos oreilles avides de musique faisaient peu de distinction et gobaient dans un même mouvement du rock le plus dur au jazz le plus cool. Véritable caméléon, Mike Stern s’attaque ici à un album à géométrie variable qui, sur ses propres compositions invite quelques amis de (très) haute volée. L’ex-star des « Blood Sweet and Tears », celui qui tâtait de la gratte à l’âge de 28 ans aux côtés de Miles Davis (« Man with the horn ») puis au côtés des frères Brecker dans Steps Ahead, montre qu’après toutes ces années il n’a pas perdu un once de son envie de jouer. Et d’en découdre. Qu’il s’associe à l’incroyable et ultra véloce Steve Vai venu pour sa part du hard rock américain pour des joutes inouïes ou encore à Eric Johnson pour des échappées plus country, Stern montre qu’il fait toujours partie de ces guitars héros qui depuis 40 ans traversent la musique depuis le jazz et ses descendances rock jusqu’au metal le plus rude. On y retrouve tout : les accents de Hendrix pour les uns, Clapton pour les autres,  Jeff Beck mais aussi Metheny, Mc Laughin ou encore et surtout de Jimmy page. Et ce sont alors un alignement de duels échevelés dont les compositions importent peu et dont les improvisations batailleuses s’achèvent sans vainqueur, par des fade out, preuve à la fois de la spontanéité mais aussi la faiblesse des structures d’écriture. D’autres invités dans cet album décidément très éclectique : on notera ainsi la présence de Richard Bona dans un titre qui fait la jonction entre le Makossa le plus africain et le rock réverbéré ou celle encore de Medeski, Martin and Wood qui avec Bob Malach entreprennent le thème le plus groove de l’album. Mais on s’arrêtera avant tout sur les deux morceaux interprétés en quartet avec Esperanza Spaulding, révélation montante de la contrebasse et chanteuse délicate accompagnée de T. Lyne Carrington au drive de dentelle. Modèles de finesse et parenthèse enchantée dans la virilité des échanges guitaristiques de l’album.

Véritable caméléon, Mike Stern signe là un album certes un peu décousu, mais d’une grande générosité. Virtuose sans l’être vraiment Mike Stern se fait ici, avec ses invités, passeur d’un rêve d’adolescent.

Autoproduction - 2009

Distribution Musea Gazul record

Françoise Toullec est une pianiste improvisatrice et une compositeur qui signe avec el[le] son cinquième album depuis 1994. Pour une première écoute de sa musique avec el[le], la pianiste endosse la fonction de conceptrice musicale. En effet, el[le] se distingue par huit pièces décomposées en quarante plages pour une musique qui se situe aux confluents de la musique improvisée de la musique contemporaine et de certains idiomes jazz. La musique est très écrite par endroits et laisse entrevoir des passages instrumentaux et vocaux improvisés inhabituels en jazz et musique improvisée: la structure musicale est ductile à souhait et la collaboration duo piano/voix, avec Claudia Solal aux onomatopées, chants et bruits divers, est tout à fait fantaisiste. Toullec creuse le sillon de la musique contemporaine electroacoustique avec les interventions atonale et dézinguée du sax spectral d'Antoine Arlot et de la contrebasse couinante de Louis Michel Marion.
A force d'écoutes, on découvre des petites pépites mais dans sa globalité, cette musique abstraite, impalpable et improbable nous parait très hétérogène à l'oreille et difficile à appréhender même si on apprécie les prouesses techniques et rythmiques et la précision de l'esthétique de Toullec.

Site de Françoise Toullec (http://francoisetoullec.free.fr/)

Jérôme Gransac