CONCERT DE YARON HERMAN « FOR PEACE BAND » Avec Michel Portal, Emile Parisien, Simon Tailleu et Ziv Ravitz

   © Lionel Eskenazi

“ J’y étais”, voici la seule phrase que la foule émerveillée arrivait à prononcer en sortant du très confortable auditorium de l’Institut Pasteur, après 90 minutes d’un concert unique, intense et exceptionnel. Une foule qui vient de prendre conscience d’avoir assisté à un évènement jazzistique considérable, d’avoir vu cinq musiciens qui n’avaient jamais joués ensemble, exécuter une performance inouïe en s’amusant comme des gamins allant au bout d’eux-mêmes, provoquant en nous une joie et un plaisir intense. « J’y étais » et j’ai eu la chance de voir le quintette le plus improbable, le plus fou et en même temps, le plus cohérent de l’année. Quelle chance d’avoir pu assister à la première exécution des toutes nouvelles compositions de Yaron Herman. Rien que du neuf, rien que de l’inédit, Yaron frappe très fort d’entrée et ne va pas arrêter de nous surprendre, de nous éblouir et de nous séduire. Le concert démarre en trio avec Simon Tailleu à la contrebasse et un batteur israélien (installé à New-York) Ziv Ravitz, que l’on ne connaissait pas et qui s’avère phénoménal. La très belle mélodie d’« Aladdin Psychedelic Lamp » s’enchaîne à merveille avec l’énergique « Try on », puis le trio continue de carburer à plein régime avec la reprise de « Heart-Shaped Box » de Nirvana (tiré de l’album « In Utero »). Puis le trio devient quartette avec l’arrivée d’Emile parisien au saxophone soprano pour nous interpréter un morceau toujours inédit et très « groovy » qui avait été majestueusement introduit par un magnifique passage en piano solo (comme la plupart des titres joués ce soir). Puis Emile Parisien cède la place à Michel Portal (qui ne jouera exclusivement que de la clarinette basse) dans une remarquable composition intitulée « Saturn Returns ». Après la mélodie enivrante d’un mémorable nouveau titre jouée en trio, place au quintette qui va réunir tout le monde dans une entente parfaite. On appréciera en particulier la belle osmose entre les sonorités du soprano d’Emile parisien et celles de la clarinette basse de Portal. Quarante sept ans séparent ces deux souffleurs et on ne s’en rend absolument pas compte car nous voyons deux gamins s’amuser comme des fous et « pousser » leurs instruments respectifs aussi loin que possible pour le bonheur des spectateurs. C’est d’ailleurs en duo qu’ils vont introduire le magistral « The Mountain in G Minor », véritable morceau de bravoure qui permet à Yaron de  nous livrer un chorus de piano spécialement endiablé. Le premier rappel nous fait apprécier des superbes mélodies hébraïques et enfin pour l’ultime rappel, Yaron réussit un véritable exploit car il réussit à faire jouer à Portal un morceau de Britney Spears ! Eh oui, on n’est pas près d’oublier la version de « Toxic » que le quintette nous livre en bouquet final d’un concert mémorable, qui restera certainement comme un des moments les plus forts de ce 10 ème festival de Jazz à Saint Germain-des-Prés.

Lionel Eskenazi

Le jury du Tremplin, Esprit Jazz a décerné ses prix après que les trois groupes finalistes retenus après trois jours  de compétition, ont finalement pu s'exprimer sur la scène du Sunset.

Le groupe vainqueur de ce tremplin jeunes talents est le groupe

                3 SPIRIT

Un superbe trio aux couleurs coltraniennes qui suit les traces de Dave Liebman. Ce groupe est emmené par un Antonio Tritta, un saxophoniste dont on risque d'entendre longtemp parler. Il est épaulé à la batterie par Thierry Tardieu et à la contrebasse par l'une des très belles surprises de ce festival, l'italien Tomaso Montagnanni.

Le jury a tenu à décerner une mention spéciale au pianiste du groupe WW Quartet, véritable révélation de cette 8ème édition des tremplins. Frederic Volanti est assurément un pianiste immense qui a littérelament scotché tous les membres du jury.

Enfin le prix de soliste a été décerné par Benny Golson himself, de passage pour deux concerts au Duc des Lombards à un jeune ténor, Adrien Sanchez très impressionné de recevoir ce prix Selmer des mains d'une légende vivante du jazz.

A l'instar de ce que disait Fred Charbaut, on ne doute pas à entendre ces jeunes musiciens, que le jazz est bel et bien vivant et qu'il s'apprête à couler encore des jours bienheureux.

One dark night I left my silent house

ECM 2010

C’est avant tout la découverte d’une clarinettiste remarquable , David Rothenberg qui signe là, aux côtés de Marylin Crispell, son 7eme album et son premier pour le compte du label ECM. Clarinettiste et saxophoniste qui développe un univers poétique très individualiste et un sens de l’improvisation qui lui permet cette exploration (presque solitaire) tout au long de ces 13 titres, David Rothenberg passe de la clarinette à la clarinette basse avec une richesse de son qui donne tout le relief à un album dans lequel, il fat bien l’avouer il ne se passe pas grand chose. La pianiste Marilyn Crispell en est réduite au rôle de faire-valoir et meuble l’espace avec une infinie discrétion. Très concertant, cet album qui ne manque pas d’un certain charme très littéraire, s’inscrit sans surprise dans une esthétique ECM, très beau mais aussi un tantinet ennuyeux.

Jean-marc Gelin

                                                                                    © Lionel Eskenazi

La saxophoniste ténor Sophie Alour viendra présenter son très bel « Opus 3 » sur scène au Sunside à Paris les 21 et 22 mai. Nous l’avons rencontré afin de faire le point sur un virage musical recentré sur le jazz, dans la formule sans concession d’un trio saxophone-contrebasse-batterie à la fois explosif et langoureux.

DNJ : Comment t’es venue l’idée de passer au trio pour ce troisième album ?

S.A : C’est à cause des pianistes… (rires…), non plus sérieusement je crois que c’est tout simplement un moment dans ma carrière qui correspond à une certaine maturité. Plus on avance dans le temps, plus on a tendance à aller vers des choses plus simples, plus économes, plus austères aussi. L’austérité, ce n’est pas un mot qui me fait peur, je trouve même que c’est assez beau, d’un point de vue artistique bien-sûr car je ne parle pas de l’austérité économique que nous subissons en Europe en ce moment !

DNJ : Plutôt qu’ « austérité », je préfère le mot de « maturité ». Je pense qu’avec ce disque, tu es à un virage important où tu te recentres vers le jazz et où quelque part tu fais un bilan de ta carrière en reprenant presque tout à zéro, d’où ce titre « Opus 3 ».

S.A : Effectivement, il y a tout ça à la fois et cet « Opus 3 » correspond pour moi à la fin de quelque chose et au début de quelque chose d’autre. Je ne sais pas encore exactement quoi, mais il est clair que je suis à un virage. En ce qui concerne le retour vers le jazz, c’est une musique que j’aime profondément depuis que j’ai 14 ans et qui a longtemps habité mes rêves, mais j’ai eu une crise d’adolescence assez tardive, une crise d’identité, où j’ai voulu m’éloigner du jazz et chercher autre chose. Ça paraît un peu étrange de le dire, mais aujourd’hui j’ai presque l’impression de redécouvrir le jazz.

DNJ : Au moment de « Uncaged », ton deuxième album, tu écoutais beaucoup de groupes de rock comme Radiohead par exemple.

S.A : J’en écoute toujours, mais beaucoup moins qu’à l’époque, je voulais me libérer de certains carcans liés aux codes du jazz. J’avais envie de me bousculer, je me sentais enfermé, je voulais sortir de la cage (« Uncaged ») en changeant mes repères artistiques et j’ai cherché du côté de la forme, des sonorités. Il y en a qui ont été beaucoup plus loin que moi dans ce domaine, par exemple j’ai toujours refusé de jouer avec une basse électrique. Je voulais sortir des conventions alors qu’aujourd’hui j’y suis revenu en me réconciliant avec la forme du jazz, avec l’épure.

DNJ : Oui et en même temps on sent une tension extraordinaire dans ce disque, une énergie catalysée qui vient du cœur et des tripes.

S.A : Je suis quelqu’un de tendu (rires…). Ce qui est curieux c’est que plusieurs personnes qui m’avaient suivi sur « Uncaged » ont eu du mal à rentrer dans ce nouveau projet, alors que pour moi cette musique, même si elle n’est pas forcément accessible, me paraît évidente car elle est assez naturelle, elle vient du cœur et du plus profond de moi-même. Je trouve que le son de l’album (sans l’apport d’instruments harmoniques) oblige à rentrer dedans avec une écoute exigeante car il ne s’agit pas d’un simulacre de quartette.

DNJ : D’autant que dans « Uncaged » il y avait sur un tiers de l’album, la présence de la guitare de Sébastien Martel qui amenait un deuxième instrument harmonique à ton groupe, comme par exemple dans le morceau assez rock « Haunted » que tu as voulu reprendre ici en trio, pourquoi ?

S.A : C’était un peu ironique, je voulais utiliser cette matière pour en faire quelque chose de différent, comme un peintre qui reprendrait un tableau. Cette relecture m’a semblé intéressante car la forme du trio permet d’aborder plusieurs styles de musique de la même manière, avec le même son d’ensemble.

DNJ : Cette formule du trio te permet aussi de mieux t’affirmer comme leader, car sur l’album précédent, la présence de Laurent Coq était assez importante (il avait même signé trois compositions).

S.A : Oui c’est vrai, mais je suis fière de l’avoir utilisé à contre-emploi en le poussant à jouer du Fender Rhodes, avec plein de pédales d’effets aux sonorités rock. Ce n’est pas son instrument de prédilection, mais il a bien joué le jeu et y a pris du plaisir.

DNJ : Parlons des musiciens de ce trio et de la formidable interaction qu’il y a entre vous.

S.A : Oui il y a une très bonne entente et une formidable complicité entre nous. On m’a proposé d’enregistrer avec des musiciens américains, j’ai refusé et j’ai tenu bon car je voulais de partenaires de jeu que je connaissais bien et avec qui je m’entend parfaitement, comme Yoni Zelnik (contrebasse) et Karl Jannuska (batterie). Ce qui est intéressant c’est qu’ils ne jouent pas de la même façon en trio qu’en quartette, ils se positionnent différemment, ils ont plus d’espace. Yoni (qui n’a jamais voulu être leader d’une formation), est un partenaire de jeu idéal, il est complètement à l’écoute, il joue un rôle pivot et je peux avoir entière confiance en lui. Il sera, si besoin est, très difficile à remplacer. Avec Karl, c’est différent car il est lui-même leader de plusieurs formations, il compose et il a une maturité musicale incroyable. Il a la capacité à voir les morceaux dans leur globalité, il apporte quelque chose de cohérent et de très défini. Il ne cherche jamais, il trouve !

DNJ : Qui a eu l’idée de confier la direction artistique de l’album au pianiste Eric Legnini ? N’y a-t-il pas un paradoxe que ce soit un pianiste qui tienne ce rôle alors que tu as justement choisi de ne pas utiliser de piano pour ce disque ? Et quel a été son rôle exactement ?

S.A : Oui, on peut y voir de l’ironie et trouver ça amusant, mais il a été idéal dans son approche et il a joué un rôle très important dans la réussite de l’album. Yann Martin tient à ce qu’il y ait un directeur artistique sur les albums Plus Loin Music et nous avons pensé à Eric, qui avait déjà joué ce rôle sur plusieurs disques. Il a été parfait dans son travail car il n’y avait aucune ingérence et en même temps à chaque fois qu’il disait quelque chose, c’était pertinent et utile. Très souvent, c’est lui qui a déterminé la direction du morceau car il percevait très bien ce qu’on voulait faire et il nous a aidé à y parvenir.

DNJ : Peux-tu nous dire quelques mots sur chaque morceau du disque ?

S.A : L’album démarre avec « Grekerna » qui est une reprise d’un morceau d’un groupe pop suédois qui s’appelle « Loney Dear » (et non pas « Lonely People » comme c’est indiqué par erreur sur la pochette du disque). C’est une idée de Nicolas Moreaux qui est un ami contrebassiste et compositeur, qui est leader de plusieurs formations et membre du groupe franco-espagnol « Beatnick Quintet ». J’ai d’ailleurs repris une composition de lui « Why People Always Laugh About Serious Things », qui est le septième morceau du disque.

DNJ : J’aime beaucoup le deuxième morceau de l’album qui s’intitule « Mystère et Boule de Gomme ».

S.A : je l’ai écrit à partir d’un mode d’Olivier Messiaen. On ne dirait pas en l’écoutant et pourtant il est joué tel quel au début du morceau.

DNJ : Puis vient une « Eloge du Lointain » qu’évoque-t-elle ?

S.A : Ce morceau parle de la distance qui m’éloigne des musiciens de jazz afro-américains. On joue leur musique, mais il faut avoir conscience qu’à la base, elle ne nous appartient pas, ce n’est pas nôtre notre musique, ni notre culture. J’ai eu cette idée après avoir lu « Free jazz, Black Power » de Jean-Louis Comolli et Philippe Carles. C’est un livre qui m’a énormément marqué et qui a changé ma vision des choses.

DNJ : Qui est l’Arthur Cravan de « Ode à Arthur Cravan » ?

S.A : C’est un écrivain du début du siècle que j’ai découvert grâce à l’essayiste Gilles D’Elia de la revue « Relectures » qui est un ami.

DNJ : « En ton Absence » est un très beau  morceau, émouvant et tendre…

S.A : Je l’ai écrit en hommage à mon grand père qui venait de disparaître. 

DNJ : Et « La Pensée Vagabonde » ?

S.A : Celui là il m’est venu au sortir d’une sieste, avec un cheminement très vagabond…

DNJ : « Caprice » ?

S.A : C’est une forme classique très courte (« Les Caprices de Paganini ») qui peut être humoristique ou bien désigner une cadence. Ce titre correspond bien à l’humeur du morceau et puis c’est un trait de mon caractère que je revendique !

DNJ : « Karlston » est une composition de Karl Jannuska très ancrée dans le jazz  be-bop.

S.A : Je voulais, comme sur le précédent album, une contribution de Karl sur ce disque. Il m’a fait plusieurs propositions et j’ai choisi ce morceau énergique qui est effectivement très jazz et surtout complètement différent de  l’atmosphérique « Snow in May » qu’il m’avait proposé sur « Uncaged ».

DNJ : L’album se termine sur la très belle « Petite Anatomie du Temps qui Passe » et nous restons comme en suspension dans l’espace et le temps.

S.A : Oui, c’est bien de finir sur ce morceau où nous sommes tous les trois en homorythmie complète. On joue la même chose en même temps, sans remplissage. La batterie ne marque pas le tempo, et la basse ne marque pas l’harmonie.

DNJ : Tu vas jouer l’album sur scène et vas-tu en plus arranger d’anciens morceaux pour le trio ?

S.A : Non, je vais plutôt faire des reprises et jouer des morceaux que j’aime particulièrement comme « Fleurs Africaines » de Duke Ellington et sûrement un arrangement que j’ai fait pour le trio d’après le « Moderato » du concerto pour violoncelle de Chostakovitch. Et puis au troisième set, je compte bien inviter des amis musiciens.

DNJ : Vas-tu inviter ton jeune frère, le trompettiste Julien Alour ?

Oui, j’aimerais bien, surtout que je n’ai pas pu le remercier sur les notes de pochettes du disque, mais c’est grâce à lui et à ses encouragements après un concert, que j’ai pu concrétiser l’idée de réaliser cet album en trio.

Propos recueillis par Lionel Eskenazi le 06 mai 2010.

retrouvez la chronique de l'album de Sophie sur  SOPHIE ALOUR : « OPUS 3 » ****

En prime un petit clip de Sophie Alour ( sur un autre projet)

COSA BRAVA : «  Ragged Atlas »

Intakt 2010

Fred Frith (g), Carla Kihlstedt (vl), Zeena parkins ( acc), Matthias Bossi (dm), The Norman Conquest (sounds), Anantha Krishnan (mridangam,tabla)

John Zorn et Fred Frith : «  Late works »

Tzadik 2010

John Zorn (as), Fred Frith (g)

Fred Frith on le sait, malaxe les univers musicaux les plus divers pour s'approprier une musique réellement originale qui fait un peu office d'OVNi dans le paysage musical très formaté que nous connaissons aujourd'hui. Membre, entre autre du groupe Naked City et proche de Bill Laswell, le guitariste revendique des influences bien multiples. Un genre de caméléon capable de livrer dans un même moment un album avec son propre groupe (Cosa Brava) et un duo avec John Zorn soit

deux univers qui semblent ici radicalement différents mais qui, quand on connaît le parcours de l'un et de l'autre, trouvent des points d'interaction.

Dans Cosa Brava, Fred Firth compose en effet une musique très hétéroclite basée sur l'association subtile du violon de Carla Kihlstedt ,de l'accordéon de Zeena parkins et de la guitare. On pense aux travaux de Dreamers sauf que le spectre s'élargit ici. On y retrouve ainsi un univers pop à la Robert Wyatt (avec  qui il a d'ailleurs travaillé),  surtout dans les parties chantées et des danses gaéliques médiévales dont Fred Frith s'inspire, un peu à la manière de madrigaux. Une façon de rappeler que ce

Musicien anglais sait remonter à toutes les sources de son éducation musicale jusqu'aux classiques comme John Dowland. Cependant, très occupé à créer son propre espace musical, son univers si particulier, Fred Frith en oublie au passage le jeu improvisé auquel pourtant ses tourneries pourraient donner lieu. Le souci de travailler remarquablement la matière se fait ainsi au détriment de l'émotion qui peine ici à s'installer. Nous assistons à l'oeuvre à la fois fascinés et intrigués passant d'un morceau à l'autre sans repères ( c'est tant mieux) mais aussi sans fil conducteur. Car en effet les liner notes sont réduites à la plus simple expression et ne permettent pas de pénétrer dans l'intimité du travail de Fred Firth.

Les parentés avec John Zorn sont plus à trouver dans The Dreamers et dans l'orchestration superbe que dans le sens de l'improvisation ' choc" auquel nous habitue de saxophoniste. Il en est ainsi dans cet album avec Fred Firth qui explore les angoisses zorniennes au plus profond de la douleur, de l'angoisse et des tréfonds de l'âme humaine. Comme d'habitude avec Zorn les paroxysmes succèdent au accalmies non moins oppressantes. Aux cris qui semblent être d douleur, succèdent des notes tenues traversant des no man's land imaginaires. C'est du zorn pur jus que l'on retrouve avec bonheur au sax pour cet enregistrement qui date d’octobre 2009. Fred Frith ici met en valeur les textures, joue en gourou de cet univers démoniaque, installe les sons et les ruptures et parfait back up du saxophoniste ultra présent. Et le guitariste dans cet autre répertoire semble tout aussi à l'aise et décidément bien insaisissable.

Jean-Marc Gelin