Ce pourrait être très prioritairement un disque de (contre)bassiste, mais c'est plus encore un disque de groupe, et de musiciens (au pluriel). Manifestement le souci de Mauro Gargano aura été de privilégier le groupe, CE groupe, pour mettre en évidence l'importance du choix des partenaires dans la réalisation de CETTE musique. La basse assure l'ouverture, une esquisse de mise en scène, mais c'est le surgissement des mélodies, soutenu par un drumming finement dramaturgique, qui installe la musique. À chaque nouvelle étape (le thème suivant) les souffleurs exposent une ligne, souvent asse mélancolique, avant de se donner des libertés de solistes. La conception est assez concertante, et l'on est bien pourtant en pleine pulsation jazz. La contrebasse est en constant dialogue, les lignes des instruments à vent sont fines et souples, et quand vient pour la basse le moment d'un solo, c'est toujours en interaction avec le groupe. C'est un grand travail d'orfèvres, orfèvres inspirés : grande réussite que ce disque qui voit le jour (pour l'instant seulement ?) en téléchargement numérique ; Chapeau à tout le groupe !
Xavier Prévost
.
Mauro Gargano jouera avec un nouveau groupe, Nuages, au Babilo, 9 rue du Baigneur, Paris 75018, le mercredi 13 février 2019 à 21h
Nuages, avec Matteo Pastorino, Giovanni Ceccarelli & Patrick Goraguer
ECM 2019
Joe Lovano (ts), Marylinn Crispell (p), Carmen Castaldi (dms, perc)
Il y a parfois, et souvent dans le jazz, des moments magiques marqués sous le sceau des rencontres. Pour sceller ses retrouvailles avec le label ECM, Joe Lovano s’associe à la pianiste Marylinn Crispell et la percussioniste Carmen Castaldi pour une rencontre au sommet.
Que dire si ce n’est qu’il n’est question de rien d'autre que la magie de faire de la musique ensemble en improvisant tout de bout en bout à partir d’un matériau de base apporté par le saxophoniste. Il fallait être en osmose. Etre en emphase. Il fallait de l'écoute. Savoir ensemble mesurer l'espace et le remplir en se laissant mutuellement respirer. Il fallait du temps. Ce temps qui pour ces trois magicien(ne)s leur indique où ils doivent commencer et où finir ensemble.
Et puis il y a le son, éternel de Joe Lovano au ténor qui, comme toujours est une sorte de caresse mélodique. Créateur de l'instant, Joe Lovano vous enveloppe dans la chaleur de ses volutes. Tournant autour d’une phrase. Laissant reposer pour mieux repartir. Emmenant le souffle où il l’entend avec une sorte de calme digne d’un maître zen, loin de toute agitation. Sa musique a des airs méditatifs qui, à certains moments font penser aux exercices solitaires d’un Anthony Braxton.
Cette musique intimiste, ses accolytes savent l’écouter et la servir là où les sentiments effleurent l’âme. Et oui, il faut effectivement beaucoup d’écoute pour illuminer les silence et s’inscrire dans l’espace et les interstices.
Cette musique créée sur le vif est à la fois mystérieuse et envoutante.
Iconoclaste et visionnaire, Jamie Saft se tourne avec ce nouvel album, vers une autre formule, explorant ainsi sur le mode électrique la vision du trio classique orgue, basse, batterie, reprenant la tradition en l’aménageant, avec des compositions originales, des improvisations collectives et des reprises de thèmes populaires américains qui lui sont chers. Toujours sur le label Rarenoise records, après Blue Dream sorti en juin 2018 et son Solo a Genova en janvier 2018, le claviériste qui joue cette fois de l’orgue Hammond, de l’orgue Whitehall, ainsi que de la Baldwin Electric Harpsichord, s’est entouré d’une fine équipe, le bassiste Steve Swallow et le batteur Bobby Previte, superbe rythmique rompue à tous les styles. Ce n’est pas leur premier album en trio, car en 2014, ils avaient déjà créé The New Standard et en 2017, ils remirent ça avec Loneliness road, preuve d’une alchimie indiscutable entre eux.
Si Jamie Saft apporte le matériau, il laisse à ses complices une grande autonomie, dans des échanges qui prennent alors tout leur sens.Ça commence très intensément par une version plutôt déstabilisante de Bill Evans “Re: Person I know” que j’ai quelque difficulté à retrouver tant il est revisité. Le second titre est beaucoup plus enveloppant “Dark Squares”, on change encore de mood avec “Water from breath”. Ne s’agit-il pas, en fait, d’un retour vers le futur, vers “une danger zone” psychédélique, une ambiance hybride où jazz, rock et même soul se rejoignent, portés par le son indiscutable de l’orgue électrifié? Progressivement, on s’acclimate, moins désorienté, avec les images oniriques, célestes du doux et lancinant "You don’t know the life” qui commence comme à l’église, mais sans les chants du gospel.
Jamie Saft réussit tout de même le tour de force de sortir l’orgue du contexte et de lui donner une autre vie. S'il produit beaucoup de matière avec ces timbres et alliages singuliers entre orgues et harpe électrifiée ( “The break of the flat land”), Bobby Previte est absolument impérial, faisant monter la tension, se renouvellant constamment aux baguettes, martelant les tambours ou cinglant les cymbales.
L’album est subtilement construit avec un "acme" enivrant et totalement planant qui donne son nom à l’album. L'intérêt est d' enchaîner une succession de compositions énergiques, fluides, plus ou moins intenses et rapides, sans jamais savoir où ces trois virtuoses nous entraînent.
Il n’est pas innocent de finir par deux standards, précieux, quelque peu dépoussiérés, surtout "Moonlight in Vermont”, d’autant que Saft a choisi cette fois d’enregistrer dans un studio mythique, celui créé par l’ingénieur du son, Walter SEAR, à Manhattan, temple de la production musicale où s’attardent encore les ombres de chers disparus Bowie, Lennon, Lou Reed et l’empreinte de vivants, non moins aimés, Wayne Shorter, John Zorn… Si “Moonlight in Vermont” reprend des couleurs, le délicieux "Alfie" du génial Burt Baccharach, est impeccablement tenu jusqu’à la note finale.
Un CD des plus séduisants, hautement recommandable qui vise haut et loin. C’est la marque des très grands.
C 'est un fameux trio de musiciens, à la belle carrière, né dans les années 90, qui a pris son temps pour enregistrer en live ( on entend le public qui applaudit à la toute fin de l’album) sur le label du club parisien du Sunset/Sunside, alors qu’Emmanuel BEX, Philip CATHERINE et Aldo ROMANO ont joué ensemble dans des configurations et des groupes qu’il serait vain d’énumérer.
Une histoire du jazz européen à eux trois, en somme, réunissant un organiste français, un guitariste belge et un batteur romain. “ Orgue guitare, batterie, une tradition dans le jazz, un son hérité du gospel” précise Aldo Romano. Chacun des membres de ce triangle équilatéral a apporté son savoir faire, son talent de compositeur dans le pot commun. Ils accordent leurs imaginaires musicaux, de légèreté, souvent mélancolique, de suavité exquise. Une musique sensible sans sensiblerie, intime, étrangement intemporelle, qui finit par s’imposer agréablement.
Le titre ne doit pas prêter à confusion, “La belle vie pour Maurice” est un hommage chantant à tous les sens du terme, puisque Bex utilise le vocoder, au critique et connaisseur Maurice CULLAZ. L’organiste y réaffirme son credo : le jazz n’a pas de frontière , question de partage de valeurs et d’attitudes dans la vie. C’est la manière de jouer qui fait le jazzman plus que le répertoire.
Philip Catherine, aux envolées d’ un lyrisme affirmé, chante lui aussi tel un guitar hero de la grande époque, troublant sur tous les morceaux. Aldo Romano, discret coloriste, toujours subtil, soutient l’attelage et ses qualités de mélodiste que l’on connaissait apparaissent avec une belle évidence dans “Il Piacere”.
Elégance du jeu, des alliages de timbre, virtuosité technique que l’apparente simplicité des mélodies et le sens indéfectible du tempo feraient presqu’oublier .
Les titres se suivent, la musique garde sa cohérence. Et prend même plus de relief au fur et à mesure de l’écoute. Ça swingue terrible sur “Twice a Week” et “Tompkins Square” qui finit l’album.
Sixième concert de la saison pilotée par Arnaud Merlin, et troisième de l'année encore presque nouvelle. À l'affiche les groupes de deux contrebassistes : Riccardo Del Fra, solide pilier du jazz européen, et Stéphane Kerecki, lequel dit au public avant de jouer son émotion d'assurer la première partie de celui qui fut son professeur voici vingt ans au département de jazz du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris ; il assistait même au tout premier cours de Riccardo dans cette noble institution.
STÉPHANE KERECKI «French Touch»
Julien Lourau (saxophones ténor et soprano), Jozef Dumoulin (piano, piano électrique), Stéphane Kerecki (contrebasse), Fabrice Moreau (batterie)
Paris, Maison de la Radio, studio 104, 2 février 2019, 20h30
Version 'Sur le Vif' du programme qui sous-tendait le disque éponyme, en l'occurrence quelques pages marquantes de la 'French Touch' électro partie à la conquête du marché et du goût planétaires. Sur ces standards d'un nouveau genre, le résultat est saisissant de musicalité profonde et incarnée. Cela commence très fort avec un titre de Daft Punk, Robot rock, qui évoque en nous le souvenir du premier Weather Report (époque Miroslav Vitous) bien plus que le célèbre groupe électro mondialisé. Sur All I Need de Air ensuite, Julien Lourau, toujours au soprano, joue avec ses effets, et leut absence, en passant d'un micro à l'autre, tandis que Stéphane Kerecki nous gratifie d'un solo tout à la fois chantant et combatif. La pression monte d'un cran avec Harder, Better, Faster, Stronger (Daft Punk, encore),avant que le saxophoniste ne passe au ténor pour Nightcall de Kavinsky (un proche de Daft Punk) : ici Jozef Dumoulin fait parler sa science des effets électronique, à quoi le sax répond dans le même registre avant que le piano ne réponde dans sa pure acoustique ; improvisation de type 'Total Modal', comme pourrait dire Andy Emler. Et ainsi de suite, chacun tirant le meilleur parti d'un matériau fortement connoté qu'il est possible pourtant de tirer vers d'autres univers, ce que fait magnifiquement Fabrice Moreau dans un solo qui part des rudiments du vocabulaire de l'instrument jusqu'au paroxysme de la polyrythmie. Belle démonstration de musique vraiment vivante.
RICCARDO DEL FRA «Moving People»
Riccardo Del Fra (contrebasse, composition, arrangements), Tomasz Dabrowski (trompette), Jan Prax (saxophones alto et soprano), Carl-Henri Morisset (piano), Nicolas Fox (batterie), et en invité Kurt Rosenwinkel (guitare)
Paris, Maison de la Radio, studio 104, 2 février 2019, 21h50
Avant de commencer à jouer, le leader rappelle l'origine de ce programme, et du disque qui en est issu : la commande d'un projet musical sur l'amitié entre les peuples d'Europe, qui va produire ensuite une profession de foi humaniste pour l'empathie, notamment celle qui s'impose envers les migrants fuyant des territoires en guerre. Il en résulte la présence sur scène d'un trompettiste polonais, d'un saxophoniste allemand, d'un pianiste français d'origine haïtienne, d'un batteur français et d'un invité américain résidant à Berlin, tous rassemblés par le plus français des contrebassistes italiens. Les deux premiers titres, enchaînés, évoquent ces plages où échouent les migrants qui fuient dans des embarcations plus qu'aléatoires des pays où il faut parfois slalomer entre les pièges des champs de mines. La musique ne souffre d'aucune lourdeur illustrative, elle ne garde de son propos que la véhémence et la mélancolie. Sur l'ensemble du concert comme à l'intérieur de chaque pièce le souci de la forme tend à prévaloir, sans altérer jamais la force de l'expression. Tous les membres du groupe sont des solistes hors de pair, les improvisations et les échanges sont toujours de haut vol, ce qui nous valut de bout en bout un très beau concert, conclu en rappel par une relecture très déstructurée de Let's Call This de Thelonious Monk.
Xavier Prévost
.
Pour ceux qui n'ont pas eu la chance d'assister à ce concert, comme aux précédents, il reste à espérer qu'ils seront diffusés au cours des prochains mois sur France Musique. Il n'est pas interdit de questionner la direction de notre radio favorite sur le sujet....
Nouvelle chanteuse encore peu connue sur la scène française, Hailey Tuck tout droit venue d'Austin (Texas) va voir apporter une grosse dose de bonne humeur et de facétie.
Son jazz est texan, folk et drôle. Une grande bouffée de chaleur intimiste dans les frimas de l'hiver.
Ne pas la manquer jeudi soir au New Morning à Paris
S'il vous faut bien noter dans vos agendas une date exceptionnelle, c'est bien celle qui aura lieu Samedi 9 à 20h à La Seine Musicale.
Organisée par l'Académie du Jazz pour la soirée de remise de son palmarès, cette soirée sera aussi l'occasion d'un concert UNIQUE en hommage au très regretté Michel Petrucciani disparu il y a 20 ans, en janvier 1999.
Cette soirée, outre la remise des prix sera l'occasion d'accueillir un grand nombre de talents exceptionnels venus rendre hommage à l'immense pianiste du Vaucluse.
Dans la famille ALOUR, cette fois nous demandons Christelle (piano et Fender, auteur compositeur et chanteuse) même si Sophie, la soeur saxophoniste, ici à la flûte traversière et Julien, le frère trompettiste, interviennent en guestssur cette Traversée. Un coup d'oeil sur son site révèle un parcours plus qu'intéressant, loin du jazz a priori, jusqu'à une rupture soudaine à 35 ans avec une carrière plus "sérieuse", juridique. Courageux de changer ainsi d'orientation au cours d'une vie bien tracée.
Tropisme brésilien? 3 chansons en V.0 penchent vers ce versant "Florabaila", "O Leaozinho de Caetano" de Caetano Veloso et "Arota do individuo" de Djavan, Orlando de Moraes. Samba et jazz ont toujours fait bon ménage. Même quand elle ne chante pas en brésilien, ce mood demeure et cet exotisme est de bon aloi, réchauffant en ce début de nouvelle année. Surtout quand intervient le saxophone voluptueux de David PREZ du collectif Paris Jazz Underground. C'est que le groupe de Christelle ALOUR est composé de musiciens aguerris que l'on aime : Simon Tailleu à la basse, Sandro Zerafa à la guitare et Manu Franchi (batterie).
Venons en maintenant à ce qui me paraît toujours plus délicat, le vocal : là encore, une surprise plus qu'agréable, une voix chaude et sensuelle qui n'escalade pas les gammes et ne tente pas la virtuosité. Néanmoins, le timbre reste dans l'oreille, porté par les rythmes brésiliens, samba, bossa qui sont plus que flatteurs.
Ah le plaisir d'entendre un big band emmené par une femme-orchestre, multi-instrumentiste! J'en étais restée en France, à Sylvia VERSINI sur le label avignonnais de l'AJMI.
Une véritable découverte, celle d'un univers où composition et improvisation sont intimement mêlés.
Comme on partage la passion de cette chef d'orchestre pour les big bands, elle qui a commencé avec le big band de François LAUDET en 2006, a travaillé avec Delfayo Marsalis à la Nouvelle Orleans, et François MOREL depuis 2014 dans ses spectacles musicaux. C'est dire qu'elle connaît et perpétue en un sens une tradition musicale jazz que l'on aime. On se laisse entraîner par ces histoires mises, non en mots mais en musique... Les instrumentistes nombreux, tradition oblige, interviennent et posent leur chorus, soutenus par les comparses. La liste serait trop longue :12 membres et 6 invités dont Fabien Ruiz, le prof de claquettes de THE ARTIST, qui, si vous avez vu la formidable expo à la Cité de la musique sur la Comédie musicaale, intervient en donnant son avis sur les techniques respectives des 2 plus grands danseurs au monde de "tapdance", Fred Astaire et Gene Kelly. Il intervient sur "Theme for Mr J" et se fond à merveille dans le rythme endiablé de ce morceau.
La plupart des chansons sont composées par Tullia Morand. J'utilise volontairement le mot de "chanson" volontairement car ce sont des instrumentaux que l'on pourrait fredonner sans problème. Et d'ailleurs, on entend "Plus je t'embrasse" de Ben Ryan. Un mélange de jazz classique, de pop où les compositions actuelles et les classiques de toujours font bon ménage. La preuve avec ce "Cognocoli" qui pourrait être placé dans un blindfold test, tant l'arrangement et l'orchestration sont troublants et entraînants!
En découvrant ce disque, je pense à un autre CD en solo publié récemment, celui de Barre Phillips («End to End»), que j'ai acheté en septembre à Marseille au festival 'Les Émouvantes', dont le directeur artistique est.... Claude Tchamitchian. Pas un hasard évidemment que cette proximité qui a suggéré à Claude de programmer son aîné dans son festival pour un magnifique duo avec le danseur Julyen Hamilton. Chez les deux contrebassistes, même mélange de totale exigence et d'absolue liberté. De surcroît l'un et l'autre disques ont été enregistrés au Studio La Buissonne, merveilleux endroit où l'art et la technique se confondent. Je pense aussi au contrebassiste Jean-François Jenny-Clark, dédicataire de la première plage, et dont la contrebasse a été prêtée à Claude par la veuve de ce grand artiste, Anne Jenny-Clark. Claude Tchamitchian voulait pour ce programme, destiné à une série de concerts, et un disque en solo, changer d'accordage (la scordatura, selon un terme érudit que j'ai appris en lisant dans le livret l'entretien du contrebassiste avec Anne Montaron). Ce choix pour échapper aux réflexes instrumentaux et aux contraintes du tempérament. S'ensuivit un long travail pour apprivoiser l'instrument, les modes de jeu induits, et stabiliser la basse et ses cordes, puis des concerts.... et un disque.
Le résultat est magnifique, audacieux et inspiré. Ce sont trois suites assez différentes, avec entre la deuxième et la quatrième une pièce plus courte en forme d'interlude. Le premier solo, qui donne son titre à l'album, est dédié à celui que nous étions nombreux à désigner sous le diminutif affectueux (et admiratif) de J.F. ; c'est une sorte d'ode à l'intériorité, à la concentration et à la musique, une ode portée par l'émotion que l'on sent inséparable de l'idée même de geste artistique. En pizzicato, avec des accents rythmiques très vifs, le développement fait clairement référence à son dédicataire. Puis un archet percussif et pourvoyeur d'harmoniques ouvre d'autres voies, trace d'autre chemins dans la mémoire de l'instrument. Retour au pizzicato pour un développement méditatif et lyrique, qui taquine les gammes par ton et fait chanter la basse sur le mode rythmique avant une descente chromatique apaisée vers la coda. Je suis sûr que J.F. aurait aimé ce solo !
Vient ensuite In Memory, une pièce inspirée par les origines arméniennes de Claude Tchamitchian. Ici un double archet permet tout un jeu d'harmoniques et de résonances, et un lyrisme qui oscille entre danse et lamento : profondeur et beauté. Puis c'est In Childhood, intermède ludique qui fait écho au précédent disque en solo du bassiste, «Another Childhood» (le tout premier, en 1992, s'intitulait «Jeux d'enfant»). Claude Tchamitchian joue avec le son, la résonance, et s'en délecte : pas de musique sans la maîtrise (et l'amour) de la sonorité. Un jeu complexe dans lequel de la ligne obstinée sorte des notes finement accentuées : ce n'est plus un jeu d'enfant mais un plaisir de musicien accompli.
Pour conclure le disque, le contrebassiste revient vers une pièce un peu plus longue, In Life, comme un parcours secret dans ce qui constitue sa vie de musicien : lyrisme incandescent, emballements rythmiques, liberté qui s'offre le luxe d'une apparente perte de contrôle : musique très vivante, comme l'est le disque dans son entier.
Xavier Prévost
.
Claude Tchamitchian donnera un concert en solo pour la sortie du disque le vendredi 1er février à quelques centaines de mètres de Paris au Triton, près de la Mairie des Lilas
.
Pour le plaisir et la curiosité, le solo tel qu'il fut donné dans l'émission 'À l'improviste' d'Anne Montaron, sur France Musique, quelques mois avant l'enregistrement du disque
/fdata%2F0276739%2Favatar-blog-3440632-tmpphpSz7I1o.jpeg){kind=avatar}
