Emil Spanyi  (piano),  Gautier Garrigue  (batterie),   Éric Barret (saxophone ténor)

Dunkerque, juin 2022

Jazz Family JF098 / Socadisc

D’abord, immense plaisir d’écouter enfin sur disque ce trio dont Éric Barret m’a dit que j’avais été le premier programmateur, en juillet 2011, au festival de Radio France & Montpellier, où j’ai produit et diffusé sur France Musique les concerts de jazz durant…. 29 ans ! Souvenir marquant car, outre le plaisir de retrouver ce jour-là Éric Barret, et le formidable pianiste qu’est Emil Spanyi, j’écoutais alors pour la première fois le batteur Gautier Garrigue, dont le talent m’a dès ce jour impressionné (impression confirmée au fil des année).

Très grande joie aussi de découvrir un disque enregistré ‘sur le vif’ (live pour les accros au franglais) dans un club unique : le Jazz Club de Dunkerque (https://www.jazzclubdunkerque.fr/), qui depuis des années accueille un groupe pour trois soirées (jeudi-vendredi-samedi), chose devenue rarissime et qui rappelle aux amateurs chenus (et même cacochymes) l’époque (lointaine) où les groupes résidaient à Paris dans un club plusieurs semaines, plusieurs mois, voire... plusieurs années. Trois jours (les 2, 3 & 4juin 2022) pour se trouver, se retrouver, et produire une musique qui respire l’engagement, le risque, la liberté, à chaque mesure, à chaque solo, à chaque improvisation. Une instrumentation inusitée, qui fonctionne parfaitement, et trois solistes exceptionnels dans une circonstance plus que faste. Je n’en dis pas plus : précipitez-vous chez vos disquaires !

Xavier Prévost

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Un généreux avant-ouïr sur la réécoute de l’émission de France Musique ‘Open Jazz’ du 5 mars 2024

https://www.radiofrance.fr/francemusique/podcasts/open-jazz/eric-barret-bienvenue-au-club-4987381

JAY JAY JOHNSON  THE QUINTESSENCE

New York- Hackensack- Chicago

Frémeaux&Associés   www.fremeaux.com

 Le label Frémeaux &Associés nous fait découvrir une fois encore des enregistrements rarement regroupés tout à fait dignes d’intérêt.Voilà que sort une anthologie du tromboniste Jay Jay Johnson en un coffret de 2 CDs dans l’excellente collection dirigée par Alain Gerber secondé par Jean Paul Ricard.

On retrouve la prose délicieuse de Gerber et son analyse des plus fines,  un vrai "écrivain de jazz" dont les émissions sur France Musique ( Le jazz est un roman) et France Culture (Black and Blue ) ont formé la culture jazz de nombreux auditeurs, je peux en attester pour mon cas personnel. Auteur d’une trentaine de livres sur le jazz, créateur de la collection “The Quintessence” chez Frémeaux & Associés, il pratique aussi la batterie, ce qui nous vaut la sortie toujours chez Frémeaux de son autobiographie du jazz : Deux petits bouts de bois. Une autobiographie de la batterie de jazz. 

Alain Gerber donne son sentiment sur le musicien Jay Jay Johnson dans le style qu’on lui (re)connaît alors que Jean Paul Ricard reprenant le rôle du regretté Alain Tercinet dans lequel il ne dépare pas, s’attache au factuel et à la chronologie en donnant une biographie détaillée du musicien. Encore un travail d’experts qui continuent l’entreprise patrimoniale du label en orientant leurs recherches vers ce musicien de grande envergure, quelque peu oublié bien que vénéré de ses pairs et en particulier des trombonistes. Jay Jay Johnson a révolutionné l’instrument par un jeu très rapide : improvisateur talentueux, il fut en outre un excellent compositeur ( on retiendra "Lament" et "Kelo" entre autres) et un arrangeur sensible. On redécouvre littéralement la personnalité et l’oeuvre immense d’un tromboniste qui sut aller en-deçà et au-delà du bebop dont il est considéré à juste titre comme l’un des maîtres même s’il est moins cité que les illustres Gillespie, Monk, Powell et en premier Charlie Parker. D’ailleurs en exergue du livret, cette phrase de Bob Brookmeyer, un autre grand tromboniste mais à coulisses : «Le Charlie Parker de son instrument». Même si Jay Jay n’hésita jamais à enjamber ce genre et à sortir de la petite boîte labellisée bebop.Et à travailler avec Miles dès 1953 ( "Kelo" dans Miles Davis vol1 chez Blue Note) et Walkin dans Miles Davis All Star Sextet l'année suivante pour Prestige.

L’anthologie présente en effet un livret très précis où figurent les renseignements discographiques complets des différentes séances choisies, 18 titres pour le premier Cd qui traite de Jay Jay Johnson en leader et 14 pour le second où il est sideman. Grâce à une sélection judicieuse sur une période assez large qui démarre logiquement en 1945 chez Benny Carter (Jay Jay Johnson est né en 1924) et s’achève en 1961 (pour une question de droits) avec “Blue Mint”, l’une de ses compositions pour le Big Band de Gillespie, les auteurs de ce bel ouvrage nous proposent un remarquable parcours en pays bop et au delà. Précisons tout de suite qu’on ne trouve aucun inédit, aucun bonus puisque c’est la date de publication qui fait foi, autre astuce des majors qui ont fait pression pour qu’une oeuvre ne tombe pas dans le domaine public avant 70 ans. Or Jay Jay Johnson qui a mis fin à ses jours le 02 avril 2001 (Alain Gerber titre d’ailleurs son dernier paragraphe avec un formidable à propos Suicide is painless) a continué de jouer et d’enregistrer très longtemps et par exemple rien que de 1964 à 1966, il a signé les arrangements en big band de quatre albums non négligeables pour RCA Victor. 

Les choix d’Alain Gerber et de Jean Paul Ricard sont éminemment subjectifs, mais on peut leur faire confiance, ils ont rassemblé les titres les plus représentatifs du talent et du style uniques de Jay Jay Johnson.

C’est Benny Carter très impressionné qui donne l’opportunité à Jay Jay Johnson d’enregistrer son premier solo dans “Love for Sale” qui commence le CD 2 dans la version du 25/10/1945 et il l’engagera dans son grand orchestre de 1942 à 1945. Après l’ “urbane” Benny Carter, c’est Count Basie qui l’invite (1945-1946). Chez Basie, il a notamment pour voisin de pupitre Dickie Wells qui eut une considérable influence sur lui sans oublier pour autant Trummy Young et J.C. Higginbotham...et le grand Jack Teagarden. Mais dès 1946, ce sont ses premiers enregistrements en quintet avec Bud Powell et Max Roach qui retiennent l’attention, citons sur Savoy “Mad Bebop” sur Jay Jay Johnson Be Boppers le 26/06/46. Jay Jay Johnson est celui qui a adapté le trombone tout comme Bennie Green aux exigences du langage bop, élaboré par des trompettistes et des saxophonistes, des pianistes et des batteurs. Jay Jay est alors considéré comme le meilleur des trombonistes par la revue Esquire et remporte tous les prix possibles considéré dont le «Musicians’ Musician». Dès 1949 il propose une formation à deux trombones à Kai Winding, association mémorable et de longue durée. Il travaille aussi avec Sonny Stitt, le grand mal aimé du jazz que réhabilite volontiers Gerber : retenons les trois séances d’octobre, décembre 1949 et janvier 1950 qui “pourraient bien représenter le plus exceptionnel de sa contribution au jazz enregistré chez Prestige Sonny Stitt Bud Powell Jay Jay Johnson. Stitt et Johnson partagent d’ailleurs la même dévotion pour Lester Young, anti-conformiste lyrique. Jay Jay Johnson peut être considéré comme le tromboniste du bop et du hard bop, enregistre un peu plus tard avec Hank Mobley une série de trois albums chez Blue Note The Eminent Jay Jay Johnson. Grand phraseur même en staccato comme dans “Jay” vol 1 du 24/09/1954 d'une grande précision rythmique, un son soyeux même dans les graves, sans effets de glissando.

Comme il n’ a jamais tiré beaucoup de fierté de sa “reconnaissance”qui ne lui assurait pas pour autant la belle vie, il a quitté la scène à plusieurs reprises pour «observer le jazz de l’extérieur» : d’août 1952 à juin 1954, il est devenu inspecteur des plans (!) au sein d’une usine de la Sperry Gyroscope Company, spécialisée dans les équipements électroniques. Il en sortira pour retrouver Kai Winding et ce duo fait alors des merveilles : on les entend dans le bien nommé “Trombone for two” du disque éponyme Jay & Kay en 1955, une superbe version de “Night in Tunisia” dans Jai (sic) & Kay plus 6 qui renouvelle le standard de Gillespie le 6/9/1956.  Il signe ensuite toujours chez Columbia en 1957 First Place avec Tommy Flanagan et Max Roach. Le quartet peut être la formation rêvée pour découvrir l’étendue du registre du tromboniste, son aisance dans tous les tempos, sa fluidité. Ils poursuivront avec le même bonheur dans Blue Trombone en 1957.

On le voit tout est formidable dans la discographie du tromboniste en leader ou en sideman et on adore évidemment ses envolées avec Dizzy où il parvient à glisser une approche impressionniste. Gerber écrit qu’il stylisait jusque dans la tempête. Ce en quoi il s’oppose totalement à l’autre grand du trombone, son rival si l’on veut, Frank Rosolino, “fauve chez les impressionnistes” (entendre les musiciens West Coast). Il faudrait encore citer le goût de Jay Jay pour une certaine distanciation qu’il partage avec John Lewis et qui le fait se rapprocher du Third Stream de Gunther Schüller et tenter certaines expériences comme The Modern Jazz Society presents a concert of contemporary music le 14/03/1955.

Guidés par l’expertise de nos deux connaisseurs qui se sont livrés à ce «labour of love», non seulement l’amateur se régale mais se constitue ainsi un bréviaire du jazz, une discothèque. Alain Gerber et Jean Paul Ricard ont fourni un vrai travail d’équipe, on ne peut que rendre hommage à ce travail de mémoire précis, précieux et indispensable pour l’histoire de la musique.

NB : On se réjouit d’avance de la parution prochaine, toujours chez Frémeaux & Associés collection the Quintessence d’un coffret dédié à Lee Konitz.

Sophie Chambon

Catherine Delaunay (clarinette), Pierrick Hardy (guitare), Claude Tchamitchian (contrebasse, composition)

Moulins-sur-Ouanne (Yonne)

émouvance emv 1048 / Absilone

Une fois encore Claude Tchamitchian explore la mémoire de ses origines, en sollicitant le souvenir de l’antique Naïri, terre des hauts-plateaux arméniens avalée par la voracité destructrice de l’Empire Ottoman. Comme les poètes qui faisaient revivre de ce nom antique un territoire perdu, la contrebassiste-compositeur redonne vie, souffle et chair à ces terres en forme de mémoire. Quatre suites, ou plutôt trois suites, avec un intermède mélancolique. La mélancolie d’ailleurs rôde sur l’ensemble ainsi constitué, sentiment fécond qui redonne vie à tous ces univers, tantôt sur des rythmes alanguis, tantôt dans des formes vives, comme autant de danses rituelles. Instrumentation singulière, illuminée par l’incroyable palette de Catherine Delaunay, qui de sa clarinette va extraire des timbres de clarinette basse avant de caracoler dans toute la tessiture. Contrebasse pulsatoire ou méditative, guitare tissant de arpèges ou insufflant des rythmes obsédants : toutes les composantes d’une sorte de musique de chambre où se croiseraient des mondes habités de traditions multiples et de mémoire. Avec pour écrin un beau texte signé Jean Rochard. Une certaine idée d’un Art total, en quelque sorte. Très belle réussite.

Xavier Prévost

Le trio est en concert le mardi 13 février à Paris au Studio de l’Ermitage

Taking the plunge Malo Mazurié

Label Encore Music/Distribution Socadisc

Malo Mazurié (trompette, cornet, arrangement), Noé Huchard (piano), Raphaël Dever (contrebasse) David Grebil (batterie)

Malo Mazurié | Jazz & Swing Trumpet | HOME | France (malomazurie.com)

Le hasard fait bien les choses puisque sortent en même temps Reload du Vintage Orchestra et Taking the Plunge, premier album en leader de Malo Mazurié, l’un des trompettistes de ce grand format. Il existe donc une génération de jeunes musiciens, on pense à l’Umlaut Big Band qui fait resurgir ce que l’on attend toujours mais n’entendait plus guère.

Le pianiste Noé Huchard, le contrebassiste Raphaël Dever et le batteur David Grebil entourent Malo Mazurié avec élégance en injectant dans ce jazz de tradition une vision résolument actuelle.

Le trompettiste est un musicien passionné qui a commencé à jouer sur scène à dix ans et depuis la liste de ses contributions en sideman est impressionnante. Il connaît tout le répertoire des années vingt et trente qu’il reprend avec une ferveur patrimoniale sans vouloir être pour autant étiquetté traditionnaliste. S’il a bûché ses classiques Louis Armstrong, Bix Beiderbecke évidemment, Rex Stewart et autre Bunny Berigan, au conservatoire il a aussi appris le be bop et le reste….Et avec son quartet il se lance dans cette expérience d’un voyage musical puisant à travers les styles et les émotions ressenties depuis sa découverte du cornet à piston à l’âge de sept ans. Il sait avec son groupe être fidèle au jazz des débuts dont il choisit avec soin des originaux tout en les revivifiant par petites touches. Loin de déformer les mélodies initiales que l’on prend plaisir à reconnaître, le quartet les retouche avec sensibilité. Une recréation et un son d’ensemble collectifs, un geste musical d’une belle intensité.

Ainsi dès le titre original, le ragtime “The Pearls” de Jelly Roll Morton est accommodé à la manière latine, tout en ruptures, avec l’aide précieuse de Noé Huchard qui va chercher des accords chez McCoy Tiner. Le quartet s’attaque ensuite à la première suite de Duke Ellington “Creole Rhapsody” avec une rythmique inspirée de la Nouvelle Orleans. S’il reprend “Some day You’ll Be Sorry” de Louis Armstrong, il le restitue chaloupé et moelleux avec de beaux aigus brillants.

Le trompettiste puise enfin dans le répertoire de l’un de ses héros, Bix dont il relevait les solos avec acharnement avec un vieux cornet des années vingt. Tout de suite, on est en territoire connu et la nostalgie fait retour, bien que Malo Mazurié nous entraîne dans une émotion en quelque sorte actuelle. Car il faut une sacrée audace pour s’attaquer au mythique “Singin the Blues” de janvier 1927 dont le solo de Bix et celui deTram ( le saxophoniste Frank Trumbauer) sont d’une modernité confondante. Ou ce “Davenport Blues” de janvier 1925, la première composition de Bix à être enregistrée. On entendra encore alors que Bix n’est pas loin d’exhaler son dernier souffle, non pas “In a mist” mais un autre solo de piano “Candlelights” de janvier 1930, repris en trio sans batterie, celle-ci sachant s’effacer  quand il le faut. Avec un phrasé impeccable, une articulation précise et fluide, gardant la concision du propos initial, c’est un passage réussi pour le jeune trompettiste, joué avec élan et fraîcheur sur un tempo plus rapide, avec un son feutré et dark, sans se départir de la mélancolie de l’original. Le plus jeune (encore) Noé Huchard se tire avec élégance et une délicatesse exquise de ce thème poignant.

Dans un montage qui souligne une grande cohérence, l’album intègre huit compositions originales inspirées des grands comme “Canary Wharf Blues” qui évoque “Limehouse Blues”, la ballade. “The House Of Sisterhood" où l’on reste en bonne compagnie, celle de l’alter ego du Duke, Billy Strayhorn. “The Plunge” inspirée du “Wild Man Blues”d’Armstrong est repris avec la sourdine “Plunge” dont le trompettiste n’abuse pas mais qui modifie à point nommé le son.

En quinze titres, une heure d’écoute, on se laisse entraîner par un album plus que prometteur... enchanteur. A se repasser sans modération.

Sophie Chambon

Tim Berne (saxophone alto), Marc Ducret (guitares), Devin Hoff (guitare basse), Ches Smith (batterie, électronique), David Torn (guitare & effets)

New Haven (Connecticut), 5-6 septembre 2022

Intakt CD 415 / Orkhêtra International

Une rencontre radicale entre 5 artistes qui ont des complicités croisées depuis pas mal de temps, et souvent à proximité de Tim Berne. Dans son texte du livret, Brandon Ross les désigne comme ‘cinq des voix les plus éminentes de la scène New Yorkaise de jazz’. Assurément certains d’entre eux ne revendiquent pas le jazz comme marqueur identitaire, mais c’est bien de cette musique, au sens le plus large, qu’il s’agit. Car leurs improvisations, par leur densité et leur interactivité, relèvent bien de l’idée que beaucoup - dont votre serviteur – se font de cet idiome. Folles explorations sonores, paroxystiques ou retenues, lancinement mélodique du saxophone, frénésie des boucles de guitare de David Torn, traits virulents de Marc Ducret, pulsation entêtée, et jamais corsetée, de la batterie, grondement souterrain de la basse qui tient le fil et semble le pousser chaque fois plus loin. Avec aussi des moments d’accalmie qui sont autant de respirations comme de tremplins à une nouvelle effervescence : une très jouissive expérience d’écoute, et de décollage vertical.

Xavier Prévost